在南國溫暖的春陽映照下，一座承載歷史記憶的建築迎來新生。近日屏東縣立美術館舉辦開幕式，並正式向公眾敞開大門，開館首展《當繁花盛開—日本當代藝術展》同步揭幕。這座由日治時期菸葉廠房改建而成的美術館，不僅是屏東文化建設的重要里程碑，更以橫跨百年藝術脈絡的國際大展，展現屏東連結世界的雄心。 保留原有建築，並讓入口退縮，創造開闊的視覺感受。   歷史空間的重生 這座建於日治時期的菸葉廠房，在建築師石昭永的巧思下，保留原建築耐重結構與高挑空間的特色，為空間引入自然天光。天光透過側向反射屋頂進入室內，形成柔和而間接的光影層次，讓光成為塑造氛圍的重要媒介。佔地1600坪的兩層樓建築，以中央連通廊道為動線主軸，串聯多功能空間、展廳、開放階梯區與公共設施，形成清晰而流暢的參觀路徑。 旋轉樓梯縱向串聯，讓觀者在垂直移動時感受光線、尺度與空間層次的變化。​ 開幕典禮上，縣長周春米、策展人王玉齡應邀出席，日本藝術家小松美羽、中村萌、江上越與日本台灣交流協會高雄事務所所長奧正史更親自來台，共同見證南國藝術新篇章。縣長周春米表示，屏東縣立美術館不僅作為藝術展覽及美學教育的重要基地，更是屏東與國際藝術對話的重要窗口。首次來到屏東的日本藝術家小松美羽也分享，對屏東溫暖的光和風印象深刻，期待這樣的經驗能運用於往後創作之中。 懸浮於光之中的玻璃展櫃，成為串聯樓層與視線的視覺焦點。   從廢墟中綻放的藝術風景 作為開館首展，《當繁花盛開－日本當代藝術展》由蔚龍藝術總經理王玉齡擔任策展人，並邀請曾任金澤21世紀美術館館長的秋元雄史擔任展覽顧問。策展理念從菸廠轉化為美術館空間出發，本身即是重生；而日本戰後以來的藝術發展，亦是日本藝術家們的每一世代，從戰火灰燼中重生，他們重新找到屬於日本傳統與自我藝術之間最具原創性的表達形式，如同廢墟中破土而出的花朵。 展場一隅，「夢境與幻花：感官擴張」藉由草間彌生與鹽田千春，構築介於幻覺與記憶之間的精神景觀。   展覽以花為隱喻，並劃分為六大子題，細膩梳理日本當代藝術的發展脈絡，呼應這座近百年歷史建築的軌跡精髓，集結草間彌生、村上隆、奈良美智、鹽田千春、荒木經惟、蜷川實花、小松美羽、中村萌、井上有一、白髮一雄、高野綾、六角彩子、天野喜孝、空山基、名和晃平、江上越共16位日本重量級藝術家，橫跨書藝、繪畫、攝影、雕塑與裝置等多元媒材，總計58組作品。 展內一隅，「艷影與日常：愛慾凝視」在荒木經惟與蜷川實花的鏡頭下，捕捉慾望的流轉和時間的無常。   在地典藏雙展並陳 台日文化交流平台 除了國際特展，二樓《大湧崁岸》典藏展由藝術家黃志偉與許遠達共同策劃，以黑潮與山海意象為主軸，精選屏東縣多年來典藏作品，從族群文化、土地記憶到南方風貌，梳理屏東藝術發展的歷史脈絡。展覽更串連國立臺灣美術館、臺北市立美術館及高雄市立美術館三大館藏，並向福岡亞洲美術館借展，結合多媒體互動與數位展示形式，展現屏東在全台藝術網絡中的積極角色。 中央廊道局部挑空，形塑通透流暢的參觀動線。   屏東縣立美術館的成立，不僅是地方文化建設的重要時刻，更是屏東走向國際的起點。這座從菸廠廢墟中重生的美術館，正如策展人所言：以花為隱喻，藝術家們透過各自創作語彙綻放不同姿態，讓這片南國土地的藝術紋理，被更多人看見。   《當繁花盛開—日本當代藝術展》 時間」2026年3月28日至8月30日 地點」屏東縣立美術館（屏東縣屏東市菸廠路1號，屏菸1936文化基地） 展覽詳情請至展覽官網瀏覽。   資料及圖片提供」蔚龍藝術 編輯」林靖諺

