以化繁為簡、比例精準為設計理念，追求「簡單卻不單調」，王大閎被視為台灣現代建築的引路人。結合華人傳統元素與現代主義，他見證了台灣50、60年代建築文化的重要發展，也經手眾多台灣的重要建築。     《挑剔的美：王大閎家具設計經典復刻24選》     如今人們對他的興趣從公共設計轉了方向，聚焦王大閎親自設計的三棟私宅建國南路自宅（1953）、虹廬（1964）、弘英別墅（1979），期待從中閱讀他對建築美學的思考，以及對理想生活的定義。   “服裝是我們身體的外殼；建築是我們生活的外殼。我們依照自己身體的外型來設計衣服；我們根據自己生活的內容來設計房屋。”–王大閎   在賞析過建築外型與住宅設計的結構之後，為了更加深入解構王大閎的創作版圖，長年研究王大閎的建築學者徐明松與黃瑋庭將目光聚焦於他對家具的創意；以完美主義、挑剔眼光著稱的王大閎，對家具的要求不惜時間與成本，也要一一親自校準每一件家具的尺寸和設計，藉此完善室內空間的分寸。     王大閎獨照。徐明松提供，鄒昌銘攝影。     基於王大閎親手設計的家具大多已毀損或不知去向，如今僅存零星舊照與久遠記憶，製作過程涉及木作、鐵工、漆藝與織品等多項工藝，且並未留下原件的設計圖紙。兩位學者結合歷史文獻、舊照考證、家屬訪談與3D建模實作，以務實態度抽絲剝繭，還原其工法與建築語彙，完成《挑剔的美：王大閎家具設計經典復刻24選》。     重建的建國南路自宅，客廳一景。白儀芳攝影。     王大閎強調建築是理想與現實之間的橋樑，須兼具精神性與生活性，並將此精神延伸至三棟自宅的家具，種種細節與建築相互呼應，構築完整的生活美學。本書以建國南路自宅（1953）、虹廬（1964）、弘英別墅（1979）三棟住宅為核心，收錄各空間由王大閎設計的代表性家具，包括貝殼茶几、太師椅、八角餐桌、金箔矮櫃、紅黑白沙發、花瓶章魚腳立燈、雙面屏風等共24件。     虹廬舊照，月門望向起居室。王守正提供，朗靜山攝影。     以此為定錨，追溯其設計脈絡，並通過近三十年的設計比較與分析，探問王大閎對理想生活的想像和審美標準，期以研究團隊復刻與重造的過程，明晰這些家具的結構和年代背景，梳理出一套理解王大閎的方法脈絡。   資料及圖片提供」木馬文化 編輯」江瑜

如北京這樣熱鬧的大城市，在大眾印象中總是與高樓林立和積極開發等詞彙相連，卻漸漸忽略了，原來城市周邊仍保有樸實寧靜的鄉村風景。《耒宿》正是一座位於北京平谷區郊外的民宿，身在此處，周邊放眼便是典型的北方平原聚落，可見新舊房舍錯落，紅磚與鋼板交織出一種時代轉換的肌理，無聲向來往的人們默默展示時代變遷所遺留的鑿痕。   透過實牆與建築外部相隔，餐廳磚牆順應空間設置長向窗口，與內側朝向庭院的大幅落地窗相對，使採光與空氣得以流通。     「耒」，源於古代農具，象徵著人與田土的親近；而其字形中藏著「三木」，恰如這座房子的三位老前輩：兩棵柿子樹、一棵核桃樹，它們是業主父親童年的記憶，是家族歲月的根，也是本案設計的起點和敘事核心。   參考周圍民居型態打造建築外型，採用舊磚砌築立面，融入在地氣質。     與老樹共築的記憶   整體格局由兩座天井定義，宛若空間的呼吸洞孔。前段天井與庭院結合，當中有兩棵老樹錯落而立，枝影隨風搖曳，這裡不僅是光與風的入口，更是社交與休閒的重點場所，庭院旁即是體量規整修長的客餐廳，裡外之間以落地窗相隔，賓客可選擇在院中烤肉、或在室內圍聚於長桌共餐，陽光照亮眾人共聚的場景，在木質餐桌上暈染溫暖紋理與人情氣味。   影視廳旁側的排水溝種滿一排青翠綠竹，讓主建築與鄰棟之間的狹窄邊角化為一幅文雅景畫。     自客廳往後探去，穿越光影交錯的廊道，第二座天井就此進入視野。此處只保留一棵老樹，以其為軸心，周圍圍繞著一間唯一設置於一樓的客臥、客用衛浴、娛樂間與影音室等等相對獨立的空間，屬性更偏向私密的生活領域，卻仍透過天井的開口與外界保持聯繫。樓梯位於建築內部深處，由於空間前後的牆面都採用玻璃取代，反而成為視覺亮點，這座佇於室內的光井，串構成垂直動線，引導視線向上，並將動線延伸至二樓的休憩區域。   庭院的樹木自樹根延展至樹冠，串起不同房間的窗口視野，不僅維繫全作設計的整體感，同時也是聚焦住客彼此互動的重點空間。     二樓維持整體通透的設計原則，配合簾幕平衡開闊視野和個人隱私，每間臥室面向庭院的一側皆採用落地窗取代實牆，讓陽光灑入，使四季之景映入室內。連通臥室的走道懸浮於一樓大廳上方，隔著鐵件扶手向下看望，樓層之間的視線得以貫穿。上方傾斜的木質天花與橫樑交錯，呈現樸實卻富節奏的空間秩序，透過材質語彙傳遞質樸氣息與溫暖韻味。   套房結合床頭櫃與階梯，透過置物櫃將第二張床的位置墊高，確保多人使用時也能維護個體起居隱私。     木構的詩意與理性   此作運用木質肌理的溫潤與呼吸感，讓賓客在穿梭空間動線時，能隨著腳步移動欣賞到木構的多樣造型，既與庭院的綠植彼此呼應，也和石板、鐵件等質材相互對比。