利用影像記錄生活已經是日常中不可或缺的一部分，無數拍攝上傳的畫面，就此拼湊出一個人的小世界，然而無論是現實中抑或虛擬，保存的空間終究有限，在整理影像的去留時，一幕幕過往的回憶又觸動了多少心弦？     《新店 直到她跟鏡子說話，我們開始變成朋友》，2021，45 x 60cm。     《相機不見了》是攝影師陳建維在谷公館的首次個展，展覽內容一百多幅攝影作品，有些臉孔是他熟悉的親友，有些只是旅途中共享片刻擦肩的過客；有些場景熟悉一如台灣民眾的日常，有些畫面卻來自地球另一端，對觀眾來說連在網路上都不會刻意去查詢背後的資訊。這些零星的光影相互串連，橫貫2020至2025五年的時光，展現攝影師所踏足的國家與經歷的人事物，將喜怒哀樂定格於畫面中，成為永恆的風景。     《台北 嗨！法蘭～》，2022，120 x 60cm。     《台北 認識的小女孩長大了》，2022，45 x 60cm。     失而復得的紀錄   曾在音樂界、時尚名人圈拍攝眾多作品的攝影師陳建維，主修電影出身，後專職於平面攝影，在作品中融入電影般的敘事氛圍。本展以《相機不見了》同名創作命名，靈感源於他遺失相機的真實經歷，他形容當下的心情：「記憶像著急的跑馬燈」，過去曾經紀錄的種種畫面，那些曾經的光影、心跳與呼吸，一瞬間全都宛如當場蒸發。     《東京 以後盡可能不住在澀谷》，2023，60 x 45cm。     原來一台相機能裝下的，不只是影像，而是這幾年所記錄的自己，器材的遺失，不僅是物理上損失了一個工具，更象徵著個人視覺記憶的斷裂，失去相機的佐證，連帶記憶的細節也變得不再篤定。陳建維先生於心頭許願，如果失而復得，期待以此舉辦一場派對、或者準備一個擁抱，贈與陪伴自己多年的親朋好友，意外的是，隔天就在與家人翻找過數次的桌邊角落尋得相機的蹤影。     《台北 她問大人，不能多說點好話嗎》，2023，45 x 60cm。     如此戲劇性的失與得，觸動了陳建維攝影師。多年職涯，初期以拍攝人與土地為主的他，後逐漸延伸至流行雜誌、唱片、時尚與廣告等領域，跨過平實的民眾日常和炫目的商業場景，他都能從中找到激發強烈情緒與姿態的觀察角度。對陳建維攝影師來說，攝影不只是工作，更像是一場蒐集畫面的遊戲，在為作品起名的過程裡，他曾說：「相機是一種幻術，真正生活的人比較重要。」如此在鏡頭下捕捉無數光影的變幻，也拼湊人們在當中生活的真實。     《聖米歇爾 真正生活的人比較重要》，2023，90 x 120cm。     《墨爾本 山丘上的盤絲洞》，2023，60 x 120cm。     情感與記憶的重構   《相機不見了》是一場關於失去與重逢的影像敘事，也是一場重構視覺認知與縫合時間的行動，步入數位影像時代，人們一邊從拍攝的畫面中尋求真實，一邊又再加以精工修飾。當記錄的過程因突如其來的意外被迫中斷，記憶與觀看也隨之產生裂縫；影像的存在，見證了一段被打斷、又重新串起的記錄旅程，以記憶為軸，在整理影像的同時，對過往所發生過的一切進行再拼貼與再詮釋。     《墨爾本 我最喜歡的位子》，2023，45 x 60cm。     在這五年當中，陳建維攝影師將所見所聞編織成一首影像敘事詩，笑與淚在畫面背後的事件裡交錯，內容包含家人的失智、因此淡化雙方的衝突和對立，反而讓他與對方重拾親情，得以建立新的情感聯繫，成為可以互相微笑的朋友。還有在法國記錄好友謝淑薇重返網壇的心路歷程，以及騎著單車追逐陳彥博在巴黎公園訓練跑步的軌跡。跟曾寶儀是小學同學的他，曾相約一同去阿里山採藍莓，好友燦笑的臉龐，也為陳建維攝影展點綴了美麗的光彩……在這當中流動的情感與時光背景，也等待著與有過相同情感經驗的來賓與其產生共鳴。     《新店 他找了一整天的相機》，2024，80 x 120cm。 《萬里 消失的海邊泳池，有小黑在》，2024，60 x 90cm。     與其合作超過25年的音樂人李宗盛曾形容陳建維攝影師拍照偏向單純喜歡這件事，而非著重於留下自我的證明，在按下快門的瞬間，不知道且不理會，時間的長河將賦予這瞬間怎樣的意義。「失而復得」反映的是一種普遍而深刻的人類經驗，這些影像中的人與物已經隨時光長河沖刷至無法回返的彼岸，然而留下的記錄仍如許真實、觸手可及，創造第二次擁有和失去的可能性，是否仍舊保有最初的情感與意志，抑或已然成為新的記憶？     《彰化 有光》，2024，45 x 60cm。     照片中發生過的事件已然發生，但人們觀看的視角卻已經不同，經歷疫情爆發、解封，世界又恢復自由的日常，而生活仍在繼續、記錄不曾停止。   《相機不見了：陳建維》 展期」2025年8月30日至2025年11月1日 地點」谷公館 MICHAEL KU GALLERY（台北市敦化南路一段21號4樓之2）   資料及圖片提供」谷公館Michael Ku Gallery 編輯」江瑜