勤美術館（CMP INSPIRATION）即將於3月20日迎來一場前所未有的策展變革。全新春季特展《你缺藝術家嗎？先「畫」再說！》，由知名藝術團隊「走路草農藝團」操刀，邀請觀眾放下對藝術的敬畏，入館化身成為一日藝術家，佔領美術館牆面。這不只是展覽，更是一場為期100天、目標集結10,000人共同完成的當代藝術實驗，並同步啟動 2026 年度藝術教育計畫。 策展單位走路草農藝團。©走路草農藝團   美術館模樣由你決定 自2024年底開館以來，勤美術館致力於「打開想像」，持續思考一座美術館如何成為城市中最自由的練習場，從每場展覽中不斷鬆動觀看與參與之間的界線，讓藝術不再只是被欣賞，而是一種可以被啟動的行動。   本次由「走路草農藝團」策劃，創辦人陳漢聲與劉星佑從街角常見的提問「你缺臨時工嗎？」轉化為對藝術體制的靈魂拷問「你缺藝術家嗎？」，思考日常勞動與藝術創作之間的關係──當社會清楚定義各種工作形式時，藝術勞動卻往往隱形。延續勤美術館前身「工家美術館」概念，試圖探問工家、藝術家與觀眾之間的界線，向源自雙手與行動的實踐致敬。不同於以藝術家為主體的展覽，本展將焦點放在尚未完成、正在發生的創作過程。 勤美術館2026春季展，主視覺形象示意圖。   觀展即參展 「走路草農藝團」以幽默翻轉嚴肅論述，規劃「非學院的藝術練習」，將勤美術館打造成四大功能各異的創作現場，構成一套完整的「藝術家養成動線」，讓觀眾在不同創作狀態中自由切換，同時邀約六組藝術家陪伴創作。分別是B1暖身基地：從簡單的點線面拼貼開始手作，找回觀察世界的全新視角；B1自由畫室：可自行擺設靜物、描繪靜物畫，體驗藝術家的視角轉換；1樓雕塑記憶庫：將自身的回憶小物件裝進葉片袋，縫入展場的大型柔軟裝置；1樓沙龍大平台：作為展覽的心臟地帶，觀眾的作品會在此輪流展出，直接成為美術館的正式展件。 創作場域「沙龍大平台」將輪流展出觀眾完成的作品。示意圖。 創作場域「自由畫室」透過角色轉換讓觀眾體驗藝術的流動。示意圖。   透過兩大關鍵機制，記錄每一位參與者的藝術勞動，挑高展場中央懸掛的巨型「浮空雲朵」塗鴉區，象徵群眾靈感的流動，觀者可在雲朵表面留下筆跡，隨著展期推移，雲朵將逐漸累積眾人的觀察與記憶，匯聚成一件隨時間生長的「活作品」，讓美術館變身為一座持續運轉的創作現場。 由藝術家李芳吟規劃的「雕塑記憶庫」，織縫於展場共創裝置上，讓一片片記憶匯聚成屬於草悟道的集體風景。示意圖。   藝術家賴怡璋與謝佳瑜共同合作「生成變化中的靜物」，邀請觀眾擺設靜物、描繪靜物畫，體驗最自由的創作氛圍。 《你缺藝術家嗎？先「畫」再說！》 日期」2026年3月20日至6月28日 地點」勤美術館     資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

1975年至2025年，對Maxalto而言，五十年不僅是一段可被標記的時間軸，更是一場關於工藝、設計跟文化持續深化的歷程。品牌名稱源自於威尼斯方言「massa alto」，意指「至高之境」，自創立之初便揭示其核心精神──以超越時間的國際設計語言，詮釋奢華的本質。   1975年，Maxalto由B&B Italia創辦人Piero Ambrogio Busnelli所開啟。彼時，他懷抱著明確的願景：在現代工業體系之中，重新守護並發揚傳統手工技藝。這些技藝承載著深厚的人文脈絡，也孕育出歷久彌新的審美價值；七○年代設計界正值反思物質過剩的關鍵時期，在這樣的時代氛圍中，品牌選擇將創新軟墊工藝與歷史悠久的手工傳承深度融合，奠定日後獨具辨識度的美學基礎。 Maxalto五十週年，忠於經典仍不斷創新。 