在台中舊城區的巷弄深處，一座廢棄逾20年的化妝品工廠，靜靜等待了60年。曾經，這裡是台灣第一家化妝品公司「盛香堂」的生產基地，機器運轉聲日夜不息，空氣中瀰漫著香皂與髮霜的芬芳。如今，這座名為「富興工廠1962」的老建築，連續囊括德國紅點、iF設計獎、日本GOOD DESIGN等國際獎項，更於2025年獲文化部首屆「百大文化基地」肯定，成為台灣新舊融合創新精神的典範。當日常被過成風格，物件不再是冰冷的陳列，而是一座島嶼在時間淘洗中優雅幻化的生活姿態。 「富興工廠1962」建築外觀。 三面向 台灣家具設計的當代觀察 三樓主展區「島嶼脈動」延續富興工廠新舊融合的創新基因，邀集多個台灣新世代設計工藝品牌，透過物件轉化歷史空間記憶，並分別從3個主題呈現台灣家具設計發展的觀察面向。主題「承衍」由路力家器具以代表作品「燕椅」講述當代家具設計經過重新轉化與再創作，承接過往工藝與文化脈絡。這件作品將台灣傳統家具「孔雀椅」溫潤的文化語彙重新轉譯，成為台灣當代家具工藝的優雅延展。 路力家器具Loofleaf「燕椅」，以台灣傳統孔雀椅為底蘊，重新演繹其溫潤氣質。 主題「跨界」由柏成設計「Bloom Chair」帶出設計本質的多元面向。設計不再局限於建築、室內或家具設計的不同領域，而是彼此既相互關聯也互相影響。這件跨界作品代表著台灣的設計力已有能力擴展到不同地域，由台灣設計、攜手日本百年皮革工藝製造，翻轉了台灣傳統家具代工製造的刻板印象。 柏成設計「Bloom Chair」，跨越領域邊界，由台灣設計、日本百年工藝製造，翻轉代工印象。 主題「永續」由Meta Design的「工地計畫」呈現，從營建廢棄物出發，以實際的永續行動重新尋獲廢棄材料的存在意義，將舊資源轉化為具備當代美學價值的全新形式。 Meta Design「工地計畫」，將舊資源轉化為當代美學，以實際行動回應永續命題。 多元品牌 呈現生活各色姿態 二樓快閃區「島嶼光譜」宛如光束穿透稜鏡，匯聚了數位製造、職人工藝與感官設計，折射出各具姿態的生活提案，讓家具與生活風格物件自由對話，共同編織出屬於島嶼生活的多元美學色彩。 二樓「島嶼光譜」展區。 「小質屋」以輕巧裝修邏輯，一站式整合居家美學資源，其洗鍊設計讓小空間實用又能彰顯個人品味，並透過模組化家具結構及彈性組裝，讓未來生活預留可塑性，在頂級材料與台灣在地工藝的妝點下，重新定義現代小坪數空間的質感生活。「木匠兄妹木工房」承襲傳統木工產業，以趣味創意賦予木頭全新的現代生命，具備互動感的生活選物讓木作富含情感，在指尖的木質溫度中，感受台灣林業的延續與轉生。 「台華精技」以工業技術淬鍊金屬的冷冽質感，跨越材質邊界，打造兼具現代感與機能的居家物件。 「台華精技」將精密工業技術導入美學，展現金屬極致的冷冽工藝，突破材質界線，轉化為具備現代感與功能性的居家精品，看見島嶼產業轉型後，那份精準且前衛的工藝力量。 「酉5PM」旱生景觀與藝術器物交織，植物是城市美學的延續，在酉時斜陽映照下，自然的生命力悄然流動。 「酉5PM」以「低維護景觀」為核心，追求植物與環境天然共生的造景哲學，透過旱生景觀與藝術器物選品，讓植栽從點綴化為城市美學的文化延續，在傍晚5點的酉時光影中，將原始生命力帶入日常。「若唯家居」以「台灣設計、在地製造」為核心，體現細膩工藝與當代美學的家具語彙，透過多元面料與輕訂製服務精準回應空間比例與生活需求。「路力家器具」專注高品質原創家具開發，透過設計語彙讓傳統卯榫結構在現代生活轉生，以嚴謹的材料篩選與細緻打磨，打造線條洗鍊且結構堅固的職人手作家具。 「Meshrōm」以3D列印、檔案傳輸打破地域藩籬，讓台灣設計走向國際，亦將世界頂尖家具作品帶入本地，成為雙向串聯的樞紐。 「GIAN」承襲30年沙發工匠技藝，以軟包工藝為核心，將「慢活」體悟融入家具設計，打造放鬆身心的泊心居所。「Meshrōm」立足台中，專注於數位化生產，運用3D列印技術打破地理限制，實踐無國界的製造可能，除了讓台灣優秀的設計作品推廣至海外，同時積極引進全球頂尖3D家具設計師的作品。「umami」以40年實木家具製造為基底，聯手新銳設計師為小宅空間設計，發展獨具特色的系列性與模組化家具，讓家具成為自我表現的物件。 「umami」40年實木工藝底蘊，攜手新世代設計師，為小坪數生活打造模組化、系列感強烈的家具。 互動參與 編織集體生活樣貌 一樓互動體驗區「島嶼DNA」打破觀展邊界，邀請觀者透過行為參與，共同編織當代島嶼樣貌。展覽特別規劃互動體驗區，將「生活、空間、態度」化為具體的日常儀式。藉由「選擇、連線、交織」的互動設計，每一位觀者以一條線留下屬於自己的生活軌跡，共同編織出當代島嶼的集體樣貌。 