臺北市立美術館戶外廣場，多年來承載著人群的流動與聚合，既是進入美術館的必經之地，也是城市與藝術之間那道若有似無的邊界。自2014年啟動的X-site計畫，便以這個過渡空間為基地，年復一年提出對於公共性的實驗探問。那個代表未知與變動的「X」，象徵動態的辯證，持續回應公共空間的多重可能。第十三屆X-site計畫於今夏揭幕，首獎團隊「做白工作室」以《鏡・亭・山：相看兩不厭》進駐廣場，用一種近乎輕柔的姿態，重新梳理人與場域之間那層尚未被言明的關係。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》外觀圖。以「掀起地皮」為概念，輕巧重組了廣場的垂直與水平關係。 「做白工作室」是「創造有意義的空白」的跨領域設計團隊，創作出發於對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深究，視《鏡・亭・山》為介入環境、重構關係的行動實踐。原本以通行機能為主的廣場入口，藉由地表輕巧「掀起」的意象結構，重新配置場域中水平與垂直、上方與下方之間的關係。作品未錨定於既有混凝土鋪面，以鋼板與懸索結構，創造出一片完全穿透、不倚靠柱子與牆面支撐的自由場域，充分展現結構本身就是一種關係的思考。 「做白工作室」團隊合影，團隊成員(左至右下)：溫子慶、梁立白、陳冠文、鄭詠心、蔡君陽。   多重的閱讀 流動的邊界 《鏡・亭・山》的命名蘊藏三種不同層面的解讀意涵，彼此交疊卻不相互定義。「鏡」不止於被動映照，它反射空間裡人與人的動態互動，並在特定角度中，將周遭自然天光、北美館建築形體等環境現況收納進作品一隅，讓觀看與被觀看成為流動的參與。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》外觀圖。鋼板與懸索構築出無柱無牆的自由場域，結構本身成為一種空間關係的對話。 「亭」則超越傳統遮蔽或停留的建築功能，在結構被「拉起」的狀態下形成嶄新的停留空間，界線模糊，卻能容納身體的暫歇。「山」連結無限可能的想像與未知，雙向掀起的屋頂與地板共同構成可穿梭、可停駐的場所，既是休憩點，也是路徑本身。在這些層面交織之下，「經過」本身便成為一種參與，場域不再是被動容器，而是持續生成關係的動態結構。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。鏡面捕捉人際互動的流動，並將天光與建築輪廓納入作品一角。   除了空間塑造，團隊更從環境中延伸感知的觸角。抵抗風浮力的鋼纜被轉化為「可觸碰發聲互動裝置」，那些為穩定結構而繃緊的鋼索猶如樂器中的琴弦，當觀者輕觸撥動，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，或許是展間中的低聲交談，或許是行走於建築內的腳步聲。這些平時不易察覺的細微聲景，此刻被揭露在廣場風中，成為另一種聆聽美術館的方式。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。用以穩定結構的鋼纜，化身為觸發聲音的弦，讓物理的拉力轉譯為空間的聽覺記憶。 另一處巧思落在屋頂的「蛇紋磚板片」。團隊表示，塞尚晚年以二十年時光反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是在追索真理。以此為靈感，他們將第一屆X-site舉辦以來廣場的歷年衛星空拍圖化為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域重要的視覺特徵，亦承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。蛇紋磚板片的圖案，來自歷年廣場衛星空拍圖的像素重組，將場域變遷與觀眾記憶，鑲嵌進北美館廣場的地景之中。 作品透過對環境、歷史脈絡與自身感知的轉化，梳理歷屆X-site計畫與基地之間的關係，將廣場真實的歷史紋理與場域記憶，轉化為另一層次的觀看與感知經驗。展覽期間亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等面向，邀請觀眾重新與環境共譜，在人與環境、內與外之間，保留那片「有意義的空白」。   《鏡・亭・山：相看兩不厭》 時間」2026年5月16日至7月26日 地點」臺北市立美術館 戶外廣場 更多展覽內容請至北美館官網瀏覽。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

