每位設計師都有一個尋找靈感的地方，尤其是在創意枯竭的時候。有些人走進博物館，從藝術作品中尋找啟發；有些人流連於古董市集，或沉浸在無數影像資料庫之中。而我通常會做一件更出乎意料的事－打開客戶的衣櫥。這聽起來或許有些不尋常，但多年來設計住宅的經驗讓我發現，一個人的衣櫥往往比任何情緒板（mood board）更能訴說他的故事。在客戶還沒有清楚描述理想居家氛圍之前，他們其實每天早晨透過選擇穿上的衣服，早已表達了自己的美感傾向。 周大鈞、段佳沁作品《雲端藝居（111 West 57th, NYC）》。攝影：Colin Miller（詳見《室內interior》381期）。 周大鈞、段佳沁作品《雲端藝居（111 West 57th, NYC）》。攝影：Colin Miller（詳見《室內interior》381期）。 衣櫥從來不只是衣物的集合。它是一部安靜的個人自傳，隨著時間累積，由人們直覺選擇的色彩、材質、比例與工藝所構築而成。每一件摯愛的外套、使用多年仍珍藏的手袋，或具有特殊意義的珠寶，都透露著一個人希望如何感受這個世界。而這些選擇，往往成為打造一個真正屬於他們、無可取代的家的第一線索。對我而言，時尚與室內設計從未是兩個分離的領域。前者為身體穿上衣裳；後者則為我們生活的空間披上風格。兩者都形塑著我們日常的生活儀式，也都能在無需言語解釋的情況下，傳遞一個人的身份與個性。 許育嘉作品《杯觥浮生（Farglory THE ONE Residence, Kaohsiung）》。攝影：Olivier Marceny（詳見《室內interior》384期）。 從個人風格到居家風格 第一次與客戶見面時，我很少注意品牌名稱。相反地，我更關注的是他們個人風格所呈現出的語言。他們是否自然偏愛剪裁俐落的輪廓，或喜歡自在層疊的穿搭？他們是否會將精緻表面與帶有歲月痕跡的材質混搭？他們的衣櫥是否建立在低調柔和的中性色調之上，或是在細節中巧妙融入意想不到的色彩？這些觀察從來不是對品味的評斷，而是一些細微線索，幫助我們在客戶開始描述夢想中的家之前，便理解他們內在自然流露的美感直覺。   周大鈞、段佳沁、Ryan Watanabe作品《洛克菲勒藝境私邸（1035 Park Ave, NYC）》。攝影：Colin Miller（詳見《室內interior》387期）。 周大鈞、段佳沁、Ryan Watanabe作品《洛克菲勒藝境私邸（1035 Park Ave, NYC）》。攝影：Colin Miller（詳見《室內interior》387期）。 例如，我曾注意到，那些欣賞Prada建築般簡約美學的人，往往也會喜愛具有相同清晰感的室內空間－俐落線條、經過深思熟慮的比例，以及每個細節都具備存在意義的設計。而偏愛Hermès經典工藝的人，則常被豐富的天然材質、手工細節與低調奢華所吸引，營造出一種彷彿經過歲月收藏而自然形成，且非刻意打造的生活氛圍。兩種方式沒有優劣之分，它們只是訴說著不同的故事。設計師的角色並不是替一個人定義風格，而是看見早已存在於其中的故事，並將它轉化成一個能夠每日生活其中的空間。 許育嘉作品《French Inspired Penthouse, Taipei》。攝影：相攝影事務所。 許育嘉作品《French Inspired Penthouse, Taipei》。攝影：相攝影事務所。 時尚與室內設計之間的連結，遠遠超越單純的美學表現。衣櫥裡最珍貴的物件，往往不是最新潮或最昂貴的那一件。一件被細心保存的婚紗、一只世代相傳的手錶，或是一件陪伴主人度過無數寒冬的大衣，它們承載的意義遠超過原本的功能。 家的形成也是如此。 我們真正記得的空間，未必是擺滿頂級家具的地方，而是那些被充滿回憶的物件層層堆疊出的場所－旅行途中收藏的一只陶瓷碗、讓人想起童年夏日時光的亞麻布料，或是一張靜靜見證數十年家庭對話的椅子。正是這些物件，賦予空間情感重量，也讓一間設計精美的房子，轉變為真正屬於個人的家。 穿搭中的美感線索 有時，時尚與室內設計之間的關係甚至會以非常具體的方式呈現。一件剪裁完美的大衣，可能啟發牆面線板的比例；絲質洋裝自然流動的垂墜感，可能影響窗簾細節的設計；羊絨柔軟溫暖的觸感，則可能轉化為邀請人觸摸，而不只是欣賞的家具織品層次。有些服飾甚至會在家中延續自己的故事。復古絲巾成為牆上的藝術作品，具有情感意義的布料被轉化為裝飾抱枕，而珍藏的紡織品則以新的形式融入日常生活。與其將這些物件收藏在看不見的地方，不如讓它們成為安靜的提醒－提醒我們那些塑造自己的人、地方與珍貴時刻。 SadhaChen作品《Soputan Place Residence, Bali》。攝影：Studio Melt。 最令人著迷的靈感，往往來自那些容易被忽略的細節：一只摯愛手袋上逐漸磨出的皮革痕跡、一只設計精良托特包所展現出的自然功能性、精緻珠寶與結構感剪裁之間形成的對比、一件亞麻襯衫經過多年穿著後逐漸柔化的質感。這些微小觀察透露的不只是個人風格，更反映一個人如何在優雅與舒適、精準與自在、克制與表達之間取得平衡。而這些內在直覺，往往正是奠定一個真實、不做作，而非僅僅「被裝飾」的室內空間基礎。 SadhaChen作品《Soputan Place Residence, Bali》。攝影：Studio Melt。 SadhaChen作品《Soputan Place Residence, Bali》。攝影：Studio Melt。 家的靈感 就在衣櫥裡 本文中的搭配照片，並非用來展示某一個特定設計案，也不是直接案例分析。相反地，它們更像是一場視覺上的對話。一件剪裁俐落的西裝外套與建築線板並置；皮革包袋歷經歲月形成的光澤，呼應老化青銅五金的質感；絲綢柔順流動的線條，映照柔和堆疊的窗簾。就像組成一張情緒板，真正令人愉悅的是發現時尚與空間之間那些意想不到的關聯，並讓這些連結激發新的設計想法。 許育嘉作品《Zhubei Residence, Hsinchu 》。攝影：相攝影事務所。 也許正因如此，我從不認為時尚與室內設計是兩個不同的世界。一者陪伴我們穿梭城市之間；另一者則在一天結束後迎接我們回家。兩者共同創造出一段連續的故事－從個人表達，自然延伸至屬於自己的心靈居所。下次當你尋找設計靈感時，不妨不要從展示間或另一個精心策劃的Pinterest圖板開始。 先打開你的衣櫥。 你可能會發現，那個一直在想像中的家，其實早已懸掛其中。因為最好的室內設計，就像最好的個人風格一樣，不只是看起來美麗。它訴說的是－我們究竟是誰。 