一樓「島嶼DNA」互動區。 本次策展亦獲得長期推廣台灣設計與生活美學的「上引國際Godwin」與「Okemaru」等品牌鼎力支持，透過細膩的空間配置與情境想像，將家具與物件完美融入日常場景，引導觀者從單純的「觀看者」轉化為「沉浸式生活體驗」的參與者。 一樓打卡牆。 昔日充滿機器運轉聲的舊時代職人工廠，如今已蛻變為新世代匠人精神的演繹舞台。以品牌概念經營的「富興工廠」，名字取自所在地復興路，將「復」改為富有的「富」，寓意文化創意興起老屋的生命；英文名「Fusion Space」，正是融合與跨界的概念。清筑設計×富興工廠主理人許清皓說，老屋會挑人，會找適合的人。這樣的緣分，讓這座曾經差點被拆除的工廠，得以用全新的姿態重生。 資料及圖片提供」富興工廠1962 採訪」林靖諺

應法國攝影藝廊YellowKorner的盛情邀請，台灣當代空間攝影藝術家李國民精選15幅作品、凝結30餘年追逐重要建築與室內設計的創作生涯，舉辦2026年首度個展《人生如建築 四季如映相》；以敏銳視角捕捉建築與光線之間的對話，其作品深具美學張力與空間精神表達，有別於一般商業攝影，富有獨特的人文關懷和藝術性。 李國民。 展中亮點從國際建築巨擘貝聿銘的建築作品、至於本展首次發表的〈四季—春、夏、秋、冬〉影像，到臺北市立美術館及國立臺灣美術館攝影文化中心永久典藏的〈一痴三十年〉系列作品，呈現李國民的攝影作品中不僅透過鏡頭挖掘平凡景色中的獨特魅力，同時亦透過影像敘事展開了一次又一次的自我思辨，以及持續追求自我突破和創新的創作熱情。 〈四季—春、夏、秋、冬〉，2025年，四季系列影像中帶有顯影所呈現的波浪紋，交織出春華秋月、夏雨冬雪，是印刻在心靈深處的大千世界。 〈四季—春、夏、秋、冬〉，2025年，四季系列影像中帶有顯影所呈現的波浪紋，交織出春華秋月、夏雨冬雪，是印刻在心靈深處的大千世界。 捕捉國際建築的詩意 本展以「人生如建築」為核心，藉由貝聿銘兩件橫跨半世紀的傑作，依序引出「萌發、盛放、沉澱、回望」四項子題的敘事軸線。起始於路思義教堂（Luce Memorial Chapel, 1963）以雙手合十的雙曲面薄殼矗立，傳遞對信仰與純粹形式的初步探求；而遠在波斯灣畔的卡達杜哈伊斯蘭藝術博物館（Museum of Islamic Art, 2008），在沙漠驕陽下化為極簡的光影幾何，是他在晚年凝聚文化哲思、回歸文明本質的「回望」。 〈四季—春、夏、秋、冬〉，2025年，四季系列影像中帶有顯影所呈現的波浪紋，交織出春華秋月、夏雨冬雪，是印刻在心靈深處的大千世界。 這兩座建築不僅是空間的里程碑，更是一個自青澀萌發至凝鍊圓融的生命縮影，同時也讓建築師和攝影家兩者的人生形成巧妙互文。李國民提及，拍攝空間時，需與光影和建築對話，並沉浸其中；在他從事空間拍攝的年代，時下流行以燦爛明亮為主流，他卻反其道而行，特意選擇微光或單一光源來思考。 〈四季—春、夏、秋、冬〉，2025年，四季系列影像中帶有顯影所呈現的波浪紋，交織出春華秋月、夏雨冬雪，是印刻在心靈深處的大千世界。 置身於宏大建築之前，李國民不急於拍攝整體全貌，而是先考察空間與光、與人的互動關係，比起追求清晰的視覺，建築作品之於設計者的意義亦在構圖考量中占據重要比例，自然在畫面中呈現空間的神韻。 〈快樂頌〉，2025年，「建築如凝固的音樂」，貝聿銘先生的封刀之作，卡達杜哈伊斯蘭博物館，既當代又富含伊斯蘭傳統建築元素，猶如貝多芬集大成之作第九號交響曲的最終章—快樂頌，創新深遠，博大恢弘。 影像敘事的心靈投射 與建築大師的宏觀視野對應，是李國民在鏡頭背後的「映相」修行，展覽核心作品〈一痴三十年〉 記錄了李國民對攝影物質性的極致執著。觀眾可見其特意保留底片時代被視為無用的感光邊角，經過30年的發霉、氧化與時間洗禮，轉化為具備抽象美感的視覺圖案，這不僅是向過往時代的告別，更是藝術家對攝影本質近乎「痴」的深沉告白。 〈Timeless〉，2025年，藝術家以最純粹的視角捕捉建築最純粹的精神，偉大的藝術將在時間長河中屹立不搖，成為永恆。 〈春夏秋冬〉系列作品承接展覽前段的恢弘視角、以及背後的哲學思考，以自然的清新與人文的安定為本展定調，呈現建築、影像與生命規律的和諧對話。四季在此不僅是自然的流轉，同時也反映心靈歷經風雨的成長和變化，透過李國民的視角賞析建築之美，所見不僅止於鋼筋水泥澆築的輪廓，亦致敬一人一生的映照。 〈青春物語〉，2021年，飛馳摩托車和教堂形成決定性的瞬間，捕捉的剎那，因晃動，形成節奏律動的模糊美感，如春霧中風吹新綠，青春美好。 資料及圖片提供」李國民、YellowKorner 編輯」江瑜