家具是人們生活的友伴，是刻劃生活溫度的承載器具。一件心愛的木家具，就像貼心的知己般，陪你度過歲月時光，溫柔承接你疲憊的身軀，給你安心的依靠。   在重視量產與速度的時代，台灣各地有一群真心熱愛木家具的匠人，日日親手打磨每一件木家具，呈現它最動人的紋理與姿態，給予每件家具獨特的靈魂，讓它們跳脫了一般家具的定位，升華為可長久傳家，蓄含生活故事的器物。   財團法人新光三越文教基金會與路力家器具攜手舉辦的2025木質生活展《未定的輪廓》，將台灣木作工坊與木作匠人的精彩作品同場並呈，9月26日至10月6日於新光三越台北信義新天地A9九樓宴會展演館，帶領觀眾進入木作人的世界，踏入一場融合產地故事、工坊製程，到創意設計的旅程。        木創作的感官旅程 2025木質生活展《未定的輪廓》帶領觀眾走進木家具的前身至成型，從沉浸式的參觀過程裡，感受木作人的世界，體會他們對木家具創作的執著與熱愛，從木香氣味到輪廓紋理，探訪手工木家具最動人的溫度。   展區一：尚未成形　回溯源頭的產地故事 走進原木的世界，回到雕琢前的真實面貌，從木種原貌、紋理到氣味，感受它最純樸的質感，各具特色的紋理與節點，呈現每塊木材獨一無二的特色。   展區二：未成之聲　工坊製程的沉浸式體驗 捕捉創作過程的瞬間，透過工坊內的聲音、景象、設計原稿的交織，重溫創作過程的一抺光景及木家具成型的瞬間。   展區三：日常輪廓　創意設計落實成型 精選品牌原創家具與小木器，展現它最具生命力的美好樣態，呈現每件手作的內涵與故事，實木不同的色澤和質感，傳遞工坊的創作哲學。 特色看點 木作職人不僅是木藝的創作者，更是促進自然原物與時光對話的書寫者，每件作品都注入了他們對於木頭的熱愛、對環境與時光的禮敬、對創作的堅持與鑽研，透過2025木質生活展《未定的輪廓》精選作品，並呈著他們的理念與個性。   雙手創造的美麗之物　路力家器具 重視細節、觸感的「路力家器具」，從設計到工藝，專注於家具的榫接與流暢曲線，細心傳遞實木溫潤質地與獨特紋理，讓它成為療癒人心與留存情感美麗收藏。 作品：Y4 休憩椅 - 單人款 介於沙發與餐椅之間，外露的結構設計，結合舒適面料的包覆，厚度僅不到5公分的曲面變化薄型背墊，呈現視覺輕盈且予人高舒適度的乘坐體驗。（路力家器具）   木工與木雕並治的結晶　木夫 「木夫」作品樸實、低調且溫潤，融合木工與木雕專長，重視留白與簡約線條，賦予木創作功能與詩意的平衡，讓自然原料隨著歲月積累蓄存溫度，化為生活裡最動人的陪伴。 作品：Woody 掛勾 造型簡單趣味，像是牆上冒出來的小鬼或是探出頭來的毛毛蟲。吊掛功能性之外，也以小型雕塑作品融入家中。（木夫）   用永續理念讓木作新生　even 重視自然永續的木藝工作室「even」，擅長讓回收木轉化新生，保留其歲月痕跡，將生活感觸融入家具與藝術之間，製作令人莞爾且友愛環境的個性作品。 作品：果樹盤 可擺放水果、點心或各種小物，為餐桌與空間增添可愛趣味。（even）   讓台灣檜木綻放新生　w2 wood work 「w2 woodwork」從台灣檜木出發，重視永續環保及木料循環利用，以「reuse + rebirth」的精神，把檜木的清新與自然帶進居家生活，連結人與土地的記憶。 作品：台灣檜木 格柵電視櫃 格柵門片有著散熱功用，同時將檜木香更好地傳散於居家，為生活中增添木質的美麗與香氣，予人來自森林的清新氣息。（w2 wood work）   實用本質精工入裡　微一設計 「微一設計」致力於將傳統工藝結合當代美學，採用天然木材結合車枳、雕刻、鑲嵌等技法，融合台南傳統的「茄苳入石柳」鑲嵌工藝，讓木製品不只有實用性，也是長存於生活的美麗愛物。 作品：花瓶鳥｜大．小 用木藝精工創作的花器，將花草化為鳥類頭冠，在變換花瓶鳥的髮型中，增添生活樂趣。（微一設計）   集結城市力量的推廣平台　優木良品 「優木良品」由嘉義市政府文化局推動，藉由木產品認證機制，為優質木產品與品牌形象加值，透過創新設計、生活論壇等多元切角，推廣臺灣木產業、木工藝與木教育領域，形塑臺灣木產品生活風景。   作品：STAND Series－C型邊桌・胡桃木 簡約線條與輕盈造型，讓木家具擺脫厚重印象，有了融入多種風格空間的可能。細節上呈現的榫接工藝與天然木紋理，訴說了它出眾的精緻質感。（優木良品—卓恩研究室）   作品：優木良品—來嘉座 以螺旋形路線及之字型折返鐵道呈現生動的視覺姿態，融合舒適與功能的單椅展現積層曲木的工藝與職人精神。（優木良品）     木工藝，有著歷久彌新的經典魅力，透過一代又一代的木藝匠人，傳承精要、探索新藝，媒合了傳統元素與當代美學，創造合於需求且具收藏樂趣的木作，讓自然與永續成為可親近可實踐的進行式，2025木質生活展《未定的輪廓》透過展覽忠實展現了台灣當代木作人的情感、溫度與那些值得收藏的品牌臉譜。   2025 木質生活展《未定的輪廓》 展期」2025年9月26日至10月6日 地點」新光三越臺北信義新天地A9 九樓宴會展演館 ※ 每日開放時間依百貨營業時間為主。 了解更多活動資訊：https://reurl.cc/EQm8Rn 

北師美術館與國家文化藝術基金會「策展人培力＠美術館」合作，2025年11月2日前推出由新生代策展團隊Nn̄g Project策劃的「亂流：半睡飛行夢」展覽。 展場照。攝影：dulub studio 在飛行成為日常的年代，天空同時覆載著航空科技、資訊網絡與人類情感的流動，策展人張文豪、黃羿瑄及黃銘樂以「天空、飛行、航空、機場」為出發點，邀集來自南韓、香港與台灣的九位藝術家，透過影像、聲音裝置、雕塑、繪畫、文件等媒材，探討當代飛行經驗如何體現於個人的身體、情感及記憶，同時也思索航空科技如何重塑社會景觀與在地文化。 展場照。攝影：dulub studio   展覽靈感源自英語諺語 The Sky’s the Limit（無可限量），策展團隊卻將其顛倒為 The Limit’s the Skies（極限就是天空），拋出提問：「當全球移動與資訊傳輸如呼吸般頻繁時，我們是否還能共享同一片天空？」