Every designer has a place they go when inspiration runs dry. Some visit museums. Others wander through antique markets or lose themselves in endless image archives. I usually do something much less expected—I look inside a client's closet. It may sound unconventional, but after years of designing homes, I've realized that a wardrobe often tells me more than a mood board ever could. Before clients can describe the atmosphere they want to create, they've already been expressing it every morning through the clothes they choose to wear. A closet is never just a collection of garments. It is a quiet autobiography, built over time through instinctive choices of color, texture, proportion, and craftsmanship. Every favorite jacket, well-worn handbag, or treasured piece of jewelry reveals something about how a person wants to experience the world. Those choices often become the first clues to designing a home that feels unmistakably their own. Fashion and interior design have never felt like separate disciplines to me. One dresses the body; the other dresses the spaces we inhabit. Both shape our daily rituals. Both communicate identity without ever needing to explain themselves. From Personal Style to Interior Style When I first meet a client, I rarely notice brand names. Instead, I'm drawn to the language of their personal style. Are they naturally attracted to tailored silhouettes or relaxed layers? Do they mix polished finishes with weathered textures? Is their wardrobe built around quiet neutrals, or do unexpected colors appear in thoughtful ways? These observations are never about judging taste. They're simply small clues that help reveal a person's natural instincts long before they begin describing their dream home. I've noticed, for example, that people who appreciate the architectural simplicity of Prada often respond to interiors with the same sense of clarity—clean lines, thoughtful proportions, and spaces where every detail has a purpose. Others gravitate toward the timeless craftsmanship of Hermès, where rich natural materials, hand-finished details, and understated luxury create an atmosphere that feels quietly collected rather than intentionally styled. Neither approach is better than the other. They simply tell different stories. As designers, our role isn't to define someone's style for them, but to recognize the story that's already there and translate it into a place they can live in every day. The connection between fashion and interiors extends well beyond aesthetics. The most treasured pieces in a wardrobe are rarely the newest or the most expensive. A wedding dress carefully preserved, a watch handed down through generations, or a coat that's accompanied someone through countless winters carries meaning far beyond its function. Homes are built the same way. The spaces we remember aren't necessarily the ones filled with