設計演進 Maxalto早期與Afra&Tobia Scarpa夫婦合作，建立起清晰的工藝語言，從實木和雕刻木材的選用，到透明光澤漆面所呈現的法式傳統拋光韻味，設計始終圍繞著能親手觸摸、親眼感受展開。不論是馬鞍針法縫製的皮革、法式古典扶手椅內的羽絨靠墊，或帶有東方情調的聚酯漆面處理，皆彰顯品牌對細節與材料對話的高度重視。這樣的做法，讓家具不再只是功能物件，更成為時光跟記憶的載體，長久陪伴日常。 栢悅國際針對Maxalto五十週年的擺飾陳設。   1993年，建築師兼設計師Antonio Citterio加入Maxalto，帶來另一階段的重要轉折。他以1990年代布爾喬亞階級的客廳美學為靈感，致力探索那個時代的品味典範，同時強調穩重、內斂且可長久使用的家具語彙。在他看來，每件作品都應回應其本質功能，並向安定而有儀式感的生活方式致敬，這樣的觀點，使Maxalto的產品線逐步形成低調而精準的整體風格，不追求流行標籤，而是藉由材質質感、榫卯工藝及克制線條，建立跨越季節和年代的耐看度。Antonio Citterio與品牌超過三十年的合作，形塑出近乎「無需言說」的設計氣質：設計師退居幕後，讓作品與工藝本身成為主角，在當代高度視覺化的環境中，這份節制而優雅的態度更顯無可取代。   五十週年限定｜Lilum 50的藝術跨界 為慶祝Maxalto五十週年，邀請荷蘭藝術家Patrick van Riemsdijk為經典Lilum貴妃椅注入書法式筆觸，推出全球限量50件的Lilum 50特別版。藝術家的創作以兼具力量與細膩的筆勢見長，此次合作中他將家具視為一件立體雕塑，自然質樸的筆觸和型態的複雜節奏動靜交融，形成張力對比之餘，亦維持極簡語彙的整體和諧。 Lilum 50特別版。品牌利用精心研究的轉印技術，將荷蘭藝術家Patrick van Riemsdijk的筆觸化為立體畫布。 高級的亞麻面料透過品牌研發中心開發的轉印技術，將筆觸轉譯為可被觸摸的立體表情，每件作品皆鐫刻獨立編號，並隨附藝術家簽名和Antonio Citterio親筆簽名並標註限量編號的證書，確保其收藏價值及獨特性。 經典Lilum貴妃椅注入書法筆觸，全球限量五十件。 Lilum 50特別版。   經典再詮釋｜Pathos 50餐桌 另一項五十週年紀念作品Pathos 50餐桌，桌體採雷射切割青銅框架，搭配實心義大利胡桃木桌面，共構鮮明識別；桌面邊緣特意保留天然未修飾的原始形貌，煥發當代設計的生命力。此作源自於Antonio Citterio 2011年的設計，時至今日再以紀念版本重現，青銅的莊重和木材的粗獷彼此映襯，強化Pathos系列一貫的優雅氣質，也體現Maxalto在「忠於經典」與「持續創新」之間的完美平衡。每張餐桌均附有設計師親筆簽名與限量編號證書。 Pathos特別版餐桌以雷射切割青銅框架與實心義大利胡桃木桌面構成鮮明識別。 青銅與未修飾木材形成強烈對比，突顯獨特的工藝美學。   回望五十年，Maxalto始終透過設計師與工藝師的協作，細膩詮釋家具的存在意義。品牌所追求的奢華，並非張揚形式，而是一種願意投注時間、專注與對話的生活態度。     資料及圖片提供」栢悅國際 撰文」陳映蓁

