當人類開始將目光投向宇宙，設計也同步展開對未來生活的想像。1957年蘇聯成功發射第一顆人造衛星，1969年阿波羅11號登陸月球，太空競賽不僅改寫科技發展進程，也形塑了20世紀中葉對未來世界的集體想像。火箭、衛星、太空艙與科幻電影中的視覺語彙逐漸滲入大眾文化，進而影響建築、藝術與家具設計領域。設計師開始以流線曲面取代傳統直角框架，並積極運用塑料、玻璃纖維與金屬等新興材料，描繪未來生活的樣貌，「Space Age Design（太空世代設計）」也因此成為1960至1970年代最具代表性的設計風潮之一。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   今年適逢丹麥設計師Verner Panton誕辰100週年，明日家居MOT CASA於NOKE 忠泰樂生活推出全台唯一一場《SPACE AGE DESIGN—Verner Panton 與太空世代設計經典展》。展場以Verner Panton的代表作品為核心，同時納入Marc Newson、Tom Dixon與Ron Arad等當代設計師作品，從造型、色彩、材質和科技等面向，回顧太空世代設計的發展脈絡，並探討其如何持續影響當代文化。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   打破北歐設計框架的實驗者：Verner Panton Verner Panton無疑是Space Age Design最具代表性的人物之一。相較於傳統北歐設計強調天然材質與功能主義，Panton更關注感官經驗與情緒氛圍的塑造，他透過大膽鮮豔的色彩、有機曲線，以及對塑料等新材料的積極實驗聞名，並以此重新定義家具與空間的關係。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   從雕塑感十足的《Heart Cone Chair愛心甜筒椅》、改寫家具設計史的《Panton Chair》，到打破水平座位邏輯的《Living Tower生之塔 雕塑型間隔 / 沙發》，皆展現其對未來生活型態的前瞻想像。對Panton而言，家具不只是功能型的日常物件，更是塑造空間感知、與使用者互動的媒介。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   本次展覽的另一亮點，則為特別集結多件由Vitra生產的Verner Panton經典作品，其中更有兩款為了紀念其百年誕辰所推出的全球限量作品，並首度於台灣公開亮相。包括首次推出雙色版本的《100週年紀念版｜Heart Cone Chair愛心甜筒椅（雙色／藍）》，以深淺藍色重新演繹標誌性的愛心輪廓跟錐形基座；而《2026年度限量版Panton Chair》透過全球票選機制，自經典色彩語彙中選出日冕橘、新星紅、電光藍與松石綠4款限定配色。在突顯設計師的個人風格之餘，也反映其作品在當代設計文化中的持續影響力。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   Herman Miller版本Panton Chair老件，支撐軸細節照。 重新思考設計與未來想像的關係 除了聚焦Verner Panton的成就，展覽亦從太空競賽、塑料革命、流體造型與未來主義美學等角度切入，回顧那個相信科技能改變世界的年代；Space Age Design所關注的不僅是一種造型風格，更是人們對未來生活的期待與投射。今日人類再次面對AI、數位科技與新興技術帶來的變革，本展希望藉由這些經典作品，重新喚起人們對未知世界的好奇，以及設計如何回應時代願景的思考。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   SPACE AGE DESIGN—Verner Panton 與太空世代設計經典展 日期」2026年6月5日至7月5日 地點」NOKE忠泰樂生活 Uncanny（台北市樂群三路200號3樓）     資料及圖片提供」明日家居 MOT CASA 撰文」陳映蓁

臺北市立美術館戶外廣場，多年來承載著人群的流動與聚合，既是進入美術館的必經之地，也是城市與藝術之間那道若有似無的邊界。自2014年啟動的X-site計畫，便以這個過渡空間為基地，年復一年提出對於公共性的實驗探問。那個代表未知與變動的「X」，象徵動態的辯證，持續回應公共空間的多重可能。第十三屆X-site計畫於今夏揭幕，首獎團隊「做白工作室」以《鏡・亭・山：相看兩不厭》進駐廣場，用一種近乎輕柔的姿態，重新梳理人與場域之間那層尚未被言明的關係。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》外觀圖。以「掀起地皮」為概念，輕巧重組了廣場的垂直與水平關係。 「做白工作室」是「創造有意義的空白」的跨領域設計團隊，創作出發於對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深究，視《鏡・亭・山》為介入環境、重構關係的行動實踐。