藝術家陳慧嶠首次香港個展《在一片天空下》，於爍樂畫廊展開，展中集結藝術家自1997年以來的創作脈絡，從早期裝置《無形玩伴》到2018年大型裝置《床外的藍天》，以及2024年至2025年間全新發表的系列作品，包含《當球體融入牆上的色彩時...》、《轟炸機》與《星鏈》等。 《當球體融入牆上的色彩時⋯》（When the Spheres Merge in Colors for a Large Wall），乒乓球、冷軋鋼板、無塵氟碳烤漆，2024。 陳慧嶠作為台灣當代先鋒藝術家，創作橫跨裝置、刺繡、空間介入與文獻編纂，善於從日常極簡的媒材表達廣闊、抽象如天空、記憶與夢境等等議題，並結合詩文內容延伸觸動多元敘事和繁複隱喻，結合感官與詩意，轉化獨特視覺語言，傳遞藝術、日常與身心靈的連結。 《床外的藍天》（A Room with a View），床、樹脂棉、針、繡線、毛巾、鋁盆、鋼杯、肥皂(盒)、牙刷、牙膏、飛行小百科，2018。 這些誕生於不同時期的作品，依序呈現作者多年的創作歷程和變化的心境，宛如星星，除了自身的熠熠生輝、同時也彼此串聯成星座，在展覽中傳遞新的寓意。 〈德哈維蘭單引擎轟炸機〉〈齊伯林飛艇〉〈氣球炸彈〉〈原子彈胖子〉，樹脂棉、針、銀蔥線、紗布印刷、風扣板、不鏽鋼、壓克力板、玻璃，1997 / 2025。 策展靈感取源於辛波絲卡《在一顆小星星底下》，詩句中喃喃為自己的言語、快樂以及表達慣性而向萬物致歉，似乎一切有形式的存在或美好，背後都奠基於不可避免的傷害，引用這樣美麗而悲傷的作品，讓人一窺展覽夢幻或脆弱的作品畫面底下，是陳慧嶠斬釘截鐵的觀點：「渴望與暴力不可分割，進步已淪為支配。」 《床外的藍天》，床、樹脂棉、針、繡線、毛巾、鋁盆、鋼杯、肥皂(盒)、牙刷、牙膏、飛行小百科，2018。 以針線、棉花、乒乓球、LED等材質作為思想的載體，探問人類如何將天空化為戰場，白色與黑色的展場相對而立，彼此問答作夢。《當球體融入牆上的色彩時...》（2024）透過乒乓球的亮色和動態感，於牆面構成極簡的星座，光與色、點與面之間形成近乎靜默的張力，同時也暗指邊界、監控鏡頭，以及精準導彈的瞄準標記。 《當球體融入牆上的色彩時…》，乒乓球、冷軋鋼板、無塵氟碳烤漆，2024。 重點展出大型裝置藝術作品《床外的藍天》（2018），將一張張床鋪依照冬季大三角的天狼星、南河三、參宿四等星座方向排列，床的方位著重強調指向大犬座「軍星」的位置，將天體異想轉化為軍事秩序；每張床上均用針線繡出星座與罌粟花，宇宙的野心與戰爭的記憶共枕於同一張床單，一如飛翔的伊卡洛斯不僅心懷憧憬，同樣也揣著征服天空的傲慢。 《無形玩伴》，樹脂棉、乒乓球、玻璃，1997。 陳慧嶠的針線將日常工藝化為武器，刺繡不再是慰藉，而是控訴；床是造夢、愛欲、生與死的休憩之區，但正是在這最私密的場域，她用針線織出無垠藍天，以冷冽的第三視角進行審視，暴露希望與傷口的並存。 《星鏈》、《恆星》，LED、樹脂棉、針、銀蔥線、風扣板、不鏽鋼、壓克力板，2025。 資料及圖片提供」爍樂畫廊 陳慧嶠  編輯」江瑜

忠泰美術館近日推出全新當代藝術展《燼光之城──文明之後的迴響》，邀請來自菲律賓、斯里蘭卡、敘利亞、羅馬尼亞、多哥、韓國及台灣等11組國內外藝術家，以身處全球化影響之下、城市遭遇的挑戰和再生為主題，面對各地城市遭遇戰爭、氣候災變、產業轉型與家園變遷等結構性因素帶來的動盪與轉變，期以不同藝術家的獨特詮釋，帶領觀眾重新審視人類集體生存的未來可能。 菲律賓藝術家阿奎禮贊夫婦，全新現地創作的大型裝置《居所：（在某處）另一個國家計畫》。 《燼光之城》的展覽關注點不同於輿論主流所關心的歐美大都會，從敘利亞大馬士革的反烏托邦想像、西非電子垃圾處理場的殘酷現實，到台南產業轉型下的家園拆遷等，藝術家們透過錄像、影像、混合實境（MR）、大型現地裝置等媒材，呈現不同政經歷史條件下造就的城市危機。 台灣藝術家蔡坤霖最新現地創作《誰為始何為終》。 敘利亞藝術家艾哈姆．賈布爾的合成影像作品《大馬士托邦》系列。 