台灣科技藝術團隊何理互動（WHYIXD）與柏林聲音藝術團隊Kling Klang Klong共同創作的大型聲光藝術裝置作品《海境：回溯》（Tender Soul of Ocean: recall），作為「2025 C-LAB聲響藝術節：DIVERSONICS」的焦點節目之一，2025年11月30日前於臺灣當代文化實驗場登場展出。作品以即時運算導入真實風場數據，將現場環境轉譯為動態聲場及光影，邀請觀者進入一場由氣候、聲音與光影交織而成的體驗。 《海境：回溯》作品細部照。   聲光共構 《海境：回溯》源自何理互動於2022年在基隆海岸的實驗計畫《海境》──一座感知海風的裝置，將真實氣候轉化為光與節奏。隨後走訪威尼斯與奧地利展出，逐步化為能記錄並回應氣候的感知器。此次回到台北，首度以室內沉浸式版本亮相，藝術團隊將觀者納入「氣候的一部分」，在此重新感受海洋的記憶與呼吸。 《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。   擅長運用光影建構空間敘事的何理互動，在《海境：回溯》與Kling Klang Klong跨國合作，透過聲音、光與資料的三方對話，共同構築融合科技與自然的互動場域。光線作為觀眾最先領略的元素，能即時建構空間的流動和方向；聲音則深入感官內部，影響情緒及呼吸，使人以更內化的方式進入其中。Kling Klang Klong則指出，聲音與視覺皆源自同一組自然數據，形成緊密共振，讓空間連續且動態構，同時持續牽引、重塑。他們強調，《海境：回溯》的關鍵不在於「看起來如何」或「聽起來如何」，而是「感覺起來如何」。 《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。   《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。 創作實踐 「將自然數據轉化為數位體驗」是本次創作最核心、也最具詩意的實踐。這項轉化並非僅是技術上的複製現實，而是透過藝術家的觀察進行詮釋，將對自然的理解、記憶與情感，以數位形式重生於空間之中。藝術團隊說明，他們並非僅將風場數據或觀眾的動態資料直接轉換為視覺或聲響，而是藉由創作語彙賦予數據情感，讓觀者以一種不同於日常的方式重新與自然相遇，這樣的轉譯令藝術不再只是分析與呈現，而是進入真正的理解與共感。 德國聲音藝術家與作品合照。   在《海境：回溯》的展演中，空間不僅是展示的載體，更是構成的一部分，Kling Klang Klong將其視為一座由聲音構成的透明雕塑，藉由聲響的生成與布局，創造出可被觀眾「感覺」的結構。光的設計則由何理互動主導，本次以即時生成的方式與聲音同步運作，聲音並非單向配音，而是與光線在同一組資料邏輯中相互觸發回應：有些聲響由燈光的運算狀態所形成，光的擴散則反向牽動聲音的律動與空間感，而觀眾的介入亦會改變聲光反應、共同塑造風的節奏，使人成為作品生成的其中一環，彷彿走進一個具生命律動的感知場，與裝置產生真實連結。 《海境：回溯》作品細部照。     資料及圖片提供」何理互動（WHYIXD） 編輯」陳映蓁

經個人對生命經驗的理解和重塑，再以美學的概念重現，「藝術品」成為一種將個人情緒和思想具象的載體，同時也是反映藝術家個人表達、與社會大眾對話的媒介。1998年，臺北市立美術館首次邀請外籍策展人策劃台北美術雙年展並更名為「台北雙年展」，經過多次展覽的舉辦過程，不斷審視、關注台灣當代藝術與社會議題重心的變化，同時也透過國際友人的參與，豐富展中的文化交流、提升台灣藝術的國際影響力，將台北納入亞洲乃至全球當代藝術的網絡。     2025台北雙年展主視覺。     第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」由山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath，柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，彙集來自全球37個城市、72位藝術家的作品約150件，包含 34 件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等，以「思慕」作為為題，探討這項持續推動人類的內在驅力。     邱子晏，《偽飛行場》（錄像截圖），2025。     寇拉克里・阿讓諾度才，《愛在死亡之後》（錄像截圖），2025。     個體缺失和群體連結   從台灣錯綜複雜的歷史出發，策展人在策畫期間漫遊台北街頭，閱覽近年的文學和電影，以此觀察和理解台北近代變遷的風貌和居民的內心世界，自三件作品當中提取策展的靈感，並各自以當中的某一項物件為代表，延伸對於「思慕」知情的三種面向。     阿瓦羅・烏爾巴諾，《活畫》（裝置一隅），2024-25，紐約 Sculpture Center 展覽現場。圖像由藝術家及紐約 SculptureCenter，ChertLüdde（柏林），Travesia Cuatro（馬德里、墨西哥城、瓜達拉哈拉）提供。攝影：Charles Benton。     法特瑪・阿布杜哈迪，《留下的⋯⋯盡可能長存》，2025。絹印於透明網布、不鏽鋼懸吊結構、九層塔植栽，共18幅，每幅400 x 90公分。     