2025年盛夏，倫敦肯辛頓花園迎來一場跨越文化與時空的建築對話。孟加拉建築師Marina Tabassum以獨特的建築語言，為蛇形藝廊展亭（Serpentine Pavilion）二十五週年創作了《時光膠囊》，這不僅是一座臨時建築，更是一封寫給未來的立體書信，邀請人們在光影流轉間思考永恆與瞬息間的關係。 建築師精心布局，使展亭的南北軸線與南館遙相呼應，構成完美的視覺對位。 Marina Tabassum的設計哲學始終圍繞「切題的建築」展開，擅長將現代建築設計，巧妙融入當地文化。今年利用木材構組四個獨立拱門，描摹出膠囊狀的展亭外觀；外部覆上半透明立面，使陽光如細紗般濾入，在內部空間織就斑駁的光影錦緞。這種對自然光的運用，靈感源自南亞傳統婚禮中的「Shamiana」帳篷，那些由竹結構與織品構成的臨時建築，見證了相聚的喜悅時刻。Marina Tabassum將集體記憶移植至倫敦公園，讓展亭成為容納多元文化的當代「Shamiana」。 動態空間中的知識共構 展亭的南北向延伸軸線與蛇形藝廊南館精確對位，中央環抱一棵半成熟的銀杏樹，其源自侏羅紀時期的活化石樹種，既象徵著時間的韌性，亦隱喻建築師對氣候變遷的思考。隨著展期從夏入秋，銀杏葉片將由翠綠漸變為燦金，為建築增添第四維度的時間層次。展亭結束使命後，這棵見證過無數對話的樹木將被移植回公園，完成一場自然與人文的交錯循環。 展亭中央的銀杏古樹，隨季節變換葉色，以生命韻律為建築增添時光維度。 有別於傳統展亭的靜態形式，Marina Tabassum引入可動態調整的膠囊結構，使空間能隨使用需求轉換配置，在流動間呼應座談、表演等活動，「空間應當成為促進人類交流的催化劑。」另外，展亭內置書架精心選藏關於孟加拉文化、文學與生態的書籍，隱含知識分享所帶來的永續價值。 動態膠囊結構突破傳統展亭框架，讓空間隨活動需求靈活變形，成為人際互動的催化劑。 建築師構想展亭未來遷離後，可轉為向公眾開放的社區圖書館，使這座《時光膠囊》成為真正穿越時空的文化載體。這座展亭延續了歷屆作品的實驗精神，尤其呼應2006年荷蘭建築師Rem Koolhaas的《OMA》環狀展亭，以流動結構展現鮮明的動態特質，此外亦透過銀杏樹與大地的連結，展現Marina Tabassum對人與環境關係的深刻思考，完美體現「實驗不應有止境」的核心理念。 展亭書架精選孟加拉文化典籍，未來將轉化為社區圖書館，讓時光膠囊實現跨世代對話。 《時光膠囊》是2025年夏季倫敦最富活力的文化樞紐，包含「公園之夜（Serpentine Park Nights）」系列演出、詩歌朗誦、家庭工作坊等多元活動。值得關注的是《The Shape of a Circle in the Mind of a Fish》新書發表會，該著作探討超人類意識與生態哲學，恰與展亭的環境關懷形成思想共振，另外亦安排策展人導覽，帶領觀眾深入解讀展亭設計與歷史脈絡。Marina Tabassum特別創作的限量版畫作於開幕週發行，藝術品如同展亭本身，凝結建築師對時間、光影與空間關係的思考。 建築作為社會實踐的延伸 這位2024年《時代》百大影響力人物始終將建築視為社會變革的媒介。Marina Tabassum所創立的非營利組織F.A.C.E專注氣候調適議題，在孟加拉地區推廣可移動模組化住宅「Khudi Bari」。這種社會責任感體現在展亭設計中，從本地採購的木材到可移植的銀杏樹，每個細節都訴說著對永續發展的堅持。 以木構工藝打造四座獨立拱門，勾勒出膠囊般的展亭輪廓。 作為首位完全以木材構築蛇形展亭的建築師，Marina Tabassum突破了材料運用的傳統框架。技術顧問AECOM總監Jon Leach坦言，這個「工程獨特」的作品為團隊帶來意想不到的豐碩收穫。 半透立面篩落斑駁天光，靈感源自南亞「Shamiana」喜帳，以光影織就空間的溫度。 而負責建造的Stage One團隊更讚譽其「強烈的造型結合動態元素」，創造了展亭史上又一里程碑。當陽光穿過木結構，在展亭地面繪製出瞬息萬變的光影圖騰，訪客將切身感受「建築感官與精神的連繫」。這座位於肯辛頓花園的《時光膠囊》，既是建築師獻給倫敦的夏日情書，也是留給未來世代的文化遺產，期待透過設計連結彼此，並在變動時代中尋找恆常價值。 Marina Tabassum Architects（MTA） / Marina Tabassum Marina Tabassum 是國際知名的孟加拉建築師與教育家，以其融合當代設計與地方文化、氣候及歷史的建築理念著稱。她於1995年畢業於孟加拉工程技術大學，並在2009 年創立個人事務所Marina Tabassum Architects（MTA）之前，曾與Kashef Chowdhury共同創辦URBANA建築事務所，參與設計孟加拉獨立紀念碑等國家級項目。現為荷蘭台夫特理工大學教授，曾任教於耶魯大學、哈佛大學設計學院等多所頂尖學府，且獲德國慕尼黑工業大學榮譽博士學位。她的作品屢獲國際獎項，包括2016年阿卡汗建築獎、英國The Soane Medal及法國建築學院金獎等，並於2024年入選《時代》雜誌「全球百大影響力人物」。除了建築實踐，Marina Tabassum積極推動社會公益，主持非營利組織F.A.C.E，為邊緣社群建造模組化住宅（Khudi Bari），並領導公平貿易組織Prokritee，支持孟加拉女性手工藝者。她的作品巡展於慕尼黑、里斯本等地，持續影響全球建築思潮。 資料及圖片提供」Serpentine Pavilion 撰文」林靖諺

勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》由來自奧地利維也納、活躍於概念藝術與空間實驗領域的設計團體 Numen / For Use首度來台展出，以全球巡迴經典〈Net〉與〈String〉系列全新版本，量身打造勤美場域限定的裝置創作，帶來一場體感與結構交織的當代藝術實驗。本次展覽以兩件裝置作品《Net Taichung》與《String Taichung》連動呈現，是團隊迄今最大規模的空間裝置嘗試，參與者可實際穿越、攀爬、匍匐於作品之中，讓身體不再是旁觀的工具，而是觸發空間變化的關鍵。 勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》主視覺。©勤美術館   重拾純粹而好奇的童心 Numen / For Use成立於1998年，由斯帆．瓊克（Sven Jonke）、克里斯托夫．卡茲勒（Christoph Katzler）和尼古拉．拉德利科維奇（Nikola Radeljković）三位工業設計師共同創立，以極簡主義出發再加入實驗與創意，長年致力於探討觀眾、身體、材料與空間之間的詩性關係，並模糊建築、雕塑與舞台之間的界線。團隊的共同創辦人、也是本次策展人卡茲勒對場域與建築結構有敏銳的知覺，延伸勤美術館的建築視覺語言，打造出有彈性、有回應性的空間體驗。 奧地利藝術團隊Numen / For Use。©Numen / For Use，攝影：Aurélie Cenno   勤美璞真文化藝術基金會執行長何承育說明，勤美術館成立的初衷就是希望大家打開想像、用不同角度看事情，期待這檔展覽可以從材料實驗、身體參與到空間互動，打開觀者全新的感官邊界。畢卡索曾言：「我能用很短的時間就畫的像一位大師，卻要用一生去學習畫的像一個兒童」，他認為，這件作品就像一件巨大的包裹，未打開前無法預期其中的內容，但當作品完成、觀眾走入時，即可深刻體驗如孩童般的興奮感，從認識自己的肢體動作、在網中遊走、甚至躺下休息，都是一種與空間重新建立關係的過程。 《Net Taichung》作品外觀。©勤美術館，攝影：楊承   懸浮之網 觸發感知 策展人卡茲勒分享，此次特意讓兩件作品融合成一個連續的感官旅程，得先開啟兩扇門才得以進入其中，考量氣體、氣壓等條件，門片為技術上必須存在的物件，Numen / For Use賦予其更深層的意象，開啟便就如同進入未知的世界，讓觀者在過渡空間轉換心境。先在以兩層繩網構築出懸浮平台的《Net Taichung》裡解放身體；再於《String Taichung》中沉浸視覺，透過解構和重組日常素材，創造全新意義。 觀眾穿梭於《Net Taichung》層層堆疊的空間，成為作品的一部份。©勤美術館，攝影：楊承 要將這麼大型的裝置帶入精準限制的美術館中絕非易事，從外觀看，充氣體彷彿白色浮動有機物般，《Net Taichung》的創作靈感來自勤美術館入口的線條，是個自撐式、可進入的社會雕塑，以充氣裝置呈現的網，是《Net》系列在結構與外觀上的進化版，透過充氣，提供表面足夠張力，進而拉緊內側連接的網織結構，無需其他外力支撐，形成一個柔軟的型態，隨觀眾移動而變化，外膜同時具有攝影學裡「柔光箱」的擴散效果。 三層網狀結構在數個節點交織，產生類似電腦建模的3D線框模型的變形效果，看似數位生成物，但其實整個過程是奠基於團隊對於空間的親身體驗和思考，透過實際的模型不斷實驗和精進，最終才成就這個虛擬感強烈卻又非常具體的作品。 作品《String Taichung》，體驗虛實間的雙重情境。©勤美術館，攝影：楊承   《String Taichung》的靈感則源自勤美術館屋頂的斜線格柵，平行輪廓的反覆出現，正好啟發了編織繩線的三維線性空間。藝術家某次參與充氣結構工作坊，當時，有個作品原型是常被用來展示Logo或廣告的立方體充氣物，其特別之處並非在於外觀，而是內部，那裡面是由密集筆直的繩索所構成的空間，使人聯想到極簡藝術，這種偶然的美感是實用物件的隱藏之美。因此，《String》可以視為「現成物」（objet trouvé）藝術，亦即將現成品加以改造，在藝術脈絡下重新架構，使其脫離原有功能，變身為沉浸式空間裝置。 《String Taichung》利用線條打造立體且沉浸式的極簡藝術。攝影：顏嘉蒂   策展人進一步說明，2023年9月開始團隊即與勤美術館展開合作的前期溝通，也於奧地利多次技術模擬，歷經形體測試、材質拉力調整、視覺範圍校正等步驟，才得以精準安裝於美術館的挑空區與室內樓層之中。不僅巧妙延伸館體獨特的建築語言，以極具彈性與張力的構造形式呼應建築結構，更轉譯為觀者可親身介入的空間體驗，進一步形塑出具回應性的感知場域。     資料及圖片提供」勤美術館 撰文」陳映蓁