在這個被衛星監控、訊號交織的時代，天空早已成為無形網格的一部分，而飛行經驗也不再只是浪漫自由的隱喻。 展場照。攝影：dulub studio   機場場域的再造 展覽以「機場」為策展核心，四件特別委託製作的新作圍繞「流動」展開，呼應機場作為跨界節點的複合意義──既是不同區域交會的運輸節點，也是許多法律與管理程序的執行地。 展場照。攝影：dulub studio   一樓大廳由台灣藝術家張庭甄以《祝福是不幸的尾巴》系列揭開序幕，模擬航班顯示器與虛構太空垃圾的起降時間，並結合聲音與報刊的裝置，建構出一個平行時空的「出發──抵達」場景。香港藝術家李鈺淇的動畫裝置《把我的眼睛沉入你的眼睛》將窗外雲海化作流動的內心劇場，讓觀者在視覺與情感的交錯中遊走；同樣來自香港的徐皓霖，則以《親愛的微風》記錄城市女子味如嚼蠟的夏日生活，結合底片攝影、數位影像拼貼等創作手法，檢視資本主義如何透過航空廣告與旅遊影像激發慾望、操縱消費。 張庭甄《祝福是不幸的尾巴》系列。攝影：dulub studio   李鈺淇《把我的眼睛沉入你的眼睛》。攝影：dulub studio 進入二樓，曾彥翔的裝置《Wet Edge of A Circle》利用幾何結構呼應塔台與航廈物件，營造靜止卻不斷延展的「流動」感；而林彥翔的兩組作品分別以成田與桃園兩座機場為起點，交織出個人視角與區域地緣、歷史記憶與當代空間再造之間的張力；新作《來自塔的預言》則追溯成田機場抗爭的歷史，將個人經驗、地緣政治與土地記憶疊合，讓飛行不僅僅是抽象的旅程，而是與現實衝突交織的辯證。 曾彥翔《Wet Edge of a Circle》。攝影：dulub studio   首次來台的南韓藝術家洪辰煊以影像裝置《午安，晚上好，晚安 v2.0》重現匿名影像網站的社群機制，挑戰演算法宰制的網路生態；勞麗麗的《飛行備忘》則將候鳥遷徙與田野影像並置，探索落地與飛行之間的情感協商。 洪辰煊，《午安，晚上好，晚安 v2.0》。   李秉璈的繪畫《滯緩與神遊：空船》則如旅途中隨筆般，以紙張與廣告片段拼貼出漂浮的時空。台灣藝術家羅懿君的作品更直接觸及物質與政治的交錯，將甘蔗、農具與健身器械轉化為《蔗渣飛彈》與《滑輪下拉機──紫電號》，指涉資源、戰爭與身體之間的矛盾平衡。 李秉璈，《滯緩與神遊：空船》。   在亂流中尋找航向 「亂流」不僅象徵飛行的突發狀態，更是策展團隊對當代處境的隱喻。當人們穿梭於跨境流動與資訊網絡之間，飛行已成為觀看社會景觀、身體狀態與文化記憶的折射鏡，展覽藉由機場的場域轉換，召喚觀者對「天空」的凝視與反思，重新丈量身體與情感的邊界，發掘感知的未竟之地。   亂流：半睡飛行夢 日期」2025年11月2日前 地點」北師美術館     資料及圖片提供」北師美術館 撰文」陳映蓁

「間（MA）」，是一種日本的獨有美學，透過對於「留白」和「虛無」的概念，解構對空間的認知，在有限的現實空間中探究無限的可能性，而「間」的觀念，對於藝術形態的形成與構造影響深厚，在思想與現實的多維度碰撞中，創作者與觀者對於自身與現實的認知也在不斷更新。     展覽主視覺。     也趣藝廊於2025年9月的展覽《間 ま MA》迎來三位日本藝術家——栗棟美里(Misato KURIMUNE)、大﨑のぶゆき(Nobuyuki OSAKI)、安田知司(Tomoshi YASUDA)的共同展出，三人各有擅場，透過獨特的藝術視角、邀請觀者進入「間」的領域。在這場展覽中，「眼見為憑」的思想不再如呼吸般理所當然，看似靜止的藝術作品，在觀者的腳步移動間彷彿也活出自己的生命動態；一如日文「間」，並非單指一段空白、一個空間，而是一個語境、包羅萬象的變化，喚醒觀眾對日常的好奇心，從「理所當然」的縫隙間，再一次看到生活內蘊的無數驚奇。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #02_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2024年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #03_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm_Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     薛丁格的照片   栗棟美里 (Misato KURIMUNE，b.1988) 以最初拍攝的照片奠定構圖基礎，巧妙融合光柵、複合媒材與人工智慧等多樣技法，讓平面的圖像呈現多樣化的材質質感，以此拼貼探尋美、存在、時間和生命的本質，靈感取自互聯網，參考當代以「觀看」建立人際關係的行為本質進行分析，建立創作概念。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #04_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #05_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     她的作品邀請觀者移動腳步，觀察作品中隨著觀看角度不同而忽隱忽現的人物，開啟一場關於「觀看」與「存在」的哲學探索。