其一是侯孝賢導演的電影《戲夢人生》（1993）中的「尪仔」，以此象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌。其次是陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的「日記」，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境。最後是吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的「單車」，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。     拉納・貝古姆，《No.1048 L網格》（局部），2020，Kate MacGarry Gallery 展覽現場。圖像由藝術家提供。攝影：Angus Mill。     尪仔代表的延續性、日記的內在世界，以及單車隱喻的追尋，三者鋪陳了本展的概念底色，交織呈現當代作品與北美館典藏作品，將近30件館藏作品分布於展場各處，令新委託創作及經典作品展開對話。     雅浸・金朝恩，《微創：侵碎之章》，2025。圖像由藝術家及François Ghebaly Gallery提供。圖像由藝術家及François Ghebaly Gallery提供。     「思慕」的多元面相   散落於北美館三層樓空間的展品，特別以紡織隔幕取代實牆的展示設計，作為展間之間的分隔，此外，精簡易讀的展牆文字便於觀者自行觀賞，提供每件作品的明確脈絡；展品彼此之間並無硬性分野，在自由且有序的動線上層層遞進、深入，讓觀者得以更自在地與其互動，同時理解雙年展的理念。     赫拉・比于塔詹，《摧毀你家，造一艘船，拯救生命》，2015。地毯印刷，尺寸依空間而定。圖像由藝術家及Green Art Gallery Dubai and EVA International–Ireland's Biennial提供。攝影：Miriam O' Connor。     一樓展區呈現探討奉獻、記憶與堅韌之間深刻連結的作品，透過不同藝術家的理解與表達方式，共同闡釋對技藝、記憶與關懷的投入，如何成為一種生存之道。地下一樓的作品聚焦於「身體」，將肢體視為見證與轉化發生的場域，該樓層宛如地下鏡像，令觀者在此深入自我內在，透過呼吸、重複與儀式逐漸將「思慕」凝聚成形。二樓展覽則將焦點轉向現代性、再現與共同歸屬等主題，追溯現代藝術脈絡，藉藝術手法重塑感知、詮釋與連結的渴望，以思慕為媒介，重構對世界的想像。     基里亞科斯・托波利迪斯，《書寫日記》，2024。壓克力顏料、油彩、照片轉印於畫布，150 x 170公分（含框153.3 x 173.3 x 4公分）。圖像由藝術家及Galerie Judin, Berlin提供。攝影：Trevor Good。   多年以來，台北雙年展努力秉持中立、不帶偏見的立場，為藝術家提供呈現作品最好的舞台，也與來自各地的策展人嘗試合作，試圖建立一個可以連結本地與國際社群的直接網絡，歡迎多元表達的藝術形式，未來的目標在於擴大對話涵蓋的可能性，讓更多角度的思想可以在此進行交流和碰撞，讓更多默默耕耘的藝術家可以被看見，同時也拓展在地對藝術的理解和視野。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

故宮博物院自1925年自服務皇室到轉而為民間大眾開放，歷經無數人事變遷與興亡，其意義不僅是一處觀光景點，更是以實物紀錄文化流變的重要載體，藏品以長篇銘文的青銅器、古代早期的名家書畫、善本古籍和官窯瓷器等蒐藏最具影響力，時間跨度涵蓋新石器時代至今長達8,000年。輾轉來台，歷經肇始播遷、北溝歲月、建院發展、深耕轉型四大階段，其中有75年在台灣落地生根。決意於今年舉辦三大特展，既是檢視過往一路走來看待藏品的解讀與變化，同時也是展望故宮文化未來的成長方向。     故宮百年院慶大展「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」登場，書寫故宮的甲子傳承與萬年新頁。     「皕宋—故宮宋版圖書觀止」、「千年神遇—北宋西園雅集傳奇」及「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」，三大特展以文物為核心，延伸展示文物背後的歷史背景，分別聚焦於院藏宋版圖書的學術價值、北宋文人藝術的傳奇，以及故宮在台灣多年來的成長歷程，期待透過展覽內容，引導民眾看見故宮多年耕耘的過程和研究成果，深入了解文物收藏與社會大眾之間的聯繫，以此宣告與全民共享的故宮將邁向全新篇章。     故宮「甲子萬年」特展精品薈萃，匯聚〈北宋 汝窯 青瓷無紋水仙盆〉等國寶，展現故宮百年典藏的深厚底蘊。     宋代出版的黃金時代   與歷史長河相較，個體的生命跨度太過渺小，透過文字的紀錄，才得以略窺一角過往無法追溯的真相、傳承人類的智慧結晶，隨雕版印刷技術成熟，宋代社會從「寫本時代」邁入「刻本時代」。「皕宋」一名，取自晚清「中國四大藏書樓」之一、由清代金石學家陸心源所建的「皕宋樓」，呼應其豐富的善本收藏，特展內容主要呈現故宮院藏的宋刊本圖書大觀，古籍雕版印刷均是由書法名家手書，配合刻工上板雕刻，是以，每一部雕版書都是書法家和雕刻家通力協作完成的藝術品。     「皕宋」特展是故宮百年展覽史上規模最大、文物級別最高的宋版圖書特展。     