坐落於阿布達比薩迪亞特文化區核心，Baccarat Residences Saadiyat以高端住宅之姿，重新定義當代奢華生活的尺度。由當地開發商Aldar攜手Baccarat Hotels & Residences，將Baccarat 262年的水晶工藝轉化為可居住的空間元素，企圖在文化地景與精緻生活之間建立更緊密的連結。 Baccarat Residences Saadiyat建築外觀。   基地位置本身即具象徵意義，周遭坐擁阿布達比羅浮宮、阿布達比古根漢美術館等重量級文化據點，並與阿拉伯海岸線相互呼應，使本案成為文化感知與當代奢華的交匯點。   藤本壯介的流動建築語彙 作為國際知名的藤本壯介建築事務所（Sou Fujimoto Architects）在阿聯酋的首個住宅作品，Baccarat Residences Saadiyat完美體現了藤本壯介一貫的「自然與建築交融」思考，設計靈感取自薩迪亞特島海岸潮汐的節奏，以流動曲線塑造兩座獨特的雕塑量體，使建築外觀在地平線和天際線之間勾勒輕盈而具張力的姿態。透過層疊輪廓和柔化邊界，為高端住宅帶來不同於傳統豪宅的當代辨識度。 Baccarat Residences Saadiyat建築外觀。   水晶工藝轉譯細節 全案共規劃77戶住宅，涵蓋二至三房格局、四房空中別墅跟頂層特色戶。室內設計則由洛杉磯的StudioPCH負責，整體風格從新古典語彙出發，在對稱秩序與現代機能之間取得平衡，將Baccarat的「Art de Vivre」（生活藝術）精神轉化為可感知的空間細節，從燈飾、材質到觸覺尺度皆可見品牌水晶元素的隱性滲透，展現卓爾不群的恢弘氣派；同時亦提供深淺兩種飾面供業主選擇。 Baccarat Residences Saadiyat室內設計。處處可見水晶意象的呈現和轉譯。 Baccarat Residences Saadiyat室內設計。處處可見水晶意象的呈現和轉譯。   Baccarat Residences Saadiyat室內設計。處處可見水晶意象的呈現和轉譯。 而Baccarat Residences Saadiyat的多項設施和服務皆由品牌匠心策劃，將日常生活轉化為輕鬆高端的體驗，以此回應高端客群的使用情境。住戶可享私人水療與養生中心、無邊際泳池及專屬涼亭，並由24小時禮賓服務滿足私人宴會、購物體驗乃至航空安排等客製服務。Baccarat Residences Saadiyat以工藝和極致奢華勾勒尊貴品味，建築語彙、室內細節與文化場域彼此呼應，成為當地洋溢藝術生活美學的新地標。 Baccarat Residences Saadiyat設施。 Baccarat Residences Saadiyat設施。     資料及圖片提供」Baccarat Residences Saadiyat 撰文」陳映蓁

在講求效率與精準的現代生活步調中，家具不僅承載使用機能，也成為空間語彙的一部分。德國家具品牌Rolf Benz延續包浩斯「形隨機能」的設計精神，將卓越的德國精工技術轉化為更具彈性與當代感的居家提案。全新推出的JAZ沙發系列與LUKE單椅正是回應現代居住型態而生的作品。 JAZ沙發。   1964年創立於德國黑森林區Nagold 的Rolf Benz，持續以高於歐盟標準的「Made in Germany」品質要求自我檢視，其核心始終圍繞著「極簡、機能與精工」三大要素，半世紀以來在人體工學、材料工藝與製造精度上反覆推敲，形塑品牌一貫低調而內斂的質感，展現不需張揚的靜奢美學，同時兼顧長時間使用的可靠性與舒適度。   模組結構中的穿透感：JAZ沙發 全新的JAZ沙發系列延續此一脈絡，透過輕量化結構和清晰輪廓，重新定義現代的存在價值，讓家具與環境形成更為開放的對話關係。巧妙利用充足的離地間隙，以及坐墊與纖細鋁製框架之間獨特的鏤空安排，引導光影在下方自由流動，創造開闊的穿透感。這樣的設計模糊了沙發正面與背面的界線，無論從任何角度觀看都同樣優雅。 JAZ沙發。   