透過視線範圍內的存在與否，延伸探討人們對數位影像與現實的直覺認知，更鼓勵觀者主動反思美與生命的定義，在這個資訊過載的時代，她試圖釐清影像與虛構的邊界，展現出技術與概念的雙重深度，反映當代藝術與媒體融合的現象。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Images_Portrait #07_Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 35.5 x 20.4 cm, Framed Size 36.5 x 21.4 x 2.5 cm, 2021年。     對栗棟美里來說，「真正美麗的事物是什麼？關於所有存在和時間的本質，以及作為人類在這個維度中生活的探索又該如何衡量？」這些是她不斷叩問自身的議題，同時也是她希望大眾可以一起思考的部分，生命與世間萬物存在的有限性、以及希望盡可能在有限之內延長所有美好事物的私欲，促使她以持續探索藝術為目標而創作。     栗棟美里Misato KURIMUNE, You may be in this world. Or you may not be. Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 95.6 x 54 cm, Framed Size 98.8 x 57.2 x 2.95 cm, 2020年。     當代認知的畫質   安田知司 (Tomoshi YASUDA，b.1985) 的作品以細膩而理性的筆法將影像像素化，再以傳統繪畫的方式逐格填色重建畫面，觀看體驗宛如拼圖，當觀者在遠觀與近視間來回移動，自遠處望來看似具象的畫面，在近距離觀察時卻又模糊為一片片抽象色塊，就像觀看影片時恣意調整畫質，在現實中體會到虛擬的動態感。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.054ppi, 118(friends), Oil on panel, wooden frame, 41 x 53 cm, 2023年。     安田知司的創作彷彿無聲地詢問：一幅畫的本質，究竟是畫布上由顏料構成的「畫面」，還是承載圖像的「畫布」這個媒介？透過解構手法，他再「觀畫」的行為過程中注入新的意識，不僅重新定義了視覺的組成，也隱約暗示當代社會在消費與認知機制之間的模糊邊界，讓觀眾重新思考創作的概念和價值。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.149ppi, 126(lady), Oil on canvas, 33.3 x 24.2 cm, 2025年。     安田知司Tomoshi YASUDA_Sequence color, 26(parent), Oil on acrylic board, wooden frame, Framed Size 86.8 x 69.6 x 6 cm, 2025年。     記憶暫留   大﨑のぶゆき (Nobuyuki OSAKI，b.1975) 以錄像、影像處理與裝置為主要的創作形式，嫻熟運用編輯、解構與延展手法處理錄像素材，使觀者身處於影像與現實、存在與遺忘之間的模糊地帶。他的作品與傳統攝影以清晰為美觀的標準相異，專注於捕捉宛如視覺暫留的影像，呈現彷彿「未完成地出現」，或「正在消失中」的狀態，讓影像成為時間的容器。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Portraits (Buenos Aires｜Portraits of Japanese immigrants) A_LCD screen, TV stand, video, audio of the interview...and others_Installation_2019_ed. 3+A.P 2 .     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Untitled album photo (Couple, Beach, 38E) 1_C-print, 120 x 80 cm, 2019, ed. 3+A.P 2 .     對大崎宣之而言，創作的核心並非完成單一件繪畫或錄像作品，而是透過其極度勞力密集的創作方法，去捕捉並視覺化那些不可見、不可觸及的流動瞬間，透過一幀幀畫面的延續，他的作品細膩且充滿詩意，搭建起一座綿延的橋樑、展開關於時間與記憶的深度冥想。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Sandial (-34°) 25-02_Paper, photographs, UV filtering acrylic cut at 34°, frame(glass), Framed Size 39.5 x 30.5 cm, 2025年。   資料及圖片提供」也趣藝廊 編輯」江瑜