以居民感受為出發點，讓城市的危機、同時也作為城市居民的生存危機展現在觀眾眼前，在全球性人口遷徙、移工潮與科技盛行的時代，人們追尋理想生活，對「世界級城市」懷有改變人生的幻想，對於城市崩毀的現狀和對改善的期望，即是全球共通的語言，即便展示異國的風景，也足以觸發觀眾心頭的共感。 台灣藝術家林書楷與紐約FuturePerfect Studio 創辦人韋恩．艾希莉的MR作品《幻影之城》。 一如菲律賓藝術家阿奎禮贊夫婦現地創作的大型裝置《居所：（在某處）另一個國家計畫》，利用紙箱堆疊出關於移動與離散的記憶，不僅與在地學生合作共創，作品中堆疊的建築形貌和使用媒材，也喚起在地觀眾對家鄉城市的回憶。還有斯里蘭卡藝術家阿布都．哈里克．阿濟茲（Abdul Halik Azeez）的《異鄉異客》，利用多件影像、家庭照片、口述史料等，探討斯里蘭卡在新自由主義轉型下的移工敘事與戰後都市變遷。 台灣藝術家致穎、德國格雷戈爾．卡斯帕、多哥Elom 20ce藝術家跨國合作《貨幣》計畫。 由忠泰美術館團隊整理所在地的「臺北東區故事」。 展場呈環形動線，每個展區所講述的故事都可以是觀眾的起點或終點，從城市居民在生活追趕下的浪遊、到戰火摧殘下拼貼的奇觀與神話，經演算法支配帶來超現實的虛構影像、還有掩蓋在日常底下的集體焦慮……《燼光之城》不僅反映了忠泰美術館開館以來的十年積累，同時也提供觀眾一個更加超然的視角，反思在習以為常的生活之外、社會環境的塑成與個體的關聯，使展覽不僅止於「美」的體感，還有人文關懷的傳遞。 忠泰美術館《燼光之城──文明之後的迴響》展覽主視覺。 資料及圖片提供」忠泰美術館  編輯」江瑜

阿根廷藝術家托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）在台首次大型個展「共織宇宙」（Interwoven），透過沉浸式裝置、聲音作品與社群參與計劃，以藝術為媒介，邀請觀眾深入展場營造的環境，嘗試與空氣、蜘蛛、雲層、孢子、種子、暗物質以及宇宙等或微小、或透明、甚至僅存於概念上的存在，感知並非以人類為主體的新世界。 「熱力學的想像」展間一隅。（攝影：林軒朗） 多維感知宇宙結構 托馬斯．薩拉切諾1973年生於阿根廷、現居柏林，作品橫跨不同尺度與專業領域，從透過蜘蛛絲線傳遞、幾乎不可聽聞的振動，到漂浮雕塑的空氣靜力學，再到絲狀的宇宙之網。曾於多個重要國際機構展出，在全球完成21件永久性委託創作，並與美國國家航空暨太空總署（NASA）及聯合國氣候變遷大會等機構進行合作，多方拓展藝術可以抵達的邊界。 托馬斯．薩拉切諾藝術家個人照。（攝影：林軒朗） 本展以「生命之網」為主題，在藝術作品中內蘊生態社會正義的探討——思及不斷消耗的資源和土地、戰爭與掠奪，「永續」不再是一個單純的口號，而是關乎人類整個種族的存亡。 早在1970年代便已興起相關討論，將「自然」視為需要保護與修復的對象，並試圖讓世界回到工業化之前的純淨狀態；然而21世紀的學者指出人類不再只是影響環境，而已成為改變地球的地質力量，當人類與科技發展勢不可擋，當我們無法回到未受污染的世界，又該如何與這個世界、與其他生命形式共存？ 〈公平雲朵〉，2026。（攝影：林軒朗） 以此觀點立身，在薩拉切諾二十年來的創作歷程中，持續在觀察人類社會始終忽視的微小細節，透過與常人不同的生命尺度，去觀測世界的變遷，蜘蛛如何憑空織網？空氣如何在空中流動？沒有具體支撐的宇宙如何保持平衡？這些觀察和好奇，成為了他創作的起點。 生態科學與藝術的跨界 薩拉切諾的創作不僅限於觀察，更在於實踐，他聯合生物學家、物理學家，透過不斷觀察、實驗與合作，把那些平常看不見的連結，呈現在觀眾眼前；包含研究蜘蛛如何透過震動傳遞訊息，將生物的移動和產物轉化為作品的一部分，同時發起「親蛛症 」（ Arachnophilia）計劃，把蜘蛛視為創作夥伴，而不是被害怕的對象。 〈太陽能飛行博物館〉，2023-2026。（攝影：林冠名） 在這次展覽中，可以看到由多種蜘蛛共同編織而成的三維星叢〈關注之網〉，透過不同品種的蜘蛛移動、吐絲，與時間的累積，完成協作性編舞，一方面在幽暗中閃閃發亮的蛛絲，隱喻連結萬物的生態網；也透過不同性格和習性的蜘蛛協作，象徵即使在看似衝突或不相容的群體之間，仍有可能發展出共處與協作的模式。 