來自日本的「観察の樹（觀察之樹）」於2026年迎來品牌十周年，攜手陽明山美學空間「裏山URAYAMA」，2026年5月31日前推出「《觀察からの存在》十年歷程。設計・觀察・職人精神」特展，以策展形式呈現家具和生活之間更深層的關係，並回望品牌十年來「日本設計・台灣製造」的文化實踐，透過家具、工藝與空間，重新思考「觀察」與「存在」的意義。 観察の樹（觀察之樹）於陽明山裏山URAYAMA展開十周年特展。   本次不僅帶來多件代表作，更首度發表「historica法式家具系列」，完整展現設計脈絡的延續與進化；另一亮點則為台日工藝的跨界融合，發布台灣傳統木雕「陳彫刻處」與花磚文化「淡陶社DANTO」合作款。 觀察之樹十周年特展匯集十年來的經典家具系列與新品。   「觀察」走向「存在」 「一切都始於觀察」這句話，是「觀察之樹」創辦人暨藝術總監黑坂昌彥十年來始終不變的核心信念。 「觀察之樹」海外開發企劃總監庄司佳代（左）與藝術總監黑坂昌彥（右）。 自2016年於台北設計師週首次發表以來，觀察之樹持續與台灣職人展開深度合作，在材料、工法與生活節奏之間反覆對話，逐步建立出屬於亞洲生活文化的設計語言。此次特展象徵品牌從「觀察」走向「存在」的轉變，這樣的設計哲學也成為觀察之樹長年回應高齡化、少子化與家庭關係變化的核心：家具不再只是功能性的存在，更應是人與人之間情感交流與記憶延續的媒介。 展出首次公開的historica法式家具系列以及眾多經典家具。   展覽選址於陽明山上的裏山URAYAMA，空間本身即充滿深厚的人文背景。「裏山」是一個藏在山裡的古物植栽專門店，結合景觀造景、古物、植栽、藝術，集合每個合作夥伴的強項，創造更多元化的體驗。這份跨越世代的自然記憶，也與觀察之樹長期關注「時間感」與「生活文化」的理念彼此呼應，家具將與裏山的古物、植栽與山林環境共同展演，形成一場介於自然、工藝與生活之間的沉浸式體驗，觀者不只是觀看家具，而是在山霧與木香之間，重新感知物件與時間。 展覽現場。 觀察之樹經典家具Kino Stool。 百年工藝跨界合作 觀察之樹亦透過木雕與花磚兩種承載時代記憶的工藝語彙，重新思考家具與生活、文化與時間的關係。其中，台灣百年木雕品牌「陳彫刻處」將傳統木刻工藝中的刀痕、力道與手感，融入觀察之樹經典家具Kino Stick系列之中，使原本平滑的木質產生細緻而富有呼吸感的紋理。 與「陳彫刻處」跨界合作Kino Stick。兩款分別是草結Kusamusub（左）、海原Unabara（右）。 而日本擁有百年歷史的花磚品牌「淡陶社 DANTO」，則帶來復刻自日治時期的經典花磚工藝。「和華WAKA」與「虹彩KOUSAI」兩款花磚皆源自1920至1940年代曾廣泛出現在台灣住宅、公共建築與南部老宅中的磁磚紋樣；更特別邀請長期研究台灣花磚文化的相關研究者與花磚博物館團隊共同交流，重新梳理這段跨越台日的工藝脈絡。花磚本身具備良好的散熱特性，在夏季接觸時帶有自然涼感，也讓家具在實用性之外，多了一層貼近日常生活的感官體驗。 與「淡陶社 DANTO」花磚跨界合作。分別是Kino Stick淡陶社款-和華WAKA（左）、Kino Stick淡陶社款-虹彩KOUSAI（右）。   本次展覽亦首次完整公開「historica法式家具系列」。該系列源自半世紀前留存在台灣家具工廠中的經典法式家具語彙，透過觀察之樹重新詮釋，保留法式家具優雅比例、雕刻細節與工藝精神的同時，融入亞洲生活尺度與當代材質思維，展現品牌近年在設計脈絡上的延續與進化。 現場同步展出「historica法式家具系列」，透過保存與再製既有材料，讓這批沉睡多年的家具重新被看見。     資料及圖片提供」観察の樹（觀察之樹） 編輯」陳映蓁