作為「台灣四大名泉」之一，與北投、礁溪、關子嶺等並列的台東知本，其名源自卑南語Katratripulr（卡大地布部落；有團結、在一起之意），對性格強悍且向心力強的卑南族人而言，哺育其祖先成長茁壯的知本溪，在部落文化裡不僅是天然劃分的地界，更是生活和文化場域。     峇岦嵐偲．旮札涅灆，《似水的記憶》，2025年，樹皮、竹片、鐵、LED燈，500 × 500 × 300 cm。     隨時代變遷，這片山林與泉水交會的土地之美更加廣為人知，舉辦光祭，不僅是藝術展演，同時也是推動知本山林文化與自然風貌進行一次深層連結。本屆光祭以《沐光泉》為主題，邀請來自台灣與國際各地的藝術家匯聚於此，以光與水的共舞為媒材、注入個人對在地元素的詮釋，偕同地景打造燈光藝術裝置，邀請民眾一同踏入知本走訪光雕秀、參與手作體驗，品嚐在地美食，欣賞以夏夜溫泉為舞台所展演的夢幻光影。     米類．瑪法琉，《落憶》，2025年，竹枝、鐵件、LED燈，尺寸依實際現況而定。     今年光祭分為三大展區：「泉湧」、「光現」、「永續」，取材溫泉自地脈湧現的流動型態，帶領觀眾由淺入深地踏入知本特有的敘事語境、再從來自地底的水元素和地面天光接觸的變化，欣賞感官與光的交會；之後帶入人與自然的互動，一邊回顧在地社區記憶、一邊展望永續未來。展中呈現12件大型裝置作品，不僅是讓人欣賞藝術家的巧思和台灣與國際的連結，同時也通過這些對在地景觀的重新解讀，讓觀者在對美的驚嘆中，同時也透過在光祭中所經歷的人、事、時、地、物，對知本有更深層次的了解。     點亮在地文化   《沐光泉》作品分布在知本溪畔與勇男橋，在夏季的日夜相互輝映，這些藝術裝置的佇立，不僅是透過意象與在地精神互動，同時也是形塑一個個吸睛的地標，讓民眾在欣賞藝術品的過程中，透過腳步的移動加深對知本環境的印象。如每日在勇男橋上演的光雕秀《光湧．界》，藝術家胡縉祥、郭彥宏及韓承燁揉合水的自然流動與數位粒子的光影，借橋為載體，以投影與雷射技術創造出一座「穿越感知」的時空之門，讓觀者站於橋下，沐浴在瀑流之中，透過數位編織的空間，與自然進行對話。     路瓦．里維拉，《沐光耀》，2025年，布料、PVC、LED燈，1000 × 250 × 350 cm。     來自卑南族卡大地布部落藝術家米類．瑪法琉，其作《落憶》以線性時光為軸，描繪創作場地範圍內的萬物生長動態，結合圖騰投影創造抽象的詩性記憶，以空間的自然風貌回應時間變遷，邀請世代族人的步履與當代觀者的身體記憶彼此交會聚合。而同樣是部落記憶，水也是排灣族人重要的生命循環媒介，出生時用水標記家裡的味道，死亡時會用水為死者送行，峇岦嵐偲．旮札涅灆秉持排灣族對水的理解，透過《似水的記憶》，傳遞生命的連結。     李蕢至，《氣鏡之門》，2025年，竹子、鋼筋、LED燈具、噴霧機，1500 × 1100 × 600 cm。     巴西藝術家大岩奧斯卡的《光之橋》以光為媒介，更進一步將「連結」的概念具象—通過在知本溪上建造一座「光之橋」，讓這個超越功能性的結構在視覺上橫跨遼闊的距離，串聯思想、物質，與自然之間的關係性。與這個開闊的作品相對，日本藝術家吉井宏的《野豬寶寶爬上來了》取材山豬與知本山林間共處的趣味故事，將視覺聚焦於泡在溫泉裡的野豬寶寶形象，彷彿在邀請他人一同享受溫泉，以療癒筆法描繪自然與人親密共融的趣味意象。     詹維欣，《地脈》，2025年，鐵件、LED燈具，480 × 60 × 380 cm。     感知在地歷史深度   在欣賞夏夜燦爛的地景藝術與溫泉之餘，活動也特別設置「回溫・知本」微型展，透過老照片與居民口述的過往，宛如回到古老部落，圍著營火傾聽長者的故事；回顧知本從部落秘境逐步轉化為觀光溫泉勝地的過程，遊玩的體驗只是讓人淺嚐一口知本現在的美好，了解背後的歷史，才會體味到這份美好此前經歷多少人的努力、奠基了此刻的難得。光祭的體驗不僅是給予感官上的滿足，同時善用活動安排沉澱情感的後韻，以此深化觀眾對在地的理解，透過美好記憶，牽起造訪者與知本之間的連繫。     微型展《回溫．知本》展場照。     資料及圖片提供」臺東縣政府 編輯」江瑜

對於自身長居的環境，人們往往最熟悉又最陌生，熟悉每天應對的疲勞、陌生在地本身的美好，尤其生活在當代的人們，習於將大部分注意力投入手機裡無限的虛擬世界，更容易忽略身邊觸手可及的場景。藝術家奧拉弗・埃利亞松（Olafur Eliasson）秉持自身生命經驗與對自然環境的觀察，組織建築、公益和技術專項等各領域人才，橫跨裝置、繪畫、雕塑與攝影等多樣媒材進行創作，藉由作品觸動觀眾的知覺、進一步轉向對環境的思考。     「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」展覽場景照。     臺北市立美術館於今夏所推出的「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」，攜手「奧拉弗・埃利亞松工作室（Studio Olafur Eliasson，SOE）」，回顧其30年的藝術生涯，展出17件代表性作品，聚焦於身體感知、參與協作、生態與非人類視角等重要主題，以觀者自身的感知為出發點，突出對認知的重塑，透過沉浸式的藝術體驗，展開一場難忘旅程。     家鄉的啟蒙   埃利亞松生於1967年，在冰島與丹麥成長，自然環境啟蒙了他最初對「美」的認知，因此延伸至人類之於環境、氣候、空間、感知經驗等多重面向的思考，自丹麥皇家美術學院畢業後，在柏林開創辦公室並潛心於創作，其作以挑戰感官、強調與環境共創享譽國際。     藝術家奧拉弗・埃利亞松（Olafur Eliasson）。     如2003年曾代表丹麥參加第50屆威尼斯雙年展、同年於倫敦泰特現代美術館展出的《天氣計畫》，透過黃色燈光及鏡面創造人工太陽般的光感，探索氣候變遷的議題。2008年《紐約瀑布》（The New York City Waterfalls），在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布；2014至2018年將格陵蘭冰川的碎冰分別帶至哥本哈根市中心、巴黎和倫敦的《觀冰》（Ice Watch），見證冰川的融化消逝。     《循環扇》，1997。紐約現代藝術博物館典藏。