「皕宋」特展一共展出98部宋版古籍，為故宮史上規模最大、文物等級最高的宋版圖書特展，其中近半數為舉世僅存的孤本，珍稀程度前所未有。故宮文物修復團隊運用宋版圖書數位影像，採傳統楮皮紙直印輸出，親手復刻宋代「蝴蝶裝」裝訂形式，製作可供翻閱的複製樣本，配合過往出現在課本上、諸如《爾雅》、《論語》、《孝經》等大眾耳熟能詳的漢學經典，讓民眾直觀體驗古人閱讀時所感受到的體感，以及精神傳承。     故宮百年院慶鉅獻「皕宋」特展。     千年前的文人聚會   相傳北宋年間，駙馬王詵曾於汴京西園舉辦一場風雅聚會，如蘇軾、黃庭堅、李公麟、米芾等人皆為座上賓，會後由李公麟繪圖、米芾書文，以此紀念這場難得的「西園雅集」，雖然這場聚會考據至今仍虛實難辨，但是仍有許多創作以此為靈感，經由後人傳頌，凝聚時人對風雅韻事的憧憬，成為歷代雅集仿效的原型。     元 趙孟頫，《西園雅集圖》。     宋 李公麟，《五馬圖》(局部)，日本東京國立博物館藏。     「千年神遇－北宋西園雅集傳奇」特展將最廣為人知的宋代藝術家——蘇軾，做為策展核心和切入點，以文物展覽的形式重現傳說中的群星薈萃，展覽內容首先自書齋逸趣、宴飲酬酢、耆英雅聚等主題出發，隨後進一步深入以蘇軾為首，黃庭堅、李公麟、米芾等緊隨其後的作品精選，內含蘇軾的《書前赤壁賦》、黃庭堅的《自書松風閣詩》及米芾的《蜀素帖》，以及近年現世的夢幻真跡，李李公麟〈五馬圖〉，最終以這些宋代明星為基點，引領觀眾觀賞後世受其影響的書畫，如漣漪般層層蕩漾，延伸至整個東亞文化圈。     宋 蘇軾，《書次韻三舍人省上詩》。     故宮歷代典藏   來到故宮南北院聯展「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」，此為年度院慶壓軸大展，聚焦故宮遷台75年、立足台北外雙溪至今60年歷程，藉由「開門見山」、「相遇寰宇」、「萬象交織」與「迎向未來」等四個單元，呈現典藏體系的建立與擴充、赴外展覽與國際交流、藏品研究與詮釋的進展，以及數位典藏歷程等面向。     故宮「甲子萬年」特展，以「故宮100+」為起點，邁向百年新故宮。     故宮總策展人余佩瑾副院長指出，展覽名稱「甲子萬年」，靈感取自清乾隆年間〈洋彩萬年甲子筆筒〉，同時呼應以「時間」為主軸的策展理念，這件1744年因應甲子年到來所燒造的筆筒，亦具記年功能，上下兩層皆可轉動，讓天干與地支的組合能精確對應年份。     故宮「甲子萬年」特展，結合數位互動裝置，呈現故宮數位發展成果。     時光流轉，故宮百年典藏的深厚底蘊，其價值亦被再次重新定義，如〈北宋 汝窯 青瓷無紋水仙盆〉、〈北宋 定窯 白瓷嬰兒枕〉、《藏文寫本龍藏經》，唐人雙鉤廓填本傳世名蹟〈晉 王羲之 平安何如奉橘三帖〉等珍貴國寶，以及收藏於日本九州國立博物館〈北魏釋迦牟尼佛坐像〉與〈絹本著色觀音曼荼羅圖〉，皆因應本展得以現身於人前，橫跨時代的隔閡，重建歷史文化與當今社會的精神聯繫。     展覽名稱「甲子萬年」，靈感源自於清乾隆年間〈洋彩萬年甲子筆筒〉，象徵著時間循環與文化延續。   故宮百年院慶 地點：國立故宮博物院 北部院區 第一展覽館 時間：2025年10月04日至2026年01月04日   資料及圖片提供」國立故宮博物院 採訪」江瑜

在當代藝術與工藝的交匯處，臺南市美術館持續以策展建構對話橋樑。自2021年起，透過「工藝協奏曲：臺灣X金澤工藝交流展」、「逍．遙．遊當代工藝合創展」及「臺南X金澤雙城論壇」等系列活動，南美館不僅呼應台南作為工藝創作重鎮的歷史脈絡，更逐步搭起跨領域的交流網絡。今年秋季，南美館再度推進此一使命，特邀日本當代藝術重要推手秋元雄史擔任策展人，推出「皮膚と內臓：自己、世界、時間」展覽，以十位日本當代女性藝術家的工藝創作，開啟一場跨越感官與哲思的深度探索。 展覽現場。   多元媒材呈現生存意義 展覽以「皮膚與內臟」為隱喻，從身體最直接的感知出發，試圖組織起自我、世界與時間的複雜關係。這不僅是感官的啟蒙，更是存在的探問。藝術家們透過玻璃、漆藝、陶藝、織品、纖維等多元媒材，創造既神秘又具象徵性的作品型態，引領觀者在觸覺與視覺的交織中，思考現代人如何面對自我與世界的連結。這種創作精神，恰如草間彌生在自傳《無限之網》中所言：「不應該受到舊道德的束縛，要做自己喜歡的事」，展現在自由中追尋生存意義的藝術態度。 展覽室C第三子題「邂逅：與他人的共鳴」，陳列四位藝術家之作。   展覽的敘事結構巧妙借鏡動漫《葬送的芙莉蓮》中，主角於旅程中反思生命的隱喻，引導觀眾透過作品審視自身，並重新建構與他人、與「來世」的關係。從記憶的追尋到生命的律動，展覽分為四大子題，逐步展開對人類經驗的深層叩問。   從工藝感受生命流動 在「記憶與情感：過去與幻想」中，牟田陽日將傳統陶瓷圖像融入個人想像，投射出對自然的獨特觀照；小林萬里子以「生命的循環」為題，模糊人類與動植物的界線；綿結則運用原始技法，追尋一種超越時代與地域的根源之美。這些創作不僅是對過去的懷想，更是對幻想與現實之間流動狀態的捕捉。 小林萬里子作品《無盡的喜悅》。 佐佐木類作品《植物的記憶》系列。 進入「旅程：探索超越界限」，藝術家佐佐木類透過《植物的記憶》系列，記錄她與土地、旅行的對話，在採集與創作的過程中重新發現自我。而在「邂逅：與他人的共鳴」中，三嶋律惠與義大利穆拉諾島工匠合作，展現玻璃工藝在光線下的多變姿態；中田真裕透過色層堆疊留下時間軌跡，佐合道子與留守玲則分別從造形觀察與日常素材中，探問生命本質與物質特性。   