位於台中市西區藝術文化氣息濃厚的「草悟道」的亞米藝術，自科博館園區、綠園道延伸至國美館，儼然成為中部藝文界的藝術聚落，以推動華人現當代藝術的發展為職志，提供一個讓創作者和欣賞者可以彼此互動的平台，積極挖掘台灣本土年輕藝術新銳，如藝術家蔡佑承的雕塑展——煉境。     《馬兒都知道》，陶、金箔，43 x 17 x 21cm（含底座高52cm），2025年。     本展內容囊括藝術家多年心血、在陶藝與鐵雕間的深刻探索，在不同的主題間穿梭，變化的不只是心境，同時也反映在不同時期的作品中。蔡佑承從陶土的柔軟與可塑性出發，透過指腹的感知賦予泥塑生命力，並在鑽研陶藝的過程中，觸類旁通了對於新的創作媒材的興趣。     《想象》，鐵、陶、瓷、金箔、複合媒材、特殊塗料，66.5 x 86 x 25cm，2025年。     《靈犀》，陶、金箔，43 x 19 x 25cm（含底座高48cm），2025年。     突破自我的媒材跨界   在台灣藝壇，鐵雕創作屬於相對少見的表現形式，相較於其他媒材，鐵雕不僅需投入大量體力與時間，更須仰賴高度專業的技術與設備支援，種種條件疊加的門檻及當中的辛勞，成就鐵雕作品的難能可貴，也使其在當代藝術中獨有一份特殊地位，不僅因為這個領域展現出藝術家對創作的執著與堅持，同時也為觀者帶來截然不同的感官體驗與思維觸動。     《千年之愛》，砂岩，37(H) x 30 x 26cm，2013年。     《內煉之境》，陶，28.5(H) x 23 x 16cm，2023年。     創作鐵雕，從來不只是浪漫的造型與對藝術的想像，在創作過程中，大部分時間更像是一場與金屬、火焰、重量與時間的搏鬥，鐵材的剛硬與冷峻，讓創作者每每在試圖塑形和調整自己的構思時，皆須觀測環境與用材的狀態、調整自身的手法，從切割、鍛敲、焊接到打磨，每一環節都蘊含極高的挑戰性與複雜性，與蔡佑承過往創作陶藝作品的經驗截然不同。     《心願之蛙》陶，37(H) x 30 x 20cm，2023年。     《共鳴之棲》陶，39(H) x 43 x 33cm，2015年。     隨著鍛造金屬閃爍刺激性的光與熱，也許只是雕塑過程中的一小部分，卻是無數次試驗與失敗的凝縮，新的挑戰同時也讓蔡佑承發掘新的創作方向與成就感，隨著技術成熟，他更進一步地嘗試結合陶藝與鐵雕，探索複合媒材的可能性，最終成功融合兩種材質的特性，並呈於作品中，訴說新的故事。每一道焊縫都是藝術家與金屬之間的對話，藉由傾聽鐵的回應，感受熱度、速度、角度是否契合；稍有不慎，整件作品就可能因此失去平衡或結構強度。這不僅是勞力的挑戰，更是技術與藝術判斷力的總和。     《回首之棲》陶，62(H) x 29 x 27cm，2023年。     《初心未寂》，陶、銅複合媒材，63(H) x 40 x 36cm，2025年。     反覆鍛造成材的創作理念   蔡佑承將佛法融入創作，透過作品傳達對生命的尊重與對自然的敬意，在他的作品中可見動物的形象、人性化的表情、手工質感的溫度，加上複合型用材，反映出對傳統與現代平衡的追求，以及對內心情感與思考的細膩刻畫。鐵雕不像泥土那樣柔軟可塑，也不如木材那般溫潤易切，它冷硬、沉重、易碎裂，在焊接時還需面對高溫閃光、火花飛濺，但正是在這樣的環境中，才能鍛造出堅韌的意志，透過熾熱情感為鋼鐵塑形、為冰冷金屬注入生命。     《應牛而行》，瓷、鐵、複合媒材、特殊塗料，52x53x37cm，2025年。     鐵雕源自於工藝，結合工匠的智慧和藝術家敏銳善感的心智，透過焊接的火花，燃燒創作者不屈不撓的執著。無論是陶藝還是鐵雕，蔡佑承的作品皆蘊含溫暖與和諧的力量，讓觀者在欣賞的過程中，體會心靈深處的平靜與慰藉，他的創作旅程是技藝與精神層面的雙重成長，引領觀眾見證一位藝術家在傳統與創新中不斷突破自我的歷程。     《觀行》，鐵件、木底座，108(H) x 46 x 20 cm，含底座高197cm，2025年。 資料及圖片提供」亞米藝術 編輯」江瑜

台語「耍（sńg）」意指玩、遊戲，「物仔（mih-á）」則意為小東西，結合解釋即是可供戲耍、遊戲的小物件，提到偶戲，人們的重點往往聚焦於仿造人形所創作的人偶，然而一齣戲劇不僅只是由「人」的對白組成，還有許多小小物件的參與，提示觀眾時間、地點與事件的等種種元素，才能將故事完整演繹。 展覽主視覺。     2025適逢台北偶戲館20周年，館長藉童年扮家家酒的記憶為引言，讓觀眾透過遊戲般與物件互動的方式，挖掘物件自身的特性，在觀察、擺放、排列的過程中，延伸展出敘事情節。     展場照。     展場照。     物件劇場的多元可能   「物件劇場」此一概念源於歐洲，首次在台灣舉辦主題展覽，結合偶戲館的歷史與陳列，以此為出發點，引導台灣民眾走進物件劇場的世界。看似如偶劇般，同樣是透過物件演繹故事，但又不同於將物體擬人化的表現手法，引導觀眾的注意力回到物件本身，結合觀眾的觀察與想像力，串連自己在物件上發現的蛛絲馬跡、觸發自身的情感記憶，意會劇作者想表達的內涵。     德國柏林當代物件劇團「復古未來主義Retrofuturisten」，《Million Mils》演出劇照。圖片來源©Retrofuturisten     匯聚國內外創作者，包含來自法國、比利時、德國、美國、西班牙、捷克等八個國家重要的物件劇場劇團參與展出，不僅有幾名歐洲物件劇場的早期先驅、當代中堅份子，還有台灣的代表性劇團。如被定義為「物件劇場的先行者」，來自匈牙利，長居義大利的表演藝術家、導演與劇作家，尤拉・莫爾納Gyula Molnár / Giulio Molnár。其經典之作《Small Suicides》由三段獨立短劇組成，全程無語言、無角色，卻以最簡潔的物件和動作，精準傳遞了深刻的孤寂。     TAMTAM物件劇場（TAMTAM Objektentheater），《鏽釘與其他英雄》，以撿拾物為主角的詩意劇場作品。     