the finest furniture. They're the ones layered with objects that hold memories—a ceramic bowl collected while traveling, a linen fabric that recalls childhood summers, or a chair that has quietly witnessed decades of family conversations. These are the pieces that give a room its emotional weight and transform a beautifully designed house into a deeply personal home. Aesthetic Clues in Personal Style Sometimes the relationship between fashion and interiors becomes surprisingly literal. A beautifully tailored coat can inspire the proportions of wall paneling. The graceful drape of a silk dress may influence the detailing of window treatments. The softness of cashmere might suggest layers of upholstery that invite touch rather than simply admiration. Occasionally, garments themselves continue their story inside a home. Vintage scarves become framed artwork, meaningful fabrics are transformed into decorative cushions, and treasured textiles find a second life woven into everyday living. Rather than hiding these pieces away in storage, they become quiet reminders of the people, places, and moments that shaped us. Some of the most interesting inspiration comes from details that might otherwise go unnoticed. The worn leather handle of a favorite handbag, the effortless functionality of a beautifully designed tote, the contrast between delicate jewelry and structured tailoring, and the way a linen shirt softens after years of wear. These small observations reveal more than personal style. They speak to how someone naturally balances elegance with comfort, precision with ease, and restraint with expression. Those same instincts often become the foundation of an interior that feels authentic rather than decorated. Home Inspiration Is in the Closet The accompanying photographs throughout this article aren't meant to illustrate one specific project or serve as direct case studies. Instead, think of them as visual conversations. A tailored blazer beside architectural millwork. The patina of a leather bag echoed in aged bronze hardware. The fluid movement of silk reflected in softly gathered drapery. Like assembling a mood board, the joy comes from discovering unexpected relationships between fashion and space and allowing those connections to spark new ideas. Perhaps that's why I never think of fashion and interiors as separate worlds. One accompanies us as we move through the city; the other welcomes us home at the end of the day. Together they create a continuous story—one that moves naturally from personal expression to personal sanctuary. The next time you're searching for inspiration, don't begin with a showroom or another perfectly curated Pinterest board. Open your closet instead. You may discover that the home you've been imagining has been hanging there all along. Because the best interiors, like the best personal style, don't simply look beautiful. They tell the story of who we are. 更多內容請見Design Determination官網、社群。 圖片提供」Design Determination十瀚設計 撰文」周大鈞