〈如何將宇宙陷入蛛網〉，2025。（攝影：林軒朗） 他對蛛絲的異想延伸到大型裝置作品〈算法．韻律〉，利用繩索編織模仿蛛網的繁複結構，讓觀眾置身其中，親身感知每一個交匯的節點皆對應不同尺度的震盪頻率，進一步感受到蛛網和空間的寓意、小蜘蛛和人類亦是同在一個環境中生長的生命體。 〈算法．韻律〉，2017-2026。（攝影：林冠名） 除了蜘蛛，薩拉切諾也長期關注空氣與飛行。在本展中，「氣」並非單一的概念，而是展現多維層次的存在狀態，融合不同國家和文明對「氣」的解讀，藝術家推動「大氣世」（Aerocene）計劃，想像一種不依賴化石燃料的未來，具象於首次在台灣呈現的〈太陽能飛行博物館〉（Museo Aero Solar），由回收塑膠袋製成並僅依靠太陽熱能升空，展出重點不僅在作品，創作過程也是一項氣候行動，更是一種集體創作與合作的實踐。 〈與帕查一起飛入大氣世〉（影片截圖），2017-2023。（攝影：林冠名） 以小窺大、透過微末編織宇宙，薩拉切諾的作品始於個人的好奇，以個人的努力串起群體的關注，猶如將每個觀眾和合作夥伴都納入網中，在藝術裡注入社群的生命力，一如其作品〈公平雲朵〉（Fairclouds）計畫，透過描繪雲朵形狀的創作，不僅連結阿根廷社群守護水資源的行動，還有邀集新北市多所學校與地方社群共同參與，讓孩子們在校園、住家與街區拍攝當地的雲朵，形成一幅關於水、記憶與未來的集體圖景。 〈關注之網〉，2025。（攝影：林軒朗） 資料及圖片提供」新北市美術館  編輯」江瑜

 隨著時代變遷，人類的生活型態從受限環境、到改變環境，最後嘗試與環境互相協調，對生活的期許、需求，人與人之間的關係和社會的演變，不僅反映在個體居所，更清晰地呈現於整座城市的面貌。《神廟與城鎮》以「都市規劃」為核心，放眼西方三千年的城鎮規劃史，以不同時代的經典設計為例，從中提取一脈相承的設計原則，並審視現代都市的困境。 《神廟與城鎮：從古希臘到21世紀，城鎮規劃＆都市設計的形式、元素和原則 》，麥可．丹尼斯（Michael Dennis）， 原點出版。 作者麥可．丹尼斯（Michael Dennis）教授不僅在建築、校園規劃與都市設計方面屢獲獎項，在學術方面亦對建築與城市相關領域貢獻良多，在這本書裡，透過80座經典城市，上千幅平面圖、空拍圖、剖面圖、實景照，從各個角度，細看模範城市的關鍵所在；從中整理12種城市形態，點出每個時代的都市需求，輔以精確的平面圖、鳥瞰圖加以剖析，深入淺出地引導讀者「閱讀」城市的形式語言。  數世紀以來，城市始終是由都市建築物所構成，  這些建築物形成街廓、街道、混合用途的鄰里、廣場和公園。—麥可．丹尼斯（Michael Dennis） 全作以時代為分水嶺，列出前工業時代（800 BC–1850）、工業時代（1800–1975）、後工業時代（1975至今）三大部分，涵蓋希臘、羅馬、中世紀要塞城鎮、文藝復興理想城市、巴洛克新城鎮、十九世紀都市擴張、現代主義規劃，直至當代新都市主義與生態城市，條理分明且視野廣博。 古典時期希臘城市，塞利農特，主要街道復原推測圖。 兩千五百年來，城鎮規劃師負責設計城市的公領域，建築師在此框架內設計建築物，兩者維持共生關係；然而科技的演變影響社會觀念的急遽進化，每個人的生存空間都在被反覆切割重塑，建築逐步開始爭奪私人空間的擴大表現，進而壓縮了公共領域的空間。 西元前89年，龐貝大劇場。 舊時代的神廟反映公眾秩序，屹立於城市中心，然而現代建築隨著信仰逝去、資本興起，放任個體效仿神廟的定位自居，街道、廣場與公共空間因而縮小範圍直至被私有、被取代，城市生活也隨之消失。作者的論點明晰，精確列出永續都市的設計重心：密集連續的街廓、以行人為主的狹窄街道、適宜的廣場與公園、混合用途的宜步行鄰里、醒目的城市公共結構，以及高效率的大眾運輸。 中世紀，弗勒宏斯市場廣場。 都市的關鍵，從來不在於人口密度或規模大小，而在於建築物的「相連方式」；人之於浩瀚的時間長河和廣博的世界，不因渺小而消逝，源於人會與其他個體創造新的連結。作者堅持在書中列出最小地塊或各種街廓的尺寸數字，不僅讓其描述內容誠實復現於讀者眼前，也讓人看到這些歷史上的名城如何從最細節的地方開始存續、積累人類世代傳承的生存智慧。 19世紀，歌劇院大道。 資料及圖片提供」原點出版  編輯」江瑜 