克里斯蒂安・卡里尼翁（Christian Carrignon）與凱蒂・德維爾（Katy Deville）夫婦於1979年所成立的法國廚房劇團，將影視語言應用於劇場，取用平日觸手可及的物件，如蔬果和餐具，強調與觀眾共享製作過程，調整藝術濾鏡所造成的距離，調度來自日常的創作材料，呈現一種親密的敘事形式，探問個人與社會的連結。     中央車站劇團（Cie Gare Centrale），創作強調物件本身即為舞台主角。透過別墅模型、新婚人偶和玩具跑車等物件陳列，組成故事情節。     此外，在台灣擁有豐富物件演出經驗的飛人集社劇團，與當代物件創作的囝仔人劇團亦一同參與展出，特別邀請高重黎藝術家參與展覽，呼應「物件」承繼來自20世紀視覺藝術「現成物（ready-made）」概念；自杜象（Marcel Duchamp）首次將日常物件轉化為藝術作品，延伸至普普藝術（Pop Art）、貧窮藝術（arte povera）、觀念藝術（Conceptual Art）等藝術形式，改變物件只是工具的思維，進一步用於傳遞概念、結構與意義，透過來自不同時期和不同國家的創作在本展中呈現的樣貌，清晰映照出物件劇場的演變與發展。     尤拉・莫爾納(Gyula Molnár / Giulio Molnár) ，《Small Suicides》，創作於1980年代，是物件劇場發展中的經典之作。     物件、道具、工具，本身即是積累人群長期使用並不斷優化的結果，自造型、材質，使用目的與使用過程所留下的痕跡，自誕生之初就與環境互動不斷，即便自身無法開口講述，物件主體即是一段無言訴說的故事。物件劇場著重透過普通的物品作為角色，以劇場手法突出物件的本質，在故事的推進中，促使觀眾觀看物件的方式產生新的視角和理解。     飛人集社劇團，持續以「小而專精」的策略，深耕偶戲與物件劇場，透過策展、群聚、跨界交流，成為推動台灣當代偶戲與物件表演發展的重要推手。     笨手劇團（La Compagnie les Maladroits），透過「拾撿、組合與拼裝」開創創作風格，並強調「遊戲精神」作為持續創作的方法論。     隨時更新的展陳內容   步入展覽空間，就像踏入一本劇作者的創作筆記，每個角落的展品都是一個劇團的精心呈現，透過物件、影片和臨時的文字註解，拼貼出創作的過程和表演片段。     奧利戈爾與微觀劇場 (Oligor y Microscopía )，出於對小而脆弱的物件知喜愛，揉合視覺藝術，重構記憶畫面，以物件與文獻共構獨特劇場。     在近11個月的展期中，結合展覽內容策劃了一系列讓觀眾與創作者可以共同參與的公眾活動，搭配台北偶戲館首創「Taipei Puppet Fest」8月表演節目與多元創作延伸，包含表演、工作坊、新書發表等，不僅延伸展覽物件的敘事，同時也在劇團表演期間，增減展間呈現的物件，讓觀眾一同沉浸式感受劇團活動的過程中變化的思路、觀看一場表演自設計到登台的過程。     達法劇團（Dafa Theater），以物見與肢體劇場，推出包容多元文化的實驗性創作，在現場作品中，透過玩具士兵的童趣意味傳遞對戰爭的反思。     本展旨在探尋「物件劇場」各種可能的面貌與發展脈絡，而是回到創作現場，從創作者與其使用媒材之間的關係出發，探索物件如何成為情感與敘事的核心。對於台灣的民眾，這是一種全新的概念，不僅止於一次性的娛樂，同時也在輕鬆的氛圍中，解構觀眾看待物品的慣性，從平淡無奇的日常中，挖掘全新的驚喜。   資料及圖片提供」台北偶戲館 採訪」江瑜

來自英國的「光之雕塑家」安東尼．麥考爾（Anthony McCall），以「固體光」（Solid Light）藝術裝置聞名國際，被譽為跨越當代藝術與實驗電影的先驅，首度在台個展日前揭幕，內容涵蓋9件精彩作品、18件檔案文件，以及素描、攝影與錄像作品，展覽重點正是其近年備受國際肯定的「固體光」系列，完整呈現麥考爾從平面到立體、從二維到三維，乃至從電影到裝置的創作脈絡。     「光之雕塑家」安東尼・麥考爾首度在台個展，聚焦呈現麥考爾固體光系列代表作。     解構電影與雕塑   實驗電影自名稱回溯，「實驗」一詞就概括了整個領域的顯著特徵：例如非常規的敘事順序，故意的失焦、快速的剪輯，與畫面不同步的音軌等等，透過這些實驗性的拍攝手法，促使觀眾更加主動去思考觀看體驗，挑戰主流審美、探討電影的娛樂性和藝術性。作為一名實驗電影人，麥考爾自70年代就開始嘗試變化創作形式，受拍攝過程所啟發，他發覺經過攝影的框架與解讀，使作品呈現和觀眾所接收到的內容再一次出現了變化，以此延伸思考：是否能有一種創作方法，可以消解鏡頭語言的過渡，讓觀眾直觀地走進他所建構的作品畫面？     麥考爾固體光系列作品打破電影、雕塑與裝置的界線，在黑暗中帶領觀眾穿梭於光線、空間與時間之間，探索存在與感知的邊界，並與作品互動、融為一體。     展中必看的亮點之一《描述一個圓錐之線》（Line Describing a Cone），便是他在1973年搬遷至紐約定居、並投入「固體光」系列的首件作品，被視為當代藝術與實驗電影領域的重要里程碑，藝術家本人稱之為「第一部存在於真實三維空間中的電影」，捨棄主觀敘事，牽引觀眾與之互動。結合現代科技，此作以16厘米攝影機拍攝，一開始觀者會看見螢幕上呈現一個白點，緊接著以光為筆，描畫點、線、面，隨時間推進，延伸繪出完整的圓形線條，在螢幕與投影機之間的空間內，透過光束形塑立體的圓錐，打破抽象與具體的觀念。     