設計團隊同時考量實際使用的安全性，特別針對二樓設計了透明玻璃板，以避免幼兒在錯層之間跌落的風險，同時維持上下光線的流動。部分牆體開設圓形窗洞，既彌補光照的死角，也為整體空間注入一絲趣味與輕盈，夜幕降臨時，柔和燈光隱於結構與夾縫之間，讓牆面與天光成為空間主角，展現出自然素雅的寧靜氣質。   二樓走道的金屬扶手與木作房樑共構秩序，突出建材冷暖的質感對比。     面向外側的牆體多由舊磚砌築，保留村落原有的質地與記憶，屋頂覆以灰色瀝青瓦，延伸至二層牆面，整體如一座漂浮於圍牆之上的「灰色之屋」，低調地融入在地環境，同時獨具辨識度。室內隔牆以建築與室內一體化的方式構成，減少二次裝修，讓空間輪廓更加純粹，正如業主所言：「這是一座會呼吸的房子。」本案令其引以為傲的地方不在於以宏大形象壓迫土地，而是在呼吸與光影之間謙和的相融環境，讓建築與自然達到平衡。   空間內的木質紋理與窗外的樹冠對話，透過樹蔭篩落的光影，讓置身室內的使用者宛如身處林間小路。     從村落深處萌芽   當城市的旅人步入此地，在空間裡外穿行時，能感受樹葉與土壤的氣味和天光流動，體會業主期待分享的悠然情致。作為一間民宿，《耒宿》並非單純的商業空間，而是一個社區活力的載體，同時也是一個促進交流的平台，遊客與村民相遇、對話，為鄉間的日常營造新的話題與人際關係，邀請城市旅人進入鄉村的節奏，於庭院喝茶、在樹影中散步，讓城市與鄉村在此產生新的交集。   穿插錯落的空間體塊構成光影和空間流通的路徑，圍合中央的老樹，強調全案的精神核心。     這樣的更新並非推倒重來，而是透過設計與時間的對話，讓傳統格局在當代語境下重生。《耒宿》對外擷取針對周遭建築變化的觀察與相應，對內則以兩座天井串起自然與人心，核心是三棵老樹所喚起的世代記憶。以謙和姿態回應土地，延續了傳統院落的格局，透過當代木構語彙重新書寫；它承載了個人記憶，又開放給公共生活，不張揚、不矯飾，而是以一種自然的姿態，喚醒人們對「生活本真」的想像。   資料及圖片提供」建築營設計工作室  編輯」江瑜

時值深秋，正逢台灣藝術氛圍最為濃厚的時刻，向來重視藝術與生活結合的易雅居，策劃了一場視覺盛宴，邀請12位台灣藝術收藏家精選一件私人收藏，以「Living with Art」的理念為核心，演繹藝術與日常的交會。     文心藝術基金會創辦人葉曉甄收藏，藝術家李元佳《無題》。     本次展覽由易雅居創辦人易英謨女士、張增偉先生與國際知名策展人曾文泉先生共同策劃。邀請多位收藏家參與，讓藝術品與易雅居的精品家具和諧並呈，佐以收藏者的訪談錄像，引導觀眾一探藝術品與收藏家之間的緣份，以及收藏者獨特的藝術觸動。     資深藏家相互交會   藝術品展現的不僅是視覺上的賞心悅目，同時也向觀者傳遞藝術家本人的創作理念，以及收藏者所看重的精神內涵，作品與所在環境的精神互動亦值得一觀。策展人曾文泉先生於本展首度公開德國藝術家沃爾夫岡．萊布（Wolfgang Laib）的經典作品牛奶石（Milk Stone），結合牛奶的流體印象與大理石流光溢彩的固體質地，喚起對「美」的再思與感知邊界的突破。     易雅居館藏，藝術家Anish Kapoor《Sky Mirror》，Antony Gormley《Shrive VI》。     除了在型態與概念上的衝擊，還有跨時代的藝術表現。比如，璞永建設董事長楊岳虎先生所出借的巨幅畫作《Nives》，創作者荷蘭藝術家卡雷爾．阿佩爾（Karel Appel）活躍於1950年代至2000年代，此作屬於阿佩爾的「裸體系列」之一，將身體抽象化為兼具力量與性感的形象，曾於紐約、科隆、巴塞隆納與海牙等地巡迴展出，可見在國際藝術史上的重要地位，楊岳虎先生此次出借，讓觀眾得以一窺戰後歐洲現代藝術精神的核心。     葡眾企業執行長曾美菁收藏，藝術家Christo & Jeanne-Claude《The Pont Neuf Wrapped》。     而針對肢體藝術，自戰後年代至現今的創作變化，對比西方鮮明外放的筆觸設色，知名電視節目製作人王偉忠先生與夫人出借的中國當代藝術家王克平之作，融合東西方雕塑語言，透過木雕立體的形象，形構身體、語言與權力之間的張力。   將目光轉向台灣當代藝術，恆成紙業董事長鄭宗杰先生持續用收藏行動支持年輕的創作者，既是藝術家創作歷程的見證，也展現了他對藝術實踐的深度參與。此次出借黃麗音（Steph Huang）的作品《櫻桃杏仁派風聖代（Cherry Bakewell Sundae）》，為少數曾同時亮相倫敦泰特與台北市立美術館的代表之作，延續藝術家對食品加工產業所折射的現代生活框架的思索，並進一步探討飲食文化中的資本與勞動系統。     馨昌股份有限公司董事長鄧傳馨先生，藝術家朱德群《落霞之外》。     