空氣，向來無形無色，卻在每一口呼吸之間悄然影響人的情緒與節奏。當藝術創作與生活美學交會，這份看不見的存在被賦予了應有的重量。空氣美學事務所攜手三菱重工空調，跨界打造「蔡明亮藝術空間」，首次對外曝光，將導演蔡明亮對時間、空間與靜止的細膩凝視，與空調設計專業技術深度融合，讓空氣成為空間裡最安靜卻最具力量的藝術品。 四大展區之一「咖啡走廊」，由「蔡李陸」呈現手工咖啡與私房美食，讓觀者在欣賞之餘悠然品味，滿足五感體驗。   空氣作為藝術品 國際名導蔡明亮長期關注時間流動與空間感知，在他的鏡頭下，空氣帶有情緒與敘事，認為美術館不只是陳列作品的地方，更是讓人慢下來的空間，而空氣則成為「慢」的重要角色。觀眾進入空間時，或許不會意識到空氣的存在，但那種安靜、穩定的氛圍，正是由空氣所支撐的感受。 蔡明亮導演為電影《日子》創作的畫作「日子的畫」。 展場設有「海報牆」，完整陳列蔡明亮的11部長片海報。 此次與空氣美學事務所合作打造的藝術空間，規劃為四大展區：能品嚐「蔡李陸」手工咖啡與私房美食的「咖啡走廊」、展出導演因電影《日子》創作畫作的「日子的畫」、可欣賞電影短片的「小小電影館」，以及完整呈現蔡明亮11部劇情長片海報的「海報牆」。藉由空氣美學事務所導入三菱重工空調，空如同一件看不見的藝術品，在無形中形塑整體感受。 「小小電影館」讓觀者可稍作休息欣賞電影短片。   量身訂製的空氣美學 空氣美學事務所將空氣轉換為生活美學，讓空間中看不見卻真實存在的元素，都能被精心設計、量身打造。品牌主打一站式整合服務，建構三大專業角色：來自精品業界的專案顧問師，提供中、英、日多國語言支援；空氣規劃師結合技術與美學，為客戶量身設計空氣方案；方案實踐師負責安裝與空間氛圍的精準調校。藉三種角色的協作，從使用者的生活型態出發，打造專屬且連續性的空氣節奏。此外，品牌更首創「空調規劃履歷」制度，將從需求、規劃到安裝的每個流程完整記錄，使設計具備可追溯性，便於未來保養或升級時快速掌握關鍵資訊。 看不見的空氣，成為可被設計的美學元素。空氣美學事務所專注於空間中無形卻關鍵的感受，為生活場域量身打造宜人環境。   此次跨界打造蔡明亮藝術空間，不僅重新定義空氣與空調在生活中的角色，亦展現品牌對藝術、設計與生活品質的深刻關注。未來，空氣美學事務所將持續以「空氣美學」為核心，探索更多跨領域合作，提供精品級服務，將空氣從功能性需求延伸至感知與美學層次，開啟人與空間之間的全新對話。   資料及圖片提供」空氣美學事務所 編輯」林靖諺

美諾酒店集團（Minor Hotels）宣布，旗下全新奢華生活風格品牌 Colbert Collection將正式進軍英國市場，首間酒店The WestDill Mayfair Hotel London, Colbert Collection預計於 2026年第四季在倫敦開幕。Colbert Collection鎖定重視精緻餐飲文化與真實人際交流的現代旅人，透過兼具個性與在地特色的旅宿體驗，重新定義頂級的當代生活風格。 英國二級保護建築英國國民西敏銀行將化身為全新奢華品牌 Colbert Collection的所在地。   此酒店坐落於倫敦市中心精華地段，位於皮卡迪利大街（Piccadilly）與阿爾伯馬爾街（Albemarle Street）交會轉角處，地理位置優越。建築共六層樓，預計設有50間客房和套房，並將打造結合餐飲與社交氛圍的酒吧餐廳空間。該建築前身為英國國民西敏銀行（NatWest）營業廳及辦公大樓，目前正進行全面改造工程，未來將以融合歷史底蘊與現代生活美學的全新姿態亮相，為倫敦奢旅市場注入嶄新風格。 設計上保留1920年代的新古典主義細節，透過細膩的設計語彙，將昔日的金融權力象徵轉化為充滿活力的社交地標。 