探索光與時間的互動   展覽重點聚焦於橫向投影、結合聲音與空間感知的藝術裝置，在展場幽暗的環境中，利用投影光束和煙霧，呈現光的形體和可以觸摸的質地。除了《描述一個圓錐之線》(Line Describing a Cone)，亦呈現2000年後創作的3件橫向固體光系列作品，以及垂直投影之作，讓觀眾走入光中、融入作品的動態。同時，麥考爾的素描、攝影、手稿、錄像等作品，則自多維角度呈現其創作理念的不同面向。     《離去（靜默兩分鐘）》（Leaving (With Two-Minute Silence)）。當觀眾置身於黑暗空間中，在煙霧的輔助下，眼前的三維形體將更加清晰浮現，彷彿一座由光構成的雕塑。     若問藝術家如何看待自己的作品，麥考爾表示，他會採用Circle與Loop為其分類。Circle是結構型的循環，透過首尾相連的敘事，如《面對面I》（Face to Face 1, 2013）讓光等速重複的移動路徑，重點是讓觀眾自由穿梭在光牆間，自行決定體驗的始終；與之相對，Loop則有絕對的開始，此類項目以作品《離去(靜默兩分鐘)》(Leaving (With Two-Minute Silence)為代表，探索投影變化的節奏。在走進展場前，藝術家也提醒觀眾，不妨先看向投影機再轉身，自探索光錐所形塑的大型空間結構，再轉向研究螢幕上揭示的線描圖形，以便更加全面地將整體畫面收入視野。     視覺的革新體驗   綜觀安東尼．麥考爾的創作歷程，他橫跨繪畫、雕塑和攝影的領域，結合科技手法給予觀眾心靈上的觸動，不斷拓展藝術的邊界，這樣的挑戰精神不僅限於對外，也同樣對自身發起。一如展中的垂直投影作品《天光》（Sky Light），相較於其他作品橫向投影呼應電影播放的水平性，麥考爾轉而利用垂直投影，展現出另一種雕塑性的特質，此作以投射在基座上的方式呈現，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態，彷彿獨立演出的自然劇場。     垂直投影《天光》（Sky Light）模型，以投射在基座上的方式，展現固體光的雕塑性，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態。     黑格爾曾說：「身在純粹的光明，就如處於純粹的黑暗中一樣，什麼也看不見。」麥考爾無意將自己的作品限定在某個標籤中，透過創作不斷探索固有思維的邊界。在他創作的世界裡，「固體光」因應所在環境與觀眾的肢體語言相互對話，交織生命的動態，光的推進與退卻，不僅是物理現象，也象徵著人與人之間的際遇與流動，每一刻的珍貴，既是因為當下的獨一無二，也因為它銜接著下一刻嶄新的未知。     資料及圖片提供」富邦美術館 採訪」江瑜

藝術來源於生活，透過藝術創作所反映的型態不僅限於作者的個人狀態和情懷，同時也在不同展演形式中紀錄其誕生的時代背景，以供觀者欣賞深思。 許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     臺北市立美術館（北美館）秉持推動台灣當代藝術的保存、研究、發展和推動的宗旨，建立藝術與社會大眾多元交流的管道，回應數位時代，啟動全新平台——「北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open」。     許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     於夏秋之際，本計畫前後推出線下與線上兩檔展覽：「沉沒的聲音」（The Sound of Sinking）與「消失的反動」（Vanishing Acts），經由虛擬載體，以記憶畫面和人工重構的記錄為探討主題，聚焦「消失與挖掘」的概念，面對數位時代資訊流動與記憶重構的解讀，期待與數位科技結合、拓展展覽的場域和定義，打破不同社群的壁壘，促進跨領域創作和藝術發展的多元可能性。     許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     線下展覽：「沉沒的聲音」（The Sound of Sinking）   「沉沒的聲音」取材澎湖周邊海域的沉船為創作靈感，對比軍事防護巡洋船艦的「廣丙艦」，以及二戰時期被日本政府徵用為運輸船的「滿星丸」與「山藤丸」等不同時期和不同區域的沉船研究，並與國立清華大學水下考古學暨水下文化資產研究中心合作，藉由水下拍攝與聲音採集技術，重構虛實交錯的歷史現場。     線下計畫「沉沒的聲音」水下考古資料場景照，20世紀初銅製圓形窗框，出土自山藤丸沉船的船艙圓窗構件。     藝術家許家維醞釀三年，於首展中梳理三件沉船水下考古文物及研究資料，如1930年代出土自滿星丸，印有山下汽船商標之青花瓷；19世紀末出土自廣丙艦沉船的子彈；20世紀初出土自山藤丸沉船的船艙圓窗構件。邀請觀眾進入一場多人連線的MR混合實境，將文字與圖片資訊化為親身體驗，展開橫跨時空的視覺與聲響航程。     