三嶋律惠在燒製過程中，運用不同方式創造作品的多樣性。 佐合道子利用瓷土創作多種形態。 最終，「生與死：生命的律動與心理」回歸對生命本質的凝視。山下茜里剝除皮膚的表象，以鮮烈色彩描繪人類身體，直面「人為何物」的終極提問；宮田彩加則將帶有死亡預兆的MRI影像轉化為藝術，成為面對身體不確定時的心理回應。   展覽大廳放置山下茜里作品《渴望光明》，表現色彩鮮艷的人類身體。 展覽開幕式上，忠義國小太鼓隊與歌手林雨宣共同演繹《葬送的芙莉蓮》主題曲〈勇者〉，以鼓聲與歌聲象徵挑戰過後的旅程，與展覽主題相呼應，帶來直擊感官的震撼體驗。策展人秋元雄史與藝術家代表佐佐木類強調，展覽並非艱澀難懂，只要以自身感官細細體會，每位觀眾都能從中找到屬於自己的啟發。   宮田彩加作品靈感源於自身至醫院檢查的MRI核磁共振檢驗報告。 「皮膚と內臓」不僅是一場工藝展覽，更是一趟從身體感知出發，通往自我與世界深處的旅程。透過十位藝術家的創作，觀眾得以在記憶、旅程、邂逅與生死的交織中，感受生命的流動與存在的意義。   山下茜里的蠟染作品《超越肌膚》。 皮膚と內臓：自己、世界、時間 時間」2025年10月3日至2026年1月18日 地點」臺南市美術館2館展覽室A-D 詳情請見臺南市立美術館官網。   資料及圖片提供」臺南市立美術館 編輯」林靖諺

台北當代藝術館適逢25周年，邀請知名現代藝術團隊豪華朗機工於此舉辦首次個展「宇宙寫生」，豪華朗機工由張耿豪、張耿華、陳乂及林昆穎四名藝術家組成，歷經多次藝術活動，至今已有15年創作經驗，四人各有所長，透過討論和合作，創作內容橫跨繪畫、雕塑、音樂、錄像、文本和藝術裝置等領域的手法，以藝術語言反饋他們對社會的觀察、回應公共以及社會議題，也透過創作為不同領域之間創造新的連結。     《四合》，攝影：陳長志。     本次展出不僅是一次針對過去的審視和紀念，同時也是對未來的展望，展覽內容包括重新詮釋14件過去令觀眾印象深刻的經典作品，同時也有與台北當代藝術館合作所觸發的全新創作，以「萬物皆連結 It's all connected」為核心，提出三個主題進行遞進式的概念闡述。     《游泳》，攝影：陳長志。     開篇「連結的生命」中，為觀眾展示人與環境如何互為依存；其次「記憶的物件」，著重於時間與物質所留下的痕跡；最終收尾的「凝視的宇宙」，則以新作裝置開啟對未來的探索。期待透過沉浸式的展覽體驗，喚醒觀眾的感知，讓觀眾置身在跨媒體裝置和運算式技術所營造的語境中，重新審視自身和環境的關係，並延伸對未來世界的想像力。     《在屾》。     光與生命的串連   回顧團隊成立的最初，每一次合作、挑戰與轉變都成為養分，就像他們是由四個獨立的個體互相搭建而成，以此為起點，設置入口形象區的裝置作品《四合》，以緩慢律動的光影迎接觀者進入，彼此獨立的燈管在幽暗的環境中透過光源彼此牽引，最終在同一個框架中找到平衡，展現微妙而和諧的合作。     豪華朗機工於科教館的工作室。     《雨霾II》。     以個體與個體之間的關係，擴大到對更多人群的關懷，展出的第一站「連結的生命」透過燈管裝置模擬自然律動，呈現《游泳》和《風場II》，細長的發光體化為一片人工風林，在展場裡靜靜呼吸。從人類的角度繼續往環境的方向延伸，《在屾》、《雨霾II》和《冷凝》，透過藝術家蒐集的鋼筋廢料和海廢等廢棄物質，構築自然意象，表達山、海與氣候變遷下冰冷與柔軟的對話，喚起屬於台灣人共同的感官記憶，匯聚人類的感官和自然生態的變化，讓觀眾看到個體生命彼此之間的群體共性。     《冷凝》。     15年創作生涯的里程碑   來到第二個展區，依序審視一路走來的共創記憶，以繪畫與投影構築三個曾經的工作場域，透過觀察者的視角，邀請觀者在凝視中穿越，沉澱於豪華朗機工十五年的創作記憶，凝結成《15年工作室》這個時光的結晶。在此之後的「照顧計畫」系列，靈感源自2006年張耿豪、張耿華在當代館展出的《啄木鳥》，延續鳥與樹木互惠共生的意象，作品以影像與訪談呈現，橫跨展場三個樓梯間。     《照顧計劃 II 感知現場》。     以現在的嶄新眼光對過去的作品進行再詮釋，面對不同的場地和不同的心境，宛如在回憶的地基上構築更高的塔樓，望向更遠的風景。如2010年誕生的《日光域》，當年藉由=回收燈具重新聚合光源，作品一路迭代至今，於當代館推出全新版本《日光域XI—台北當代藝術館》。新版作品以回收平板電腦作為光的載體，映照當代人們被網路、社群與演算法環繞的處境，數位藍光宛如日光，再次引導觀眾在凝視中思索。     《風場II》。     以及始於十五年前的《天氣好不好我們都要飛》，當時的豪華朗機工與台新銀行文化藝術基金會共同企劃，以空白鳥圖紙邀請全台37,200位孩童描繪心中飛翔的夢想，如今這件大型集合創作再次展翅，象徵自由與勇氣不因時代而停歇，不僅令過去的記憶再次鮮活，同時也邀請觀眾加入共創，一起為小鳥繪製彩色翅膀。     《日光域XI–台北當代藝術館》。   《天氣好不好我們都要飛》。   會呼吸的宇宙場域   展覽尾聲在二樓最大的展間以《宇宙201》為敘事主題，結合《生光》、《物林》、《手識》三件相互聯動的核心作品，構築出一個會呼吸的宇宙場域，每個分開看都足以獨立閃耀的部分，於此同一片宇宙中運行。《生光》將聲音與光編織成一個可以被包覆的宇宙，邀請觀眾開啟全身的感知，跟聲音的頻率與光的震動一起呼吸；《物林》由漂流木打造而成，圍繞而彼此聯結的森林，而在林間深處，《手識》以仿生手掌作出觀眾熟悉的姿態，與《生光》的多重光場彼此互動，象徵人類的意識將人與自然、宇宙進行連結。     《很難很難》。      《宇宙201》。   這三件作品以抽象的概念為核心，共構震撼視覺的科幻場景，是豪華朗機工對「宇宙寫生」的深層思考，出於對2018年因病離世的張耿豪的思念，作品以詩意的現實幻境，使觀者意識到科技之中的溫度與靈性，生命與記憶在此延伸，化為展覽中最為深沉的心跳。     「宇宙寫生—豪華朗機工個展」 時間」2025年10月04日至2026年1月11日 地點」台北當代藝術館 資料及圖片提供」台北當代藝術館、豪華朗機工 編輯」江瑜