文心藝術基金會創辦人葉曉甄女士為這場展覽提供藝術家李元佳的三件作品，可見李元佳跨越台灣、義大利與倫敦，融合東方哲思與西方現代主義的藝術風格，其中有二屬於他1957年創立「東方畫會」的時期，流露對中國書法與甲骨文的探索；另一件義大利時期的作品則轉向極簡抽象，表現出沉靜的美學張力。     易雅居Living with Art 的品牌理念   藝術品出於個人對世界的觀察，也透過藏家的理解延伸作品的存在意義，經過時間的積累，沉澱其背景故事。就像葡眾企業執行長曾美菁女士所出借的著名藝術家雙人組Christo & Jeanne-Claude相關文件作品，內含《包裹新橋（The Pont Neuf Wrapped）》和《包裹凱旋門（L’Arc de Triomphe, Wrapped）》，傳遞對空間、物質與時間的深刻探索，突破傳統公共藝術的界限，不僅豐富了本展的空間美學與思想衝擊，也讓觀眾更深入理解這些行動的歷史意義。     璞永建設董事長楊岳虎收藏，藝術家Karel Appel《Nives》。以及室內建築師楊岸收藏，藝術家林明弘《無題》。     室內建築師楊岸先生，提供台灣藝術家林明弘早期具觀念性探索的作品，證券商公會榮譽理事長賀鳴珩先生則出借了松浦浩之（Hiroyuki Matsuura）的作品；馨昌股份有限公司董事長鄧傳馨先生亦提供了朱德群等藝術家作品 ，他們拓展了展覽的藝術語境，呈現當代藝術多元共融的面貌，為觀眾提供更多跨文化與時代的欣賞角度。     易雅居館藏，藝術家杉本博司《Lightning Fields》。     在藏家提供的精彩呈現之外，易雅居此次亦不藏私，展出包括阿尼什．卡普爾（Anish Kapoor）的《天空之鏡（Sky Mirror）》、安東尼．戈姆雷（Antony Gormley）的《虛無VI（Shrive VI）》、伊恩．納瓦羅（Ian Navarro）的《重擔（Burden）》，以及達米恩．赫斯特（Damien Hirst）的《黑暗日子（Dark Days）》等當代藝術經典。這些作品並置於易雅居的生活場域之中，營造出跨越私人與公共、美學與日常的多重對話，落實「Living with Art」的策展理念，道出藝術並非少數群體的精神享受，它亦能走下嚴肅殿堂融入生活場境，觸發自身與他人的心靈共鳴。   資料及圖片提供」易雅居Yi&C. 編輯」江瑜

台灣科技藝術團隊何理互動（WHYIXD）與柏林聲音藝術團隊Kling Klang Klong共同創作的大型聲光藝術裝置作品《海境：回溯》（Tender Soul of Ocean: recall），作為「2025 C-LAB聲響藝術節：DIVERSONICS」的焦點節目之一，2025年11月30日前於臺灣當代文化實驗場登場展出。作品以即時運算導入真實風場數據，將現場環境轉譯為動態聲場及光影，邀請觀者進入一場由氣候、聲音與光影交織而成的體驗。 《海境：回溯》作品細部照。   聲光共構 《海境：回溯》源自何理互動於2022年在基隆海岸的實驗計畫《海境》──一座感知海風的裝置，將真實氣候轉化為光與節奏。隨後走訪威尼斯與奧地利展出，逐步化為能記錄並回應氣候的感知器。此次回到台北，首度以室內沉浸式版本亮相，藝術團隊將觀者納入「氣候的一部分」，在此重新感受海洋的記憶與呼吸。 《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。   擅長運用光影建構空間敘事的何理互動，在《海境：回溯》與Kling Klang Klong跨國合作，透過聲音、光與資料的三方對話，共同構築融合科技與自然的互動場域。光線作為觀眾最先領略的元素，能即時建構空間的流動和方向；聲音則深入感官內部，影響情緒及呼吸，使人以更內化的方式進入其中。Kling Klang Klong則指出，聲音與視覺皆源自同一組自然數據，形成緊密共振，讓空間連續且動態構，同時持續牽引、重塑。他們強調，《海境：回溯》的關鍵不在於「看起來如何」或「聽起來如何」，而是「感覺起來如何」。 《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。   《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。 創作實踐 「將自然數據轉化為數位體驗」是本次創作最核心、也最具詩意的實踐。這項轉化並非僅是技術上的複製現實，而是透過藝術家的觀察進行詮釋，將對自然的理解、記憶與情感，以數位形式重生於空間之中。藝術團隊說明，他們並非僅將風場數據或觀眾的動態資料直接轉換為視覺或聲響，而是藉由創作語彙賦予數據情感，讓觀者以一種不同於日常的方式重新與自然相遇，這樣的轉譯令藝術不再只是分析與呈現，而是進入真正的理解與共感。 德國聲音藝術家與作品合照。   在《海境：回溯》的展演中，空間不僅是展示的載體，更是構成的一部分，Kling Klang Klong將其視為一座由聲音構成的透明雕塑，藉由聲響的生成與布局，創造出可被觀眾「感覺」的結構。光的設計則由何理互動主導，本次以即時生成的方式與聲音同步運作，聲音並非單向配音，而是與光線在同一組資料邏輯中相互觸發回應：有些聲響由燈光的運算狀態所形成，光的擴散則反向牽動聲音的律動與空間感，而觀眾的介入亦會改變聲光反應、共同塑造風的節奏，使人成為作品生成的其中一環，彷彿走進一個具生命律動的感知場，與裝置產生真實連結。 《海境：回溯》作品細部照。     資料及圖片提供」何理互動（WHYIXD） 編輯」陳映蓁