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     除了配合展覽空間敘事節奏，可見影像裝置播放包含潛水員定期監看「山藤丸」的水下作業過程、澎湖耆老葉成仁即興吟唱褒歌〈討海歌〉的演出，以及表演者潛入海中演奏自製螺旋槳樂器等等片段，天花不定時閃爍的聲納水箱，以及香港作曲家許德彰協作編制的實驗聲響環繞，讓觀眾化身為5位虛擬角色，如清朝水師、二戰日本海軍軍官、兩個早期潛水員、清代傳說生物海和尚，搭乘虛擬船艦穿梭於三艘沉船的故事背景。     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     線下計畫「沉沒的聲音」音效裝置。     線上展覽：「消失的反動」（Vanishing Acts）   緊接其後的展覽由墨西哥籍策展人、數位藝術與文化研究者多琳．理奧斯（Doreen A. Ríos）策劃，邀請費德里科・佩雷斯・維洛羅（Federico Pérez Villoro）、徐容、安娜・里德勒（Anna Ridler）與奧莉亞・黎亞莉娜（Olia Lialina）等四組國內外藝術家，推出全新委託創作。透過數位平台，展示當代藝術如何介入資訊流動、社群關係與歷史意識，透過作品拋出提問：「我們能否在由策略性不穩定、崩解與抽離所開啟的灰色地帶中，找到與科技共處的另一種關係？」     線上展覽「消失的反動」，策展人納多琳．理奧斯（Doreen A. Ríos）開幕致詞（線上影像截圖）。     策展人多琳．理奧斯長期關注當代藝術中的科技技術不服從、戰術媒體和新物質性，針對AI、5G、物聯網⋯⋯等科技技術的快速發展對社會的影響，通過虛擬媒介所建構的人際關係，同樣影響了人類對情感的認知、催生新的美學，藝術的存在，於此既是賞心悅目的作品，同時也是回應時代的鏡子，引導觀眾一同探討人與技術之間的關係，反思網路媒介中「物質、記憶、幽靈、脆弱性」等問題意識。     放眼藝術未來發展   北美館副館長蔣雨芳表示:「『北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open』所持續實驗與推動的，不僅是展示形式的創新，而是透過實驗性創作，思考數位趨勢如何生成觀念、重構關係與形塑公共性，拓展觀眾對藝術、網路與時空關係的想像，進一步回應文化機構於數位轉型時代可發揮的影響力。」     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     藉由線下與線上、挖掘沉船的歷史，以及欣賞數位藝術展陳，挑戰對於藝術的認知和慣性，觸發五感與作品的互動，更進一步滲透觀眾的思維，探索真實與虛無的邊界，在快速變動且逐步改變的數位環境中，重新思考文化存續對當代社會的定義與價值。     2025北美館開放網絡計畫，線下計畫「沉沒的聲音」主視覺。     2025北美館開放網絡計畫，線上展覽「消失的反動」主視覺。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

「2025香港室內設計周」於6月19日在香港西九文化區正式揭幕。本屆重點活動之一為「Urban Reflection展覽」，匯集十組香港知名室內設計師與家具製造商的合作作品，早前於義大利米蘭設計展廣受好評，如今載譽歸來，向當地觀眾展示香港設計的獨特魅力。 「Urban Reflection展覽」現場。 十組作品展現香港城市精神 「Urban Reflection 展覽」以香港獨特的城市景觀為靈感，探索高密度生活與摩天大樓交織下的光影互動，參展作品涵蓋家具與燈飾，不僅反映都市活力，更體現設計師對文化傳承與可持續發展的思考。 《時代椅子》Gud Gud Studio / Stepan Angus Gudev。 參展設計組合包括：凝態建築設計有限公司與瑆源設計有限公司聯手打造的《四葉・合聚》；Bean Buro與達藝家具有限公司的《Stoneflow Sofa》；Studio RYTE與Ricardo Lighting Co. Ltd合作的《柔竹燈》；P A L Design Group與西德寶富麗（遠東）有限公司創作的《蛋形搖椅》；Gud Gud Studio與弦制作（國際）有限公司帶來的《時代椅子》；一持工作室與radd合作的《乙巳》。 《Moon Series》Craft of Both / Christina Standaloft, Jay Jordan。 Craft of Both與MADE聯名的《Moon Series》；林子康設計有限公司與廿一由八的作品《O.N.N.O. COFFEE TABLE & O.N.N.O. DESK》；瑆珀設計有限公司（瑆集團）與健林牆紙的《It's Caffeine》；Bill's Design Limited與 CycleCore Limited的《叮叮》。這些作品不僅融合中西文化元素，更運用再生紗線、回收電車玻璃等環保材質，展現香港設計師對可持續發展的重視。 《It's Caffeine》瑆珀設計有限公司（瑆集團）/ 梁家耀 莫詩韻。 除大型展覽的盛會，亦在M+博物館大台階舉行的設計論壇，邀集參展設計師分享創作理念與米蘭參展經驗。論壇深入探討香港室內設計如何透過國際合作，呈現獨特的都市文化特色，並促進業界交流與創新思維。「2025香港室內設計周」透過「Urban Reflection 展覽」，不僅展示設計師的創意與工藝，更向世界證明香港作為國際設計樞紐的地位。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 編輯」林靖諺