繼《室內interior》394期「如果設計也有米其林」，透過米其林探討設計的一、二；本期則試著和讀者分享這三、四年的路跑經驗，並將其延伸至案件規劃或公司經營的啟發。個人將於九月底參與世界七大馬拉松之一的柏林馬拉松，站在起跑線上與來自世界各地六萬名跑者一同出發，這一幕將十分令人震撼，過程中有人飛快似地到達終點，有人則在各種不確定的因素下中途退出賽道。為何想完成？每個人心中的理由不盡相同，唯一相同的是，都有著永不放棄的精神。若設計規劃是一場馬拉松，那設計之路就是由一場接一場的馬拉松建構而成。 2024年日本神戶馬拉松起跑線前的集結。   馬拉松全程42.195公里，數字背後是一門科學、一種邏輯，也是意志力的挑戰。三年前連1.5公里都跑不完的我，對於自己目前能夠跑完全馬，著實感到非常欣慰。到達終點固然喜悅，然中間過程的體悟，才是對生活、工作上產生重大的啟發。本篇專欄我們不探討生活部分，而是看看馬拉松如何影響我與設計工作這條路。 2024年日本神戶馬拉松獎牌，我的人生初馬。   馬拉松的開始不只是比賽當天，更是在比賽前就已展開。一場比賽背後的一切，是數月的訓練、疲憊後的調整，以及反覆而漫長的累積；抵達終點時，人們看見的只是結果，卻很少看見一路上為了抵達所做的選擇。如同設計，當使用者看見空間完成的那一刻，眼前的成果其實是創作者經歷漫長且孤獨的過程，在一次又一次推敲、修改、判斷與取捨之間所留下的結果。若將設計之路用馬拉松42.195公里來比擬，過程中你可能會注意自己的配速、補給及路線上各種狀況的評估（包含身體感受），也可能在全馬的30公里處出現大家所謂的撞牆期，以及最後衝線的心靈悸動。因此，你（妳）準備用什麼心境和態度來完成它？或許你（妳）會舉例各種有利於馬拉松的訓練方式，訓練的確對完成比賽有著極大幫助，如同設計的基礎工──紮根訓練、繪圖、美感養成等，然過程若不得其法時，仍有可能敗陣。 2025年法國波爾多馬拉松，一望無際的葡萄園，美景下隱藏著高溫的挑戰。   首先我們來談談完成馬拉松最重要的要素：「配速」。   跑完一場馬拉松有許多細節，對跑者而言，掌握配速是一門重要課題，因為馬拉松不能只依靠起跑時的熱情。「配速」是對自己的理解，跑得太快，後段可能失去力量，因而無法完成賽事；配速的合宜分配，來自於平日訓練過程中對自己心律、跑姿等一系列細節的了解與運用。全程馬拉松的距離，其完成不是憑藉血氣之勇，更是在平穩中尋求不同階段的推進，別人超越不代表你落後，這是馬拉松裡很常見的場景，當身旁的跑者突然加速、從你身邊掠過，我們很容易下意識地想跟上，甚至加快自己的步伐；然而，若只是為了不被超越而打亂原本的節奏，心率的上升、呼吸的急促，以及步伐節奏的失衡，都可能讓身體提前消耗掉原本應該留到後段的體力，進而造成俗語所說的「爆掉」，反而得不償失。 2025阿姆斯特丹馬拉松。有趣的賽道，直接穿越國家美術館內部，伴隨著交響樂團演奏的古典樂。   最精美的獎牌，阿姆斯特丹建城750週年暨馬拉松50週年紀念。 設計路上也是如此，有時訂下不切實際的目標，執行超出自己能力所及的範圍，而造成重大的失誤。如果終點是一樣的，何不真正了解自己的能力，如同規劃屬於自己的跑速，一定有人超越你，但也可能有人在你身旁跌倒，若能堅持自己不受其他外在因素影響，終點的甜美仍會等待著你的採收。因此紮實的基本技術訓練如同路跑中不同跑量的堆疊，設計過程亦是如此，在平穩節奏中不斷提升設計技術跟經驗的累積，也終將讓我們在設計之路上避免不必要的錯誤。 線內，無論快與慢，量力而為，終點線永遠在同一地點等待。   然而配速做的好，就能確保馬拉松全程無恙完賽嗎？答案或許是否定的。何謂萬全準備？在賽場上應該沒人能有十足的信心，因為長跑不可能一直處在最佳狀態。記得2024年11月挑戰了我人生的第一次全馬「日本神戶馬拉松」，或許是因現場氛圍太過興奮，前半馬用了比平常習慣的每公里配速快一分鐘完成，正為自己能夠爭取到往前22分鐘而感到喜悅時，苦果緊接著到來（前面所提之「配速」早已拋到九霄雲外）。來到28公里處時，雙腿漸漸不聽使喚，抽筋的警訊不斷浮現，在疲憊和炎熱中，幾次中斷坐在路旁，萌生棄賽念頭；萬念俱灰之際，是同伴不放棄的鼓勵促使我改變心態面對最後路程，不去想那未完成的路程，而是一公里一公里消化。每過一公里，心中的喜悅油然生起，當時，一公里就是我路程的全部，每完成一次，就再燃起一次希望，當我跑完14次一公里，跨越終點，終於完成我人生中第一場全馬。事後檢討了整個賽程，所得到的經驗，譬如適時調整心態、觀察身體狀況、做出最有利於賽事進行的判斷等，對日後訓練有著極大助益，讓我找到更適合自己的配速模式，以及對應緊急狀態的臨時處理方式，成為之後幾次全馬完賽的重要因素。 了解自己，愉快的向終點奔跑。設計之路亦是如此。   從事設計及公司經營不也正是如此？有許多突發狀況或者限制。真正的專業，不是忽略所有限制，而是在限制中仍能找到前進的路。業主需求、預算、結構、法規、工期等種種現實條件，是設計中經常遇見的問題，這些限制，因每個案件的不同而有所差異，但有時設計的趣味、成就，也正存在於這些限制所帶來的挑戰，以及最後的成果與收穫。限制激發了想像，也使得看似平凡的事物更顯奇特，如果限制使你放棄，就如同賽道上遇到阻礙，進而離開了賽道，最後榮耀將不屬於你。 完賽後的甜美，無法用言語比擬。 如何與限制一起前行，透過公司作品《初始》這個案例和各位分享。2012年，公司迎來一次不一樣的挑戰，非常有限的預算、業主特殊的情感需求且需滿足生活機能，若以過去的思維，想必一開始就必須放棄；然而溝通過程中，業主的彈性（意指設計方面）及公司提出精簡可行的預算下，卻十分符合業主對於艱困法國留學的特殊情感記憶，遂成為完美的結果。限制，或許能成為不必使盡全力的藉口，但也可以是激發創作的契機，的確，該案的完成，讓公司對於傳遞何種「美」的定位有了更加明確的方向；當然，如同馬拉松一樣，每一場競賽或訓練，都是挑戰，不斷自我調整，期待更佳的狀態、更好的作品。 2012年作品「初始」，開啟了另一種設計的思維，當限制成為創作契機時，我們面對的不是放棄，而是挑戰。 2012年作品「初始」，開啟了另一種設計的思維，當限制成為創作契機時，我們面對的不是放棄，而是挑戰。 2012年作品「初始」，開啟了另一種設計的思維，當限制成為創作契機時，我們面對的不是放棄，而是挑戰。 有時朋友問我路跑相關事宜，我都和他們說這是一條沒有捷徑的路，需要長期投入且接受進步不一定立即可見，訓練的當下是看不出成果的。設計也是如此，思考的過程甚至不會留下印記，但並不代表它未曾發生，那些看不見的選擇，依然一一構成了最後的結果。當我奔跑在馬拉松賽道上，它教會我的除了堅持外，也是對時間的尊重，以及對節奏的理解。這種理解，讓我更加清楚設計是一種必須交付給時間完成的志業。 如同馬拉松般，終點不是結束。   「開始之前，砍柴、挑水；開悟之後，砍柴、挑水」──禪之諺語。   推薦閱讀： 村上春樹《關於跑步，我說的其實是……》 亞德哈羅南德 · 芬恩《跑者之道》