金融地標的當代敘事 該建築由以新古典風格聞名的建築師 William Curtis Green爵士於1922年至1923年間設計，現已列為英國二級保護建築（Grade II Listed Building），見證了銀行作為城市權力跟金融象徵的黃金年代。 規劃50間客房，致力於在百年建築的優雅比例中，為現代旅人塑造極具個性的精緻體驗。   如今，這座承載歷史記憶的建築，正轉型為一間設計導向的精品酒店，不僅延續原有的語彙和時代氣韻，也呼應倫敦西區近年興起的城市更新趨勢。透過重新詮釋歷史商業地標，酒店將在保留深厚文化底蘊的同時，融入當代旅人所重視的美學及現代奢華體驗。     資料及圖片提供」美諾酒店集團 編輯」陳映蓁

淡江大橋作為全球跨度最大的單塔不對稱斜張橋，不僅是台灣備受矚目的大型交通建設，也是一座具有國際能見度的地標型橋梁。由中興工程顧問公司聯手德國Leonhardt, Andrä and Partner，並邀請札哈．哈蒂建築師事務所（Zaha Hadid Architects）設計，橫跨淡水河出海口，連接新北市淡水區及八里區，期待能紓緩關渡大橋與台2線交通壅塞的問題。單塔不對稱斜張橋的設計讓主橋沒有多餘橋墩，確保視野的開闊，是世界上少見的型態；整體造型流動輕巧，除了是Zaha Hadid生涯晚期的重要作品外，也展現台灣工程技術的重大突破，體現當代公共建設對美學的高度要求。 淡江大橋為世界主跨最長的單塔不對稱斜張橋，修長橋身與放射狀鋼索共同勾勒出俐落的地標輪廓。   淡江大橋的起點 台灣設計研究院院長張基義分享，淡江大橋從最初構想至今歷時近半世紀，終於在多方協作和長時間醞釀下逐步推進；2015年更舉辦了全台灣首次的橋梁國際競圖，吸引眾多國際知名設計單位參與，這座橋的誕生，並非單純因應交通需求，更是活化台灣區域發展的機會。「淡水夕照」自古以來名列台灣八景之一，當場域中擁有此具高度文化意義的自然景色，橋，究竟該以什麼樣的姿態呈現於世人眼前？這個關鍵，讓淡江大橋轉向一場關於「存在與不干擾」的設計辯證。 橋體與觀音山相襯，在開闊河面與遠山背景之間，形塑極具代表性的天際線。   為落日留下位置 Zaha Hadid Architects副總監黃劭暐進一步說明，淡水夕照作為台灣重要景觀，無垠的天際線及水平視野一直以來都是人們青春中的集體記憶。設計團隊在初期即意識到，橋梁的介入不應該破壞既有風景，而是必須在最大程度上保留視線的完整跟環境的遼闊；此外，淡水河口一帶擁有豐富的濕地生態系，任何大尺度工程的介入，都可能對既有生態造成擾動。 Zaha Hadid Architects副總監黃劭暐。 有鑑於此，從橋型的選擇開始，便反覆推演不同結構形式對景觀的影響，包含雙塔吊橋與多塔斜張橋等方案，皆因可能切割視線，甚至影響落日全貌而被捨棄，取而代之的是以單塔斜張橋為核心的策略，不僅在結構上具備高度自明性，更有效降低量體對環境的衝擊，使橋體以簡約之姿立於河口上。斜張鋼索隨著跨距展開，形成一組近乎線性的序列，纖細有序地於空中延伸，彷彿自地平線被輕輕拉起，勾畫出橋梁通透而輕快的印象。 淡江大橋是連結淡水與八里的重要交通樞紐。後方的橋梁管理中心不只是維運設施，也與主橋、人行、自行車及周邊水岸動線相互銜接。   團隊面對主橋長達920公尺的挑戰，以及台灣位處高地震帶的先天限制，透過精準的技術調整，將橋體的鋼箱梁結構壓縮至四米左右，藉此削弱橋面的厚重感，轉而突顯輕薄的比例，這種近乎「消隱」的設計手法讓橋體退居為襯托環境的背景，靜靜懸浮於水天之間。另一方面，淡江大橋必須同時滿足輕軌、汽車道、機車道、自行車道與人行道等多元機能，使橋面寬度大幅增加，為回應此一條件，橋塔角度的微幅旋轉與鋼索的排列調整使結構在不同視角中呈現流動變化，成為一段可被感知的律動。 主橋塔放射狀的斜拉鋼索，突顯橋梁的張力之美。   由空中俯瞰，橋面、鋼索與河流相互交織，清楚展現淡江大橋跨越水域的尺度感，也讓橋體結構更為鮮明。 一段流動的軌跡 設計中對桅柱採用洗牆燈照明，營造出細微漸變的效果，與橋面交接處相對明亮，亮度將隨桅柱向上延伸的方向逐漸淡出，消失在一片靜謐夜色中。