忠泰美術館今夏首度於台灣推出芬蘭國寶級建築師大型回顧展《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》，衛星展區日前於在 NOKE忠泰樂生活3樓Uncanny登場，進一步延伸探討展覽核心命題「創造即生活」。展期至2025年11月30日。 《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》衛星展區。©忠泰美術館   衛星展區聚焦阿爾托夫婦家具設計的實驗精神、專利技術與創新成果，並介紹其共同創立的設計品牌「Artek」。現場展出多件經典作品與設計結構物件，包括1930年代突破曲木技術極限的懸臂椅（The Cantilevered Chair）以及被譽為「圓凳之王」的60號圓凳（Stool 60）等，揭示他們如何以設計連結個人、家庭與國家文化價值，同時帶領觀者見證芬蘭現代設計跨越地域文化，延續發展近百年的雋永魅力。 衛星展區囊括了手工製品到量產家具的介紹。©忠泰美術館   家具是建築的縮影 阿爾托夫婦在建築創作中不僅關注空間形式，也透過材質與細節的實驗，賦予生活更豐富的質感和感知體驗。衛星展區呈現他們成立事務所初期、面對20世紀工業化浪潮下，家具設計的創新實踐，挑戰傳統木作技術，發展膠合板曲木工藝，突破木材彎曲極限，打造輕盈有機且具量產可能的家具。在1934至1965年間，阿爾托更以七項專利展現家具實驗技術突破，成為北歐現代家具發展的重要典範。 阿爾托發明的專利「L型支撐腳彎曲法」，有相當廣泛的應用，亦衍生出多樣變體。©忠泰美術館   對阿爾托夫婦而言，家具是建築的縮影，也是與日常最直接的對話。許多作品源於大型建築計畫，卻逐漸成為獨立經典，並透過他們於1935年創立的Artek公司推向全球，至今仍在生產並廣受喜愛。 Artek結合了「藝術」（Art）與「科技」（Technology）。©Alvar Aalto Foundation   Artek的名稱源自「藝術」（Art）與「科技」（Technology）的結合，由阿爾瓦與愛諾．阿爾托及其友人在赫爾辛基創立。Artek不僅管理阿爾托家具出口、推廣優質家居產品，也在店中舉辦現代藝術展覽，成為當時前衛的室內設計藝術中心。 可堆疊式的611號椅，後由愛諾改造為兒童款（右）。©忠泰美術館 愛諾同時也擔任Artek首任藝術總監，專注於室內設計，並將阿爾托家具的設計語彙轉化為現代產品風貌，奠定品牌的設計準則與形象，並於今年迎來成立90週年。   懸臂椅（The Cantilevered Chair） 懸臂椅系列401號椅，剖面呈現局部內裏。©忠泰美術館 於1932年北歐建築論壇首度亮相，以模具塑形的彎曲木材所製成的家具框架，這種框架可同時作為椅子的扶手和椅腳，又稱為「彈性木椅」。此設計衍生多款阿爾托家具，至今仍持續生產。 阿爾瓦．阿爾托在維堡圖書館測試懸臂椅設計。©Alvar Aalto Foundation   層架支撐（Shelf Bracket） 1935至1936年間設計出環形樺木支撐層架。©Alvar Aalto Foundation 阿爾托於1935至1936年間設計環形樺木支撐，由Artek進一步發展為多款式，廣泛應用於層架、衣帽架、壁掛收納與傘架，展現結構的多功能與延展性。 環形樺木支撐層架。©忠泰美術館   60號圓凳（Stool 60） 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳，採用專利曲木技術打造L型支撐腳，三腳結構即使在不平表面也能保持穩固，且可堆疊收納節省空間。簡潔的木質平面易於清潔，完美展現功能主義精神；而L型支撐腳亦持續衍生出Y型、X型、V型等多樣變體，成為品牌經典的設計語彙。 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館     資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