台南弎畫廊近日舉辦版畫藝術家沐冉的個展—《待開之時再相遇》，展場富有自然質感的木質長廊和乳白牆面，反襯藝術家豐富的作品數量和繁麗畫面，也為觀眾呈現其近年創作的主題和狀態。 〈幽幽〉（Softly Serene），油印木刻版畫，60 x 30cm，2021 年。 沐冉在學期間對油畫情有獨鍾，然而因緣際會，在正式投入職業化的鑽研時，反而走向版畫的領域，他自言：「我一直在畫圖，無非是從一開始的畫筆換成刻刀。」其作品多描繪動植物，表現出細節繁複、色彩繽紛的特色，可見其精湛雕工和用色巧思，然而對沐冉而言，使用的媒材並不會定義他身為繪畫者的創作思維，也無意透過創作的技法來講述作品的全部，而更樂見觀眾矚目其構圖和表達。 〈織徑〉（Hidden path），油印木刻版畫，60 x 180cm，2026 年。 《待開之時再相遇》展場一隅。 版畫有別於油畫、水彩等直接在紙上描繪的創作方式，其過程包含更多環節，從草圖起始，然後選擇媒材性質，通過雕刻、腐蝕、照相感光等手法將草圖預設的畫面製作成印版，隨後再將圖像拓印到紙張、織物、金屬、玻璃、合成材料等承印物。每每進行到一個新的階段，畫面都會轉移到不同素材的平面上，且拓印出第一張版畫時並未代表作品已經完成，更多是先透過這個步驟觀察雕版細節是否符合作者心意，以便後續調整。 〈潤無聲〉（Nourishment in Silence），油印木刻版畫，90 x 120cm，2025年。 〈白龍香〉（Fragrance of Peonies），油印木刻版畫，60 x 60cm，2023年。 與華美的作品畫面相對，沐冉的創作過程反而突出「以簡馭繁」的驚人自律，堅持使用單版複刻技法，且每件作品平均疊印10至20色，所有呈現在作品中的色調均僅出於三原色與黑白顏料調製，反映了藝術家對色彩變量與印製過程極其精確的掌控力，在令人眩目的繁複細節下，沐冉憑藉對媒材的高度自覺，結合最簡單的材料與最感性的操作，在精確度中提煉出最豐富的視覺層次。 〈雨見晴〉（Sunshine After Rain），油印木刻版畫，90 x 180cm，2024年。 在自我限定的規則中，藝術家的靈性在作品間流光溢彩，以「繪畫性」思考注入版畫的形式，自下筆伊始，就在無聲敘述他真實的日常。窗口的盆栽、和孩子互動的對話，看似平凡的碎片，被他凝望、重新組裝，每個環節都沒有硬性保留原始構圖，而是在流動的時間中，不斷增減觸動他的浮光掠影。 《待開之時再相遇》展場一隅。 那些細緻刀痕並非單純裝飾，也並非為了還原具體造物而寫實，而是藝術家胸有成竹地直接與木板對話，在沐冉畫作中的世界，將生活中容易因為太過習以為常視而不見的風景溫柔轉譯，令觀者沉浸其間，感受到初次睜眼、為世界繽紛所感受的驚豔。 〈春神覓〉（Seeking the Spring Deity），油印木刻版畫，150 x 90cm，2022年。 資料及圖片提供」弎畫廊 編輯」江瑜

台灣跨領域科技藝術團隊何理互動（WHYIXD）受韓國藝廊LEE & BAE所託，前往釜山舉辦海外個展《風景的解析度》（The Resolution of Landscape），以「共振」（synergy）為核心理念，將釜山的海風、地形與城市符號轉譯為光影與動態裝置，透過台灣科技藝術的角度解析在地環境資料，進行現地創作，並同步加盟由釜山市立美術館主辦的國際數位媒體藝術節2026 Loop Lab Busan，擴大展覽受眾。 〈Alive #2: Flow of the Port〉，以釜山地形發展的系列創作。 展名「風景的解析度」，意指對風景的理解和重構，以影像展示的清晰度為喻，回應釜山的地理條件和在地文化，取材山海有機的起伏線條與工商業的城市性格，分設「解析城市地景」與「轉譯自然數據」兩大主題為核心脈絡，將身處釜山的空間感知注入藝術裝置，讓觀眾看見隱於日常生活的城市脈動，呈現台灣科技藝術在國際舞台上的創新語彙與跨文化對話能力。 〈resona〉系列創作，擷取空間資訊改變的燈光裝置。 何理互動長期以科技、藝術與自然觀察為基礎，創作跨領域的藝術裝置，立科技為骨架、注入人文理解，建立人與環境對話的橋樑，也秉持一貫創造跨域連結的精神，為本展帶來吸睛的亮點。 海境〈Tender Soul of Ocean〉，偵測當地風力改變的燈光裝置。 特意為本展打造的最新作品〈Alive #2: Flow of the Port〉，取材釜山獨特的山海地形與港口節奏，利用金屬工藝與極細電線編織網絡，觸發城市血管的聯想；〈Tender Soul of Ocean〉則即時擷取釜山港的風力數據，透過程式運算，把數據轉化為燈光裝置、模仿潮汐起落般的明滅。