歷經數年規劃與建設，坐落於曼哈頓下城包厘街（Bowery）的New Museum，近期以嶄新面貌亮相。這座長期致力於當代藝術的殿堂，迎來由OMA的合夥人重松象平、Rem Koolhaas，以及建築師Cooper Robertson所設計的擴建工程，為其原有建築增添一座逾1600坪的姐妹樓。此次擴建不僅擴增總面積，更象徵著美術館自我定位的深刻轉變，期待建築不再僅是展示藝術的場域，而是致力於成為積極參與公眾生活、與城市肌理緊密相連的開放空間。 新舊建築樓層精準對位，透過水平延展回應舊建築的垂直語彙，創造兩處退縮量體，賦予新建築獨特表情。 雙生建築 新舊交融 OMA的設計策略，從規劃初始便以SANAA所設計的原有建築為基礎。面對擴建中常見的二元對立挑戰，建築師尋求一種更具流動性與互補性的共生關係。新舊建築相鄰而立，既各自保有完整性，又在功能與空間上相輔相成。新建築樓層高度與舊建築精準對齊，使兩者間的畫廊空間得以在相同樓層水平相連，創造更加寬敞的展覽場域，以及流暢的參觀動線。 退縮自畫廊頂層向街道傾斜而下，形成一座公共廣場，為新舊建築提供緩衝，同時成為吸引人流的視覺焦點。 在空間配置上，OMA刻意突顯兩者差異性。與原有建築的垂直性不同，新建築擁抱水平向的延展，並透過兩個巧妙的退縮設計，描繪獨特的建築表情。第一個退縮自畫廊樓層頂部為始，向街道傾斜，在王子街（Prince Street）的盡頭圍塑一座全新的公共廣場，成為新舊建築間引人駐足的緩衝與焦點；第二個退縮則位於畫廊樓層之上，讓建築頂部彷彿消隱於天際，同時敞開上層露台的開闊視野。 第二道退縮在畫廊樓層上方再現，使建築頂部宛若消融於天空，亦讓上層露台得以擁抱無邊視野。 新建築外立面覆以夾層玻璃與金屬網格，在白日呈現出與舊建築統一的整體性；夜幕降臨，燈光穿透立面開口，讓建築內部結構與活動若隱若現。建築內部最關鍵的空間亮點，莫過於貫穿中央的「中庭樓梯」。 夾層玻璃與金屬網格外牆，使新建築於白晝融入舊建築；入夜後，燈光自立面開口流瀉，內部場景隱約浮現。 戶外露台空間。 這座樓梯與專用畫廊電梯共構垂直交通的骨架，不僅大幅提升參觀的便利性，更形成一道連接藝術與城市的公共樞紐。從戶外廣場為始，將各樓層相互串聯，一路延伸至頂部多功能露台空間，成為一條動態軸線，將美術館的活力與開放性，毫無保留地展現給整座城市。 貫穿建築的中庭樓梯與畫廊電梯形成垂直動線核心，既是交通樞紐，亦是藝術與城市對話的介面。 開幕首展亮點 藝術與空間的對話 伴隨著新館落成，美術館也推出一系列別具意義的開幕展演，將建築的設計概念延伸至藝術作品之中。捷克藝術家Klára Hosnedlová為新館的「中庭樓梯」創作名為《Shelter》的永久裝置，作品宛如一條蜿蜒的金屬脊柱，披覆著亞麻纖維織物，貫穿樓梯中央，其內部懸浮著砂岩與玻璃雕塑，以及藝術家標誌性的精緻刺繡。 藝術家Klára Hosnedlová的創作作品《Shelter》，如金屬脊柱蜿蜒而下，亞麻織物披覆其外，內部懸浮著砂岩、玻璃與刺繡共構的細膩景致。 隨著觀者在樓梯上下移動，這件作品逐步展露全貌，同時透過玻璃帷幕與外部城市景觀產生視覺上的連結。Klára Hosnedlová 巧妙結合東歐建築遺緒、科幻美學與古老工藝，試圖在未來感與歷史記憶之間，對建築中流動的公共空間進行深刻反思。 《Art Lovers》雕塑立於美術館外牆，藝術家Tschabalala Self以一對擁抱的伴侶，點出新舊建築交會的「接吻點」，讓結構的銜接化為動人畫面。 同時，紐約哈林出身的藝術家Tschabalala Self，則為美術館立面創作其首件紐約大型公共雕塑《Art Lovers》。作品描繪一對擁抱的伴侶，畫面中充滿情感的互動，幽默地呼應舊館與新館在建築結構上相接的「接吻點」。這件裝置位於三樓外牆，從包厘街（Bowery）和王子街（Prince Street）的交叉口清晰可見，它不僅為城市景觀增添一抹當代紐約的生活風情，更點出公共空間與個人情感的鏈結，宛若一枚別在建築外牆上的「愛情徽章」。 