經個人對生命經驗的理解和重塑，再以美學的概念重現，「藝術品」成為一種將個人情緒和思想具象的載體，同時也是反映藝術家個人表達、與社會大眾對話的媒介。1998年，臺北市立美術館首次邀請外籍策展人策劃台北美術雙年展並更名為「台北雙年展」，經過多次展覽的舉辦過程，不斷審視、關注台灣當代藝術與社會議題重心的變化，同時也透過國際友人的參與，豐富展中的文化交流、提升台灣藝術的國際影響力，將台北納入亞洲乃至全球當代藝術的網絡。     2025台北雙年展主視覺。     第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」由山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath，柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，彙集來自全球37個城市、72位藝術家的作品約150件，包含 34 件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等，以「思慕」作為為題，探討這項持續推動人類的內在驅力。     邱子晏，《偽飛行場》（錄像截圖），2025。     寇拉克里・阿讓諾度才，《愛在死亡之後》（錄像截圖），2025。     個體缺失和群體連結   從台灣錯綜複雜的歷史出發，策展人在策畫期間漫遊台北街頭，閱覽近年的文學和電影，以此觀察和理解台北近代變遷的風貌和居民的內心世界，自三件作品當中提取策展的靈感，並各自以當中的某一項物件為代表，延伸對於「思慕」知情的三種面向。     阿瓦羅・烏爾巴諾，《活畫》（裝置一隅），2024-25，紐約 Sculpture Center 展覽現場。圖像由藝術家及紐約 SculptureCenter，ChertLüdde（柏林），Travesia Cuatro（馬德里、墨西哥城、瓜達拉哈拉）提供。攝影：Charles Benton。     法特瑪・阿布杜哈迪，《留下的⋯⋯盡可能長存》，2025。絹印於透明網布、不鏽鋼懸吊結構、九層塔植栽，共18幅，每幅400 x 90公分。     其一是侯孝賢導演的電影《戲夢人生》（1993）中的「尪仔」，以此象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌。其次是陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的「日記」，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境。最後是吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的「單車」，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。     拉納・貝古姆，《No.1048 L網格》（局部），2020，Kate MacGarry Gallery 展覽現場。圖像由藝術家提供。攝影：Angus Mill。     尪仔代表的延續性、日記的內在世界，以及單車隱喻的追尋，三者鋪陳了本展的概念底色，交織呈現當代作品與北美館典藏作品，將近30件館藏作品分布於展場各處，令新委託創作及經典作品展開對話。     雅浸・金朝恩，《微創：侵碎之章》，2025。圖像由藝術家及François Ghebaly Gallery提供。圖像由藝術家及François Ghebaly Gallery提供。     「思慕」的多元面相   散落於北美館三層樓空間的展品，特別以紡織隔幕取代實牆的展示設計，作為展間之間的分隔，此外，精簡易讀的展牆文字便於觀者自行觀賞，提供每件作品的明確脈絡；展品彼此之間並無硬性分野，在自由且有序的動線上層層遞進、深入，讓觀者得以更自在地與其互動，同時理解雙年展的理念。     赫拉・比于塔詹，《摧毀你家，造一艘船，拯救生命》，2015。地毯印刷，尺寸依空間而定。