為緬懷華語樂壇傳奇編曲大師陳志遠，臺北流行音樂中心（簡稱北流）特別打造《音樂怪博士－陳志遠特展》，希望透過音樂大師的一生，使觀者進而了解音樂產業的奧秘。 《音樂怪博士－陳志遠特展》。 潮人陳志遠。 陳志遠曾為張雨生、張惠妹、小虎隊等大咖歌手的專輯製作人，創作過許多膾炙人口的經典歌曲，如《天天想你》、《愛上一個不回家的人》等，才華洋溢，十多年前因病辭世，留下的作品至今仍深深影響整個華語樂壇。北流董事長黃韻玲表示，北流首檔介紹台灣音樂人的特展以陳志遠為主題，希望讓更多人認識大師的才華跟重要性。 金曲錄音間。 走入幕後 了解音樂產業 陳志遠從民歌時期開始發跡，經歷了音樂產業的興盛、唱片市場的衰落、獨立音樂抬頭、流行音樂的分眾發展，他的音樂生命等同一部台灣流行音樂史，他有著特立獨行的作風、喜愛挑戰的反骨精神，敏銳的音感、天才般的直覺、創意與格局宏大的編曲概念，讓他得以在30多年間，創作了數百首的歌曲，編了近萬首的音樂作品，留給流行音樂界龐大的資料庫，也啟發了無數的後進創作者。北流藉由重現這位編曲大師的人生，讓每位觀者深刻體會編曲之於一首歌曲的重要性，並深入不為人知的幕後故事。   生活儀式感。 大師的生活哲學。 13個展區、近千件展品 《音樂怪博士－陳志遠特展》共劃分為13個展區，展出近千件展品，結合科技和光影，讓展覽瞬間化為時光隧道，開啟一段跨時空、探究這位音樂潮人的奇幻旅程。展區「「記憶唱片行」集結陳志遠畢生的唱片收藏，營造復古氛圍，令人一秒回到唱片盛行的年代；此外，更重製了他的創作場域：麵包車，觀眾可細細窺探經典創作的起源地；還有更多不同主題的展區，讓人得以身歷其境體驗幕後的作業模式，感受歌曲的產製歷程。2022年4月27日前於臺北流行音樂中心文化館展出。 資料及圖片提供」臺北流行音樂中心 編輯」陳映蓁

近日走進大安森林公園，目光肯定會受到一處巨大的竹編花圃吸引，花朵生意盎然且皆姿態各異，有的含苞待放、有的恣意盛開，如同真實的花朵。這座比人還高的花圃藝術裝置是藝術家林靖格應全聯基金會之邀，為「2021 謝謝感恩節」公益嘉年華於大安森林公園打造的作品「垂首的謝籃」，傳達全聯「做好事」的精神，180 株大型花卉組以垂首姿態、花苞謝籃面貌向醫護、警消代表致敬。   林靖格與團隊耗費 5 個月的精力與心血，嘗試以竹編形塑花卉各種型體與結構組合，一步步探索學習，使用超過 6 萬片竹篾製作，完成這幅不可思議的絕美風景。作品即日起於大安森林公園廣場展出至 12 月 26 日，每日晚間 5 點至 10 點更會點亮照明，展現白日與夜間截然不同的面貌，台北的民眾可以把握機會親身體驗被巨大花卉圍繞的情境，作品隨後將移至宜蘭國立傳統藝術中心與更多朋友相見。   連結傳統與現代常民生活 「垂首的謝籃」以花卉作為創作靈感，林靖格說明過去傳統謝籃大多為竹編製成，承載人們的感謝誠意，並會擺放具有祝福意義的花卉於花籃中，是常民生活文化的重要一部分，於是他轉化花卉謝籃的形象到這次作品中。竭力找到今昔的連結，他也進一步表示，「現代生活不太容易看到竹子對於生活的應用，我期望自己能補上現今缺失的部分，讓人們可以再次感受竹子的魅力。」   180 株花籃背後的創作艱辛 許多已經看過作品的觀眾，往往讚嘆此次裝置藝術數量之豐，蔚為撼動人心，也相當好奇作品的打造過程應該頗為挑戰？