在機能配置上，JAZ採模組化系統設計，從單座、雙件式組合到大尺度空間，皆能依需求延展或拆分。同時，也提供高度客製化的選項，可針對座椅框架、內飾與靠墊，進行不同材質與色彩的混搭，讓沙發成為呼應整體調性的關鍵角色。 JAZ沙發。   懸浮美學的延伸：LUKE單椅 與JAZ沙發系列同步推出的LUKE單椅，則以更為聚焦的形式延伸品牌對輕盈結構的探索。透過金屬框架的支撐，坐墊和靠背內飾彷彿懸浮於空中，完美詮釋「浮空美學」。當LUKE作為獨立單品使用時，能成為視覺焦點；與JAZ系列搭配時則可共構一致且具層次的客廳景觀。 LUKE單椅。 LUKE單椅。     資料及圖片提供」D&L丹意信實集團 撰文」陳映蓁

睽違十年，日本攝影與視覺藝術大師蜷川實花，攜其標誌性的絢爛美學重磅回歸，在華山文創園區盛大揭幕其海外最大規模個展《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》。這不僅是一次經典作品的再現，更是一場美學語言的全面進化。她與科技藝術團隊EiM深度聯手，打破平面攝影的框架，將影像、裝置、光影與空間融為一體，邀請觀眾步入一場穿梭於光與暗、生與死、現實與幻境之間的沉浸式感官旅程。 蜷川實花現身《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》 開幕記者會。   八大展區 層層遞進的敘事迷宮 此次以「彼岸之光，此岸之影」為題，精心構築八大展區，形成一首首視覺的敘事詩章。展覽起點《生命的呼吸》，以迷離的霓虹燈光與水箱裝置，營造如夢似幻的都市生命脈動。 展區《生命的呼吸》中的驚喜小彩蛋，台北街景、寺廟與巷弄的蹤影進入作品中。 細心的觀眾會發現，蜷川半年前秘密造訪台北時捕捉的街巷風景與廟宇光影，正悄然流轉於影像之中。這份獻給台北的深情彩蛋，源自藝術家對這座城市「懷舊與嶄新並存」的活力能量深深著迷。   展區《綻放的情感》一隅，透過音樂與影片和諧搭襯，在如夢似幻的自然場景中，感受令人深入其境的五感體驗。 展區《與光影共舞》一隅，透過極致的聽覺與視覺饗宴，感知大自然的生命歷程。 隨後，《綻放的情感》、《與光影共舞》等展區，逐步引領觀眾深入其核心美學世界。而台北站獨有的新增展區《生命的殘骸》，無疑是本次展覽的哲思亮點。無數印有巨大花朵的布幔自天幕垂落，層層交疊出盛放與凋零的殘影，行走其間，彷彿在鮮活的「此刻」與褪色的「記憶」中徘徊，優雅而深刻地展現生命與消逝。 展區《生命的殘骸》一隅，透過層層花樣紗布，呈現墓碑前供奉的花朵景象，傳遞徘徊於生死之間的記憶痕跡。   經典再詮釋 沉浸式體驗的極致展現 觀眾所熟悉的蜷川式攝影作品，在《解放與執著》與《綻放之境》中被賦予全新維度。它們與精緻的複合媒材、立體裝飾藝術交織，使平面影像化為可觸可感的空間敘事，展現其對華麗與執念的細膩凝視。 展區《解放與執著》一隅。 而於京都展備受熱議的《深淵彼岸的夢》，則帶來全然包覆的感官震撼：觀眾先被無盡怒放的絢爛花海擁抱，旋即步入由鏡面與巨型螢幕構築的720度無限全景空間。櫻吹雪、花火、律動海洋，場景永恆變換，使人徹底沉入一個超越現實的彼岸幻夢。   展區《深淵彼岸的夢》一隅，透過LED全景空間，以及絢麗綻放的花園，為觀者帶來彷彿脫離肉體感知的心靈之旅。 展覽的璀璨終章《光之細語，色彩之夢》，以全面升級之姿驚艷登場。超過兩千條水晶串飾編織出閃爍奪目的夢幻空間，光線折射下，蝴蝶、花朵與水晶交織出瞬息萬變的色彩光影，每一步轉身，都能遇見獨一無二光景。   展區《光之細語，色彩之夢》一隅，在超過兩千條的水晶串式的垂吊下，在光影折射下，蝴蝶與花朵顯得夢幻而生動，令人沉醉。 