而橋上的126支景觀燈柱亦延續「輕」的概念，並進一步轉化為帶有動態意象的語彙，燈柱隨鋼索傾斜起伏，線條時而伸展時而收束，宛如舞者於河口翩翩起舞一般，在節制之中蘊含節奏。當夜幕降臨，燈光沿著這組「舞動的線條」逐一亮起，在淡水河面映照出連續光跡，輕柔卻清晰，讓橋梁結構、光影及河流相互交織成一幅持續生成的風景。 126支量身訂做的燈柱，以舞者姿態為靈感，呈現高聳、傾斜及彎折的流動線條。   在設計和工程的協作過程中，大量運用數位模型與參數化工具，從風洞測試、結構優化到細部構件的調整等，皆透過即時回饋進行整合，不僅確保設計的全盤落實，也體現工程團隊對原始構想的尊重與實踐，展現工程及建築的跨域成果。   以橋交織城市肌理 淡江大橋不只作為交通節點，更被視為新的國家門戶，成為世界看見台灣的入口，正是在這樣的象徵意義下，橋梁選擇以輕盈之姿介入，在視覺上保持低調，卻在文化與空間層面上承載了更深層的重量。當我們再次凝望這座橋，它所帶來的改變，或許不止於交通的轉換，也是回看城市的新路徑，人們穿梭在橋面上，行進間將原本停留於岸邊的風景轉化為可親身經歷的過程，使熟悉的淡水記憶，在不同的距離與高度之中，再次被喚起。  落日在橋塔與斜拉鋼索之間緩緩下沉，留下淡水夕照最具辨識度的瞬間。   資料及圖片提供」交通部公路局、台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

2026米蘭設計週（Milan Design Week）中，德國頂級廚電Gaggenau以「凝然聖域PRESENCE」，重返現代主義地標──內基．坎皮里奧別墅（Villa Necchi Campiglio）。自2022年起，這座別墅不僅是Gaggenau兩年一度構築美學殿堂的聖地，更見證了品牌六年三部曲策展的演進。 2026米蘭設計週中，Gaggenau以「凝然聖域PRESENCE」為主題，詮釋品牌的當代美學。   「凝然聖域」是 Gaggenau對動盪時代的深刻內省。面對紛繁不確定的當今社會，Gaggenau透過精煉的建築語彙屏除冗餘，在米蘭城中打造一處靜謐綠洲，觀者在步入Villa Necchi花園的瞬間，便將城中喧囂隔絕於門外。這是一場向內的感官覺醒：建築式展場建構的秩序與寧靜，引領觀者過濾時代的雜訊，隨著光影引導，材質的鋪陳，紛擾逐步沉澱，讓人得以在呼吸間感受空間的寬裕，回歸當下的專注，凝望生活本質的「存在」。   展場設計由品牌長期合作的慕尼黑建築設計團隊1zu33操刀，憑藉多年來攜手打造全球旗艦店與米蘭設計週展場的深厚默契，他們再次運用極致材質語彙，精準詮釋了品牌美學的當代演進。 展場運用宏偉的對稱軸線與序列立柱營造超脫塵囂的氣氛。   隱匿於世的現代神殿 展場宛如一座隱匿於世的現代羅馬神殿，以宏偉的對稱軸線與序列立柱，勾勒出肅穆的空間精神。對義大利古典建築與人文遺產致敬的同時，更透過光影的精準布局，將場所神聖的秩序感賦予當代的樣貌。   羅馬洞石、玄武岩與燒杉木等天然材質在此交疊，散發大地與歲月交織的沉穩厚度；在柔和漫射的光影下，營造出超脫塵囂的永恆氛圍。Gaggenau褪去電器的冰冷，被賦予靈魂地安置於神龕般的結構中，與橫亙千年的材質展開對話，透過刻意的留白與比例控制，引領觀者進入去蕪存菁的沉思，在此，唯有工藝的本質得以凝練不朽。 Gaggenau的作品彷彿被賦予靈魂，放置於神龕般的結構中。   材質：空間的敘事靈魂 在這座聖域中，廚電產品不再是獨立被陳列的物件，而是與空間共生的建築語彙。視覺中心的石梯利用羅馬洞石（Travertine）疊砌，Expressive系列烤箱鑲嵌其中，石材原始的力與美，以及金屬的精準冷冽，在對比中碰撞出高張力的感官敘事。 Expressive系列烤箱鑲嵌在由羅馬洞石打造的石梯中，石頭和金屬交織出極具張力的美感。   Minimalistic系列烤箱漂浮在一座鏡面玻璃立方盒中，藉由背光鏡面與染色玻璃的層疊，演繹深邃、無界且輕盈的當代美學，讓Gaggenau作品化為純粹的幾何藝術。 Minimalistic系列烤箱展示於漂浮鏡面玻璃盒中，深邃又輕盈。   