圖像由藝術家及Green Art Gallery Dubai and EVA International–Ireland's Biennial提供。攝影：Miriam O' Connor。     一樓展區呈現探討奉獻、記憶與堅韌之間深刻連結的作品，透過不同藝術家的理解與表達方式，共同闡釋對技藝、記憶與關懷的投入，如何成為一種生存之道。地下一樓的作品聚焦於「身體」，將肢體視為見證與轉化發生的場域，該樓層宛如地下鏡像，令觀者在此深入自我內在，透過呼吸、重複與儀式逐漸將「思慕」凝聚成形。二樓展覽則將焦點轉向現代性、再現與共同歸屬等主題，追溯現代藝術脈絡，藉藝術手法重塑感知、詮釋與連結的渴望，以思慕為媒介，重構對世界的想像。     基里亞科斯・托波利迪斯，《書寫日記》，2024。壓克力顏料、油彩、照片轉印於畫布，150 x 170公分（含框153.3 x 173.3 x 4公分）。圖像由藝術家及Galerie Judin, Berlin提供。攝影：Trevor Good。   多年以來，台北雙年展努力秉持中立、不帶偏見的立場，為藝術家提供呈現作品最好的舞台，也與來自各地的策展人嘗試合作，試圖建立一個可以連結本地與國際社群的直接網絡，歡迎多元表達的藝術形式，未來的目標在於擴大對話涵蓋的可能性，讓更多角度的思想可以在此進行交流和碰撞，讓更多默默耕耘的藝術家可以被看見，同時也拓展在地對藝術的理解和視野。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

故宮博物院自1925年自服務皇室到轉而為民間大眾開放，歷經無數人事變遷與興亡，其意義不僅是一處觀光景點，更是以實物紀錄文化流變的重要載體，藏品以長篇銘文的青銅器、古代早期的名家書畫、善本古籍和官窯瓷器等蒐藏最具影響力，時間跨度涵蓋新石器時代至今長達8,000年。輾轉來台，歷經肇始播遷、北溝歲月、建院發展、深耕轉型四大階段，其中有75年在台灣落地生根。決意於今年舉辦三大特展，既是檢視過往一路走來看待藏品的解讀與變化，同時也是展望故宮文化未來的成長方向。     故宮百年院慶大展「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」登場，書寫故宮的甲子傳承與萬年新頁。     「皕宋—故宮宋版圖書觀止」、「千年神遇—北宋西園雅集傳奇」及「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」，三大特展以文物為核心，延伸展示文物背後的歷史背景，分別聚焦於院藏宋版圖書的學術價值、北宋文人藝術的傳奇，以及故宮在台灣多年來的成長歷程，期待透過展覽內容，引導民眾看見故宮多年耕耘的過程和研究成果，深入了解文物收藏與社會大眾之間的聯繫，以此宣告與全民共享的故宮將邁向全新篇章。     故宮「甲子萬年」特展精品薈萃，匯聚〈北宋 汝窯 青瓷無紋水仙盆〉等國寶，展現故宮百年典藏的深厚底蘊。     宋代出版的黃金時代   與歷史長河相較，個體的生命跨度太過渺小，透過文字的紀錄，才得以略窺一角過往無法追溯的真相、傳承人類的智慧結晶，隨雕版印刷技術成熟，宋代社會從「寫本時代」邁入「刻本時代」。「皕宋」一名，取自晚清「中國四大藏書樓」之一、由清代金石學家陸心源所建的「皕宋樓」，呼應其豐富的善本收藏，特展內容主要呈現故宮院藏的宋刊本圖書大觀，古籍雕版印刷均是由書法名家手書，配合刻工上板雕刻，是以，每一部雕版書都是書法家和雕刻家通力協作完成的藝術品。     「皕宋」特展是故宮百年展覽史上規模最大、文物級別最高的宋版圖書特展。     「皕宋」特展一共展出98部宋版古籍，為故宮史上規模最大、文物等級最高的宋版圖書特展，其中近半數為舉世僅存的孤本，珍稀程度前所未有。故宮文物修復團隊運用宋版圖書數位影像，採傳統楮皮紙直印輸出，親手復刻宋代「蝴蝶裝」裝訂形式，製作可供翻閱的複製樣本，配合過往出現在課本上、諸如《爾雅》、《論語》、《孝經》等大眾耳熟能詳的漢學經典，讓民眾直觀體驗古人閱讀時所感受到的體感，以及精神傳承。     故宮百年院慶鉅獻「皕宋」特展。     千年前的文人聚會   相傳北宋年間，駙馬王詵曾於汴京西園舉辦一場風雅聚會，如蘇軾、黃庭堅、李公麟、米芾等人皆為座上賓，會後由李公麟繪圖、米芾書文，以此紀念這場難得的「西園雅集」，雖然這場聚會考據至今仍虛實難辨，但是仍有許多創作以此為靈感，經由後人傳頌，凝聚時人對風雅韻事的憧憬，成為歷代雅集仿效的原型。     元 趙孟頫，《西園雅集圖》。     宋 李公麟，《五馬圖》(局部)，日本東京國立博物館藏。     