與冬日雪季的銀白寂靜不同，夏日的輕井澤，是一座被綠意圍繞的森林小鎮。 夏日輕井澤清爽宜人，微風夾帶泥土與苔蘚氣息，是一座被綠意圍繞的森林小鎮。   大片原生樹林將夏日的暑氣隔絕在外，陽光穿過樹梢，在林間灑落光影；山徑間微風輕拂，空氣裡混合泥土與苔蘚的清新氣息，在其中行走，腳步不自覺慢了下來。這趟輕井澤之旅，我們計畫要探訪兩座不一樣的瀑布：一座是在淺間山上的白絲瀑布，另一座則來自藝術家千住博的創作。前者以真實的地景展現大地的律動，後者則以繪畫凝結瞬間傳達藝術精神。 綠苔上偶見轉紅的落葉，靜靜記錄著四季流轉與大地的生命力。   沿著林蔭步道向前，耳畔逐漸響起細密而綿延的水聲，引領我們走向白絲瀑布。白絲瀑布最特別的地方，在於它呈現出一種極為罕見的細緻姿態。它並非是高山溪流從懸崖奔騰而下的磅礴急瀑，而是來自淺間山蓄積的湧泉，泉水歷經地層過濾之後，沿著數公尺高的黑色岩壁湧出，無數細小水流彼此交織，如千萬條白色絲線，自岩壁間垂落，最終形成一道柔和而巨大的弧形水幕。「白絲」之名，正是因此而來。 白絲瀑布無數細流如絲線般自岩壁垂落，交織成一道柔和而靜謐的巨大弧形水幕。   站在瀑布前，會感受到一種難以言喻的力量。水以近乎靜謐的型態持續流著，伸手探入水中，沁涼的觸感直透心脾；眼前的水幕、耳邊的水聲，以及森林裡氤氳清洌的氣韻，讓人感受到，生命力的展現，有時並不需要巨大聲響，也可以如此輕盈、細微，卻從未停止。 泉水沿著數公尺高的黑色岩壁湧出，呈現大自然細微而綿延的生命力。   讓自然流進建築 離開白絲瀑布，我們來到由建築師西澤立衛設計的輕井澤千住博美術館。這座美術館最初的課題是，如何讓山林脈動繼續存在於空間之中，這也回應了藝術家千住博對美術館所提出的期待：「請創造能夠感受到大自然的建築」。   美術館基地原本有超過3公尺的高低差，建築師沒有透過大規模的地形改造將土地整平，而是順應原有的地勢，讓地板的輪廓隨著山丘起伏緩緩延伸。於是，走進美術館裡面，腳下是平緩而自由延展的坡度，行走其間，竟有一種仍在森林裡散步的錯覺。   建築師以大面積曲面玻璃包覆空間，並在室內植入數個植栽中庭，當地原有的樹木、苔蘚、天光，以及四季不斷變化的景色，被自然地帶入視線。光線隨著時間移動，中庭花園的色彩也隨著季節改變；夏日是蓊鬱的綠，到了秋天則轉為層層楓紅，建築不再是隔絕自然的容器，而是將山林景致融入室內的另一種風景。   在森林裡觀看瀑布 坐在西澤立衛設計的椅子上，周圍是生意盎然的樹木與自然光，眼前則是千住博創作的巨幅瀑布作品。千住博的藝術哲學強調「無」（Emptiness）與「包容性」，瀑布作品留下了大量的空白，讓觀者的想像力得以延伸。建築空間與藝術之間產生了一種非常微妙的關係，既像坐在森林裡，享受著陽光、植物與芬多精的大自然；同時，又像閒坐在自己家中的客廳，以一種悠然的姿態，凝視著一幅屬於自己的瀑布。 敘研設計作品《琉光寓所》中，業主私人收藏的《Waterfall》。千住博筆下的瀑布，在自然光下呈現古典水墨般的黑白灰調，凝結瀑布流動的瞬間。攝影」Hey!Cheese   藝術作品原本被收藏、展示於美術館之中，理應帶著某種崇高的距離感；但在西澤立衛的這個場域裡，刻意削弱了這道距離。人們來到這裡，並不是單純地賞畫，而是在持續流轉的環境裡觀看，自然不是畫作的背景，建築也不是藝術的框架，三者彼此相容，讓觀看變成一種更親近天地萬物的經驗。   這正是自然、藝術與建築最動人的交會。當空間成為連結自然與感知的載體，我們便能真切體會藝術傳達的思想，讓自然的流動、建築的包容與藝術的精神三者彼此交融，交織出深遠而恆久的生活風景。 敘研設計作品《琉光寓所》中，業主私人收藏的《Waterfall》。千住博結合螢光顏料與傳統膠彩，讓作品於紫外光下，綻放深邃藍色調，展現抽象的精神性。攝影」Hey!Cheese  

6月的哥本哈根，似乎特別適合走進這座城市，感受生活與設計。而某種程度上，這趟探索的旅程，或許早在台北就已經開始了。   探索的序章 5月初，在「光在錦町」參觀由VG Living主理人Eric所策劃的《A CHAIR IN THE ROOM椅子的獨白：FINN JUHL早期作品收藏展》，展覽以Finn Juhl 1940至1950年代的經典作品為主軸，在老宅空間裡展示他個人的豐富收藏，並重新詮釋家具與生活的關係。 前身為日治時期臺灣總督府官舍，曾是林務課技術官員的住所的歷史老屋「光在錦町」，上演跨時代跨國界對話的《A CHAIR IN THE ROOM 椅子的獨白》特展。 相較於一般家具展示，家具的設計與形式、材料細節與人之間的對話，以及那些藏於作品背後的迷人故事，更是引人入勝，也因為如此精彩的內容，開啟了我對於北歐經典設計的好奇和興趣。與Eric夫婦相識多年，在Eric的邀請及慫恿下，意外促成這次前往哥本哈根參與3daysofdesign的旅程；當時並沒有意識到，一場發生在台北的展覽，竟會意外成為深入理解北歐設計文化的起點。 四代不同版本的「FJ 49A酋長椅」等Finn Juhl早期13個設計系列的珍貴藏品。   幾週後，當我飛越了好幾個時區，實際走進哥本哈根的街道，參觀Finn Juhl的Showroom，甚至造訪距離市區30分鐘車程，緊鄰Ordrupgaard Museum園區附近的Finn Juhl House之後，逐漸理解《A CHAIR IN THE ROOM》這個展名背後真正有趣的地方，因為在Finn Juhl的設計裡，主角從來不只是椅子，而是椅子與空間之間的關係。家具並非獨立存在的物件，而是構成生活場景的一部分，每件作品都必須透過空間、光線以及人的使用，才能真正完整。這樣的思維，不僅是Finn Juhl的設計精神，也恰巧成為今年3daysofdesign最鮮明的感受。 在Finn Juhl家中除了可以欣賞經典的家具作品，還能從中感受，如何透過家具組成完整而真實的生活樣貌。   