由高溫淬煉的燒杉木跟玄武岩水平疊砌而成的中島，展現如地質景觀般的野生粗獷。Vario 400系列爐具的精緻光澤猶如從原始岩木中精煉而生，這座大量體彷彿是空間中的祭壇，以紮實的份量感錨定核心。  Vario 400系列爐具跟粗獷的燒杉玄武岩中島相互結合。   Vario Expressive系列冰箱與酒櫃則隱身於拋光黃銅牆面後，宛如通往神殿最深處的密室入口。當門扉優雅敞開，內部的溫潤暖光從金屬牆體中滲出，消融了立面的厚重感。 Vario Expressive系列冰箱與酒櫃隱於拋光黃銅牆後。   持續推動廚房美學 Gaggenau於2022年首度以「形之表述A Statement of Form」現身米蘭設計週，2024年以「重力昇華The Elevation of Gravity」窺見未來，再到 2026年以「凝然聖域PRESENCE」完整了跨度六年的米蘭三部曲策展；每個篇章都更趨近本質，從可見到可感，從形塑到存在。   品牌的設計根植於「傳統前衛」（Traditional Avant-garde）哲理，每件作品皆是對源自1683年匠心工藝的致敬，同時也見證當代廚房的演進，透過設計探索與空間共生的可能，為現代精緻生活樹立全新美學典範。     資料及圖片提供」Gaggenau 編輯」陳映蓁

來自丹麥的設計品牌&Tradition推出全新春季系列作品。延續品牌對人、材質與生活環境的關注，本季結合全新設計與經典再現，透過家具、燈具與戶外系列的多元呈現，回應當代生活的不同面向。從空間的流動、光的氛圍，到材質的選擇與戶外生活的延伸，&Tradition以更貼近日常的方式，重新思考設計與生活之間的關係，展現在經典與當代之間流動的設計語言。 Verner Panton 100週年限定櫥窗，採用Flowerpot VP1新色吊燈交錯懸掛，構築層次分明的光影節奏。   Flowerpot：重現1970年代經典配色 誕生於1968年的Flowerpot系列，為Verner Panton最具代表性的經典設計之一，以簡潔而富有玩味的造型語彙，重新定義燈具與空間之間的關係。透過上下兩個半球形燈罩的比例關係，光線柔和地於其中流動，形塑出標誌性的光影層次，成為丹麥設計史上的經典符號。 Flowerpot：重現1970年代經典配色   為紀念Verner Panton百年冥誕，&Tradition攜手Verner Panton AG Designs，從品牌檔案中汲取靈感，推出全新配色：夜幕藍（Steel Blue）、象牙白（Ivory）與暖陽橘（Zesty Orange），重現1970年代經典的色彩組合。三種色調透過吊燈形式並列呈現，展現出當代與復古交織的視覺節奏。 瑪黑家居針對Verner Panton 100週年的展示布置。   Hi Lo系列：重新定義坐感 Hi Lo沙發將舒適與造型結合，讓沙發得以包覆身體。其寬厚的比例與強調包覆感的軟墊結構，讓使用者在入座時自然被承接，形成放鬆且微傾的姿態。低矮的座面搭配高背設計，並透過向上延伸的曲線，側面以近似C型的輪廓營造出向內包覆的安全感。Hi Lo由單椅與轉角模組構成，可靈活組合為不同配置，延伸為更完整的休憩場域，設計團隊Anderssen & Voll表示，設計正是從人體工學與深層舒適出發，帶來直覺且富有吸引力的使用體驗。 Hi Lo沙發   Kape系列：工藝與結構的結合 &Tradition攜手Industrial Facility推出全新Kape餐椅。以簡潔而鮮明的輪廓為起點，Kape不僅回應當代空間的美學需求，更從設計源頭重新思考家具的使用壽命與可持續性，一開始便以「延長使用壽命」為核心概念，設計團隊將可替換與可維修性納入結構之中，使座椅布套如同量身訂製般精準貼合，並可輕鬆拆卸與更換，讓家具持續被使用與更新。 Kape餐椅   Kape最具代表性的特徵，在於其標誌性的「K型結構」框架。以回收鋁材打造，線條俐落且具有辨識度，同時支撐整體比例與結構強度；座椅內部則配置兩種不同密度的泡棉，分別對應座面與椅背，提供更細緻且長時間的乘坐舒適性。