作品每天呈現的面貌應環境而變化細節，使展覽內容與展場氣候共呼吸，觀眾在作品前不只是觀看者，也因自身的存在與移動，而成為自然節奏的一部分。 何理互動於釜山Lee&Bae藝廊個展，展場一隅。 釜山Lee&Bae藝廊個展作品之一，〈Heaven Bloom: Vital Edition〉。 除了現地創作，亦可觀看團隊的代表系列作品：〈Heaven Bloom: Vital Edition〉以高山杜鵑為靈感，透過微電壓感測捕捉花朵在綻放時的微弱脈動，使作品在光影之間呈現生命循環的呼吸；〈Spectrum Light: City Butterfly〉採回收偏光膜製作動力蝴蝶，探討都市生態的擬態與演化；〈resona: cloud〉與〈resona: aura〉則透過克拉尼圖形（Chladni figures）邏輯解析微小環境訊號，成為展覽的微觀註腳。 〈resona: aura〉，偵測環境空氣狀態的燈光裝置。 這些作品共同構築出一座由光、風、訊號與地形交織而成的數位地景，與城市環境形成互文關係，為觀眾身處此地的感知打造多重層次，不僅止於欣賞單一作品的藝術性，同時也提醒觀眾眼前的裝置、展場和建築群，與他們踩在同一片土地上，呼吸同樣的空氣，感受同一道陽光。 〈Alive #2: Flow of the Port〉，以釜山地形發展的系列創作。 資料及圖片提供」何理互動（WHYIXD） 編輯」江瑜

為了研究遠方無法抵達的天體，人們發明了望遠鏡；為了研究渺小而難以分辨的細胞，人們發明了顯微鏡。伽利略曾說，「一切推理都必須從觀察和實驗中得來。」透過工具的發明輔助視覺的觀察，是人類不斷拓展、認識世界的方式，也因為仰賴視覺建立的認知，也不免令人好奇，在視覺無法抵達的世界，會是什麼模樣？人又該如何涉足？ 展場一角，北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 北師美術館當期展覽《遙視》（Remote Viewing），由獨立策展人柯念璞策劃，獲國家文化藝術基金會「視覺藝術策展專案」支持，展開不同文化中對於「超出可見」之領域的多重想像。 志賀理江子（Lieko Shiga），《螺旋海岸》，2009-2012 年，噴墨印刷，尺寸依空間而異，北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 展覽名「遙視」一詞，取自20世紀後期的超心理學與軍事研究，主要指向人類不依賴科技而感知遠方的能力，在這個富有科幻色彩的名義下，科學、心理、藝術和歷史不同領域彼此交織重疊。本展意圖並非在驗證超自然現象紀錄的真實性，而是回歸議題被提出的時空，重理這些實驗的背景、驗證過程和結果的詮釋，開啟對人類意識與感知能力的探索。 阿比查邦．韋拉斯塔（Apichatpong Weerasethakul），《日光》，2023 年，玻璃、金屬底座及雙頻道錄像投影（彩色、有聲，19分32秒），北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 三田光一（Koichi Mita），《月球背面意念成像圖》，1931年，攝影，私人收藏，圖像由福來心理研究所遺產提供。 《遙視》的起點，是一張據稱拍攝月球表面的相片，這張照片源自1931年的日本，由身處日本須磨的三田光一透過心靈傳遞、心理學家與心靈研究者福來友吉隨行監督，記錄於攝影底片上，並透過這項實驗印證了「千里眼」（senrigan）的超自然力量，當事人以此宣稱其能僅憑心靈能力感知遠方事件。 湯尼．奧斯勒（Tony Oursler），《第三眼》，2026年，多頻道錄像裝置，不鏽鋼鏡面、布燈籠、金屬、塑膠、燈光、投影，尺寸依空間而異_北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 同類實驗當年於各地精采紛呈，在社會上引發諸多爭議，也反映出人類對於「遠距感知」與「心靈潛能」的高度想像。《遙視》的開場以一系列歷史檔案構成，內含福來友吉及其實驗參與者所留下的影像、文獻與攝影資料，勾勒出20世紀初跨越日本、歐洲與美國的心理學與靈學研究網絡，人們透過實驗和影像紀錄試圖辯證真偽，然而科技的參與和時空的距離形成新的濾鏡，讓真相更加撲朔迷離。 