「千年神遇－北宋西園雅集傳奇」特展將最廣為人知的宋代藝術家——蘇軾，做為策展核心和切入點，以文物展覽的形式重現傳說中的群星薈萃，展覽內容首先自書齋逸趣、宴飲酬酢、耆英雅聚等主題出發，隨後進一步深入以蘇軾為首，黃庭堅、李公麟、米芾等緊隨其後的作品精選，內含蘇軾的《書前赤壁賦》、黃庭堅的《自書松風閣詩》及米芾的《蜀素帖》，以及近年現世的夢幻真跡，李李公麟〈五馬圖〉，最終以這些宋代明星為基點，引領觀眾觀賞後世受其影響的書畫，如漣漪般層層蕩漾，延伸至整個東亞文化圈。     宋 蘇軾，《書次韻三舍人省上詩》。     故宮歷代典藏   來到故宮南北院聯展「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」，此為年度院慶壓軸大展，聚焦故宮遷台75年、立足台北外雙溪至今60年歷程，藉由「開門見山」、「相遇寰宇」、「萬象交織」與「迎向未來」等四個單元，呈現典藏體系的建立與擴充、赴外展覽與國際交流、藏品研究與詮釋的進展，以及數位典藏歷程等面向。     故宮「甲子萬年」特展，以「故宮100+」為起點，邁向百年新故宮。     故宮總策展人余佩瑾副院長指出，展覽名稱「甲子萬年」，靈感取自清乾隆年間〈洋彩萬年甲子筆筒〉，同時呼應以「時間」為主軸的策展理念，這件1744年因應甲子年到來所燒造的筆筒，亦具記年功能，上下兩層皆可轉動，讓天干與地支的組合能精確對應年份。     故宮「甲子萬年」特展，結合數位互動裝置，呈現故宮數位發展成果。     時光流轉，故宮百年典藏的深厚底蘊，其價值亦被再次重新定義，如〈北宋 汝窯 青瓷無紋水仙盆〉、〈北宋 定窯 白瓷嬰兒枕〉、《藏文寫本龍藏經》，唐人雙鉤廓填本傳世名蹟〈晉 王羲之 平安何如奉橘三帖〉等珍貴國寶，以及收藏於日本九州國立博物館〈北魏釋迦牟尼佛坐像〉與〈絹本著色觀音曼荼羅圖〉，皆因應本展得以現身於人前，橫跨時代的隔閡，重建歷史文化與當今社會的精神聯繫。     展覽名稱「甲子萬年」，靈感源自於清乾隆年間〈洋彩萬年甲子筆筒〉，象徵著時間循環與文化延續。   故宮百年院慶 地點：國立故宮博物院 北部院區 第一展覽館 時間：2025年10月04日至2026年01月04日   資料及圖片提供」國立故宮博物院 採訪」江瑜

在當代藝術與工藝的交匯處，臺南市美術館持續以策展建構對話橋樑。自2021年起，透過「工藝協奏曲：臺灣X金澤工藝交流展」、「逍．遙．遊當代工藝合創展」及「臺南X金澤雙城論壇」等系列活動，南美館不僅呼應台南作為工藝創作重鎮的歷史脈絡，更逐步搭起跨領域的交流網絡。今年秋季，南美館再度推進此一使命，特邀日本當代藝術重要推手秋元雄史擔任策展人，推出「皮膚と內臓：自己、世界、時間」展覽，以十位日本當代女性藝術家的工藝創作，開啟一場跨越感官與哲思的深度探索。 展覽現場。   多元媒材呈現生存意義 展覽以「皮膚與內臟」為隱喻，從身體最直接的感知出發，試圖組織起自我、世界與時間的複雜關係。這不僅是感官的啟蒙，更是存在的探問。藝術家們透過玻璃、漆藝、陶藝、織品、纖維等多元媒材，創造既神秘又具象徵性的作品型態，引領觀者在觸覺與視覺的交織中，思考現代人如何面對自我與世界的連結。這種創作精神，恰如草間彌生在自傳《無限之網》中所言：「不應該受到舊道德的束縛，要做自己喜歡的事」，展現在自由中追尋生存意義的藝術態度。 展覽室C第三子題「邂逅：與他人的共鳴」，陳列四位藝術家之作。   展覽的敘事結構巧妙借鏡動漫《葬送的芙莉蓮》中，主角於旅程中反思生命的隱喻，引導觀眾透過作品審視自身，並重新建構與他人、與「來世」的關係。從記憶的追尋到生命的律動，展覽分為四大子題，逐步展開對人類經驗的深層叩問。   從工藝感受生命流動 在「記憶與情感：過去與幻想」中，牟田陽日將傳統陶瓷圖像融入個人想像，投射出對自然的獨特觀照；小林萬里子以「生命的循環」為題，模糊人類與動植物的界線；綿結則運用原始技法，追尋一種超越時代與地域的根源之美。這些創作不僅是對過去的懷想，更是對幻想與現實之間流動狀態的捕捉。 小林萬里子作品《無盡的喜悅》。 佐佐木類作品《植物的記憶》系列。 進入「旅程：探索超越界限」，藝術家佐佐木類透過《植物的記憶》系列，記錄她與土地、旅行的對話，在採集與創作的過程中重新發現自我。而在「邂逅：與他人的共鳴」中，三嶋律惠與義大利穆拉諾島工匠合作，展現玻璃工藝在光線下的多變姿態；中田真裕透過色層堆疊留下時間軌跡，佐合道子與留守玲則分別從造形觀察與日常素材中，探問生命本質與物質特性。   三嶋律惠在燒製過程中，運用不同方式創造作品的多樣性。 佐合道子利用瓷土創作多種形態。 最終，「生與死：生命的律動與心理」回歸對生命本質的凝視。山下茜里剝除皮膚的表象，以鮮烈色彩描繪人類身體，直面「人為何物」的終極提問；宮田彩加則將帶有死亡預兆的MRI影像轉化為藝術，成為面對身體不確定時的心理回應。   展覽大廳放置山下茜里作品《渴望光明》，表現色彩鮮艷的人類身體。 