不同於米蘭設計週期間的人潮與喧囂，這座城市依舊維持著北歐特有的從容與節奏。自行車穿梭於街道之間，運河邊的咖啡館坐滿了曬太陽的人們，而散落在城市各處的品牌Showroom、歷史建築跟設計空間，則悄悄迎來一年一度的設計盛會。從2013年僅有少數品牌參與，到今年超過400個品牌與展覽空間共同加入，3daysofdesign已逐漸成為全球設計界最重要的年度活動之一；然而，真正吸引世界各地設計師、媒體與品牌持續來到哥本哈根的原因，或許不只是規模，而是它展現出北歐特有的設計態度。 今年3daysofdesign主視覺沒有選擇一個明確的設計物件，而是用一張紙摺成一朵花。看似童趣的意象或許正呼應了最重要的訊息：設計的價值，不在於形式有多複雜，而在於如何透過每一次選擇，讓平凡的日常開展出新的可能。 今年的主題是「Make This Moment Matter」，相較於過去幾年強調想像未來、真實自我或社群連結，今年更像是一種回歸──回到當下、回到日常，重新思考設計存在的意義。與其將它翻譯成「讓此刻變得重要」，我更傾向理解為：「如何透過設計，讓日常生活中的每個片刻，成為當下的主角」。近年來，全球設計產業不斷談論永續、AI、智慧科技與未來生活，我們似乎總在追逐下一個趨勢、下一種材料、下一項技術、下一個爆紅的作品；然而今年的3daysofdesign，卻發現一種有趣的現象，展覽中雖然仍可見創新材料、數位科技與跨界合作，但更多品牌開始重新關注那些看似平凡的事情，比起追逐趨勢，更在意生活本身，重新思考設計如何陪伴日常、回應人的需求，以及讓平凡的時刻變得更有質感。如果說米蘭關注的是設計產業的下一步，那麼哥本哈根更像是在提醒我們：設計最終仍是為了更好的生活。 設計展期間四處可見人們坐在家具上聊天、在庭院喝咖啡、在陽光灑落的街角旁感受光的溫度。   設計節還是生活節？ 第一次參加3daysofdesign的人，常會對它的形式感到好奇。因為它不像傳統展覽，沒有單一展館、沒有固定動線，甚至沒有明確的起點與終點，整座哥本哈根就是展場。從Carl Hansen & Søn的品牌Showroom，到港口旁的舊工業空間；從18世紀古宅到現代建築，每個角落都可能成為設計的一部分。有時候，你甚至會忘記自己正在逛展，因為展覽與城市之間的界線變得模糊，人們坐在家具上聊天、在庭院喝咖啡、在陽光灑落的街角旁感受光的溫度。家具不再只是觀看，而是體驗，這或許也是哥本哈根最迷人的地方，它沒有刻意創造與現實切割的展覽世界，而是讓設計自然地回到生活之中。 聽說今年三日展比以往多了更多參觀人潮，展覽規模一年比一年更盛大。   流行趨勢vs經典精神 與其說今年看見了什麼特色與流行，我更強烈感受到的是：許多品牌都在重新回答同一個問題：「我們為什麼做設計？」。如何延續工藝？如何讓經典繼續存在？如何讓家變得更舒適？如何與材料建立更負責任的關係？這並不是保守，而是成熟，設計不再急著證明自己有多少新的觀點，而是更多的思考哪些經典更值得被保留下來。而這些線索，大致可以歸納成以下三種方向的理解。   一、設計，是時間的累積 這類品牌最在意的，不是創新有多快，而是作品能否經得起時間考驗。代表品牌包括：House of Finn Juhl、Fredericia、Carl Hansen & Søn、JL Møllers、Louis Poulsen等。今年不約而同地回望品牌歷史，從Finn Juhl對物件象徵與雕塑性的重新詮釋，與紐約品牌Sea New York合作的刺繡織品，到Fredericia的丹麥設計編年史，再到 Carl Hansen與JL Møllers持續展現數十年如一日的工藝傳承，他們關心的從來不是下一季流行什麼，而是作品是否能陪伴下一個世代。他們似乎都在訴說：「真正的經典，不是停留在博物館，而是持續被使用」，在快速更新的時代裡，這種「慢」反而成了一種力量，對於這些品牌而言，設計，是一種時間的累積。 Carl Hansen & Søn的品牌Showroom，大家像是朋友一樣坐在客廳，聽著Wegner女兒分享品牌的精神與故事。 宛如丹麥設計編年史的Fredericia展場，一對老夫妻聊天的背影完美詮釋了此款Bench for Two的設計精神。   二、設計，是塑造生活的方式 另一群品牌關心的，並非單一產品，而是完整的生活經驗。代表品牌包括：Vipp、Ferm Living、Muuto、Fritz Hansen、New Works、FRAMA等。Ferm Living持續關注家的溫度，Muuto以當代視角重新詮釋北歐設計，Fritz Hansen則致力探索家具與人之間的情感連結，New Works藉由視覺很當代、本質卻很北歐的方式，持續創造令人想停留下來的氛圍；FRAMA除了透過香氛、保養品及家具選物等，加上好幾座特殊的互動裝置，建構一種哥本哈根式的生活感。他們共同描繪的，不只是一件家具，而是一種生活方式。 New Works透過視覺上很當代，本質上很北歐的方式，創造令人想停留下來的氛圍。  FRAMA以好幾個互動裝置成功在社群媒體上造成話題，現場排隊人潮絡繹不絕。 其中，位於Snorresgade的Vipp Campus裡，整個展場幾乎看不到常見的產品陳列方式，取而代之的是完整的生活場景，更特別邀請巴塞隆納建築師事務所的Mesura打造一座期間限定的Guesthouse裝置，巨大的黃色空間與模組化的沙發圍塑出象徵泳池童趣般的交流空間，讓家具不再只是被觀看的物件，而是促成人與人互動的媒介的概念，極受啟發，也讓人印象深刻。 Vipp Campus裡打造一座期間限定的裝置，巨大的黃色空間與模組化的沙發圍塑出象徵泳池童趣般的交流空間，讓家具成為人與人互動的媒介。   三、設計，也可以保有實驗性 3daysofdesign並不僅有北歐式的內斂與克制，來自其他國家的品牌，也為哥本哈根帶來不同觀點。代表品牌包括：Flos、Tom Dixon、Moooi等。Flos持續挑戰燈具的可能性，Tom Dixon透過金屬與工業感持續創造強烈的品牌個性，Moooi則擁抱戲劇性，利用大膽的燈具與超現實的圖像，讓設計充滿想像力。他們提醒我們：「設計除了溫柔，也可以充滿張力」。正是這些不同聲音的存在，讓3daysofdesign不只是北歐設計的縮影，更成為開放的國際對話平台。 Tom Dixon在現場以幽默詼諧的方式親自解說作品特色。   Flos持續挑戰燈的可能性，全新MAPP系列更是以吸睛的設計與極高的性價比吸引眾多設計師目光。 有趣的是，無論是回望經典、關注居住體驗，還是持續探尋設計的可能性，這三種看似不同的方向，最後還是指向同一件事情，那就是設計與人的關係。米蘭仍然像是全球設計產業的風向球，它不斷提出新的觀點、新的合作與新的可能性，問的是「接下來會發生什麼？」；而哥本哈根則更貼近生活本身，它讓人放慢腳步，重新感受光線、材質、尺度與居住的關係，問的是「什麼才是真正重要的？」。 Ferm Living把旗艦店2樓重新規劃，其中一處擺滿3D列印的自家設計產品縮小版，產生極大的張力感。 這並非誰取代誰，而是兩種不同的設計視角，一個不斷推動產業向前，一個提醒我們，設計最終仍是為了生活。如果你問我，今年3daysofdesign最打動我的是哪一件作品？我可能會說，打動我的應該是態度，一種「好的設計，不一定是最引人注目，而是那些在日常之中，默默讓生活變得更美好」的精神。在這個追求速度與更新的時代，真正珍貴的，或許不是創造更多，而是更收斂的回望，讓眼前這個瞬間，值得更好的理解與珍惜。 HAY的旗艦店宛如設計節縮影，自在體驗與生活融合的設計。  