另外，整體結構可拆解、布套可替換，使產品在生命週期結束後更易於回收與再利用。   Develius系列：靈活且有序 延續Develius模組沙發所構築的空間語彙，設計師Edward van Vliet推出全新咖啡桌設計，此款咖啡桌以一致且連續的設計邏輯，進一步拓展整體系列的使用情境，形塑更完整的休憩場域。 Develius咖啡桌   咖啡桌以纖薄且精準堆疊的鋼板構成，在功能與視覺之間取得平衡，提供充足的桌面與收納空間，同時透過簡潔比例，使整體視覺輕盈而不干擾空間；表面採細緻粉體塗裝，提供石灰與白色兩種色調，在低調之中展現細膩質感。懸浮式結構讓桌體彷彿離地而立，甚至可嵌入沙發模組之間，有效減輕模組家具的厚重印象，離地設計亦有助減少灰塵堆積，使空間維持清爽俐落的氛圍。   Utzon系列：以建築語彙轉譯光的層次 &Tradition為經典Utzon吊燈系列推出三款全新配色：炭灰、杏褐、勃根地紅，透過更細膩且當代的色彩語言，重新詮釋這款誕生於1947年的設計作品。 Utzon吊燈   此燈款由丹麥建築師Jørn Utzon所設計，早於其雪梨歌劇院的建築創作十年問世，其層疊式結構與幾何輪廓已隱約展現日後建築語彙的雛形。燈罩靈感來自他童年於父親船廠的觀察經驗，透過深沖與金屬旋壓工藝製成四個獨立組件，再精準組合成具有雕塑感的整體造型。     資料及圖片提供」瑪黑家居 編輯」陳映蓁

奢華生活風格品牌壹酒店1 Hotels日本首間據點「東京壹酒店（1 Hotel Tokyo）」正式開幕。酒店坐落於東京赤阪信託大廈高樓層，坐擁皇居御苑、東京塔與城市天際線的開闊視野；此次開幕亦象徵品牌將其指標性的自然設計語彙、創新餐飲理念、注重身心健康的生活方式，以及對永續發展的堅持，正式帶入東京這座國際大都會。 東京壹酒店牆面呼應皇居護城河的石砌工藝。©Mikkel Vang   日本長期崇尚與自然共存的生活哲學，講究細節、節制，以及對材質的尊重，並深植於日常生活之中。這樣的美學精神在東京壹酒店得到了充分展現，酒店整體以打造城市中的靜謐場域為概念，透過永續建材的運用、細緻的綠植配置，以及富有質感的工藝細節，營造出與自然連結的住宿體驗。   高空綠境的感官旅程 設計靈感源自日本對材質的細膩理解與尊重，並結合壹酒店指標性的親生物設計理念，打造沉浸式饗宴，同時融入敞朗的城市景觀視野；從回收材料的運用到嚴謹的營運流程，成功取得日本最高環境認證。 酒店大廳一隅。©Kentaro Kumon   室內由國際建築與設計團隊CRÈME操刀，在城市天際線之上打造一處結合自然與設計的高空場域，並隨著移動逐步展開空間體驗。自地面層開始，一面綠植牆引導賓客暫離城市喧囂，轉入相對安靜的情境中；隨著動線向上延伸，如同沿著樹幹向上攀升，最終抵達位於38樓的大廳，進入象徵「樹冠」的開闊綠意場域。 以自然材質與簡約設計打造，提供自在舒服的室內休息空間。   自然元素貫穿整體設計，木質天花板以細緻紋理呈現樹皮意象，牆面則藉由層次質感，描繪如同空氣流動般的視覺效果；指標性的大谷石牆面呼應皇居護城河的石砌工藝，讓空間和東京的景觀與歷史語境相互連結。綠植則為重要核心，展現壹酒店將戶外自然元素引入室內的設計理念；從充滿生命力的綠植牆，到公共空間中大量植栽的配置，再到將景觀引入室內的規劃，皆構築出置身城市之中卻與自然共存的氛圍。 起居空間結合寬敞格局與大面窗景設計，打造舒適且具開闊視野的住宿環境。 浴室寬敞舒適，結合自然元素設計，打造放鬆身心的沐浴體驗。   酒店共設有211間客房，包括24間套房及3間頂樓套房，整體以自然為核心，融合日式極簡美學，同時兼顧現代旅宿所需的舒適機能。客房內點綴以永生苔蘚與回收木材製成的親生物藝術作品，搭配在地工藝裝飾與細緻配置的綠植，打造自然與質感兼具的氛圍。部分房型更以窗景為框，將皇居御苑與東京天際線引入室內，成為景致的一部分。 房內可將壯麗的城市景致盡收眼底。©Kentaro Kumon   餐飲饗宴亦是東京壹酒店的重要亮點之一，從白天到夜晚呈現不同節奏及氣氛，酒店共規劃三個風格鮮明的餐飲空間──NiNi、Spotted Stone與Neighbors Café，不僅吸引旅客，也成為在地居民日常聚集的場所。透過多元餐飲形式與空間設計，打造適合交流互動、放鬆停留的用餐環境，同時形塑具有生活感與歸屬感的社交場景。 NiNi餐廳入口以自然材質與光影設計為主軸，營造結合城市景觀與用餐氛圍的迎賓場域。   NiNi Bar夜間透過燈光設計與空間層次，勾勒溫潤且具節奏感的氣氛。   資料及圖片提供」東京壹酒店 編輯」陳映蓁