© 1997奧拉弗・埃利亞松。     埃利亞松通過學者和科學的觀測，取材自然環境，在美術館進行藝術化的呈現，透過知識的分析和現代科技模擬，將發生在城市之外的自然生態重新帶回現代人的視野，或還原、或放大，比對現代社會追求更高效的人工環境，在情感與思維方面重構人類與環境議題的距離。     詩意感知   本次展出作品，透過氣流、水和光影等生活中少有人主動意識或感知的存在為切入點，將這些細微元素透過藝術手法嶄新詮釋，帶來令人驚嘆的效果。一如懸於臺北市立美術館大廳上空、垂落自轉的《循環扇》（1997），是本展的第一印象，因其位於展場入口之外，初時可能還不能意會到這是一件作品，別具一番遊戲趣味。     《被活動定義的物體（當時）》，2009。作品由藝術家；柏林neugerriemschneider；紐約／洛杉磯Tanya Bonakdar Gallery 提供。© 2009 奧拉弗・埃利亞松。     最受矚目的作品當數1993年《美》。此作為奧拉弗・埃利亞松早期的代表作之一，作品位於一片黑暗當中，唯有一道光束和水霧共舞，將視線聚焦於透過自然反射營造跳動的虹彩。當觀者移動或靠近影響水霧的波動，隨著視角變化，每個人觀看到的色彩、形狀也會形成差異，讓觀者與作品共同形塑自身與藝術品的感知經驗，展示美的多重樣貌以及不同可能性。     《單色房間》，1997。Angsuvarnsiri 收藏。© 1997 奧拉弗・埃利亞松。     《被活動定義的物體（當時）》以投影和水流聲響，利用視覺殘留現象，透過頻閃燈規律性的閃爍，使噴泉水流看似凝固在空中，挑戰觀者對於「眼見為憑」和現實的認知；《單色房間》為巡迴展中空間最為寬廣的一站，不同於其他展間，這裡展示的重點在於抽離其他色彩訊息形成灰階對比，限制眼睛感知的色覺範圍，讓空間中僅剩明暗對比，以此促進身在展間中的觀眾重新思考視覺經驗的本質和可塑性。     《環星共振器》，2018。作品由藝術家；柏林neugerriemschneider；紐約／洛杉磯Tanya Bonakdar Gallery提供。© 2018 奧拉弗・埃利亞松。     最後則是近代作品，2024年的《冰河的最後七天》。此作按大小依序列出七個青銅雕塑，造型取材自埃利亞松與團隊在冰島鑽石沙灘上發現的冰塊碎片，透過數位掃描保留冰塊融化前的形狀，展示消融的過程。每塊青銅雕塑旁分別搭配一顆透明玻璃球，隨冰塊消融、玻璃球由小變大，具象融化後的水量，提醒所有人全球升溫加速的冰川消退。     探索未知的驚喜   埃利亞松表示：「這場展覽是很多『旅程』的組成，從柏林工作室出發來到台北，是一段旅程；觀眾從家中移動展場中亦是一段旅程，從這些期望、體驗到回應，都是一段新的旅程。在旅程中我們可以看到很多變化，人們習慣了一切如常，依循日常的規律，讓我們感到安心，一切都無須改變。但旅程是充滿意外、不可預期的，如果能夠接受這些，會有機會擁抱更多不同。」     《美》，1993。洛杉磯當代藝術館典藏。© 1993 奧拉弗・埃利亞松。     在各國間穿梭辦展，來自北國的埃利亞松為世界呈獻他對家鄉的理解，同時也吸收各地給他留下的印象，化為養分和橋樑，建構他與世界各地的對話。本展名為「你的好奇旅程」，因為整個展覽都是動態的、經過與觀眾的互動才能完整，將觀眾設置為展覽的主角，以踏入展場為起點，因對陌生的場景感到好奇、衍生前進的動力，通過不同思想和觀察角度的對比，一點點揭開慣性的面紗，看清自己在世界上的定位與外在環境的聯繫，讓每一次意外都是驚喜，直到完成整個探索的過程。     「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」展覽主視覺。   奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程 時間」2025年6月21日至9月21日 地點」臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館 撰文」江瑜

Bluerider ART台北．敦化新館於6月7日正式開幕，標誌著藍騎士藝術空間從台北仁愛、敦仁雙館擴展至敦化商圈，邁向第二個十年的國際化新里程。開幕首展《浴火雁行：悍圖社 — 台灣美術史的生命書寫》以台灣當代藝術團體「悍圖社」為核心，呈現13位成員逾50件作品，展現其從本土巷弄文化到國際舞台的藝術軌跡。同年10月16日，此展將移師至Bluerider ART倫敦．梅費爾館，深化台灣藝術的全球對話。 新館開幕之際，以台灣當代藝術悍圖社為主軸，隱喻浴火雁行般的新開始，以及捍衛圖像般對藝術價值的堅持。 Bluerider ART過去十年以「巷弄文化」為根基，致力於發掘台灣當代藝術的獨特語彙。隨著新館的成立，其定位轉向「國際城市交流」，透過台北與倫敦雙城展覽，串連東西藝術視野。開幕展《浴火雁行》不僅是空間擴張的象徵，更呼應悍圖社成軍近三十年來「悍衛圖像」的精神，強調藝術如何從本土歷史中淬煉出普世價值。 秉持巷弄文化，Bluerider ART總是低調隱於小巷中，並精心安排每一場大氣而內斂的展覽。 悍圖社：台灣美術史的集體記憶 成立於1998年的悍圖社，最初由楊茂林、吳天章、陸先銘等8位藝術家發起，後擴增至13位成員。他們經歷台灣威權統治、解嚴與全球化浪潮，以藝術回應社會轉型中的身份認同與文化衝突。展名「浴火雁行」寓意深刻，「浴火」象徵成員在經濟掛帥的年代堅持創作，如同歷劫重生；「雁行」則體現其兄弟情誼與集體力量，如同雁群相互扶持，在台灣美術史上留下鮮明印記。 