原本以通行機能為主的廣場入口，藉由地表輕巧「掀起」的意象結構，重新配置場域中水平與垂直、上方與下方之間的關係。作品未錨定於既有混凝土鋪面，以鋼板與懸索結構，創造出一片完全穿透、不倚靠柱子與牆面支撐的自由場域，充分展現結構本身就是一種關係的思考。 「做白工作室」團隊合影，團隊成員(左至右下)：溫子慶、梁立白、陳冠文、鄭詠心、蔡君陽。   多重的閱讀 流動的邊界 《鏡・亭・山》的命名蘊藏三種不同層面的解讀意涵，彼此交疊卻不相互定義。「鏡」不止於被動映照，它反射空間裡人與人的動態互動，並在特定角度中，將周遭自然天光、北美館建築形體等環境現況收納進作品一隅，讓觀看與被觀看成為流動的參與。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》外觀圖。鋼板與懸索構築出無柱無牆的自由場域，結構本身成為一種空間關係的對話。 「亭」則超越傳統遮蔽或停留的建築功能，在結構被「拉起」的狀態下形成嶄新的停留空間，界線模糊，卻能容納身體的暫歇。「山」連結無限可能的想像與未知，雙向掀起的屋頂與地板共同構成可穿梭、可停駐的場所，既是休憩點，也是路徑本身。在這些層面交織之下，「經過」本身便成為一種參與，場域不再是被動容器，而是持續生成關係的動態結構。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。鏡面捕捉人際互動的流動，並將天光與建築輪廓納入作品一角。   除了空間塑造，團隊更從環境中延伸感知的觸角。抵抗風浮力的鋼纜被轉化為「可觸碰發聲互動裝置」，那些為穩定結構而繃緊的鋼索猶如樂器中的琴弦，當觀者輕觸撥動，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，或許是展間中的低聲交談，或許是行走於建築內的腳步聲。這些平時不易察覺的細微聲景，此刻被揭露在廣場風中，成為另一種聆聽美術館的方式。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。用以穩定結構的鋼纜，化身為觸發聲音的弦，讓物理的拉力轉譯為空間的聽覺記憶。 另一處巧思落在屋頂的「蛇紋磚板片」。團隊表示，塞尚晚年以二十年時光反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是在追索真理。以此為靈感，他們將第一屆X-site舉辦以來廣場的歷年衛星空拍圖化為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域重要的視覺特徵，亦承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。蛇紋磚板片的圖案，來自歷年廣場衛星空拍圖的像素重組，將場域變遷與觀眾記憶，鑲嵌進北美館廣場的地景之中。 作品透過對環境、歷史脈絡與自身感知的轉化，梳理歷屆X-site計畫與基地之間的關係，將廣場真實的歷史紋理與場域記憶，轉化為另一層次的觀看與感知經驗。展覽期間亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等面向，邀請觀眾重新與環境共譜，在人與環境、內與外之間，保留那片「有意義的空白」。   《鏡・亭・山：相看兩不厭》 時間」2026年5月16日至7月26日 地點」臺北市立美術館 戶外廣場 更多展覽內容請至北美館官網瀏覽。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

來自日本的「観察の樹（觀察之樹）」於2026年迎來品牌十周年，攜手陽明山美學空間「裏山URAYAMA」，2026年5月31日前推出「《觀察からの存在》十年歷程。設計・觀察・職人精神」特展，以策展形式呈現家具和生活之間更深層的關係，並回望品牌十年來「日本設計・台灣製造」的文化實踐，透過家具、工藝與空間，重新思考「觀察」與「存在」的意義。 観察の樹（觀察之樹）於陽明山裏山URAYAMA展開十周年特展。   本次不僅帶來多件代表作，更首度發表「historica法式家具系列」，完整展現設計脈絡的延續與進化；另一亮點則為台日工藝的跨界融合，發布台灣傳統木雕「陳彫刻處」與花磚文化「淡陶社DANTO」合作款。 觀察之樹十周年特展匯集十年來的經典家具系列與新品。   「觀察」走向「存在」 「一切都始於觀察」這句話，是「觀察之樹」創辦人暨藝術總監黑坂昌彥十年來始終不變的核心信念。 「觀察之樹」海外開發企劃總監庄司佳代（左）與藝術總監黑坂昌彥（右）。 自2016年於台北設計師週首次發表以來，觀察之樹持續與台灣職人展開深度合作，在材料、工法與生活節奏之間反覆對話，逐步建立出屬於亞洲生活文化的設計語言。此次特展象徵品牌從「觀察」走向「存在」的轉變，這樣的設計哲學也成為觀察之樹長年回應高齡化、少子化與家庭關係變化的核心：家具不再只是功能性的存在，更應是人與人之間情感交流與記憶延續的媒介。 展出首次公開的historica法式家具系列以及眾多經典家具。   展覽選址於陽明山上的裏山URAYAMA，空間本身即充滿深厚的人文背景。