台北限定獻禮 美學與在地文化的交會 為慶祝此次里程碑式的展出，展覽特別推出多款由蜷川實花親自監修的台北獨家限定商品，其中不乏日本未曾發售的品項。從實用的大容量托特包、雅緻絲巾，到為多雨氣候設計的傘具，皆貫徹其華麗風格。最特別的莫過於因應藝術家對茶飲喜愛而誕生的「烏龍茶包組」，其包裝巧妙融入台式傳統花布元素，成為蜷川美學與台灣在地文化迷人的跨界融合。 展覽限定商品。 蜷川實花強調，本展是她與電影燈光、美術等多元領域創作者共構的成果，旨在打造如電影敘事般的沉浸氛圍，期待每位觀眾以探險之心走入這虛實交錯的迷幻國度，在極致的光、影與色彩流轉之間，尋找專屬於自身的情感共鳴與生命故事。 蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影 時間」2026年1月17日至4月19日 地點」華山1914文創園區 東2C、D棟 展覽詳情請至展覽官網瀏覽。   資料及圖片提供」聯合數位文創 編輯」林靖諺

WOW Furniture與iart Gallery愛上藝廊攜手推出跨界計畫《一日之所》，首次將台灣藝術家的創作帶入丹麥家具品牌GUBI的選品中。2026年1月31日前於WOW Furniture展出。 WOW Furniture與iart Gallery愛上藝廊攜手推出《一日之所》。   1967年於哥本哈根創立的GUBI，以「重塑經典」聞名，融合20世紀設計先鋒與當代設計師相互交融的前瞻願景，使傳奇作品再版新生、永續傳承。GUBI的世界如同一本自成系統、擁有完整詞彙的字典，任何人都能從中擷取片段，組成屬於自己的獨特文句；它是一座蘊藏生活藍圖靈感與秩序的寶庫。 以藝術品與設計家具交織豐富場景。 本計畫以藝術品與設計家具的配置為核心，延展出一日生活的多重情境與氛圍，讓「生活的必經」成為「設計的意圖」，以設計扶持日常的片刻。走進展覽，北歐家具的美感、機能與情感理念，與台灣當代藝術家的創作互為表裡。展覽以GUBI F300 Lounge Chair休閒椅及多款GUBI家具為主要場景，呈現藝術家李屏宜、陳楷仁、邱君婷、魏孟如、呂巧智作品共同構築的生活巧思與可能。 李屏宜 × GUBI Wonder沙發。   法國設計師Pierre Paulin於1960年代構思的F300 Lounge Chair，早期版本曾收錄於紐約現代藝術博物館（MoMA）館藏，跨越家具與藝術領域，並於2025年由GUBI復刻升級。其雕塑般的流線造型跨越時間、空間與語言，不僅在設計史上具備重要地位，也啟發人們重新感受坐臥的姿態，凝視與玩味當下，使放鬆成為生活的進行式，讓 GUBI F300 成為家中歷久彌新的靈感泉源。 陳楷仁 × GUBI系列餐桌。   家具與藝術共構空間情境 《一日之所》在生活裡輕巧編織GUBI設計家具與當代藝術家的作品敘事。早晨的客廳，一處舒展停留的窗景意象，李屏宜的作品如漣漪推波，映照自然的寧靜與流動。白晝之中，陳楷仁的作品象徵線性前進中的小小曲線，在每一次的人際交流裡保持清醒與幽默。在日光深處，火與花交織成一場無聲的盛宴，映照出呂巧智陶瓷作品浴火重生的燦爛與堅毅。黃昏時分的片刻休息，邱君婷的作品引領觀者向光調頻，於溫柔的愛與祝福裡，為心充電。夜幕到明日破曉，在魏孟如作品漂浮著理性與感性的符號世界，築一個安適的巢，看著心潮推波，回到沉靜的平衡。 呂巧智 × EICHHOLTZ Maynor餐桌。 邱君婷 × GUBI Stay系列。   展覽裡的五段生活敘事，以及GUBI家具那份獨特的存在感，令人停留。本次更邀請BY YAN PERFUME調香師顏詣縝，為這些片刻調製六款專屬香氣收藏禮，希望延伸感官的記憶以及空間的餘韻。 魏孟如 × GUBI Pacha系列。   《一日之所》 日期」即日起至2026年1月31日 地址：台北市中正區徐州路4號1樓     資料及圖片提供」WOW Furniture 攝影」ANPIS FOTO王世邦 編輯」陳映蓁