在繁忙的生活中，總有一些片刻能讓人暫時停下腳步，一杯茶、一段靜默，或僅僅是凝視光影的移動，都足以讓心安定下來。以此為核心意象，策展人許哲瑜、郭中元與日本陶藝家大谷哲也共同策劃的《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》日本工藝家聯展，於台中大屯郡守官舍盛大展出。 參展工藝家與策展團隊合影。 策展團隊歷經一年多的踏查與紀錄，集結11位來自日本各地的工藝家，包含陶瓷、玻璃、剪刀、金工、木工、和紙、焙茶、和菓子及花藝等作家，跨領域探討工藝與日常生活的想像與力量，並同步出版專書。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   工藝與生活的交會 「Ippuku／一服」在日語裡意味著忙碌中的一段小歇。策展團隊走訪日本九州、金澤、新潟、能登半島，與工藝家們對話，發現「Ippuku」並不是單純的休憩，而是創作與生活交融的一種狀態──在工藝家的日常裡，休息即創作，創作亦是休息。  《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 展覽的出發點，不是遙遠的藝術理念，而是生活本身，以「生活即創作」為主軸，這些看似日常的物件，其實蘊含工藝家最專注的創作心境。角田淳從料理與家人餐桌出發設計器皿，大谷哲也以「白」詮釋極簡瓷器的澄澈，大谷桃子將田園風景轉化為器物紋樣；京都的ハタノワタル（Hatano Wataru）讓和紙溫潤延展於空間，來自能登半島的有永浩太以口吹玻璃展現透明與堅韌，多鹿治夫鋏製作所傳承各種生活工具歷史與創新，金澤的竹俣勇壱則以金工勾勒餐具的優雅姿態，所有的精彩皆呈現於每件作品中。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   和紙的柔光 其中，ハタノワタル（Hatano Wataru）的創作以日本傳統和紙文化為核心，但卻不侷限於傳統用途，而是將其拓展至建材與空間應用。大眾常認為紙材脆弱、遇水容易破，但他認為，和紙的本質就是「樹皮」的延續──經由多道製作程序再重生，正因如此，和紙其實是一種堅韌且充滿可能性的媒材。 ハタノワタル（Hatano Wataru）。   製紙過程。 製紙過程。 在空間應用上，和紙最動人之處在於光，等於將柔和的時間帶入其中。和紙會先吸納光線，再柔和地反射，形成一種獨特的光暈，他解釋道：「和紙讓光線變得不那麼直接，反而能將擺放於空間中的事物襯托得更漂亮。」有鑑於此，當和紙作為建材時，透過光影與材質特性的協作，不僅能營造溫潤氛圍，同時也讓物件和空間獲得了新的詮釋，既能呼應傳統文化，也能對話當代生活。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 除了創作，ハタノワタル（Hatano Wataru）也將心力投注於傳承，他的工坊目前已有八名學徒，期許未來能以團隊方式持續運作、推廣和紙文化；他強調，和紙作為日本傳統工藝，必須在當代被延續與拓展，而非僅僅停留在過往的記憶中。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 鏈結傳統與現代 策展人許哲瑜則回憶參訪ハタノワタル（Hatano Wataru）的工坊時，對於他從原料種植、製紙到作品完成皆一手包辦的流程印象深刻，完整掌握每一道環節。許哲瑜指出，ハタノワタル（Hatano Wataru）的價值不只在於製紙，更在於把傳統的媒材重新詮釋，運用在多元的生活層面中。「他在傳統與現代之間找到了平衡點」，策展人表示，隨著時代演進，越來越少人使用早期的自然材料，但ハタノワタル（Hatano Wataru）卻能在傳統技藝中注入當代對藝術的追尋，展現成熟且成功的轉譯力。他尤其欣賞和紙因光線而展現的多變表情──同一張和紙，在不同光線與天氣下皆能呈現截然不同的氛圍，這是其他建材較難達到的效果。  和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 和紙藝術品。   片刻停歇的光影 《Ippuku》不只是一場工藝聯展，更像是一場關於「如何生活」的提案，邀請觀者暫時停下腳步，透過器物感受溫度。這些作品之所以動人，是因為它們真正回到日常，提醒我們生活中仍可留白、能慢下來，找到屬於自己的「一服」片刻。   Ippuku：生活與工藝的片刻對話 日期」2025年10月1日至2025年11月16日 地點」台中市西區林森路40號（林森40 / 台中大屯郡守官舍）     資料及圖片提供」中島GLAb、藝術家Hatano Wataru 採訪」陳映蓁  

記得奧罕．帕慕克的《純真博物館》，故事主旨以男主角凱末爾對女主角芙頌的愛為核心，透過不斷收集她使用過的物品，以填補得而復失的遺憾；作者收集現實中對應的物件，蓋起一座真正的博物館，透過這些觸手可及的物件，就像故事中的情節落入現實。如果愛一個人，就連她遺落的菸蒂都是可愛的，只因那些菸蒂牽引過她不同時間和不同地點的情緒變化，看到那些遺落的物件，彷彿就看到通往特定回憶的鑰匙。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《軀幹》，2023，無聚氨酯泡膠塗佈於無酸紙，69.1 x 54公分。     臺北市立美術館兒童藝術教育中心（簡稱北美館兒藝中心）近期推出的展覽「痕跡悄悄話」，就像是屬於大眾回憶的「純真博物館」，策展靈感源自於日常中不經意留下的痕跡：床單的褶痕、地上的腳印、揉成一團的紙張，或衣物上的汙漬……這些常常為人忽略的細節，無聲地訴說著生活的軌跡。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《憂慮》，2023-2025，布料、發泡膠、鋼繩與金屬結構，330 x 174 x 180公分。     由館內策展人郭姿瑩策劃，邀請法國藝術家戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé），以及台灣藝術家劉書妤與蕭禹琦共同參與，以「痕跡」為主軸，作品涵蓋立體、陶土、錄像與空間裝置等多元形式，另外包含兩件委託創作。