「裏山」是一個藏在山裡的古物植栽專門店，結合景觀造景、古物、植栽、藝術，集合每個合作夥伴的強項，創造更多元化的體驗。這份跨越世代的自然記憶，也與觀察之樹長期關注「時間感」與「生活文化」的理念彼此呼應，家具將與裏山的古物、植栽與山林環境共同展演，形成一場介於自然、工藝與生活之間的沉浸式體驗，觀者不只是觀看家具，而是在山霧與木香之間，重新感知物件與時間。 展覽現場。 觀察之樹經典家具Kino Stool。 百年工藝跨界合作 觀察之樹亦透過木雕與花磚兩種承載時代記憶的工藝語彙，重新思考家具與生活、文化與時間的關係。其中，台灣百年木雕品牌「陳彫刻處」將傳統木刻工藝中的刀痕、力道與手感，融入觀察之樹經典家具Kino Stick系列之中，使原本平滑的木質產生細緻而富有呼吸感的紋理。 與「陳彫刻處」跨界合作Kino Stick。兩款分別是草結Kusamusub（左）、海原Unabara（右）。 而日本擁有百年歷史的花磚品牌「淡陶社 DANTO」，則帶來復刻自日治時期的經典花磚工藝。「和華WAKA」與「虹彩KOUSAI」兩款花磚皆源自1920至1940年代曾廣泛出現在台灣住宅、公共建築與南部老宅中的磁磚紋樣；更特別邀請長期研究台灣花磚文化的相關研究者與花磚博物館團隊共同交流，重新梳理這段跨越台日的工藝脈絡。花磚本身具備良好的散熱特性，在夏季接觸時帶有自然涼感，也讓家具在實用性之外，多了一層貼近日常生活的感官體驗。 與「淡陶社 DANTO」花磚跨界合作。分別是Kino Stick淡陶社款-和華WAKA（左）、Kino Stick淡陶社款-虹彩KOUSAI（右）。   本次展覽亦首次完整公開「historica法式家具系列」。該系列源自半世紀前留存在台灣家具工廠中的經典法式家具語彙，透過觀察之樹重新詮釋，保留法式家具優雅比例、雕刻細節與工藝精神的同時，融入亞洲生活尺度與當代材質思維，展現品牌近年在設計脈絡上的延續與進化。 現場同步展出「historica法式家具系列」，透過保存與再製既有材料，讓這批沉睡多年的家具重新被看見。     資料及圖片提供」観察の樹（觀察之樹） 編輯」陳映蓁

勤美術館（CMP INSPIRATION）即將於3月20日迎來一場前所未有的策展變革。全新春季特展《你缺藝術家嗎？先「畫」再說！》，由知名藝術團隊「走路草農藝團」操刀，邀請觀眾放下對藝術的敬畏，入館化身成為一日藝術家，佔領美術館牆面。這不只是展覽，更是一場為期100天、目標集結10,000人共同完成的當代藝術實驗，並同步啟動 2026 年度藝術教育計畫。 策展單位走路草農藝團。©走路草農藝團   美術館模樣由你決定 自2024年底開館以來，勤美術館致力於「打開想像」，持續思考一座美術館如何成為城市中最自由的練習場，從每場展覽中不斷鬆動觀看與參與之間的界線，讓藝術不再只是被欣賞，而是一種可以被啟動的行動。   本次由「走路草農藝團」策劃，創辦人陳漢聲與劉星佑從街角常見的提問「你缺臨時工嗎？」轉化為對藝術體制的靈魂拷問「你缺藝術家嗎？」，思考日常勞動與藝術創作之間的關係──當社會清楚定義各種工作形式時，藝術勞動卻往往隱形。延續勤美術館前身「工家美術館」概念，試圖探問工家、藝術家與觀眾之間的界線，向源自雙手與行動的實踐致敬。不同於以藝術家為主體的展覽，本展將焦點放在尚未完成、正在發生的創作過程。 勤美術館2026春季展，主視覺形象示意圖。   觀展即參展 「走路草農藝團」以幽默翻轉嚴肅論述，規劃「非學院的藝術練習」，將勤美術館打造成四大功能各異的創作現場，構成一套完整的「藝術家養成動線」，讓觀眾在不同創作狀態中自由切換，同時邀約六組藝術家陪伴創作。分別是B1暖身基地：從簡單的點線面拼貼開始手作，找回觀察世界的全新視角；B1自由畫室：可自行擺設靜物、描繪靜物畫，體驗藝術家的視角轉換；1樓雕塑記憶庫：將自身的回憶小物件裝進葉片袋，縫入展場的大型柔軟裝置；1樓沙龍大平台：作為展覽的心臟地帶，觀眾的作品會在此輪流展出，直接成為美術館的正式展件。 創作場域「沙龍大平台」將輪流展出觀眾完成的作品。示意圖。 創作場域「自由畫室」透過角色轉換讓觀眾體驗藝術的流動。示意圖。   透過兩大關鍵機制，記錄每一位參與者的藝術勞動，挑高展場中央懸掛的巨型「浮空雲朵」塗鴉區，象徵群眾靈感的流動，觀者可在雲朵表面留下筆跡，隨著展期推移，雲朵將逐漸累積眾人的觀察與記憶，匯聚成一件隨時間生長的「活作品」，讓美術館變身為一座持續運轉的創作現場。 由藝術家李芳吟規劃的「雕塑記憶庫」，織縫於展場共創裝置上，讓一片片記憶匯聚成屬於草悟道的集體風景。示意圖。   藝術家賴怡璋與謝佳瑜共同合作「生成變化中的靜物」，邀請觀眾擺設靜物、描繪靜物畫，體驗最自由的創作氛圍。 《你缺藝術家嗎？先「畫」再說！》 日期」2026年3月20日至6月28日 地點」勤美術館     資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