開幕大展《New Humans: Memories of the Future》透過多位創作者，回溯百年來科技與社會變革中「人」的形貌演變，探索其未來可能與潛在危機。 貫穿整個新舊館空間的開幕大展《New Humans: Memories of the Future》，則以前瞻性視野，回應時代命題。展覽追溯過去一百年間，藝術家們如何回應科技與社會巨變對「人」的影響。從1920年代「機器人」一詞誕生與自動化生產興起，到今日人工智慧、數位傳播與新型態戰爭的挑戰，展覽透過兩百多位藝術家、科學家與思想家的作品，呈現圍繞著勞動、性別、智慧與創造力等議題的深刻思考。 從醫療義肢演進至超人類主義，展覽將「新人類」理想與賽博格、生物工程身體並陳，呈現機械、殘軀、人獸交融等多元樣貌，探問科技時代的人類處境。 展覽特別強調從一戰時期醫療義肢到當代「超人類主義」的演進，並將早期前衛藝術中的「新人類」理想，與當代藝術家筆下的賽博格、生物工程身體並置。作品中，從光滑的機械生命體到被戰爭摧殘的軀體，再到人與動物交融的變體，皆在探索人類在科技發展下的多種可能與潛在危機。這些穿梭於歷史與當代、現實與虛構的創作，在OMA設計的嶄新場域中展開，共同描繪一幅關於未來人類的多元藍圖。 資料及圖片提供」OMA、Jason Keen、Jason O'Rear 編輯」林靖諺

由台北市都市更新處舉辦之「2026台北老屋新生大獎」徵件活動，2026年5月28日前開放報名，徵求台北市各類老屋整建維護案例，不限年代、規模與形式，凡以設計、修繕及活化再利用方式，賦予老屋新生命的作品，皆可報名參賽。 「2026台北老屋新生大獎」開放徵件。   老屋新生的多重樣貌 「台北老屋新生大獎」今年邁入第26屆，自創辦以來已累積超過1,000件作品參賽，並選出273件獲獎案例；透過持續發掘與表揚優秀作品，讓更多市民看見老屋活化為城市生活所帶來的多樣性。近年來，老屋在不同使用者與設計團隊的投入下，逐漸展現多元且富有創意的新生樣貌；以2025年獲獎作品為例，評審團大獎《直轄市定古蹟「博愛路二號店屋」》藉由修復與保存，延續北門與相機街之間珍貴的城市視角，保存博愛路的歷史風景。 2025得獎作品，評審團大獎：直轄市定古蹟「博愛路二號店屋」。 整建維護特別獎《和煦》則因應家庭結構變化與高齡化需求，重新調整生活動線與空間機能，使空間得以持續陪伴長者、延續家庭生活節奏。 2025得獎作品，整建維護特別獎：和煦。 BEST 10作品《共生溫室》則將老舊網版工廠透過修復再利用，轉型為工藝創作共生聚落。由此可知，老屋正以多樣的使用型態回應當代城市生活需求，並採取細緻而溫柔的更新方式，在保存、改善與再利用之間取得平衡，展現其所蘊含的城市文化價值。 2025得獎作品，BEST 10：共生溫室。   為進一步推廣老屋新生理念，2025年亦首度以散文集形式出版《我喜歡舊：2025台北老屋新生誌》，打破過往以案例介紹為主的呈現方式。該書由作家蕭詒徽擔任編輯，邀請寺尾哲也、陳顥仁、李達達、宋文郁、范亦昕、盛浩偉、胡靖、李姿穎、郝妮爾、林文心、吳緯婷、楊莉敏及白樵共13位作家與得獎空間互動，創作14篇風格各異的散文；主視覺則由2025國際書展主視覺設計師廖韡操刀，以細膩手繪風格呈現老屋的時間感與生活溫度。   本屆由都市建築學者李清志擔任台北老屋新生委員會主席，並由台北市都市更新處葉家源副處長、格式展策設計王耀邦總監、姜樂靜建築師、國立臺灣大學建築與城鄉研究所康旻杰所長、左腦創意程詩郁執行長及國家兩廳院劉怡汝藝術總監共同擔任委員。評選將以「創新提升、生活想像、社會共好、可持續性」四大價值指標為基準，評選出3件「評審團大獎」（各頒發10萬元獎金）、10件「BEST 10」及1件「整建維護特別獎」。 2026台北老屋新生委員會。     資料及圖片提供」台北老屋新生大獎 編輯」陳映蓁