邀請觀者透過藝術的角度，重新凝視生活片段，在日常細節裡尋覓那些悄然留下的印記，細品那些無聲遺留在時光中的意義。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《敏捷#4》，2016-2025，布料、發泡膠、塗層、環氧樹脂、木結構與人造草皮，100 x 135 x 179公分。     個體和外在環境的對話與連結   三位藝術家透過自身的生命經驗和獨特的眼光，將抽象的回憶轉化為具體的藝術裝置，引導大小觀眾與其互動，觸發自身的情感共鳴。如法國藝術家戴爾芬・普伊耶，她的作品聚焦於肢體移動與環境互動的軌跡，利用拓印與雕塑般的造型，定格瞬間的動態。作品《軀幹》和《憂慮》皆取材自引體向上的動作，呈現身體繃緊的肌肉張力。     蕭禹琦《棉被山景》（螢幕截圖），2020，錄像，3分10秒，循環播放。   《敏捷#4》則表現身體伏倒在橫桿上，彷彿摔倒或是力竭的瞬間。她先繪製圖案、剪出模板，再以發泡膠壓製身形，透過手作過程的手部力道差異，留下獨特痕跡，形成懸浮於二維與三維之間的人形印記，凝聚時間、動作與材料的交會。   蕭禹琦《蔓延攀爬》，2025，二手衣料、布料，尺寸依空間而定。     蕭禹琦的創作則捕捉日常中易被忽略的細節為靈感，以臥房為舞台，展現作品如錄像《棉被山景》，每天為起床後凌亂的棉被拍照，串聯每天不斷變化的「棉被山」，將時間的流動轉化為可見可感的影像。     劉書妤《裊裊：或者目送一顆蘋果》，2023，瓷土、色料、釉，10 x 10 x 10公分。   《蔓延攀爬》則是邀請觀眾共同參與的限地製作，也是為回應本展覽創作的委託新作，藝術家向大眾募集舊衣，將貼合身體的布料剪開、編織，重構為自牆面垂降到地面、如同瀑布般的布料地景，不僅富有視覺衝擊，同時也將眾人的舊衣背後的回憶、生活與思緒悄然交織。   劉書妤《漫遊者：地理》，2025，台灣陶土、八里山土、砂、木作、不鏽鋼網、紗布、聲音裝置，尺寸依空間而定。     《裊裊：或者目送一顆蘋果》創作靈感源自藝術家劉書妤在外公告別式期間，注視著煙霧一縷縷消散於空氣中，感受時間和生命無聲地流逝的經驗。以蘋果象徵時間與記憶，螺旋狀的蘋果皮造型仿擬繚繞的煙，從新鮮到腐壞的過程，映照出生命的脆弱與無常，也引發觀者對告別與失落的共鳴。     「痕跡悄悄話」展場照。   《漫遊者：地理》則以陶土版畫組構出城市風景，窗戶、磚牆、路標與欄杆……將心理狀態轉化為日常景象的立體地圖。對劉書妤而言，創作是一場「漫遊」——以身體與感官重新感知熟悉的街道，並將個人記憶與地方經驗凝結於作品中，讓平凡場景成為獨特而私密的思想痕跡。   「痕跡悄悄話」觀眾創作區。     展覽的動態延伸   在藝術家的作品展陳之外，本展還有特別為觀眾設置的互動創作區域，邀請展出藝術家戴爾芬・普伊耶與劉書妤將作品概念延伸，以及特別委託藝術家廖祈羽與張暉明共同設計「時間碰碰撞撞」體驗裝置空間，透過親身體驗貫徹展覽的核心主旨，邀請觀眾實際動手參與，從中探索行為與痕跡的關係。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     展期間舉辦多場定時導覽、團體導覽、故事日，同時也和野孩子肢體劇場、展出藝術家蕭禹琦、劉書妤合作推出「我們曾經坐在這」默劇表演、「影子的房間」夜光工作坊及「我的美術館遊記」拓印工作坊等適合不同年齡層的工作坊與演出，透過更加多元化的形式，以及更加生動的表現，探索生活中的藝術。   「痕跡悄悄話」 展期」2025年9月27日至2026年2月22日 地點」臺北市立美術館 兒童藝術教育中心   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

時值初秋，新加坡濱海灣金沙會展中心再次迎來設計界焦點盛事。FIND－Design Fair Asia第四屆展覽於近期盛大落幕，匯聚來自22國、超過250個頂尖品牌，五座國家級展館，以及85位世界級講者，共同勾勒亞洲設計的未來藍圖。 「2025 FIND－Design Fair Asia亞洲設計展」主視覺。 作為新加坡設計周的重要環節，不僅是設計成果的展示場，更是數千名設計師、創新者與產業領袖進行深度對話、激盪創意的核心平台。從國際設計巨擘到嶄露頭角的在地創意工作者，FIND體現設計領域中全球化與本土性的共榮。   國家展館：設計文化的多元敘事 展場中，五座國家館以其獨特的文化底蘊與設計哲學，成為訪客探索世界設計脈動的窗口。   左：Fas Pendezza；右上：Il Giardino di Legno；右下：Swan。 義大利館彰顯「義大利製造」的極致工藝與創新精神，從FAS Pendezza精緻的經典遊戲桌、Il Giardino di Legno量身打造的戶外家具，到Swan永恆的軟裝家具與Composit的現代廚房與室內設計，義大利品牌持續引領卓越的全球潮流。特別的是，展館內陳列奢華皮革配件、織品、手工寢具、裝飾塗料及威尼斯玻璃等，充分展現傳統與創新並存、工藝與科技共舞的設計價值。   左上：Wasoo；左下：Mobella​；右上：PDM；右下：Res。 泰國館以「Living Thai Space: The Absence of Power」為題，呈現一場融合傳統、創新與永續性的動態展演。Mobella將舒適感與國際美學融入家具設計；PDM則將泰國文化轉譯為當代設計語言。RES展現鋁製工藝的專業，WASOO則以稻稈等生物材料突破永續設計邊界。 