畫作透過視線的堆疊陳列，將不同風格一攬眼底，左：吳天章 《千鈞一髮》，右：李民中《距離》。 展覽涵蓋繪畫、裝置、複合媒材等多元創作，每位藝術家皆以獨特視角書寫台灣故事：楊茂林以台灣原生動植物為題，刻畫人與土地的共生情感；吳天章透過台客美學的華麗荒誕，批判社會現實；陸先銘筆下的老樹隱喻自然與都市的拉鋸；郭維國以童話寓言暗喻國際政治局勢；連建興的魔幻寫實山林，融合夢境與土地記憶；涂維政則重組科技零件，反思工業化遺跡。其他成員如李民中、楊仁明、賴新龍等，亦透過抽象線條、夢幻場景或市場文化轉化，展現台灣藝術的辛辣與包容。   展間淨白敞亮，將每個作品完美烘托而出，光影隨展示立面錯落相映，豐富整體觀感。 悍圖社的創作脈絡，映照台灣近代史的文化變遷。從日治時期現代化啟蒙、戒嚴時期的壓抑，到解嚴後的身份探索，藝術家們以「反叛」與「自嘲」為武器，將政治隱喻轉化為美學實踐。例如1990年代後，他們從街頭抗爭轉向內省，透過黑色幽默解構權威，並在全球化浪潮中重新定義「本土性」。策展團隊指出，這種「平和中帶辛辣」的特質，正是台灣當代藝術的魅力所在。 最左側：楊仁明《想法和說法--來來回回的》，以抽象線條表現台灣藝術所蘊含的多樣情懷。 本土文化的國際對話 《浴火雁行》將於10月登陸Bluerider ART倫敦．梅費爾館，成為台灣藝術進軍歐洲的重要節點。展覽不僅呈現悍圖社的創作演變，更突顯台灣如何以「非西方中心」的視角，參與當代藝術論述。例如常陵以戲謔手法回應地緣政治，或陳擎耀透過自畫像諷刺造神文化，皆引發國際觀眾對亞洲政治美學的共鳴。 悍圖社藝術家。 悍圖社的創作，如同一部台灣社會的視覺編年史。從戒嚴時期的壓抑到解嚴後的狂飆，再到全球化下的自我定位，以藝術抵抗遺忘，將個人傷痕轉化為集體記憶。Bluerider ART透過此展，不僅致敬這群「逆風前行」的藝術家，更預告台灣當代藝術將在國際舞台持續發光。正如展覽所述：「歷史仍在飛行，他們仍在創造，一股新辣潮已來！」 浴火雁行：悍圖社 — 台灣美術史的生命書寫 時間」2025年6月7日至8月31日 地點」Bluerider ART 台北．敦化（新館），台北市大安區敦化南路二段77號1樓。   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺

由美國大都會博物館所精選的81件重要藏品，於今夏遠渡重洋，首次嘗試海外大規模展出，攜手國立故宮博物院共同規劃，內含雷諾瓦、塞尚、梵谷、高更等等38位大師真跡，透過五大主題：「身體姿態」、「肖像與人物」、「徜徉自然」、「從城市到鄉村」以及「水岸風光」，向大眾展現印象派、後印象派至早期現代主義的多樣面貌。     「從印象派到現代主義－美國大都會博物館名作展」主視覺。     橫跨百年的藝術盛事   故宮與大都會博物館的合作由來已久，可追溯至1961年，院藏精品遠赴大都會博物館展出，1996年更舉辦「中華瑰寶展」巡迴全美四大城市。今年適逢故宮100週年院慶，為優化整體環境，延續「新故宮計畫」的推動進程，北部院區的圖書文獻大樓（第二展覽館）竣工時間巧合地與布展時間相互貼合，也因此隨本展「從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展」在台登陸而正式啟用。 國立故宮博物院 蕭宗煌院長致詞。 五大展區的設計，通過聚焦大師們的繪畫主題，更便於對照大師們不同的表現手法，以及當時的社會樣貌。「身體姿態」梳理1860年代起，藝術家們對人體的詮釋，以及說明鉛筆、顏料等不同媒材與技法在肢體動態的表現，如高更《大溪地的出浴女子》，土黃、深綠等飽和的色塊與女子色澤濃豔的衣物對照，以及粗獷的構圖，帶來熱帶島嶼的溫暖氣息。     展覽學術顧問曾少千教授介紹「布豐莊園附近的樹木與房舍」畫作。     「肖像與人物」呈現18世紀末工業化後，藝術從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫登上舞台。如雷諾瓦《彈鋼琴的兩位少女》，畫面中的兩位主角，透過優雅舉止、衣著和背景，流露新崛起的中產階級對女性教養的期待，也展示了印象派精巧細膩的面相。而隨政治與工業革命的推進以及城市發展，藝術家這時將視野轉向祖國的風光，「徜徉自然」帶來法國風景，一如塞尚《布豐莊園附近的樹木與房舍》，不僅是對家鄉的深情流露，也暗喻藝術家與家人的情感糾結。     保羅‧高更，《大溪地的出浴女子》，1892年Image © The Metropolitan Museum of Art。     「從城市到鄉村」展現藝術家的人生軌跡，漫遊之處皆是風景，透過藝術家獨有的細膩感性和標誌性技法，重現在時人眼中普通的日常。就像秀拉《大碗島的星期天下午》習作，透過「點畫」技法，描繪巴黎附近的「大碗島」，人物悠閒地在草地上度過午後，色彩層次與明暗變化，反映作者對光之美學的深刻理解。「水岸風光」，則對應1911工業化帶動鐵路運輸，人們有更多機會前往海灘、漁村、港口等各地，藝術家更是自海的開闊、與海港往來的人潮，汲取豐富靈感，一如波納爾《聖特羅佩舊港一景》，柔和色調宛如曝曬在海邊燦爛的白光下。   奧古斯特‧雷諾瓦_彈鋼琴的兩位少女_1882 © The Metropolitan Museum of Art_Auguste Renoir_Two Young Girls at the Piano。 