睽違十年，日本攝影與視覺藝術大師蜷川實花，攜其標誌性的絢爛美學重磅回歸，在華山文創園區盛大揭幕其海外最大規模個展《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》。這不僅是一次經典作品的再現，更是一場美學語言的全面進化。她與科技藝術團隊EiM深度聯手，打破平面攝影的框架，將影像、裝置、光影與空間融為一體，邀請觀眾步入一場穿梭於光與暗、生與死、現實與幻境之間的沉浸式感官旅程。 蜷川實花現身《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》 開幕記者會。   八大展區 層層遞進的敘事迷宮 此次以「彼岸之光，此岸之影」為題，精心構築八大展區，形成一首首視覺的敘事詩章。展覽起點《生命的呼吸》，以迷離的霓虹燈光與水箱裝置，營造如夢似幻的都市生命脈動。 展區《生命的呼吸》中的驚喜小彩蛋，台北街景、寺廟與巷弄的蹤影進入作品中。 細心的觀眾會發現，蜷川半年前秘密造訪台北時捕捉的街巷風景與廟宇光影，正悄然流轉於影像之中。這份獻給台北的深情彩蛋，源自藝術家對這座城市「懷舊與嶄新並存」的活力能量深深著迷。   展區《綻放的情感》一隅，透過音樂與影片和諧搭襯，在如夢似幻的自然場景中，感受令人深入其境的五感體驗。 展區《與光影共舞》一隅，透過極致的聽覺與視覺饗宴，感知大自然的生命歷程。 隨後，《綻放的情感》、《與光影共舞》等展區，逐步引領觀眾深入其核心美學世界。而台北站獨有的新增展區《生命的殘骸》，無疑是本次展覽的哲思亮點。無數印有巨大花朵的布幔自天幕垂落，層層交疊出盛放與凋零的殘影，行走其間，彷彿在鮮活的「此刻」與褪色的「記憶」中徘徊，優雅而深刻地展現生命與消逝。 展區《生命的殘骸》一隅，透過層層花樣紗布，呈現墓碑前供奉的花朵景象，傳遞徘徊於生死之間的記憶痕跡。   經典再詮釋 沉浸式體驗的極致展現 觀眾所熟悉的蜷川式攝影作品，在《解放與執著》與《綻放之境》中被賦予全新維度。它們與精緻的複合媒材、立體裝飾藝術交織，使平面影像化為可觸可感的空間敘事，展現其對華麗與執念的細膩凝視。 展區《解放與執著》一隅。 而於京都展備受熱議的《深淵彼岸的夢》，則帶來全然包覆的感官震撼：觀眾先被無盡怒放的絢爛花海擁抱，旋即步入由鏡面與巨型螢幕構築的720度無限全景空間。櫻吹雪、花火、律動海洋，場景永恆變換，使人徹底沉入一個超越現實的彼岸幻夢。   展區《深淵彼岸的夢》一隅，透過LED全景空間，以及絢麗綻放的花園，為觀者帶來彷彿脫離肉體感知的心靈之旅。 展覽的璀璨終章《光之細語，色彩之夢》，以全面升級之姿驚艷登場。超過兩千條水晶串飾編織出閃爍奪目的夢幻空間，光線折射下，蝴蝶、花朵與水晶交織出瞬息萬變的色彩光影，每一步轉身，都能遇見獨一無二光景。   展區《光之細語，色彩之夢》一隅，在超過兩千條的水晶串式的垂吊下，在光影折射下，蝴蝶與花朵顯得夢幻而生動，令人沉醉。 台北限定獻禮 美學與在地文化的交會 為慶祝此次里程碑式的展出，展覽特別推出多款由蜷川實花親自監修的台北獨家限定商品，其中不乏日本未曾發售的品項。從實用的大容量托特包、雅緻絲巾，到為多雨氣候設計的傘具，皆貫徹其華麗風格。最特別的莫過於因應藝術家對茶飲喜愛而誕生的「烏龍茶包組」，其包裝巧妙融入台式傳統花布元素，成為蜷川美學與台灣在地文化迷人的跨界融合。 展覽限定商品。 蜷川實花強調，本展是她與電影燈光、美術等多元領域創作者共構的成果，旨在打造如電影敘事般的沉浸氛圍，期待每位觀眾以探險之心走入這虛實交錯的迷幻國度，在極致的光、影與色彩流轉之間，尋找專屬於自身的情感共鳴與生命故事。 蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影 時間」2026年1月17日至4月19日 地點」華山1914文創園區 東2C、D棟 展覽詳情請至展覽官網瀏覽。   資料及圖片提供」聯合數位文創 編輯」林靖諺

WOW Furniture與iart Gallery愛上藝廊攜手推出跨界計畫《一日之所》，首次將台灣藝術家的創作帶入丹麥家具品牌GUBI的選品中。2026年1月31日前於WOW Furniture展出。 WOW Furniture與iart Gallery愛上藝廊攜手推出《一日之所》。   1967年於哥本哈根創立的GUBI，以「重塑經典」聞名，融合20世紀設計先鋒與當代設計師相互交融的前瞻願景，使傳奇作品再版新生、永續傳承。GUBI的世界如同一本自成系統、擁有完整詞彙的字典，任何人都能從中擷取片段，組成屬於自己的獨特文句；它是一座蘊藏生活藍圖靈感與秩序的寶庫。 以藝術品與設計家具交織豐富場景。 本計畫以藝術品與設計家具的配置為核心，延展出一日生活的多重情境與氛圍，讓「生活的必經」成為「設計的意圖」，以設計扶持日常的片刻。走進展覽，北歐家具的美感、機能與情感理念，與台灣當代藝術家的創作互為表裡。展覽以GUBI F300 Lounge Chair休閒椅及多款GUBI家具為主要場景，呈現藝術家李屏宜、陳楷仁、邱君婷、魏孟如、呂巧智作品共同構築的生活巧思與可能。 李屏宜 × GUBI Wonder沙發。   法國設計師Pierre Paulin於1960年代構思的F300 Lounge Chair，早期版本曾收錄於紐約現代藝術博物館（MoMA）館藏，跨越家具與藝術領域，並於2025年由GUBI復刻升級。