林靖格回應自己從來不做沒有把握的案子，過程中若出現難題，更是他在創作時最喜歡的環節，「我擅長解決問題，同時這能使我與其他藝術家做出差異性。因為這次竹編作品與以往傳統竹編製作相距甚遠，在製作物件流程時較難產生共識，以及我們製作的數量非常的龐大，工作時程也長，所以我們起初找不到有竹工藝技能的朋友前來協助，花卉的製作人員是我們花心力與時間慢慢培養出來，這一切真的不容易。」 此次作品需放在戶外環境 7 個月，颳風下雨或是人為因素都是考驗，於是林靖格想出多項方案，在創作竹片編織時，以大量簍空做為呈現，一方面能產生交疊、穿透的視覺效果，另一方面也能防止雨水的積累，由於沒有完整的面，能減少風阻的可能，間接減輕金屬桿的承重，更因為使用薄竹片，相對於厚竹板易透風不易發霉，也有做足防水漆。最終希望當人們親眼觀賞作品時，都能完整感受花朵綻放自身潛能與生命力。   藝術家介紹 林靖格 受工業製造與工藝製作跨領域薰陶，創作展現獨有的人文氣息與實驗思維，尤其致力於工藝設計和藝術創作。透過材質物性理解與工藝技法演進，展現每項媒材應有的價值，藉以實踐生活的當代工藝。林靖格期許自己，透過設計發掘傳統工藝的新元素，體現在地文化意涵，讓台灣成為華人圈的文化地標。 「垂首的謝籃」 日期」即日起至2021年12月26日 地點」大安森林公園 日期」2022年1月22日至6月22日 地點」宜蘭傳藝園區 資料與圖片提供」格子設計 編輯」林慧慈

金點設計獎作為推廣台灣優質設計，並帶動產業重視設計價值的重要獎項，每年除了透過頒獎典禮表彰優秀的設計師與業者，同時舉辦金點設計展，展出當年度得獎作品，推廣來自台灣及世界各地的好設計。2021金點設計展於11月30日在台北松山文創園區「台灣設計館」盛大開展，今年展覽以《UPLOAD》為主題，精選近兩百件本年度榮獲金點設計獎及金點概念設計獎標章作品，並結合沉浸式展場空間與互動體驗，邀請觀眾分享交流對於設計的想像。 本次展覽由偶然設計共同發起人曾令理擔任策展人，她表示，設計師的每項創作往往始於個體的想法，從構想、設計成形到完成實現的過程，猶如上傳資料至系統般，開始與廣大世界產生連結，進而與之對話、交織成更宏觀的整體。而金點設計獎正是提供了一個「上傳」的平台，讓眾多領域的創意設計在此匯流，也讓更多人探索設計背後的巧思與價值，交流迸發出更多創意。 她將展覽打造成匯聚精彩設計的上傳平台，空間延伸自設計師楊士慶操刀的《UPLOAD》主視覺意象，整體以黑色背景襯托不連續的白色線條及LED光條，營造資料傳輸的超現實氛圍，極富律動與速度感，讓參觀者如同數位碼般步入傳輸的時空；主視覺中隱藏的階梯式符碼，也具象化為展場中央逐步上升的陳列階梯、展間錯落有致的展示台座，為空間帶來豐富層次變化。 跳脫以往參賽的分類機制，本次展覽以作品概念為核心，梳理出六大展出向度。 「當設計解決了問題」針對當代社會諸多議題，探討設計如何提出新解方，期望觸發人們對於問題的探索；「美出新高度」以美學導向性高的作品為主，展現設計者如何在美學上精益求精；「原來我們可以這樣生活」發掘生活中既有事物的新型態，展示設計如何改變日常、創造新的生活模式；「重新定義地方」呈現世界各地對於在地性的新解與定義，精彩展示各地源源不絕的創生活力；「想像力帶我們去任何地方」以激發人們想像力的設計為主，探討設計與人的關係不再是單向被使用，而能在雙向互動中啟發使用者思維；「向未來前進」則以未來感強烈的作品為主，讓人們得以窺探未來的可能性。 