左：Maison Craft；右上：Bendi-Bangkok；右下：Sculpture。 此外，Maison Craft與在地社區合作，發揚自然材質的工藝傳統；Sculpture展出包括聞名世界的Sexy Chair在內的未來家具；Bendi-Bangkok則以永續實踐進行實木彎曲技術的創新，共同刻劃出當代泰國設計的豐富面貌。 Knights Craft。 印尼館以「Embracing the Earth Society」為核心概念，透過九家參展商展示該國文化活力、創新實力與永續理念，聚焦於尖端材料與中小企業的成果，反映印尼在全球設計舞台上日益重要的地位。 捷克家具品牌mmcite。 展會現場亦匯集來自捷克、香港、法國、日本及中國等地的優秀品牌，形成一股強大的全球創造力浪潮。捷克館的Hunat、mmcite等品牌，香港集合CSI Floorings等團體、法國Casamance、日本Anonimo Design與Sanyei Corporation、中國的Bonas與JNJ Mosaic等，均在此齊聚，共赴設計界盛事。   捷克玻璃工藝品牌Hunat。 另外，由獲獎工作室A Life by Design設計的FIND全球高峰會會場，本身即是一件沉浸式裝置藝術，其以「設計國度」為主題，運用新加坡代表性的紅色為主調，搭配季節色彩、未來感入口，以及超過千公尺的精細布料構組而成。Anonimo Design的漸變弦線屏幕、Events Partners的座椅，以及Mill利用回收材料製成的地毯與家具，共同將新加坡推向全球設計前沿，創造既具象徵意義又充滿轉化能量的空間。   Anonimo Design。 設計靈感在一個個精心打造的展位中具體成形。義大利品牌Danilo以其藝術性牆面飾材聞名，此次展位靈感源自森林的層次生態與羅馬競技場的宏偉，引領訪客深入其設計世界。牆面藝術專家Arte則將展位構思為一座自然綠洲，有機形態、綠意點綴與設計師家具共塑出精緻而溫馨的氛圍，促進探索與交流。   左上：AID；左下：Arte；右：Deluxe Systems。 思想交鋒：全球高峰會的深度對談 為期三天的FIND全球設計峰會，匯集了來自23國、超過80位業界領袖，針對建築、酒店、地產與創新等領域議題進行演講。議題涵蓋城市韌性、人工智慧創新、具意義的奢華設計與文化認同等。 從左至右依序：Mario Cucinella Architects創辦人Mario Cucinella、Keiji Ashizawa Design創辦人Keiji Ashizawa、Ramboll的全球設計總監Hossein Rezai-Jorabi、 札哈．哈蒂建築事務所（Zaha Hadid Architects）Simon Yu總監。 重磅講者包括Mario Cucinella探討「創造性同理心」、札哈．哈蒂建築事務所的Simon Yu論述「都市轉型：建築作為變革催化劑」、Ramboll的Hossein Rezai-Jorabi分享「一個過去，多種未來，多重現在」以及Keiji Ashizawa闡釋「量體的層疊：空間與物件的整體觀」。 左：Gensler常務經理Angela Spathonis；右上：EDG Design設計總監Erin Juhl；右下：SOM副主理人Shumin Zheng。 今年高峰會亦引入關鍵女性視角，如Gensler的Angela Spathonis、SOM的Shumin Zheng及EDG Design的Erin Juhl，共同探討設計如何回應當今社會、文化與環境的挑戰。國際照明設計師協會（IALD）、亞太空間設計師協會（APSDA）及新加坡室內設計師協會（SIDS）等專業組織亦帶來專題討論，從光線在空間中的塑造，到文化遺產推動科技永續，乃至彌合設計教育與業界實踐的落差，內容十分多元豐富。為支持專業發展，所有峰會環節均提供免費的SIDAC持續專業發展積分。   新銳發聲：EMERGE @ FIND的視野拓展 由新加坡設計理事會呈現、FIND支持的EMERGE @ FIND，本屆以「設計中的對話」為主題，迎來最大規模展覽，從東南亞擴展至泛亞洲舞台。新加坡品牌SUPERMAMA創辦人Edwin Low首度擔任聯合策展人，與Suzy Annetta共同策劃。 左：SUPERMAMA創辦人Edwin Low；右：Design Anthology總編輯Suzy Annetta。 展區匯集超過75位設計師與百件作品，迎來自中國、香港、日本、韓國及台灣的新聲音，與東南亞的知名創作者並列。其中七位設計師更獲選為年度「FIND社會先驅者」，包括韓國OK Kim、印尼Threadapeutic、菲律賓Meyte Chen等，為展區注入大膽新穎的觀點。   從左至右：韓國設計師OK Kim、印尼設計師AlvinT、菲律賓設計師Myte Chen。 FIND－Design Fair Asia的VIP買家計畫，專注於為頂尖設計、家具及燈飾品牌，與東南亞地區的優質買家進行精準商務匹配，透過客製化議程與預先安排的一對一會議，協助品牌與分銷商、設計公司、地產開發商及酒店業領袖建立深度連結，除了發掘新品，更能參與高峰會與導覽考察，掌握產業趨勢。在250個國際品牌支持下，展會成為全球品牌，向東盟及亞太地區邁進，創造顯著的商業價值。   2025 EMERGE@FIND參展作品。 資料及圖片提供」Fiera Milano、dmg events 編輯」林靖諺