許哲瑜x陳琬尹（Che-Yu Hsu x Wan-Yin Chen），《災變論》，2025-2026年，錄像裝置，13分鐘，北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 何子彥 Ho Tzu Nyen，《絕境旅館》，2019年，單頻道錄像（彩色、多聲道，84 分鐘）-2，北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 展覽空間橫跨北師美術館三層樓，並延伸至地下空間，首先以歷史事件作為鋪墊，為觀眾整理出人類探索心靈潛能的過程脈絡和具體收穫，結合現代藝術作品對於自我的審視，嘗試突破日常視覺的限制，延展感知的邊界，使百年老校的人文底蘊與當代藝術的前衛視野相互撞擊，持續翻新和再造美術館的定義，進而推動藝術文化展演型態的演進。 珍娜・蘇特拉 Jenna Sutela，《nimiia cétiï》，2018，單頻道有聲高畫質錄像 ( 12分 05 秒 )，北師美術館提供，攝影：王世邦（ Anpis Wang）。 資料及圖片提供」國立臺北教育大學北師美術館 編輯」江瑜

人與人之間的關係通過地域、情感和生活需求等等因素而建立，也與他人社交的過程中逐漸確定自己的社會身分和自我定位，隨運輸科技和數位網路的快速發展，資源和資訊往來的管道也屢經迭代，自我、他者與環境也在互動方式的變化間逐步衍生新的關係、重塑人們對世界的理解。 盧明德，《生態圖鑑》，1991年，實物、壓克力顏料、木板，182 × 546公分。臺北市立美術館典藏。 臺北市立美術館（北美館）以「共感」為題，通過人的感受與共情能力，探究人與非人的關係演變，延伸人與環境對彼此造成的影響，編織有機的感知網絡。展中涵蓋11位∕組台灣與國際藝術家作品，從當代博物學的概念出發，在自然、技術與行動實踐的層面上，呈現不同藝術家的觀察和表達，邀請觀眾一同參與這場盛大的討論——關於人類應如何理解自身與物種、環境與世界的關係。 瑟琳・克拉內，〈未孵化的蛛形綱卵，文森林地〉，《接地雜訊》系列，2023年，電子顯微鏡成像、攝影、數位輸出。圖像由藝術家提供。 蔡咅璟，《山麻雀之歌》，2022年，複合媒材裝置、錄像、攝影，11分42秒，尺寸依空間而定。圖像由臺北市立美術館提供。 個體存在與群體感知 透過科技改變自然的能力，給予人類掌控世界的自信，然而，隨著人類對世界的探索越深，人們也才逐漸開始意識到，即便擁有改變自然環境的能力，也不代表人類就是世界的主宰者。策展人余思穎引用地質學所定義的臨界區（Critical Zone）概念，可以說從植被的樹冠一直延伸到地下水的底部，所有生命活動均發生在這薄而脆弱的地球表層，換而言之，人類所能掌握的一切，相對於完整的全世界，也不過是一層淺淺的皮毛。 桑佳．鮑梅爾，《活體藝術品》，2021-2024年，影片、書籍，17分6秒、23×16公分、31×21公分。圖像由藝術家提供。 在此空間中，空氣、水、土壤、岩石與各種生命持續相互作用，形成地球維持生命的條件。當人類轉移視角、重新審視自身相對於世界的渺小，才能真正認識到自身與自然環境的關係並非單向支配，每當一個生命在這個世界上誕生，就落足於每個元素彼此交織共生的龐大關係網。 吳其育、陳普，《零點溫室》，2026年，錄像裝置，15分，尺寸依空間而定。圖像由臺北市立美術館提供提供。 本展從「人與非人共同演繹世界」、「擴增人類五感與時空觀」與成為「互利共生的行動者」三個面向出發，引導觀眾首先放下以人為中心的視角，步入由非人類生命體擔任主角描繪生命的敘事；隨後認識人類為了輔助感官、校準自身定位而發明的工具，進入人類與世界進行溝通和認識的世界；最終走向與環境共感、以實踐關懷其他生物的感知經驗。 陽春麵研究舍，《潛像描繪儀》，2025年，機械裝置、機器繪圖、演算法、生成動畫、複合媒材，尺寸依場地而定。圖像由藝術家提供。 NOIZ Architects，《待機休眠中》，2026年，互動裝置，20 x 6.5 公尺。圖像由臺北市立美術館提供。 在互動間生成的關係 展場位於北美館一樓，由盧明德的《生態圖鑑》和瑟琳．克拉內《接地雜訊》系列做為開場，前者捕捉多樣物種的鳳毛麟角，具生命初始寓意的蛋、隱含演化意象的貝殼、象徵死亡與遺骸的動物頭骨，以及動物肢體、皮毛等局部身體，堆疊繁複意象。後者則以黑白膠捲拍攝電子顯微鏡下的微觀圖像，藉由不同尺度的影像轉換，如飛蛾的絨毛或蝴蝶半透明的翅膀，呈現森林纖細的生命風貌，拓展肉眼觀看的視角。 山城知佳子，《土之民》，2016年，三頻道錄像裝置，23分。圖像由藝術家提供。 基於展出作品的豐富媒材，觀展體驗亦不僅限於平面的視覺衝擊。互動式作品如陽春麵研究舍《潛像描繪儀》利用人工智能模擬18世紀側面描繪儀裝置的運作，以真實世界為基礎，探問隨機、想像的創作和影像紀錄的真實性之間的關係。還有NOIZ Architects《待機休眠中》（Lazy House）透過電腦演算與參數設定，感應觀眾的注視，讓布料、張拉結構與感測系統構成的建築軟雕塑產生形態上的變化，以此具象人與環境互相施予彼此的影響。 