「Project Cola可樂計劃」於台南市中西區正式亮相，成為台灣精釀可樂的全新起點。以「漢方13香」為核心風味架構，將手工可樂視為主體，延伸出日夜兩種截然不同的飲品體驗：白天推出五款由草本和香料相融的手工精釀可樂，夜晚則以相同味譜為基底，由氣泡與酒精調和七款夜間調酒。 致力發展專屬於台灣的手工精釀可樂。   這間誕生於台南街角的小店，是Project Cola的第一個據點，致力對外表述：台灣也能發展出屬於自己的可樂語言。未來也準備好與潮流、生活及文化品牌展開企劃，讓台灣製造的可樂走入更多日常。 風味雪泥是特別為炎熱的南台灣所設計。   Project Cola可樂計劃品牌創辦人Benjamin對可樂的情感源於青春記憶：「我一直好奇，為什麼可樂能在全球暢銷百年？如果加入新的香氣與漢方草本，能不能帶來更多驚喜？我想透過風味釋放更多想像力。」 品牌創辦人Benjamin（左）與店長Nick（右）。   也因此，在研究日本各地區和其他國家超過30種精釀可樂後，他更加確信台灣值得擁有屬於自己的精釀可樂，Project Cola因而誕生，成為一個可以不斷延伸的計畫──以13種天然食材為基底：肉桂、人參、白荳蔻、綠荳蔻、丁香、肉荳蔻、陳皮、山楂、月桂葉、香菜籽、紅胡椒、白胡椒、眾香子，每一季再加入「第14味」的台灣元素，無論是馬告、鳳梨還是咖啡，都能展現可樂的新表情。透過小火熬煮、萃取，再結合自製焦糖，沒有化學色素，只有乾淨、深層又細緻的味道，這樣的設計，不只是味覺的冒險，也是對土地的致敬。店內更建置on-tap 氣泡水與氮氣咖啡技術，確保每一杯都是完美的口感狀態。 白天販售多款調和草本和香料的手工精釀可樂。 白天販售多款調和草本和香料的手工精釀可樂。   夜晚則以相同味譜呈現多款調酒。（未成年請勿飲酒、請理性飲酒、開車不喝酒、喝酒不開車） 氣泡構築空間語彙 室內設計由「艸設計」的蔡昕倫設計師負責，以「氣泡」為靈感，重新詮釋府城街角的小坪數店面，讓有限的空間成為風味與體驗的延伸。騎樓地面嵌入訂製藍色圓形磁磚，象徵氣泡升起的軌跡，視線隨之一路延伸至室內吧檯，讓來訪者彷彿行走於氣泡之間。門面利用重疊造型的鐵框玻璃橫拉門打造，開闔之際LOGO會隨之分離與重組，猶如氣泡的相遇、分裂與擴散，創造場域和品牌間的互動。 位於街角的Project Cola可樂計劃。 Project Cola可樂計劃外觀。   吧檯以冷冽金屬包覆，座椅及倚靠區則選用溫潤木質，呈現「工業 × 手作」的平衡語言；門片把手與滑輪則刻意保留機械跟手作質感，讓「開門」不只是進入的動作，更是體驗的起點。店面整體融合品牌精神、材質對話及動態視覺，每一寸細節都成為與空間對話的結構，形塑一場兼具感知與溫度的日常設計實驗。 吧檯和座椅以鮮明的材料對比創造空間張力。 LOGO品牌識別 Project Cola的品牌識別則由 「虎山設計」蘇琬羚設計師操刀，設計概念源於核心精神：「飲品」、「氣泡」與「日夜」。圖像由水滴跟圓形兩個基本元素構成，隱喻飲品的本質與氣泡的生命力。兩者交疊處的白色線條與色塊勾勒出日出意象；被分割的圓形則化為彎月，呼應品牌「白天手工可樂、夜晚創意調酒」的雙重經營理念。飽滿的水滴造型，象徵飲品經過細緻調製與萃取而成，將 Project Cola欲傳達的風味哲學具象化，成為品牌精神的視覺語言。 入口的LOGO窗貼。   Project Cola可樂計劃 地址」台南市中西區民生路一段6號1樓     資料及圖片提供」Project Cola可樂計劃 編輯」陳映蓁