台灣藝術家簡翊洪近期將於谷公館藝廊舉辦個展，通過長久以來的多次合作，不僅累積雙方創作、策展的經驗與合作的默契，同時也透過同樣的空間，逐步反映出藝術家不同時期的變化。 《Night Angel》，2026，水墨設色紙本，36.4 x 25.6cm。 這次展覽分為上下兩檔，上檔《小孤獨，處》一共展出簡翊洪十六件全新作品，為觀眾呈現他近期的想要表達的觀點、表現的手法和過往的沉澱；下檔《小孤獨，行》則精選過往各階段的系列作品，也透過作品延伸介紹他過往的展覽和創作軌跡，讓新的觀眾朋友也能透過展覽歸納的成長脈絡，完整且系統性地深入瞭解這位藝術家。 想像與現實之間 同時修習水墨與版畫的簡翊洪，如今選擇以水墨為主要媒材，是源於有感柔軟筆毛與蘸墨揮灑的方式，似乎更貼合其心之所向。他早期的創作以簡單重複出現的裸身男性人物予人深刻印象，水墨輕重提按的技法，點到為止的隱然描繪，勾勒中年與少年的形體，介於寫實和抽象之間，傳遞富於想像的幽默。 《淡水》，2026，水墨設色絹本，17.2 x 24.3cm。 取材傳統中式意象式的構圖，筆墨勾勒簡潔輪廓和素淡柔和的色調、描繪荒誕或超現實的場景，簡翊洪早期的作品透過裸露、抽象的人體，表達自身拙於言語談論的情感經驗，溢注在男孩（自我投射）與叔叔（喜好的形象）的奇想劇場；隨年歲日長，他的內心世界逐步穩定，對於內我的關照也逐步投向內心之外的世界。 《有香蕉的靜物》，2026，水墨設色絹本，18.3 x 27.9cm。 本展內容涵蓋風景、靜物與人物，尤其著重描繪水邊的景色，如花蓮的七星潭、台北的淡水、基隆的外木山，以及綠島的海邊。遙望海邊，也彷彿能看見自己；藝術如小舟，引領他乘船跨海、望向更廣闊的遠方，見識到水的美景如許千變萬化，參見《小孤獨》、《蘇半邊》和《划槳》等作品，取材於蘇州園林，更進一步啟發他在創作中對於空間的結構安排。 點到為止的輕盈筆觸 2021年，簡翊洪於泰國駐村，生活在城鄉之間，日間聯絡的收訊斷斷續續，夜裡亦經常徘徊徬徨於迷失、無法返家的夢境，離鄉背井的孤獨促使他更深入於跟自己的對話，「處」也因而成為這次展覽的核心狀態——「小孤獨，處」，展名於焉誕生。 《小孤獨》，2026，水墨設色紙本，41.1 x 28cm。 欣賞這個展覽，除了美的本質，同時也在逐步碰觸創作者過往散落的回憶，簡翊洪有多處駐村的經驗，累積數量龐大的隨筆，一如《落大雨》草稿，描繪颱風天門外的螞蟻試圖進入屋內，從最初的抗拒，到逐漸接受，讓生靈們都能一同避難。還有在泰國駐村期間完成的《落花》草圖，午後大雨過後的草地上散落的雞蛋花，生命在盛開與衰敗之間同時存在。 《落花》，2026，水墨設色絹本，45.6 x 37.1cm。 與畫紙相處，與顏料相處，與時間相處，也與那些難以言說的情緒相處，這些沒有明確指向和強烈性格的圖畫，卻留住了當時的情感，在一個強調即時連結與持續表達的時代裡，構成《小孤獨，處》的日常質地。 不完美的藝術 真實的生活 有別於過往略施淡彩的手法，在簡翊洪的新作中逐漸可以看到更為濃重的色彩，好比《人生若海》反覆堆疊的藍色波浪，描摹陪伴父親時情緒的波動、以及生命無常的慨歎；還有《有香蕉的靜物》，凝結在工作時觀察香蕉逐漸氧化變黑的飢餓感，讓畫面幾近隱約飄出藤黃與墨點散發的細微氣味……因應色彩的變化，使畫面以更厚重、富有存在感的塊面體現細節變化。 《鳳梨花》，2026，水墨設色絹本，35.5 x 25.5cm。 對比早期水墨溫筆和薄軟宣紙的轉譯，讓那些畫面中離經叛道的內容，都有了更容易被這世界接受的軟語聲調，如今的簡翊洪，雖在嘗試變化的階段、筆觸仍存猶疑、用色還未定調；然而那些不完美的痕跡、施力的餘韻，最重要不過是真實——正是在這樣的狀態裡，創作者脫離朦朧的表達，更靠近清晰的自己、更真實地與他人接近，更進一步細品相遇的意義。 《小孤獨，處》展覽主視覺。 時間」2026年4月11日至6月20日 地點」台北市敦化南路一段21號4樓之2 資料及圖片提供」谷公館 編輯」江瑜