彭弘智，《面對面》（5件），2001年，錄像裝置（彩色、有聲）：玻璃纖維、LCD 螢幕、播放器、揚聲器、台座，尺寸依空間而定。臺北市立美術館典藏。 希朵．史戴爾《使命完成：Belanciege》打造一個小型舞台，播放剪輯影片，分析名牌挪社會文化符碼並包裝成奢侈品的過程，並進一步指出當代消費文化、社群媒體與演算法機制如何塑造現代人的身分認同和價值觀。彭弘智《面對面》曾於多國雙年展與三年展展出，並為北美館典藏作品。先是打造多個不同姿態的小狗雕塑，隨後將影像螢幕嵌入動物雕塑頭部之中，引導觀者從小狗的視角出發、看到小動物眼中的世界。 周東彥/狠劇場，《變動的連結》，2025-2026年，錄像、虛擬實境裝置，15-20分，尺寸依場地而定。圖像由臺北市立美術館提供。 在欣賞本展的過程中，展品牽引觀者的情緒、引導觀者的視角和移動，既是分享藝術家的觀點，也是刺激觀眾自己的思考，橫跨自身與他者之間的邊界，「共感：存在的節奏」觸發感官經驗的交流，也期待以此開啟觀眾對共享、互助與共存價值的想像。 「共感：存在的節奏」 時間」2026年5月9日至9月20日 地點」臺北市立美術館 1A、1B展覽室 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

在高速運轉的時代裡，藝術如何為人類情感重新尋找座標？西班牙當代藝術家喬瑟普．里埃拉．伊．阿拉貢（Josep Riera i Aragó）以長達半世紀的創作，給出了屬於自己的回答。Bluerider ART近期在台北敦化空間呈獻其個展《喬瑟普．里埃拉．伊．阿拉貢：生命航線》，半世紀的未知探索，聚焦藝術家橫跨五十年的創作歷程，透過飛機、螺旋槳、潛水艇與船隻等標誌性符號，展開一場關於時間、空間與生命的詩意敘事。 Haiku I, 2011,198 x 592 cm, Mixed media on canvas。五十年來以相同的創作核心，不同的媒材，透過簡單幾何與線條，表現「航行」所蘊含的生命故事。 機械符號與材料中的時間航程 1954年出生的阿拉貢，畢業於聖喬治美術學院，現居巴塞隆那，是西班牙最具國際聲譽的當代藝術家之一。他的作品曾於德國海布隆市政博物館、法國阿爾勒梵谷基金會及巴塞隆那胡安．米羅基金會等重要機構展出，並獲梵谷基金會、胡安．米羅基金會與芝加哥波音公司等永久收藏。 The Voyage of Life，以亞麻為底的大型畫布，其飛往不同方向的符號，予人自由遼闊之感。 評論家Vicenç Altaió曾指出，阿拉貢的創作並非建立於虛無，而是在高速變動的時代中，重新尋找人類情感與精神的座標。對他而言，作品中反覆出現的飛機、螺旋槳、潛水艇和船隻，並非機械實用功能的再現，而是航行的隱喻，是時間流逝、生命旅程的象徵，也是對夢想永不止息的追尋。這些符號穿越虛構的時間與空間，構成一場無止盡的航程。 策展團隊精心規劃展場，透過牆面的層次交錯，在平面與立面之間，讓交通工具的線條在空間中柔緩流動，創造豐富的視覺感受。 藝術家長期結合鉛、青銅、鐵件、木材與舊工業材料進行創作，以拼貼與氧化痕跡保留時間留下的物質記憶。1980年代後期，他大量使用工業廢材、鐵板與化學材料進行實驗，使作品表面呈現如遺跡般的時間感。在半世紀的藝術追尋中，他將青銅、鋼鐵等堅硬媒介與木材及布料進行異材質重組，這種拼貼並非僅是視覺上的形式實驗，更意在喚起材料背後所承載的集體記憶與溫度。每一道焊痕、每一塊鏽蝕，都是他將個人與時代情感緩緩注入物質的證明，使作品成為連結感官與靈魂深處的橋樑。 Riar-103, Airplane on wood, 2026, 97 x 53 x 12 cm, Bronze, iron, wood，以鏽蝕般的肌理表現濃厚情感及時光軌跡。   地中海則是阿拉貢創作中另一個重要的精神場域。作為所有真實與想像旅程的起點與終點，海洋不斷出現在他的作品之中，象徵漂泊、遷徙與文明的痕跡。那些看似冰冷的機械零件，在他的拼貼下轉化為具備呼吸感的生命體，傳遞出人類在面對未知時的渴望、孤獨與勇氣。   展覽亮點 本次展覽將展出多個系列與美術館級代表作品。「飛行系列」中的《俳句》以六米長幅展開，如詩句般於留白與節奏之間凝鍊出時間、空間與生命的靜謐韻律；「澳大利亞」手稿系列取材自1735至1871年的家族紀事文獻，藝術家於歷史紙頁中介入飛行與移動的符號，重構記憶與想像的軌跡。 「澳大利亞」手稿系列，藝術家在澳洲辦展之際，帶著家族手稿在其上綴入移動符號，細看可見以不同材料所描繪線條，充滿驚喜與層次。 「鉛材系列」則以深藍色調鋪陳深海般的廣袤場域，在潛艇般微小形體的浮現之中，展現時間沉積與孤獨的詩性。