在南國溫暖的春陽映照下，一座承載歷史記憶的建築迎來新生。近日屏東縣立美術館舉辦開幕式，並正式向公眾敞開大門，開館首展《當繁花盛開—日本當代藝術展》同步揭幕。這座由日治時期菸葉廠房改建而成的美術館，不僅是屏東文化建設的重要里程碑，更以橫跨百年藝術脈絡的國際大展，展現屏東連結世界的雄心。 保留原有建築，並讓入口退縮，創造開闊的視覺感受。   歷史空間的重生 這座建於日治時期的菸葉廠房，在建築師石昭永的巧思下，保留原建築耐重結構與高挑空間的特色，為空間引入自然天光。天光透過側向反射屋頂進入室內，形成柔和而間接的光影層次，讓光成為塑造氛圍的重要媒介。佔地1600坪的兩層樓建築，以中央連通廊道為動線主軸，串聯多功能空間、展廳、開放階梯區與公共設施，形成清晰而流暢的參觀路徑。 旋轉樓梯縱向串聯，讓觀者在垂直移動時感受光線、尺度與空間層次的變化。​ 開幕典禮上，縣長周春米、策展人王玉齡應邀出席，日本藝術家小松美羽、中村萌、江上越與日本台灣交流協會高雄事務所所長奧正史更親自來台，共同見證南國藝術新篇章。縣長周春米表示，屏東縣立美術館不僅作為藝術展覽及美學教育的重要基地，更是屏東與國際藝術對話的重要窗口。首次來到屏東的日本藝術家小松美羽也分享，對屏東溫暖的光和風印象深刻，期待這樣的經驗能運用於往後創作之中。 懸浮於光之中的玻璃展櫃，成為串聯樓層與視線的視覺焦點。   從廢墟中綻放的藝術風景 作為開館首展，《當繁花盛開－日本當代藝術展》由蔚龍藝術總經理王玉齡擔任策展人，並邀請曾任金澤21世紀美術館館長的秋元雄史擔任展覽顧問。策展理念從菸廠轉化為美術館空間出發，本身即是重生；而日本戰後以來的藝術發展，亦是日本藝術家們的每一世代，從戰火灰燼中重生，他們重新找到屬於日本傳統與自我藝術之間最具原創性的表達形式，如同廢墟中破土而出的花朵。 展場一隅，「夢境與幻花：感官擴張」藉由草間彌生與鹽田千春，構築介於幻覺與記憶之間的精神景觀。   展覽以花為隱喻，並劃分為六大子題，細膩梳理日本當代藝術的發展脈絡，呼應這座近百年歷史建築的軌跡精髓，集結草間彌生、村上隆、奈良美智、鹽田千春、荒木經惟、蜷川實花、小松美羽、中村萌、井上有一、白髮一雄、高野綾、六角彩子、天野喜孝、空山基、名和晃平、江上越共16位日本重量級藝術家，橫跨書藝、繪畫、攝影、雕塑與裝置等多元媒材，總計58組作品。 展內一隅，「艷影與日常：愛慾凝視」在荒木經惟與蜷川實花的鏡頭下，捕捉慾望的流轉和時間的無常。   在地典藏雙展並陳 台日文化交流平台 除了國際特展，二樓《大湧崁岸》典藏展由藝術家黃志偉與許遠達共同策劃，以黑潮與山海意象為主軸，精選屏東縣多年來典藏作品，從族群文化、土地記憶到南方風貌，梳理屏東藝術發展的歷史脈絡。展覽更串連國立臺灣美術館、臺北市立美術館及高雄市立美術館三大館藏，並向福岡亞洲美術館借展，結合多媒體互動與數位展示形式，展現屏東在全台藝術網絡中的積極角色。 中央廊道局部挑空，形塑通透流暢的參觀動線。   屏東縣立美術館的成立，不僅是地方文化建設的重要時刻，更是屏東走向國際的起點。這座從菸廠廢墟中重生的美術館，正如策展人所言：以花為隱喻，藝術家們透過各自創作語彙綻放不同姿態，讓這片南國土地的藝術紋理，被更多人看見。   《當繁花盛開—日本當代藝術展》 時間」2026年3月28日至8月30日 地點」屏東縣立美術館（屏東縣屏東市菸廠路1號，屏菸1936文化基地） 展覽詳情請至展覽官網瀏覽。   資料及圖片提供」蔚龍藝術 編輯」林靖諺