從東京搭乘東海道本線往南，當車窗外的城市街廓被一望無際的海平線取代，我知道自己已來到杉本博司的精神原點──相模灣。童年時的他，在火車駛出舊熱海隧道的剎那，初次看見那條精準切分天空與海的水平線，那種視覺上的絕對性，以及個體在太古洪荒面前所產生的存在覺知，從此成為影響他一生的美學思維核心。 接駁車在山路間蜿蜒，最後停在一處被綠意隱蔽的石階小徑前。這段上坡動線有著走進寺廟參道一般的儀式感，兩側生機盎然的枝葉遮蔽了光線，在頭頂形成一條神祕的綠色隧道。訪客順著石階魚貫而入，周圍環境的包覆感讓步伐自然放慢，那是一種特定場域才能觸發的體感，每個人彷彿帶著自覺，走進這場創造者鋪陳的感官探索。步道盡頭，一尊樸素的木雕神祇靜靜佇立在路徑的轉折點上，就在轉身的那一刻，視野豁然開朗，地面鋪設著各式古老原石，宛如古文明的巨石陣；看向石陣的彼端，相模灣的全景海洋畫面瞬間映入眼簾。在這一步之間，我們正式跨入了另一個維度的時空──杉本博司歷時20年建造的江之浦測候所。   五千年的叩問 「如何作為美麗的遺跡留存五千年？」古時先民透過度量季節更迭、觀測天體以確認自身在天地間的定位。為了在時間長河中留存美學與自然的線索，杉本博司將這個概念轉譯為江之浦測候所之中，數個不同的建物，形成一座與星辰共同呼吸的萬年時間觀測站。 「夏至光遙拜藝廊」導引了盛夏飽和的白晝，這座海拔100公尺、向海延伸、長達100公尺的純粹光軌通道，展示著杉本博司著名的海景系列大尺幅作品。行走於其間，一邊觀賞掛在石牆上的作品，一邊透過無落柱的玻璃長廊映照著無垠的海景，想像每逢夏至清晨，從相模灣躍出的第一道晨曦，會以完美的平行角度填滿整座藝廊。 由耐候鋼組裝而成的「冬至光遙拜隧道」記錄了黑暗後的重生。冬至清晨，旭日照入幽暗的隧道，直擊盡頭的巨石，此時，與隧道平行的「光學玻璃舞台」在傳統懸造工法的檜木構造支撐下，從側面將晨光折射出炫目光芒，透亮玻璃與遠方海面虛實交融，在石頭的亙古旁，玻璃與耐候鋼準確捕捉了日照重生的絕對當下。 石舞台與茶室則封存了春分秋分的和諧與平衡。位於園區核心的「石舞台」，舞台側面由粗獷原石砌築的石橋，軸線絲毫不差地重疊在春分與秋分的日出軌道上；晝夜等長的日子裡，日出的陽光化為一條貫穿石陣的射線，達成光明與黑暗、寒冷與炎熱的秩序平衡。茶室「雨聽天」狹小的躪口，會在春分與秋分的黎明被晨光點亮，光線落在厚實的光學玻璃踏石上，折射出熠熠光芒。 時間與永恆 五千年後，人類文明或許會消失，高純度的光學玻璃可能也已風化隱沒，象徵工業文明的耐候鋼隧道終將鏽蝕瓦解，以懸造工法建構的檜木舞台或許已回歸塵土。然而，那些承載地質記憶的古老原石，以及順應太陽運行而立的夏至與冬至軸線，依然會屹立於相模灣的土地上。到時候未來的生命來到這座遺址，仍能透過殘存的廢墟結構測量天空，重新閱讀人類最古老的記憶。   3個小時的參觀時間悄然而逝。我們重新坐上電車，回到高樓林立的現代都市，空間與時間的劇烈反差，讓人彷彿剛從一場時空遊戲、一場悠遠的夢境中醒來。江之浦測候所在浩瀚宇宙與無垠的時間中，為人類漂浮的心靈提供一個錨點，化作大腦中的時光印記。在觀測天體運行的幾何軸線裡，我們度量著當下，也觸碰到了關於時間的永恆。

民以食為天，在富足的社會裡，人們對於日常飲食的追求，不再只是以溫飽為主，而是在行有餘之際，能夠品嘗各式不同風味的料理及過程氛圍的滿足，因此近幾年個人養成了一個習慣，每年安排一次米其林餐廳的體驗。並不是因為自己是美食家，也不是為了追逐星級，而是想藉由不同領域頂尖創作者的作品，重新思考設計、創作與經營的本質。   多年以前，我其實對米其林毫無興趣，總覺得吃飯不就是填飽肚子，何必這麼大費周章？一道料理從備料、烹調到擺盤，花費數小時甚至數天，只為了短短幾分鐘的品嘗，當時的我，始終無法理解，為什麼有人願意投入如此巨大的心力。對於熱愛美食的人來說，米其林由來或許早已耳熟能詳，最初是由法國輪胎品牌米其林（Michelin）創辦人兄弟所發行的指南，目的在鼓勵人們透過汽車旅行來探索世界，指南除了提供道路資訊，也收錄餐飲與住宿推薦，從1931年起正式建立了一至三星的評鑑制度。對於廚師而言，獲得米其林星級肯定，不僅是一份榮耀，更是象徵其創作理念與專業能力獲得世界肯定。   很高興在總編輯邀請下，再次提筆寫專欄。我一直認為，專欄的價值有時不在於傳授知識，而是分享思考；透過書寫整理自己的觀察，重新檢視被忽略的細節，將之梳理獲得新的啟發。因此，這篇文章標題是米其林，但其實並不只是談論米其林。老實說，過去的我對這類的訊息選擇忽略，即使參與商務宴請，看著一道道精緻的分子料理，也常覺得不過是華麗的包裝與炫技罷了，現在回想起來，那或許只是因為自己尚未瞭解其價值。 擁有多年二星的柏林CODA不過度張揚，隱身於尋常生活社區中。 捨棄精緻糖或任何人工甜味劑，只運用食材本身風味來表現甜味，14道甜食絕對讓你印象深刻。   隨著生活方式的改變，飲食逐漸成為我觀察世界的另一個窗口，過去習慣以白飯與熱湯作為餐桌主角，如今已轉變為地中海飲食，甚至有一次母親來家裡，翻遍廚房卻找不到一粒米，我笑著告訴他：「家裡已經兩三年沒備米了。」至於這樣的轉變從何時開始，我也說不清楚了，或許是從開始喜歡上料理的那一刻。長時間處於高壓狀態的設計工作，料理其實是一種極佳的舒壓方式，而這份興趣，讓我開始對於米其林背後的世界產生好奇，及更深地觀察那些被稱為世界頂尖的餐廳，漸漸發現，米其林真正迷人的地方，從來不是那顆星，而是星星背後所代表的思維。 位於東京銀座的ESqUISSE，餐廳充滿優雅的法式氛圍，以日本當令時節食材呈現法式料理的優雅。 ESqUISSE嚴選日本當地食材，口感及擺盤都令人驚艷。 如果將米其林的評鑑邏輯抽離餐飲產業，會發現其實非常接近設計創作的本質，評審所看的不只是食材本身，而是如何運用食材；不只是烹調技巧，而是如何透技術表達理念；不單是單一料理，而是整體體驗的一致性。