此外，黃銅與鐵件構成的雕塑作品透過平衡與運動，延續藝術家對機械美學與生命存在的深層探索。 「鉛材系列」透過深藍色調鋪陳深海場景，圓弧的輪廓，讓觀者彷彿在潛水艇中通過窗戶望去，搭配鋼材的氧化增添豐富肌理。   《喬瑟普．里埃拉．伊．阿拉貢：生命航線》不僅回望藝術家五十年的創作演變，更邀請觀者共同進入一場關於航行、記憶與人類情感的精神旅程。在機械美學的表象之下，作品最終回歸於對生命本質的凝視，以及人類靈魂持續向未知出發、尋找歸屬的永恆律動。  Red propeller airplane, 2013, 191 x 106 x 24cm, Painted iron​，透過簡單的線條與符號，承載著豐沛情感，傳遞在工業時代時下，亦可慢下腳步留下時間痕跡。   《喬瑟普．里埃拉．伊．阿拉貢：生命航線》 時間」2026年5月23日至7月19日 地點」Bluerider ART台北．敦化（台北市大安區敦化南路二段77號1樓）   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺

誠品畫廊北京近日推出上海藝術家陸亮的個展「潛行」，展中作品橫跨創作者超過20餘年的創作生涯，專攻於油畫和壁畫，在誠品畫廊北京純粹如空白話部的展覽空間裡，突出其濃郁的色彩表達和針對「記憶空間」的探討。 《霧霾中的望京SOHO》，2014-2017年，油彩、畫布，160 x 120 cm。 策展主題起源於電影《潛行者》（1979，安德列．塔科夫斯基），因電影的精神意涵，觸發陸亮多年創作的感受，以此延伸解讀，透過展覽完善整體視覺概念。展中作品並非簡單的寫實，而是通過反復推敲的光影色彩與層層疊加、引導觀眾緩慢進入與持續感知的情境，描繪虛渺的城市記憶和藝術家長期對身邊的觀察和理解，使畫面承載時間與經驗的沉積，在宛如攝影般高濃度的作品敘事中呈現豐富質感。 藝術家陸亮。 《花土溝2》，2017年，油彩、畫布，60 x 90 cm。 「潛行者」的時代觀察 陸亮不僅深受中央美術學院的栽培，同時也活躍於教學一線，在傳授創作方法的同時，自身也創作不輟，持續拓展具象繪畫的邊界；在文字傳播尚未普及的時代，壁畫即是重要的歷史紀錄，通過畫作的流傳和寫實，人物的穿著打扮、行為和背景等等資訊，給予後世無數觀者得以一窺一個時代的鳳毛麟角。隨著時代和思想的發展，人們描繪的對象不僅受限於現實畫面，而是朝向心靈深入鑽研，並轉化為具象視覺。 展中一隅。 電影《潛行者》敘述一位被稱為「潛行者」的人物，帶領一位期望找尋靈感的作家和一位追求科學發現的教授，一同前往神秘的「禁區」，據傳「禁區」內存在一個能夠實現人內心慾望的房間。通過這樣一個被稱作禁區的房間，像一面鏡子般反射人心的願望、理想和欲求，以及在反覆帶領不同對象探索禁區、卻也因此見證數次悲劇的潛行者的心理挫敗和悲傷。 《大山子》，2020-2025年，油彩、畫布，120 x 180 cm。 前往禁區的過程中，主角一行人穿越幾個隧道和無數被廢棄的遺跡，這裡見證了無數夢想的起落，這個空間之所以鮮活，是因為它仍在許多人心目中扮演「希望」的寄託，與此同時，也是無數追夢人被遺忘的墳場。本展延續了陸亮對「記憶空間」的關注，內容包含從城市邊緣的夜路街區、到富有故事性的歷史建築，這些場景既具體可辨，又帶有某種超現實的疏離感。繪者的目光一如「潛行者」，既置身其中，又保持距離，以細膩而敏銳的目光記錄下對時代的感受。 《雪夜孤騎》，2020-2025年，油彩、畫布，205 x 280 cm。 摺疊時間和空間的虛實記憶 展覽內容依循三個主題思想向外延伸，同時也彼此交錯和互相補充，一是以藝術家的日常為核心的城市經驗，呈現城市及城市邊緣在發展中的變遷與疊加；二是以「原子城」為線索的歷史空間，指向特定時代背景下的集體經驗與國家敘事；三是花土溝，針對一個西北工業小城的生存狀態與視覺記憶，對比前面兩者，無聲訴說人工進化在野地催生的轉變。 《大空間1》，2023-2026年，油彩、畫布，65 x 80 cm。 代表作品如《雪夜孤騎》描繪北京夜色與雪景交織中的行進瞬間，人物在空曠死寂的馬路上獨自前行，反襯個體在城市空間中所承受的壓力、孤獨與異化。對比花土溝等題材中另一種複雜的情緒，透過當代中國工業化進程中的獨特切片，深入中國西部曾承載重要歷史使命卻逐漸被遺忘的空間，轉化為具象遺跡和抽象慨歎的古今對照。 展中一隅。 三個主題在藝術家的觀察與表達中彼此交織、折疊，構築新概念意義的「寫實」風景，陸亮以此打破了過去和現在、想像和現實之間的平行分野，取材日常、過往、記憶、想像等多面元素，在同一個時空相遇、重疊、匯合。 《房間2》，2019-2024年，油彩、畫布，280 x 205 cm。 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」江瑜