其雕塑般的流線造型跨越時間、空間與語言，不僅在設計史上具備重要地位，也啟發人們重新感受坐臥的姿態，凝視與玩味當下，使放鬆成為生活的進行式，讓 GUBI F300 成為家中歷久彌新的靈感泉源。 陳楷仁 × GUBI系列餐桌。   家具與藝術共構空間情境 《一日之所》在生活裡輕巧編織GUBI設計家具與當代藝術家的作品敘事。早晨的客廳，一處舒展停留的窗景意象，李屏宜的作品如漣漪推波，映照自然的寧靜與流動。白晝之中，陳楷仁的作品象徵線性前進中的小小曲線，在每一次的人際交流裡保持清醒與幽默。在日光深處，火與花交織成一場無聲的盛宴，映照出呂巧智陶瓷作品浴火重生的燦爛與堅毅。黃昏時分的片刻休息，邱君婷的作品引領觀者向光調頻，於溫柔的愛與祝福裡，為心充電。夜幕到明日破曉，在魏孟如作品漂浮著理性與感性的符號世界，築一個安適的巢，看著心潮推波，回到沉靜的平衡。 呂巧智 × EICHHOLTZ Maynor餐桌。 邱君婷 × GUBI Stay系列。   展覽裡的五段生活敘事，以及GUBI家具那份獨特的存在感，令人停留。本次更邀請BY YAN PERFUME調香師顏詣縝，為這些片刻調製六款專屬香氣收藏禮，希望延伸感官的記憶以及空間的餘韻。 魏孟如 × GUBI Pacha系列。   《一日之所》 日期」即日起至2026年1月31日 地址：台北市中正區徐州路4號1樓     資料及圖片提供」WOW Furniture 攝影」ANPIS FOTO王世邦 編輯」陳映蓁

路易威登（Louis Vuitton）以「非凡之旅」為題，與重松象平-OMA事務所合作打造，延續近年在上海、曼谷展出的沉浸式體驗，呈現品牌在旅行、 工藝與創新方面的歷史傳承。 此次展覽落地於新世界百貨The Reserve的LV The Place Seoul，透過主題式空間構築一段跨越時間的旅行，描繪品牌如何從富有遠見的行李箱製造商成為全球文化殿堂的演變和進化，以及如何應用過去扎根的歷史脈絡，與現代各項領域結合，放眼未來的開拓方向。 Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅首爾站「經典Icons」展間。 「Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅首爾站」，橫跨三個樓層空間，展出逾200件作品。透過特意為此展設計的藝術裝置 Trunkscape 展間，領觀眾踏入由經典Boîte Chapeau圓帽箱排列而成的隧道，後方的螺旋階梯上包覆著LED顯示螢幕，以動態呈現品牌發展的時間軸，將過往歷史化為視覺意象，讓來賓在行進間沉浸式感受。 沉浸歷史的篇章 展覽四大主題「起源Origins」、「生活風格Lifestyle」、「工坊Workshop」與「經典Icons」帶領來賓由淺入深地認識路易威登的品牌文化。宛如一首敘事詩的起承轉合，「起源Origins」展間自Monogram 帆布的製造為切入點，展開品牌的身分識別和創新精神，隨後藉訂製衣櫥箱與化妝箱，為觀眾呈現高級訂製服與旅行之間的親密連結。 爾後回應時代的變遷，追溯最早為火車、蒸汽船與汽車而生的行李箱，以及應對環境變化而研發的堅韌工藝，從Gris Trianon帆布到令旅行更從容詩意的紡織品，無聲訴說了以實用性奠基、逐步與審美協調塑形的風格演變與確立。 Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅 首爾站的「起源 Origins」展間。 從旅遊的歷史初衷和機動性向外發散，「生活風格Lifestyle」主題空間展現出品牌從旅行延伸至生活藝術的視野，將品牌的宏大敘事轉向聚焦於相對輕盈且更為貼近個人生活需求的細緻項目，為向阿涅爾（Asnières）家族宅邸的餐廳致意，主要由訂製行李箱面構建， 形成一個沉浸式的馬賽克空間。 Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅首爾站「音樂Music」展間。 「工坊Workshop」展間以阿斯涅爾工坊的鐵藝建築風格為設計基調，立材質為主題，並置展出柔軟皮革、拋光黃銅與塗層帆布，側面輔以早期行李箱使用的圖樣與木製模具相互呼應，營造彷彿置身於工坊的氛圍，透過將工藝提升至藝術的領域，強調品牌追求耐用與完美的精神。 緊接其後，「經典Icons」展間以柱狀展示櫃構築出萬花筒般的場域，呈現路易威登經典皮具的演變軌跡，展示作品凝聚歷代藝術總監為品牌傳承留下印記的創作眼光，讓經典款式與創新產品相互輝映。 跨域旁通 多元感知 挑高中庭內，最值得矚目的不外乎以Monogram圖案韓紙構成的巨型行李箱立柱，猶如空中燈籠的壯麗，不僅震撼視覺， 同時也是將在地工藝與品牌文化結合的精神象徵，以此為轉折，引導來賓過渡至下個場境，進入四樓的感官和美學盛宴。 首先以「音樂Music」展間揭開序幕，在近似消音室般的空間中，樂器箱、隨身音響和DJ混音台與iPod保護套等日常物件巧妙並置，跳脫的水藍色與白色背景，宛如音符化為海水與波濤，樂器漂浮其中、乘風破浪，回應路易威登長存不息的創意與革新節奏。 Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅首爾站「藝術合作Collaboration」展間。 「藝術合作Collaboration」與「時尚Fashion」兩個展間相鄰，展品涵蓋歷史性的合作作品和成衣，特別強調旅行主題及品牌與韓國的深厚連結。前者利用旋轉展示架陳列包款，並將帆布圖案投影至前方的大螢幕，再以鏡面包款牆面反射，營造出沉浸式的體驗；後者則是透過常見於機場與火車站的翻牌顯示器，帶領觀者重新探索路易威登時裝系列與大秀的流轉演變。藉藝術與時尚，反映時代潮流和審美趨勢，同時結合韓國元素，表達美與生活的密不可分。 四樓Le Café Louis Vuitton。 四樓的Le Café Louis Vuitton與六樓的JP at Louis Vuitton餐廳，進一步將品牌文化朝飲食方向延伸，讓來賓在飽覽風光後， 也能有一處可以坐下歇息與回憶的地方，以深化品牌的美饌社群概念，並積極融合在地飲食文化。憑藉其建築雄心和文化共鳴，路易威登非凡之旅首爾站結合五感享受與歷史沉澱，打造了一段橫貫過去與未來、跨越國家分野的多層次旅行。 資料及圖片提供」路易威登（Louis Vuitton） 編輯」江瑜

勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊何理WHYIXD策展，以《Input > Unknown》為題，打造以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗。以光影為主題，融合科技、感知與想像力，觀者穿梭於光影矩陣中，重新看見隱藏的資訊如何於城市和日常間流動、生成及綻放。  戶外展覽主視覺《Input _ Unknown》。攝影」楊承 展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。本次由何理WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築結合光、聲、風與數據的多重體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。   以身體運算未知世界 《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理WHYIXD表示，在真實與虛擬邊界逐漸模糊的時代，我們面臨的不只是技術的革新，更是關於倫理、資源、意義與存在的全新提問。此次展覽透過參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能介入的場域；當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你另一種樣貌。   共分為四個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的四階段，策展團隊嘗試以生活美學的方式重新思考展覽呈現，使藝術能持續被看見、被感受，並自然地走進日常。   啟動｜Boot：以偏光鏡開機 自一樓入口〈Hello World〉拿起本展入場通行證：現場特製「偏光鏡」，民眾即可親手解碼隱藏於牆面光影間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，彷彿化身指令輸入者，藉手勢跟視角開啟個人化光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。 作品《Hello World》拿起本展入場通行證：現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。攝影」楊承   運算｜Process：在光影矩陣中行走 來到地下一樓，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構建成可步入的7公尺高像素矩陣，隨著移動和視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀眾和環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。 《像素力場Dynamic Field》由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置。攝影」楊承   隨觀眾的移動與視角改變，顯現潛藏於結構中的色層與反射光譜。攝影」楊承 渲染｜Render：聆聽數據的呼吸 從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉由何理WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。 《海境：回溯 Tender Soul of Ocean_ recall》。