展覽開幕式上，忠義國小太鼓隊與歌手林雨宣共同演繹《葬送的芙莉蓮》主題曲〈勇者〉，以鼓聲與歌聲象徵挑戰過後的旅程，與展覽主題相呼應，帶來直擊感官的震撼體驗。策展人秋元雄史與藝術家代表佐佐木類強調，展覽並非艱澀難懂，只要以自身感官細細體會，每位觀眾都能從中找到屬於自己的啟發。   宮田彩加作品靈感源於自身至醫院檢查的MRI核磁共振檢驗報告。 「皮膚と內臓」不僅是一場工藝展覽，更是一趟從身體感知出發，通往自我與世界深處的旅程。透過十位藝術家的創作，觀眾得以在記憶、旅程、邂逅與生死的交織中，感受生命的流動與存在的意義。   山下茜里的蠟染作品《超越肌膚》。 皮膚と內臓：自己、世界、時間 時間」2025年10月3日至2026年1月18日 地點」臺南市美術館2館展覽室A-D 詳情請見臺南市立美術館官網。   資料及圖片提供」臺南市立美術館 編輯」林靖諺

台北當代藝術館適逢25周年，邀請知名現代藝術團隊豪華朗機工於此舉辦首次個展「宇宙寫生」，豪華朗機工由張耿豪、張耿華、陳乂及林昆穎四名藝術家組成，歷經多次藝術活動，至今已有15年創作經驗，四人各有所長，透過討論和合作，創作內容橫跨繪畫、雕塑、音樂、錄像、文本和藝術裝置等領域的手法，以藝術語言反饋他們對社會的觀察、回應公共以及社會議題，也透過創作為不同領域之間創造新的連結。     《四合》，攝影：陳長志。     本次展出不僅是一次針對過去的審視和紀念，同時也是對未來的展望，展覽內容包括重新詮釋14件過去令觀眾印象深刻的經典作品，同時也有與台北當代藝術館合作所觸發的全新創作，以「萬物皆連結 It's all connected」為核心，提出三個主題進行遞進式的概念闡述。     《游泳》，攝影：陳長志。     開篇「連結的生命」中，為觀眾展示人與環境如何互為依存；其次「記憶的物件」，著重於時間與物質所留下的痕跡；最終收尾的「凝視的宇宙」，則以新作裝置開啟對未來的探索。期待透過沉浸式的展覽體驗，喚醒觀眾的感知，讓觀眾置身在跨媒體裝置和運算式技術所營造的語境中，重新審視自身和環境的關係，並延伸對未來世界的想像力。     《在屾》。     光與生命的串連   回顧團隊成立的最初，每一次合作、挑戰與轉變都成為養分，就像他們是由四個獨立的個體互相搭建而成，以此為起點，設置入口形象區的裝置作品《四合》，以緩慢律動的光影迎接觀者進入，彼此獨立的燈管在幽暗的環境中透過光源彼此牽引，最終在同一個框架中找到平衡，展現微妙而和諧的合作。     豪華朗機工於科教館的工作室。     《雨霾II》。     以個體與個體之間的關係，擴大到對更多人群的關懷，展出的第一站「連結的生命」透過燈管裝置模擬自然律動，呈現《游泳》和《風場II》，細長的發光體化為一片人工風林，在展場裡靜靜呼吸。從人類的角度繼續往環境的方向延伸，《在屾》、《雨霾II》和《冷凝》，透過藝術家蒐集的鋼筋廢料和海廢等廢棄物質，構築自然意象，表達山、海與氣候變遷下冰冷與柔軟的對話，喚起屬於台灣人共同的感官記憶，匯聚人類的感官和自然生態的變化，讓觀眾看到個體生命彼此之間的群體共性。     《冷凝》。     15年創作生涯的里程碑   來到第二個展區，依序審視一路走來的共創記憶，以繪畫與投影構築三個曾經的工作場域，透過觀察者的視角，邀請觀者在凝視中穿越，沉澱於豪華朗機工十五年的創作記憶，凝結成《15年工作室》這個時光的結晶。在此之後的「照顧計畫」系列，靈感源自2006年張耿豪、張耿華在當代館展出的《啄木鳥》，延續鳥與樹木互惠共生的意象，作品以影像與訪談呈現，橫跨展場三個樓梯間。     《照顧計劃 II 感知現場》。     以現在的嶄新眼光對過去的作品進行再詮釋，面對不同的場地和不同的心境，宛如在回憶的地基上構築更高的塔樓，望向更遠的風景。如2010年誕生的《日光域》，當年藉由=回收燈具重新聚合光源，作品一路迭代至今，於當代館推出全新版本《日光域XI—台北當代藝術館》。新版作品以回收平板電腦作為光的載體，映照當代人們被網路、社群與演算法環繞的處境，數位藍光宛如日光，再次引導觀眾在凝視中思索。     《風場II》。     以及始於十五年前的《天氣好不好我們都要飛》，當時的豪華朗機工與台新銀行文化藝術基金會共同企劃，以空白鳥圖紙邀請全台37,200位孩童描繪心中飛翔的夢想，如今這件大型集合創作再次展翅，象徵自由與勇氣不因時代而停歇，不僅令過去的記憶再次鮮活，同時也邀請觀眾加入共創，一起為小鳥繪製彩色翅膀。     《日光域XI–台北當代藝術館》。   《天氣好不好我們都要飛》。   會呼吸的宇宙場域   展覽尾聲在二樓最大的展間以《宇宙201》為敘事主題，結合《生光》、《物林》、《手識》三件相互聯動的核心作品，構築出一個會呼吸的宇宙場域，每個分開看都足以獨立閃耀的部分，於此同一片宇宙中運行。