自19世紀到20世紀，印象派的起源與發展同樣歷經近百年的醞釀與熟成，畫家離開畫室，改變自己觀察世界的角度以及構圖的思維，描繪的對象也自宗教、神話和宮廷，延伸至民間百態和自然環境，對於色調和線條的解讀也逐漸走出學院派所規範的框架，以越發自信的筆觸去發展自身的個性。     自收藏者角度布展   印象派素來為台灣所熟悉，但印象派的誕生與發展歷史並非一帆風順，緣起19世紀中葉的法國，一場通過「匿名藝術家合作協會」的名義所舉辦的畫展，展中作品多與主流審美背道而馳，包括其名「印象」都是源於評論家的批評。它的存在標誌出新銳藝術家對學院派與官方沙龍壟斷當代藝術價值話語權的反動與叛逆，而它延續至今的存在則反映了收藏家極具前瞻性的眼光。   保羅‧塞尚，《布豐莊園附近的樹木與房舍》，1885–86年Image © The Metropolitan Museum of Art。 本次展覽中，多項作品源自雷曼家族於1969年於大都會博物館的捐贈，於20世紀初，雷曼家族自各國收購的藝術品和捐贈數量，甚至促使大都會設立「雷曼廳」以供專門展示，被譽為「美國最非凡的私人收藏」。在印象派仍被視為前衛藝術的年代，是什麼打動了鍾情於藝術的雷曼家族？跨過一家三代的收藏者，透過本展的呈現，可觀之處不僅在於時代篩選過的藝術之美及藝術史的流變，也是不同收藏者對藝術的理解與詮釋，邀請現代的藝術愛好者，一同探討美的定義和價值。     《從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展》 地點」國立故宮博物院北部院區 第二展覽館一樓特展廳（台北市士林區至善路二段221號） 時間」2025年6月14日至10月12日   資料及圖片提供」美國大都會博物館、國立故宮博物院、時藝多媒體 採訪」江瑜

在當代藝術與設計的交匯處，一場名為「如常」的展覽正悄然改寫人們對空間美學的認知。耿畫廊與設計家具品牌Fuhaus丰巢的首次合作，不僅打破藝術高懸於白牆上的傳統展示方式，更將常玉筆下流淌著東西文化血液的裸女、瓶花與靜物，與義大利百年品牌Gervasoni的家具並置於同一場域。這場展覽如同一首視覺詩篇，邀請觀者在移動與停留之間，感受藝術與設計共生的節奏，重新思考「栖居」的詩意可能。   常玉《黑瓶與菊花》。「如常」將藝術注入日常生活，在相融中呈現對「美」的另種呈現。 展覽核心在於模糊藝術與日常生活的界線。策展團隊大膽地將蘇笑柏、Sopheap Pich、王攀元、蘇孟鴻、劉致宏等跨越世代與文化的藝術作品，與設計師Paola Navone融合東西美學的家具設計對話。這種並置不是簡單的陳列，而是一種深層的空間敘事，當觀眾自然坐在Gervasoni沙發上欣賞常玉畫作時，家具不再是被動的展示載體，而是引導觀者角度的雕塑裝置。這種互動關係創造一種獨特的「行為美學」，觀眾在無意間改變欣賞藝術的姿態，從傳統美術館中肅穆的「凝視」轉變為生活中自在的「邂逅」。   常玉《盆菊》懸掛於牆上，色調與家具和諧相搭，向左延伸至蘇笑柏《小晴》畫作，再到常玉《趴在椅子上的北京狗》、《婚禮花飾》，從藍到粉的色調轉換，低調過渡空間情境。 藝術在生活中的重新定義 策展人坦言，這樣的跨界融合在台灣藝術界幾乎沒有前例可循。從單純的藝術愛好者到擔綱大型展覽策劃，團隊半年內研讀大量資料、參觀上百場展覽，只為找到藝術與設計最自然的對話方式。最大的挑戰在於專業分工下的協調：如何在家具的實用性與藝術品的表現性間取得平衡？如何在完整呈現內容的同時保持主題的純粹？這些問題沒有標準答案，必須在每次討論中重新摸索界線。正是這種「無前例可循」的狀態，反而賦予一種實驗性的開放美學。   綠色的沙發與掛於牆上的常玉《裸女與高跟鞋》相互襯托，同時呼應對牆畫作。位於角落的蘇孟鴻《有抽象表現主義風格的屏風》，其精細紋路將傳統與現代相結合，感受東方與西方的和諧景致。 展覽中特別引人深思的是常玉作品與當代設計的對話。常玉畫作中那種「東方的詩性」與「西方的現代性」的微妙平衡，恰與Paola Navone的設計哲學形成呼應。Paola Navone擅長將亞洲傳統手工藝轉化為當代設計語言，既有義大利的隨性色彩，又蘊含對天然材質的極致考究。當常玉筆下線條簡約的裸女與Gervasoni自然質感的沙發共處一室，兩種文化、兩個時代的美學差異被空間的詩性所消融，只剩下純粹的形式對話，通過材質、比例、色彩的直接感知，體驗「東西交會」的深層意義。   Sopheap Pich《洋紫荊4》，以竹籐編織吸引視線，將傳統手工技藝與精密工藝相搭，相互碰撞出情緒張力。 「如常」重新定義對「收藏」的概念。策展團隊強調，藝術品與家具的選擇不應受市場價值束縛，而應回歸個人情感的真實連結。展場中，一件柬埔寨藝術家Sopheap Pich用竹藤編織的裝置與義大利設計椅並置，前者脆弱的手工感與後者的工業精準形成張力，卻共同訴說著對「材質記憶」的關注。 常玉《孤獨的象》，孤獨的大象如在沙漠中孤獨行走，看似孤單卻予人步調緩慢、沉澱心緒之感。 這種組合顛覆傳統，轉而追求生活情境的「保真」，藝術不必是保險箱裡的資產，而可以是沙發旁引發沉思的夥伴。展覽彷彿在告訴觀者：「真正的「長嶼」（永恆之島）不在拍賣圖錄中，而在於如何將藝術編織進日常的經緯。」   美學的具象化 在展場設計上，團隊刻意營造家的輕鬆氛圍，鼓勵觀者實際使用展示的家具，可坐在餐桌旁欣賞牆上的蘇孟鴻畫作，或躺臥床上仰望劉致宏的藝術裝置。這種「可觸的美學」打破藝術慣有的疏離感，讓審美經驗回歸到直接感知。當不自覺在某張椅子上停留良久，只因那個角度讓常玉的花卉「看起來不一樣了」，這恰恰印證了策展理念的成功，藝術不再是被遠觀的聖物，而是可以透過生活動線重新發現的視覺驚喜。   