這些標準，幾乎都能應對到設計工作中。食材，如同設計中的材料；火候，如同設計的手法；味道，如同空間的感受，而主廚的個性，則是如同每位設計師獨有的創作語彙。我常常思考，如果設計產業也有一套類似米其林的評鑑系統，那麼評分標準會是什麼？創意？細節？品質？團隊文化？或許沒有標準答案，但這樣的思考，卻也讓我重新檢視自己的工作。 ESqUISSE嚴選日本當地食材，口感及擺盤都令人驚艷。   一顆蘋果的意義。這枚沉甸甸的紙鎮，是這家餐廳的核心價值。 2016年，西班牙巴塞隆納一間名為「Enigma（謎）」的餐廳，因其創新的空間設計與餐飲體驗而受到全球媒體的高度關注，創辦人亞伯特．阿德里亞（Albert Adrià）世界是知名主廚，而他的哥哥費蘭．阿德里亞（Ferran Adrià）更被譽為改變現代料理發展的重要人物。有趣的是，我的英文名字恰巧也叫Ferran。相較於哥哥耀眼的成就，亞伯特為了突破瓶頸，選擇走出自己的道路，不斷挑戰既有框架，重新思考人與食物、人與空間、人與感官之間的關係。   這是一段傳奇的故事。為了深入瞭解這段故事，我購買了相關的紀錄片研究他們對料理的看法，也試圖理解其背後創作的邏輯，疫情解封後，我更特地前往巴塞隆納親自造訪，希望能從現場感受其空間與體驗設計。那次的經驗讓我逐漸理解，對許多優秀的廚師而言，米其林早已不是星級評鑑，而是持續突破自我的精神，那是永遠不滿足於現狀的態度，也是一種不斷追求極致的信念。 位於荷蘭阿姆斯特丹的Restaurant Flore，以尊重在地文化的核心形塑室內飲食空間。   寫到這裡，或許有人會疑惑，在設計刊物裡談論米其林，與設計究竟有什麼關係？其實，在我看來，兩者之間有著極為相似的本質。無論是料理或設計，本質上皆是創作，兩者都在探索各種可能性，都在思考如何透過不同媒介傳遞情感、理念與價值，只是呈現的模式不一樣。 專注且專業的分工合作。   如果用類比的話，餐廳的主軸如同設計公司的核心價值，主廚的創作思維如同設計師對於作品的詮釋與堅持；每一季的餐點、主題的設定，決定了餐點菜色的方向，而餐點菜色的方向，提供了選用食材的評估機制，當然，最終所有的呈現都需回歸到餐廳追求的核心價值。就設計創作來說，不也是這般，面對不同的環境、空間或材質條件，試想，每一次的創作似乎就是烹飪一道美食，從食材選擇、烹調方式、擺盤設計等，呈現令人在味蕾、視覺、嗅覺都滿足的佳餚。但如只有主廚一人也成不了大事，所有的過程都需要一個團隊彼此合作完成，以餐廳而言，廚房內場的工作團隊譬如切菜、調製醬料等等各司其職；而外場的服務亦扮演非常重要的靈魂角色。目前非常火紅的英國地獄廚神戈登．拉姆齊（Gordon Ramsay）就有一句名言：「沒有優秀的外場，主廚什麼都不是」；設計公司不也是由眾多不同強項專業技能的人員組合而成，在核心價值、理念一致下，如同一部完美運轉的機器，而這部完美的機器，如何定位自己的等級，取決於人的思維及對於專業的努力。 簡潔明亮，井然有序的烹飪區。   心中常有一種奇怪的念頭，如果設計有米其林般的級數分類及評鑑，那會是什麼模樣？當然，行業類別的不同，條件也不盡相同，實際情況而言，或許只是存在於想像。然而，我們用另一種思維去思考，如果它真的存在了，你（妳）希望自己的設計團隊是哪個星級？如果是三星，會用怎樣的標準衡量自己？願意付出多大的努力與堅持來達到三星？令人讚嘆不已的創作概念，想來每項都缺一不可吧！   而你想把它做到什麼程度，正決定了你在那隱性星級裡的位階。 因此，設計其實如同米其林料理。擺盤不在於展現食材，而在於梳理食材之間的關係，讓風味自然浮現；設計也是如此，我們調整的不是物件本身，而是光影、空間與人的關係，讓最適切的感受被感知。

祖傳的自然捲及豐沛髮量陪伴自己已達50載，雖然蒼蒼白髮漸進式攻佔了黑髮領地，且已趨近於完封之勢，但那得天獨厚的髮量於頭皮上，仍持續堅挺著蓬勃發展，維持一定程度的茂密狀態且毫不示弱。一雙兒女也繼承了相同基因，尤其是女兒的髮量，更是遺傳得淋漓盡致，過之而無不及。自從女兒5歲過後，長髮已續留至今，然而將頭髮由濕轉乾的過程，大概率都是自己操辦。因此，每回合的吹風機大戰至少開打22至25分鐘，女兒的頭髮才得以乾爽蓬鬆，此時方可鳴金收兵。 2016 年夏季，一位髮型設計師兼任相識多年的好友捎來一件禮盒，就是即將上市的Dyson吹風機，由於髮型設計的行業先驅，因此能提前於正式上市前取貨。以現今的觀點確實已不珍稀，但當時開箱後，吹風機外觀突破傳統造型貌似鐵鎚，小巧、簡約且兼具時尚感，這是第一眼的感受。隨即將自己的五分頭先行嘗試吹乾，感受上除了噪音較小之外，並無太大驚喜。直至隔日，進入女兒的長髮之役，10分鐘超短的操作，配合輕盈且無負擔的握感，徹底刷新了我對吹風機的認知邊界，同時輾壓市面上所有機種的創新設計！ 2024 年春季，一位媒體人兼任相識多年的好鄰居捎來一本書籍，就是剛出版的《戴森的發明人生》，這是一本停留於購書清單內，而遲遲未能賦予行動的書籍。其實現今網購電子書既方便又高效，由於自己仍維持老派作風，喜好享受於翻閱實體書本時，紙張所散發出的印刷油墨味，因此，仍維持定期前往書店進行採購的習慣；另一類型的期刊雜誌則是跟上時代，轉化為電子書籍便於碎片化時間閱讀。該書入手後，頁數翻至約莫將至80頁時，突然想起當時吹風機帶給自己的驚喜體驗。在求知慾的催促之下，將其前半段創業時期的篳路藍縷直接快轉跳過，進入設計爆發階段的吹風機篇幅，立即一探究竟！ 多數人得知今日Dyson的成功，是經歷了5126次的失敗，才發明出全世界第一台無集塵袋吸塵器！吹風機的誕生亦是一層層不容易的堆疊，為了產品的適用性，耗費4年的研發，動用了103名工程師。在實驗階段需了解頭髮科學的領域，因此所有工程師皆蓄長髮，不分男女無一例外，當然也包括老闆本人，此舉能便於實際操作中學習與試錯，甚至一部分工程師重返校園重修頭髮領域的相關課程。以上總和就是為了成就一台輕量、降噪且能快速吹乾又不會損傷三千煩惱絲的吹風機！ 整本書412頁，約莫一周半期間成為了睡前讀物。個人很喜歡這本書的一段文字，作者引述了布羅諾斯基（Jacob Bronowski，出生於波蘭的英國數學家與歷史學家）在1973年BBC電視節目《文明的躍升》（The Ascent of Man）所說：「科學是一種非常人性的知識，我們總是站在已知的邊緣，總是望向我們期盼的未來。科學是我們目前所知事物的證明，儘管我們常出錯。」 身為一名設計工作者，又何嘗不是經常性站在犯錯的邊緣來挑戰已知，企圖在不斷試錯中累積理解且修正判斷，最終才得以堆疊出真正有價值，能改變日常的創新。