回顧距今百餘年前的1924年，作家安德烈．布勒東（André Breton）在巴黎發表了《超現實主義宣言》（Manifeste du surréalisme），為紀念這項掀起百年、至今仍餘波盪漾的藝術革命，臺北市立美術館（北美館）與德國圖賓根文化交流協會（Institut für Kulturaustausch, Tübingen, Germany）攜手合作，推出《超現實主義：對話中的世界》展。 丹尼爾・史波利，《麵團物件－熨斗》，2017年，鐵、木、麵團，21.5 × 21 × 14.5公分。© VG Bild-Kunst, Bonn 2026.圖像由LEVY Galerie, Hamburg_Berlin 提供。 展中集結近60位國際重要藝術家與影像創作者、逾120件代表性作品，橫跨繪畫、雕塑、攝影、電影等豐富而多樣的媒材表現，以多元樣貌詮釋社會各個時期與層面、藝術對於現實的解讀和反饋。 遙敬百年前的藝術先鋒 透過對話式的呈現，本展將1920年代的超現實主義原初運動時期的作品，與其後各世代藝術家的創作並置，建立超現實主義跨時代的概念交流，分為「集體夢境」、「幻化無際」、「慾望之體」、「荒誕玩趣」四個子題單元，不僅回顧展覽主題誕生的時空背景，同時延伸其質疑和挑戰的精神，以展覽內容向大眾宣告，這項運動不是一個單純的歷史名詞，而是持續在進行傳遞和反思的創作態度。 雷內．馬格利特，《9月16日》，約1957年，不透明水彩、紙，33 × 27公分。© VG Bild-Kunst, Bonn 2026。 醫生暨心理學家西格蒙德．佛洛伊德（Sigmund Freud）創立夢的解析與精神分析學派，認為人類行為在很大程度上受潛意識與被壓抑的慾望影響，其觀點和對夢境、心理的解讀，成為超現實主義初時創作所參考的重要依據，策展人以他帶給超現實主義的影響，依序揭開展覽內容，首站「集體夢境」透過非理性、夢境般的元素，如被擾動的水面般反射投映現實議題。 展場一隅，圖像由臺北市立美術館提供。 除了早期創作者雷內．馬格利特（René Magritte）透過與物理法則相悖的視覺，重構現實場景、還有伊夫．唐吉（Yves Tanguy）以神祕莫測的元素、形體構圖與畫筆描繪的荒蕪之境。與之對比的蘿倫．莫法特（Lauren Moffatt）採用現代科技形塑沉浸式擴增實境，她向來自不同國家的九位女性提問，並運用遊戲引擎將回答內容具象化，打造出一個由集體創作生成的全新想像世界。 超現實主義的時代實踐 自夢境衍生，從一種狀態轉移至另一種狀態的演變歷程，「幻化無際」也是藝術家探索不綴的母題，在這當中，不僅有雅各布．吉爾多（Jacob Gildor）將夢境般的潛意識轉換瞬間化為視覺意象，呈現出多重解讀層次。同時也打破觀看的界線，引出創作者的自我觀照，如攝影師克勞德．卡恩（Claude Cahun），在其經典的自拍像作品中，她以雌雄同體、性別流動的形象呈現自我，為後世藝術家的開闢了嶄新路徑。 赫伯特．拜爾，《追憶往昔，選自10幅攝影蒙太奇，1929-1936年作品集，第一冊，慕尼黑黑克利姆畫廊出版》，1959-1969 年，攝影拼貼、明膠銀鹽相紙，23 × 34公分。© Herbert Bayer Stiftung _ VG Bild-Kunst, Bonn, 2026。圖像由 Collection SpallArt 提供。 受佛洛伊德對「本能」探究的啟發，「慾望之體」成為前衛超現實主義藝術家另一個聚焦的題材，有別於飄渺夢境，以感官刺激和本能的力量與傳統宗教建立的理性和社會觀念進行挑戰式的衝撞。 伊夫．唐吉，《完美的平衡，超現實主義構圖》，1929年，油彩、畫布，99 × 81公分。© VG Bild-Kunst, Bonn 2025。 在創造概念的顛覆與畫面呈現的突破之外，超現實主義者亦著力於以非常規的創作程序，透過拓印法、刮擦法、轉印法、煙燻法等繪畫技法，解構創作過程和對藝術的定義，誕生新的「荒誕玩趣」。第一次世界大戰的創傷經驗作為這場文化革命運動的起點，鼓動時人挑戰社會秩序以及傳統的理性思維模式，從不同視角思索性別、科技、心理及身分認同等核心議題，至今仍在現代思潮中不斷發酵，成就這場呈現於大眾眼前的視覺盛宴。 「超現實主義：對話中的世界」展 時間」2026年4月25日至8月30日 地點」臺北市立美術館 地下樓D、E、F展覽室 資料及圖片提供」臺北市立美術館  編輯」江瑜