坐於桌旁向四周望去，藝術畫作裝飾其周圍，長板凳靜謐佇立，常玉《綠底梅花》及《含華吐瑞》以其綠意包圍，塑造恬靜悠然的氛圍。 有別於傳統以藝術家或流派為主軸的分類方式，展品以「材質的詩學」為隱性線索，讓不同世代的創作在形式語言上直接對話。柬埔寨的竹編與台灣當代陶瓷並置，義大利織品與常玉油彩呼應，所有作品被暫時抽離藝術史的脈絡，純然作為「空間中的存在物」相互映照。這種策展手法冒險卻充滿啟發，暗示著藝術價值不在於其所承載的論述，而在於改變空間氛圍的即時魔力。   展區一隅，左：王懷慶《自己與自己的影子》、右：《半桌半椅》。 「如常」展覽不只是一場視覺盛宴，更是一種生活哲學的溫柔革命。展中看似隨意卻精心計算的角落，像是一本翻開的書旁擺著的素描，Gervasoni邊几上放著的漆器，都在演示藝術如何以最不刻意的姿態滲透日常，這種「如常」的狀態，或許才是美學最純粹的形式：「不是刻意為之的表演，而是生活本身流露的詩意。」   左：常玉《黃色花籃》、右：《貓與雀》。 當夕陽穿過耿畫廊的窗，在常玉的瓶花與義大利沙發上投下相同的光影時，這場展覽真正的作品不是任何單件藝術或設計，而是那個被瞬間光照亮的、藝術與生活無分彼此的永恆片刻。從意義上來說，「如常」不僅是展覽，而是對當代生活的一種診斷，亦是一劑處方，邀請人們在居所之內，重新學會看見。   如常 時間」2025年5月3日至6月28日 地點」TKG Masters特展空間（台北市內湖區瑞光路548巷15號3F）   資料及圖片提供」耿畫廊 編輯」林靖諺

台灣設計研究院所經營的「不只是圖書館」即日起推出全新展覽《捷克最美麗的書展》，呈現捷克書籍在視覺設計與文學表現上的高度融合和創新探索。本次展覽與捷克中心臺北聯合舉辦，共規劃兩大展區，從國際書籍設計競賽的精選得獎作品，到當代文學選集與插畫創作，透過圖像與文字的跨界對話，引領觀者深入捷克書籍設計的多元風貌，體驗兼具設計創意與文學深度的精彩作品。 捷克最美麗的書展。   泡書區：第59屆「捷克最美的書」得獎書籍 本區展出來自捷克年度書籍設計盛事──「捷克最美的書」競賽（The Most Beautiful Czech Books of the Year）的30本精選作品，包括獲獎書籍與入圍佳作。此競賽自1965年創立，至今已邁入第59屆，由捷克文化部及捷克文學館共同主辦，是捷克書籍設計領域最具歷史暨代表性的獎項。 泡書區：第59屆「捷克最美的書」得獎書籍。   由國際評審團負責評選，依據書籍的整體視覺設計、印刷品質、裝幀創意與設計語言進行評比，不僅是對優秀設計的肯定，更是捷克當代出版美學的年度風向指標。本屆共有336件作品報名，涵蓋專業文獻、美學文學、兒童與青少年讀物、教科書、藝術書籍、目錄設計以及珍本與作者著作等7大類別，亦鼓勵青年創作，特設學生與青年組別獎項，展現設計世代交替的生命力。 泡書區：第59屆「捷克最美的書」得獎書籍。   澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸 第二展區聚焦於捷克中心臺北出版的選集《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。這本書集結捷克近30年來11部具代表性的散文作品節選，呈現捷克當代文學的全貌與趨勢；延續了捷克深厚的文學傳統，也回應現代社會的普遍關懷，內容跨越地理與文化的界線，反映捷台之間的共同經驗。 澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。   澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。 本書特別邀請7位捷克插畫家，以全新視角為書中7本得獎作品創作插圖，並展現他們延伸創作的繪本、海報與陶瓷作品。另外，也同步展出原書、選集以及這些插畫家其他已出版的創作，透過書籍與圖像的對照，打造視覺與文學交織的閱讀體驗。期待觀者能從不同視角走入捷克的文學和藝術世界，感受跨界合作如何替文化創造更多層次的美感。 澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。   澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。 《捷克最美麗的書展》 日期」2025年5月20日至8月10日 地點」不只是圖書館     資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」陳映蓁

攝影不僅是記憶的載體，隨時代更迭、攝影設備的演化，影像的紀錄和傳播對人們的意義也在無形中脫胎換骨，從被動保留記憶裡的畫面到開始思考畫面的結構和涉入元素，經歷數位化時代後的人們化被動為主動，將其納入藝術的範疇，在當代的影像作品中，反映出什麼樣的故事和議題？     《時代劇場：當代影像的複數演繹》主視覺。     臺北市立美術館策展人余思穎推出《時代劇場：當代影像的複數演繹》，展中設立三大主題：〈隱形的主角〉、〈轉變與重生〉及〈視覺風景〉，隱喻影像內在所建構的時空演繹，解構影像紀錄所涵蓋的元素，探討創作者、照相機功能、攝影與時間、影像生產之間的關係。   內含杉本博司、石內都、盧純澤、何經泰、謝三泰、徐冰、周慶輝、沈昭良、黃海昌、劉振祥、張乾琦、凱薩琳．歐佩、森山大道、西野壯平、全明遠、安娜．里德勒、羅晟文之作品。