《勒・柯比意：建築詩篇》世界巡迴展近日於淡江大學文錙藝術中心展出，本展獲得法國勒・柯比意基金會官方認證，至今已然走訪紐約、倫敦、巴塞隆納、上海、京都等全球40多座城市；為深化台灣與國際的文化交流，經台法學術交流協會、新加坡 RT+Q建築事務所及巴黎Lin International共同策劃，重點呈現法國勒・柯比意基金會獨家授權的122件建築模型。 淡江大學文錙藝術中心。 大師的思想軌跡 展覽內容整理了「現代建築之父」勒・柯比意的生平歷程、思想脈絡和空間邏輯，引導觀眾依序欣賞：「思想的源頭」、「光之聖所」、「光輝之城」、「理想之境」、「居住的經典」、「日常的設計」、「承載之所」、「城市的藍圖」和「微型居所」等九個展區，內含大師17件世界遺產部分、經典代表性建築，以及從未問世的建築設計。 二樓展區勒柯比意專書區。 世界公認20世紀最具影響力的建築師之一，勒．柯比意（Le Corbusier），一生致力於讓居住在擁擠都市的人們有更好的生活環境，其作品結合功能的理性結構與帶有情感張力的形式，脫胎自古典主義，簡潔輪廓、開放而流動的空間配置，為現代建築和都市設計帶來廣泛啟發與深刻影響。 展場平面圖。 以認識「勒・柯比意」本人為起點，延伸賞析其作，橫跨早期的住宅設計、比例與採光的實驗性探索，到後期城市烏托邦集合住宅及大規模都市願景的構想，經由不同時期的建築展示和歷史評價、宏觀的城市面貌和私人的家具細節，鉅細靡遺地逐步完善觀眾對這位建築大師的理解。 印度昌迪加爾立法議會大廈模型。原建築建於1953至1963年，全棟建築以清水混凝土蓋造，充分運用遮陽板和大面積水池，帶來光影的豐富變化。 置身相對開闊的一樓展廳，不僅會為教堂的神聖光影目眩神迷，還會看到前人對現代都市曾經的宏大想像，勒・柯比意在1920年代提出「新建築五點」，提出「底層架空」、「自由平面」、「自由立面」、「長條帶窗與屋頂花園」，至今仍可在現代都市的結構看到他的思想鑿痕，透過展場的空間安排與模型，將設計理論轉化為具象的建築實踐，以薩伏瓦別墅大模型為展示重點，現場復刻薩伏瓦別墅主臥浴室空間供人一窺其設計細節。 史坦-德蒙齊別墅模型。原建築建於1926至1928年，是勒．柯比意於1920年代最具紀念性、最豪華的住宅。 經典建築回顧 文錙藝術中心本身即是一個複層空間，策展團隊將原有的空間條件納入展示的一部分，精準調整展場動線與高度比例，在種種細節間向大師致敬。自入口處的外觀玻璃色塊和柱列的設計靈感取材「巴西學生公寓」，透過色彩與排列節奏界定場域路徑；而展場內的挑空區則借鑑「馬賽公寓」的樓中樓結構，利用上下移動觸發的感官體驗，讓觀眾親身體驗空間尺度與層次的變化。 昌迪加爾建築博物館模型。原建築由S.D. Sharma設計，師從勒．柯比意，1997年為紀念印度獨立50週年正式成立。 值得注意的是，展中呈現多個與光線共鳴的空間段落，具體呈現勒・柯比意在建築中處理自然光的標誌性創意。在「光之聖所」展區，策展團隊參考廊香教堂標誌性的開窗與採光設計，局部復刻其比例獨特的黃金比矩形窗戶，讓觀眾於展場親身體會大師如何以光為筆、細膩塑造廊香教堂獨特的神聖氛圍。 廊香教堂模型。原建築建於1954年，外型依山勢而建，弧形屋頂不僅保溫，同時以傾斜弧度將雨水導向蓄水池。 拾階而上，展場二樓展示諸多首次來台的大師設計案模型，透過這些未完成的計劃充分展現勒・柯比意豐沛的創造力、工作產能與設計思維發展歷程；配合共呈不同時期的建築大師、藝術名人和紅粉知己等等名言摘錄，表達對於柯比意的看法與挑戰，透過這些對話，展現大師在不同時空展現的面貌和公眾定位。 延伸展覽精神 在實體模型和展覽欣賞之餘，主辦單位特別規劃三場系列專題講座與學術座談，邀請建築學者與建築師共同對話，從理念本體、地域轉譯到歷史影響，深入探討勒・柯比意對當代建築與都市設計的啟發。從「建築，如何成為一首詩」、「現代性與地域性的對話」到「跨時代的啟發：勒・柯比意對當代建築的影響」，經由對勒・柯比意的認識，回到對當代建築的審視，並反思其在當代數位化與全球化時代中的啟發與挑戰。 展場局部復刻廊香教堂矩形窗戶。 通過觀察大師一路走來的人生，更進一步地認識一個人、一種思想的生成，和一個領域不斷演進的過程，從抽象的主張、主義，落實到具體的空間，而後漸漸擴大到影響一個世界，「勒．柯比意：建築詩篇」結合藝術、歷史與思想，以豐富層次展現這位現代建築巨匠的創作宇宙，也觸發觀眾對自身、對未來的構築，更多元的空間想像。 「勒・柯比意：建築詩篇」展覽主視覺。 資料及圖片提供」淡江大學 建築學系 編輯」江瑜