如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。攝影」楊承   步入其中如同進入被風跟海洋訊號編織的波光之境，光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。這件作品以溫柔卻深刻的方式提醒我們，氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。 將勤美術館戶外的氣候資料與人流數據轉譯成流動的光影與聲音。©勤美術館   沙盒模式｜Sandbox：眾人一起生成詩性色譜 展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同描繪的「彩虹」。 《白色彩虹Spectrum of White》隨參與者的共創逐漸映現繽紛光譜。©勤美術館   本展延續勤美術館「打開想像」的核心精神，鼓勵大眾以身體作為感知的起點，重新思考觀看的意義。勤美術館賴奕帆總監表示，此次特別將合作能量拉回台灣團隊，期望共同打造更貼近大眾的觀展體驗，《Input > Unknown》不僅是一場新媒體藝術展，更是關於人與世界互動的思辨現場。每一次凝視與移動，都是未知的生成，也是與世界對話的開始。     《Input > Unknown》 日期」2025年11月22日至2026年3月1日 地點」勤美術館CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）      資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

當杜拜的陽光灑落在馬拉西灣（Marasi Bay）水岸，一場關於設計未來的對話，正於這座新舊融合的城市中悄然展開。11月適逢杜拜設計周，國際設計平台Isola Design Group規劃首個實體空間「Isola Space」，為大眾帶來精彩展覽。這不只是一處新場域，更是連結米蘭與杜拜的創意動脈，預示著設計交流的新篇章。 鄰近展區的拉娜濱河步道（The Lana Promenade）。 Isola Space：創意匯聚的跨界殿堂 Isola Space於杜拜設計周正式揭幕，其坐落於鄰近展區的拉娜濱河步道（The Lana Promenade），此地是由杜拜高端開發商OMNIYAT所打造的濱水勝地，象徵Isola Design Group的創意精神與OMNIYAT對藝術與文化承諾的結合。Isola Space由Isola Design Group建築師兼創意總監Elif Resitoglu所操刀，以動態且多元的混合式風格為設計主軸，並巧妙融合展覽畫廊、設計商店、咖啡館、工作空間與活動場地等機能。 （左）Isola Design Group執行長Gabriele Cavallaro，（右）Isola Design Group建築師兼創意總監Elif Resitoglu。 Isola Design Group執行長Gabriele Cavallaro分享，創建一個能讓國際設計圈稱之為「家」的永久基地，是自米蘭起步以來即有的夢想，而Isola Space的實現，正是達成此願景的重要里程碑，期待為設計愛好者、收藏家等提供更加多樣的靈感與交流平台。 Isola Space現場空間照。 為雕琢此一獨特空間，Isola Design Group融匯國際視野與在地精髓，攜手眾多品牌，聯手共築創意之作。Grob Design展出專為Isola Space設計的模組化鋁製桌具系列；Iconico則呈現充滿玩心的3D列印茶几與凳子；Obliq則打造獨特的接待櫃台與展示模組。此外，空間內可見ALPI的Quadra飾面材質、Armourcoat的塗料牆面、Arper的經典座椅、B&T的Metric雕塑座椅、Ton的極簡木椅、Sandalyeci的扶手椅與邊桌，以及Vescom以多款布料組成的挑高窗簾，共構兼具美學與功能的展場。另外，Acumen Light與Dubai Audio則分別負責空間照明與音響系統，體現國際與在地的完美融合。 Epoche Studio 作品《Eocene Side Table》，將古老化石嵌入當代鋁材，共構時間與永恆的對話。 作為Isola Space 的開幕首展，「未來的標誌（ICONS OF TOMORROW）」群展匯聚來自墨西哥、波蘭、義大利、韓國、比利時等國的設計師，呈現一系列當代設計未來趨勢。展中每件作品皆訴說著對材料、形態與功能的重新思考：Epoche Studio將化石嵌入鑄鋁之中，仿若動態與靜止的對話；Jinil Park的《Drawing Series》則將平面手繪稿幻化為立體座椅、燈具與邊桌，挑戰觀者的視覺感知。 Jinil Park作品《Drawing Series》，讓平面手繪躍然成形，巧妙模糊虛與實的邊界。 Aina Kari + Giovanni Botticelli Studio以多元混搭的手作花瓶與燭台，展現威尼斯傳統玻璃工藝；Studio Szkło的玻璃器皿邀光共舞，令形態於折射間從容流轉，悄然重塑觀者眼中的現實。