《生光》將聲音與光編織成一個可以被包覆的宇宙，邀請觀眾開啟全身的感知，跟聲音的頻率與光的震動一起呼吸；《物林》由漂流木打造而成，圍繞而彼此聯結的森林，而在林間深處，《手識》以仿生手掌作出觀眾熟悉的姿態，與《生光》的多重光場彼此互動，象徵人類的意識將人與自然、宇宙進行連結。     《很難很難》。      《宇宙201》。   這三件作品以抽象的概念為核心，共構震撼視覺的科幻場景，是豪華朗機工對「宇宙寫生」的深層思考，出於對2018年因病離世的張耿豪的思念，作品以詩意的現實幻境，使觀者意識到科技之中的溫度與靈性，生命與記憶在此延伸，化為展覽中最為深沉的心跳。     「宇宙寫生—豪華朗機工個展」 時間」2025年10月04日至2026年1月11日 地點」台北當代藝術館 資料及圖片提供」台北當代藝術館、豪華朗機工 編輯」江瑜

忠泰美術館今夏首度於台灣推出芬蘭國寶級建築師大型回顧展《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》，衛星展區日前於在 NOKE忠泰樂生活3樓Uncanny登場，進一步延伸探討展覽核心命題「創造即生活」。展期至2025年11月30日。 《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》衛星展區。©忠泰美術館   衛星展區聚焦阿爾托夫婦家具設計的實驗精神、專利技術與創新成果，並介紹其共同創立的設計品牌「Artek」。現場展出多件經典作品與設計結構物件，包括1930年代突破曲木技術極限的懸臂椅（The Cantilevered Chair）以及被譽為「圓凳之王」的60號圓凳（Stool 60）等，揭示他們如何以設計連結個人、家庭與國家文化價值，同時帶領觀者見證芬蘭現代設計跨越地域文化，延續發展近百年的雋永魅力。 衛星展區囊括了手工製品到量產家具的介紹。©忠泰美術館   家具是建築的縮影 阿爾托夫婦在建築創作中不僅關注空間形式，也透過材質與細節的實驗，賦予生活更豐富的質感和感知體驗。衛星展區呈現他們成立事務所初期、面對20世紀工業化浪潮下，家具設計的創新實踐，挑戰傳統木作技術，發展膠合板曲木工藝，突破木材彎曲極限，打造輕盈有機且具量產可能的家具。在1934至1965年間，阿爾托更以七項專利展現家具實驗技術突破，成為北歐現代家具發展的重要典範。 阿爾托發明的專利「L型支撐腳彎曲法」，有相當廣泛的應用，亦衍生出多樣變體。©忠泰美術館   對阿爾托夫婦而言，家具是建築的縮影，也是與日常最直接的對話。許多作品源於大型建築計畫，卻逐漸成為獨立經典，並透過他們於1935年創立的Artek公司推向全球，至今仍在生產並廣受喜愛。 Artek結合了「藝術」（Art）與「科技」（Technology）。©Alvar Aalto Foundation   Artek的名稱源自「藝術」（Art）與「科技」（Technology）的結合，由阿爾瓦與愛諾．阿爾托及其友人在赫爾辛基創立。Artek不僅管理阿爾托家具出口、推廣優質家居產品，也在店中舉辦現代藝術展覽，成為當時前衛的室內設計藝術中心。 可堆疊式的611號椅，後由愛諾改造為兒童款（右）。©忠泰美術館 愛諾同時也擔任Artek首任藝術總監，專注於室內設計，並將阿爾托家具的設計語彙轉化為現代產品風貌，奠定品牌的設計準則與形象，並於今年迎來成立90週年。   懸臂椅（The Cantilevered Chair） 懸臂椅系列401號椅，剖面呈現局部內裏。©忠泰美術館 於1932年北歐建築論壇首度亮相，以模具塑形的彎曲木材所製成的家具框架，這種框架可同時作為椅子的扶手和椅腳，又稱為「彈性木椅」。此設計衍生多款阿爾托家具，至今仍持續生產。 阿爾瓦．阿爾托在維堡圖書館測試懸臂椅設計。©Alvar Aalto Foundation   層架支撐（Shelf Bracket） 1935至1936年間設計出環形樺木支撐層架。©Alvar Aalto Foundation 阿爾托於1935至1936年間設計環形樺木支撐，由Artek進一步發展為多款式，廣泛應用於層架、衣帽架、壁掛收納與傘架，展現結構的多功能與延展性。 環形樺木支撐層架。©忠泰美術館   60號圓凳（Stool 60） 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳，採用專利曲木技術打造L型支撐腳，三腳結構即使在不平表面也能保持穩固，且可堆疊收納節省空間。簡潔的木質平面易於清潔，完美展現功能主義精神；而L型支撐腳亦持續衍生出Y型、X型、V型等多樣變體，成為品牌經典的設計語彙。 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館     資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