全新甜點品牌「髙GAO Taipei」於12月正式開幕。作為台北知名起士蛋糕店「高仕」的二代店，髙 GAO Taipei承接三十年的飲食經驗，並在新世代語境中提出全新的文化想像──不僅販售甜點，更以甜點為文化載體，將店鋪打造為可以被對話、被重組、被重新詮釋的創作平台。 坐落於民生社區的髙GAO Taipei，將甜點視為文化載體，致力於打造可對話、可創作的文化平台。   髙GAO Taipei的誕生，源自創辦人高煥（Jim）對家族飲食事業的再思考。父親在糕點產業深耕數十年，品牌因此從家庭技藝出發，延伸至台灣文化線索的探索， 七〇、八〇年代台灣的「混雜美學」，融合日治工藝、美援時代商業設計、民間習俗與西方文化，皆成為髙GAO Taipei的重要靈感來源，希望藉此提出屬於當代的新味覺與新語彙，讓甜點不再只是販售品，而是成為文化敘事的入口。 空間規劃由本事空間製作所負責，大面積的光膜和不鏽鋼檯面捎來一抹現代氣息。   留白畫面與材料張力的對比 空間語言則由「在地」與「材質」兩個維度展開。空間設計由本事空間製作所操刀，謝欣曄設計師說道，綜觀店鋪整體，會發現室內畫面比本事空間製作所過往作品來得乾淨，因為髙GAO Taipei未來有許多跨域合作的可能，留白的基底預留了具彈性的發展可能。 室內以極簡線條搭配豐富材料構築。 雖然線條畫面密度較低，但材料運用其實非常複雜，例如中島立面嘗試以極具台灣在地觸感的擬石工法作為皮膚，同時搭配大面積的「光膜」和不鏽鋼檯面定義現代氛圍；而鐵件、導角與結構線條則延續本事擅長的混材語彙，在粗獷與精緻之間取得張力，呈現通透、簡潔，但極具層次的視覺節奏。 中島檯面以擬石工法和水霧技法形塑自然的凹凸質地；而鐵件的細緻處理亦為本事空間製作所的強項。   室內一隅。 延續這套材質語彙，髙GAO Taipei試圖將文化符號以更具衝突性的方式推向前景，由LANDHILLS植物藝術家廖浩哲創作的空間裝置使用了台灣民間信仰常見的「紅色香腳」及「紅繩」，這些深植民間記憶的符號，被封存在如同凝膠般的異材質中，使傳統與當代互相凝視，形成張力十足的視覺對話。 藝術家廖浩哲創作的空間裝置。   生成當代文化美學 品牌識別上則和HOUTH合作，將「高」這個字進行符號化的拆解跟重組。它是多重意象的載體──既是品牌名稱的「高」，也是核心產品「糕」的體現，更期待能帶給消費者「高禮數（台語厚禮數kāu-lé-sòo）」的感受，透過彈性的結構在經典與現代之間找到平衡，讓標誌成為親和且具備擴展性的介面。 品牌識別由HOUTH操刀，拆解並重組「高」字。   髙GAO Taipei的美學方法皆來自「拆解再組合」的文化觀察，把看似不同的台灣地方文化、習俗、國際視覺語言、傳統技法與當代材料放進同個敘事場所裡，使其重新交會並重組，期待在台灣的文化語境中，提出屬於當代的新味道、新語言與新的美感坐標；品牌未來也將持續與不同領域的創作者合作，讓每次的共創成為文化基因的再創造。 以留白手法保留空間的彈性和跨域合作的可能性。     髙GAO Taipei 地址」台北市松山區富錦街453號1樓 時間」週一至週日11:00-18:30（試營運期間至2026年1月中旬）     資料及圖片提供」髙GAO Taipei 撰文」陳映蓁