透過17位藝術家的獨到眼光和攝影鏡頭，表達對瞬息萬變的科技時代的關注，作品內容自生活中的多元角度取材，宛如將種種時光中的記憶碎片投入萬花筒，在令人目不暇接的觀展過程中，賦予影像作品新時代的存在意義與價值。     影像後的歷史溯源   對於已經消亡的過去，藝術家通過采風收集殘留的事件碎片，透過影像重構只存在記憶中的畫面，對於當事人，是他們不會被遺忘的承諾；對於觀看者，則是自身與歷史建構連結的窗口。此處以杉本博司的《劇場》與《廢墟劇場》系列作為開端呼應主題，藉由長時間曝光捕捉劇院放映電影的全程，通過螢幕與觀眾席的光影對照，引領觀眾思考影像與觀看的本質。     杉本博司，《廢墟劇場：法國巴黎東京宮37號廳》，2013年，銀鹽相紙，42公分 × 54公分，東京都寫真美術館典藏。     影像敘事展現的觀點，不僅是當下，也透過定格一幕衝擊情緒的影像，引人深思畫面的前因後果，展中不僅記錄了戰爭的殘酷和無常，也展示了肩負歷史傷口的人們如何繼續前進、延續生活的現狀。如石內都《ひろしま / 廣島》系列，今年（2025年）是日本廣島原子彈爆炸八十周年，藝術家拍攝原爆受難者遺物，以溫潤光影捕捉逝者過去生活的遺跡。     石內都，《ひろしま／廣島》（#105 捐贈者：Nakajima, E.），2013 年，C-print，74 公分 × 108公分。圖像由藝術家及日本The Third Gallery Aya提供。     隨時間的腳步移動，被侵蝕的不僅是山河地貌，人文傳統也在日常的更迭中變化形貌，透過族群和血脈的聯繫，代代相傳或淹沒於歷史長河。藝術家何經泰的《百年不斷的人神之約：排灣族五年祭》以濕版攝影留下台東排灣族土坂部落跨越世代的祭典及人物身影，沒落的傳統儀式影像，不僅是時間的印記，更是深刻的文化延續與回聲。     何經泰，《百年不斷的人神之約：排灣族五年祭》，2018年，濕版攝影、基底材料鋁板，30公分 × 36.4公分。圖像由藝術家提供。   影像敘事的時代變遷   結束對過往的回顧，此處主題擔綱承先啟後的意義，聚焦於變化的過程，將範圍限定在特定領域，反映藝術家對現代社會各個面向的深入觀察。如周慶輝《應許之地：天使星》，其作品中流露對身心障礙兒童及其家庭的生命關懷，以編導式攝影構思畫面敘事，並運用三聯屏影像重構現實與想像融合的情境，呈現個別故事，建立身心障礙者與大眾相互理解和對話的橋樑。     周慶輝，《 應許之地：天使星之一》，2023年，噴墨輸出、物件、訪談，235公分 × 308.4公分；164.6公分 × 124.6公分 × 2件。圖像由藝術家提供。     解構視覺風景   在攝影器材和影像編輯手法如此豐富的現在，藝術家對於影像的處理也漸漸跳脫現實的框架，開始探索新的視角和畫面呈現。如森山大道在作品《記錄：台灣》中以直覺快速捕捉台灣街景的風貌，透過其創作手法中代表性的高反差、粗顆粒與傾斜失焦的黑白影像構圖，反映社會變遷與文化流動的歷程。   森山大道，《記錄：台灣》，2011年、2014年，數位輸出，100公分 × 150公分。圖像由藝術家、Akio Nagasawa及亞紀畫廊提供。     從自身所承載的文化出發，可以從中剖析人們對生老病死的態度變化，以及造成影響的因素，側面觀察一個民族的時代價值重心變遷。沈昭良《台灣綜藝團》的作品中囊括全台廟會慶典、婚喪場合中特有的表演團體，將台前幕後的黑白影像與霓虹舞台車空景並置，梳理表演與習俗的交融脈絡，反映台灣特有的庶民文化和儀式感。     沈昭良，《台灣綜藝團》，2005年至2023年，藝術微噴、影片，尺寸依場地而定。圖像由藝術家提供。     在捕捉現實中轉瞬即逝的動態之餘，也有人嘗試以人造畫面與寫實紀錄做對照，反映抽象的概念或難以言喻的表達。如凱薩琳．歐佩《現代主義者》，透過朋友扮演的社會邊緣人，拍攝縱火行為表演，以852張靜態影像組成影片，對應燒毀的現代主義建築新聞報導圖片，呈現反烏托邦和後末日世界敘事，以此反映當今全球動盪的環境、政治與社會議題。     凱薩琳．歐佩，《現代主義者》，2017年，影片，21分44秒。圖像由藝術家、洛杉磯Regen Projects畫廊及紐約、首爾、倫敦立木畫廊提供。     從對群體的觀察回到對個體生命的探討，藝術家以人為創作的形式建構誕生、成長直至凋零的過程，摸索機械與生命的聯繫。如安娜．里德勒《晝夜曲》透過AI生成模擬夜間綻放的花朵影像，調整每一個可控因素，藉由非生物的時間流速呈現生命的韻律，開展自然與數位影像融合的感知維度。     安娜．里德勒，《晝夜曲》，2024年，GAN生成錄像影片(mp4)、自定義程式碼，22分。圖像由藝術家及柏林、科隆Nagel Draxler畫廊提供。     通過與觀看者的互動，拓寬了藝術家創作的思維，每一個關於創作的新問題，都投向一個新的創作方向，在構想作品時，預設受眾來決定作品細節也是創作必經的過程。全明遠《時空膠囊—VR攝影計畫》站在百年後的視角，回顧現今的影像紀錄，採用虛擬實境整合技術，再現台灣著名的市集、觀光地標和大型活動的紀實影像，令觀眾通過頭戴顯示器，重構日常的觀看視角，進而探索過往與想像未來。     全明遠，《時空膠囊—VR攝影計畫》，2020年，VR裝置，尺寸依場地而定。圖像由藝術家提供。     《時代劇場：當代影像的複數演繹》 地點」臺北市立美術館 3A、3B展覽室 日期」2025年3月29日至7月13日     資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