Bluerider ART台北．敦化空間將於近日隆重呈獻德國雕塑家沃夫岡．福拉德（Wolfgang Flad）個展《未來形》（FORMA FUTURA）。這場展覽匯集藝術家最新創作，從立體雕塑到牆上裝置共四個系列作品，展現其對當代雕塑形式與時間、物質、空間關係的持續探索。   主視覺。展覽舉辦在Bluerider ART全新展覽空間。 沃夫岡．福拉德以獨樹一幟的雕塑語言聞名，作品擺脫傳統雕塑的沉重感，運用木頭、金屬、玻璃與再生材質，形塑曼妙而不規則的有機形體，展現生命張力。藝術家曾於美國坦帕藝術博物館舉辦個展，作品獲德國斯圖加特美術館、瑞士蘇黎世藝術館、荷蘭烏得勒支中央博物館等重要機構及私人收藏，是當代雕塑界極具代表性的中生代藝術家。 德國雕塑醫術家沃夫岡．福拉德（Wolfgang Flad）。   展名《未來形》直指沃夫岡．福拉德對雕塑與時空關係的重新提問，並非科技或數位運算的冰冷預言，而是關於有機生命永續與再生的思考。藝術家將星系光年的宏觀尺度與細胞分裂的微觀世界，濃縮於當下的空間動態之中，使雕塑形式呈現流動與不確定性，邀請觀者進入超越物理時間限制的感知場域。   顛覆量體的雕塑革命 有別於西方古典雕塑強調崇高與紀念性的量體感，也不同於現代主義對封閉形式的極致追求，福拉德徹底顛覆「雕塑即量體」的傳統定義。他延續貧窮藝術大師朱塞佩．佩諾內對自然材質的敏銳感知，以及行動繪畫傑克遜．波洛克在畫面中鋪陳的動態能量。 木雕塑系列《結構》，骨架以膠合板與木材搭建，將大量藝術評論書刊粉碎成紙漿混合包覆，藉材料轉化隱喻對歷史與體制的重構。   創作技法上，藝術家以膠合板與木材建構骨架，將大量承載歷史與體制的藝術評論雜誌與書籍粉碎，製成紙漿混合體進行包覆。這種「再造」過程猶如讓時間倒轉的儀式，透過將過往文獻轉化為雕塑的血肉，經由層層上漆與打磨，賦予作品光滑或粗獷的肌理。藉由鏤空、纏繞與負空間的運用，雕塑不再是佔據空間的龐然大物，而是輕盈對抗地心引力、如神經網絡般蔓延的存在，將形式從功能限制中解放，化為三維空間中無限傳遞的線條與能量。 木雕塑系列《結構》，以再造手法層層上漆語打磨，呈現自然色澤與紋理，引領觀者感受萬物流動的意境。   藝術史學家馬克．威爾曼將沃夫岡．福拉德的作品，追溯至前蘇格拉底哲學家赫拉克利特的古老格言「萬物流動」。在其雕塑中，恆定與瞬間動態並存，觀者難以界定其起點與終點。那些如外星有機體或骨骼般交錯的結構，並非靜止物件，而是複雜的空間敘事，揭示物質在時間洪流中永恆變化的本質。   四個系列的交響對話 本次大幅展出四個新系列作品。木雕塑系列《結構》以木頭結合再生媒材，仿如骨骼與枝幹的異形交織，卻在重力與動態間達成平衡，於靜止中蘊藏生長潛勢，如太極拳般順應線條輕緩流動。牆上鋁系列《衝擊之力》將金屬表面侵蝕，凹陷肌理如漫長歲月沖刷，光潔拋光與粗獷質地對比，使時間、物質與自我於此交會。   左：木雕塑系列《結構》；右：《塵之繪畫》。 牆上玻璃系列《月面》呈現如億萬年侵蝕的地表質地，透過雙色玻璃與冷冽鏡面、流動色彩交錯，揭示人類對宇宙的渴望與返回自我的旅程。牆上系列《塵之繪畫》則以回收雕塑研磨殘料，層層堆疊成畫面結構，回應物質不滅的永恆命題。   玻璃系列《月面》以雙色、鏡面與流動色彩交錯，摹寫億萬年侵蝕地貌，在冷冽與暖意間，訴說對宇宙的渴望與向內探尋的歸途。 《沃夫岡．福拉德：未來形》是關於未來的視覺寓言。當人類世面臨物質過剩與環境危機的挑戰，藝術家以逆向轉化的創作姿態，示現可持續的未來美學，廢棄與新生不再二元對立，過去的文獻殘骸轉化為未來的生命基質。那些懸浮於虛實之間的有機形體，如同來自尚未抵達的時空維度，在空間中安靜呼吸、緩慢蔓延，邀請觀者凝視那些不可見的能量流動。 《沃夫岡．福拉德：未來形》 時間」2026年3月14日至5月10日 地點」Bluerider ART台北．敦化（台北市大安區敦化南路二段77號1樓） 展覽詳情請見Bluerider ART官網。   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