戶外區陳列著由Mexa與Alkimista合作的座椅，以及Pots and Pines的手工陶製花器，將自然與設計融為一體。此展開放至12月6日，成為杜拜設計周不容錯過的焦點。 Aina Kari + Giovanni Botticelli Studio作品《ILLUMINATION COLLECTION》，以多元混搭之作，演繹威尼斯玻璃工藝的當代風華​。 雙星輝映 平行展出 除了主場展覽，Isola Design Group亦與杜拜設計周展區內的兩家畫廊合作，呈現兩檔平行展覽。在Double J Collective展出的「心、首、手（HEART, HEAD, HAND）」，深入探討創作過程中情感、理智與觸覺的維度。 Studio Lilium作品《ayumi》，融入可可顆粒，塑造充滿感官體驗的桌燈。 此展聚焦於人與物之間的深刻連結，展現手作設計如何賦予物品意義、喚起記憶並建立情感連繫。從Studio Lilium融入可可顆粒、充滿感官實驗性的桌燈，到靈感源自火山的手工花瓶，以及Aleksandra Hyz能容納萬物並促進社交互動的多功能盒子，每件作品都在探索著連結材料與情感的新方式。 Aleksandra Hyz作品《Yuma Collection》，彷彿一個微縮宇宙，既能容納實體之物，亦盛載著流動的對話與交會。 同時，在Sevil Dolmacı畫廊的「生命形貌（LIVING FORMS）」展覽，則落於藝術、設計與時尚的交匯點。在畫廊的「白盒空間」中，展出的家具與設計物件超越純功能主義，強調文化、工藝與個人表達。Rory Noble-Turner將棋子形態轉化為雕塑裝飾品；Behnaz Pourfarhadi的座椅靈感來自伊朗的Zurkhaneh傳統體育館，讓文化遺產成為設計基石；Marquisate則以蛋形玻璃杯頌揚永恆技藝；Hasik Design Studio的桌燈則體現可傳世之物件的永恆感。 Behnaz Pourfarhadi作品《MEEL BEHNAZ POURFARHADI》，將伊朗Zurkhaneh的形與意，轉譯為承載歷史的美學語言。 Isola Design Group透過杜拜新空間與設計週展覽，鞏固其國際設計催化劑的地位。其網絡已從米蘭擴展至全球70餘國、2000多位設計師，如今更以杜拜為戰略樞紐，持續鼓勵彼此交流與創新，為設計未來深耕布局。 Rory Noble-Turner作品《DUNE CHESS SET》，將棋子形態超脫棋盤格律，昇華為純然的雕塑裝飾。 Exsalted：幾何、光影與感官的交融地景 杜拜設計周盛大舉辦之際，一座名為「Exsalted」的裝置藝術亦於核心展區中綻放華彩。這件由阿拉伯建築師事務所DEOND帶來的作品，在藝術家Ila Colombo主導下，與法國香氛品牌MANE展開一場跨域對話，透過連續摺疊的曲面結構，展現幾何、光線與材料的共生關係。 「Exsalted」展亭示意圖。晶簇於日光中幻化色澤，與景觀共生，其光線勾勒無形疆界，使空間氛圍隨步履微妙轉變。 展亭靈感源自摺紙藝術的交錯美感，其結構邏輯奠基於一系列透過參數化設計與機器人3D列印技術生成的三角模組，其樣貌宛如經時間雕琢的晶化外殼，抑或是一座靜默生長的鹽礦結晶。這個多孔地景並非靜止的雕塑，而是含納光線的容器，其稜鏡狀表面使光線的反射與折射在其中交替流動，為空間注入輕緩而不斷變幻的節奏。 稜鏡輪廓捕捉並重塑光線，讓反射與折射在其中流動，成為空間輕緩變幻的視覺節奏。 在材質選擇與構組方式上，「Exsalted」深刻體現DEOND對永續性的堅持。展亭主要以回收聚合物為材料，其中超過98%的構件透過機器人列印技術一體成型。材料的半透明特性，讓光線得以呈現層次豐富的穿透結構，同時清晰揭示每一道摺痕的結構邏輯。整體以可完全拆解與再利用為設計主軸，最大限度地減少廢棄物對環境的影響，展現數位製造時代下的環保理念。 其構件98%以上採用回收聚合物，並以機器人列印技術一體織就，展現近乎完整的永續基因。 與MANE的合作是此次計畫核心。創立於1871年法國的MANE，以其深厚的香氛專業，將感官藝術提至全新境界。藝術家Ila Colombo闡釋這場合作：「建築如同香氣，前調是幾何與光線的吸引，中調是材質流露的情感，基調則是長存記憶的結構餘韻。」為此，MANE特別調製一款靈感源自海鹽、童年記憶與礦物地景的細膩香氣，將其對「香氣語言」的深入研究，首次延伸至建築領域。 展亭構組過程示意圖。透過參數化設計與3D列印生成的三角模組，似時間雕琢的晶化外殼，描畫一座微縮的地質奇觀。 從外部觀賞，展亭如同在日光下閃耀的晶簇，隨光線推移漸變色澤，與周圍景觀自然融合。當觀者步入其中，空間氛圍即產生微妙轉變。邊界不再由實體牆面定義，而是透過光線的反射與漫射來構築，營塑一種近乎懸浮的寧靜感，使人沉浸於由光與香氣共構的冥想境地。「Exsalted」呈現建築如有機體般的生命力：精準與輕盈，且能持續回應環境變化。這座位於杜拜設計周內部展區的裝置，自11月4日至9日展出，期待見證建築超越形式的多種可能，體驗一場以無形痕跡長存於心的感官詩篇。 資料及圖片提供」MINT LIST 編輯」林靖諺