期望釋放實體物件間的視覺關聯性，讓作品能從創作本質的角度，得以產生跨領域的對話。除此之外，為增加與參觀者的互動，策展團隊針對六大主軸設計一系列互動提問框卡，邀請參觀者在欣賞作品時，也能透過回答這些提問，產生新的閱讀觀點。 展場末端更設有一座「共創牆」，邀請參觀者「上傳」自己觀展後受啟發的想法，書畫紙條上印有不同隨機圖案，可由此衍伸互動，也藉以表達設計並非無中生有的創作，而是從各種現象觀察剖析並提出創見的過程。本次展覽不僅是一個作品展示，更是一場作品觀點與觀眾想法共構的精彩體驗，邀請大家前往參觀，一覽本年度台灣及世界各地的獲獎設計。 《2021金點設計展》  時間」2021年11月30至2022年3月6日 地點」台北松山文創園區 台灣設計館03、04展區 資料及圖片提供」台灣設計研究院、歐陽青昀  編輯」歐陽青昀

台灣得天獨厚的自然環境，孕育了大量且高品質的竹子，產出的竹材具備高度的國際競爭力。為開拓國產竹材的應用想像，由林務局指導，台灣竹會甘銘源建築師、李綠枝建築師策劃，並由陳冠帆結構技師擔任策展人的「2021 構竹林鐵新銳展」，10 月 22 日開展，邀請王銘顯、彭文苑、方新樵、王喆、葉育鑫以及陳鈺雯等業界建築師與設計師，以竹材打造出與嘉義林鐵週邊紋理相呼應的地景構造物。 王喆《 翩翩》   策展人陳冠帆說明，期待藉由本次策展突破對竹子舊有的印象框架、呈現竹材應用的嶄新面向，且站在建築結構的角度，希望讓更多建築人使用竹子為出發點來思考，最終達成創造「構竹城市」的理想，因此聚焦在城市與竹子的結合。 然而，竹材的應用有其特殊的挑戰，因不規則、非均質、中空等特性，在設計與加工上存在較高的難度需要被克服。6 組新銳建築師除了於今年 2 月參與竹構技術共學，了解竹子的特性、高溫烘烤過程與彎曲的方法，並與策展人針對作品結構的「耐候性」、「耐久性」等技術問題進行多次討論與修正。 方新樵《 精靈之境．竹構芒果茶屋》   嘉義曾是全台竹林覆蓋率最高之所在，也曾是台灣竹簍、竹管家具的重鎮，因此本次擇址於嘉義展出，並且為搭配年底於嘉義舉辦的「2021 台灣設計展」，本次展出的 6 件竹構築作品分別陳列於嘉義製材所園區與嘉義竹崎車站，參展建築師在林業鐵路沿線以竹子建築相關公共設施，展現了揉和傳統精神與現代思維的空間體驗，也更進一步開拓國產竹材的應用想像，期待竹材料的溫潤與彈性可以連結舊時代記憶、開啟新世代的風景。 此外，展覽更攜手知名的承億文旅打造為期近 3 個月的「台灣竹．潮」，現場除了展出 6 件參展作品模型外，還可親訪 9 家台灣竹職人品牌為本活動特別打造的系列藝術房，讓民眾親自體驗台灣新生代設計師以台灣原生竹材設計、生產的竹杯、竹牙刷、竹檯燈、竹刻染畫等當代竹製生活精品，讓每位旅人都能以五感重新感受台灣竹的魅力。 承億文旅打造展期限定的「滿足，滿竹」主題房。   嘉義製材所園區 翩翩 十分建築︱王喆建築師事務所 / 王喆 台灣有豐富的蝶類資源，其中阿里山便有 194 種，將近全台半數。作品將蝴蝶翩翩飛舞之意象轉化為抽象空間，以 3 種尺度的竹構片狀單元，形塑成一件空間與結構合一，具多個天井的層疊飛舞棚架，可供人們休憩停留、觀賞遊玩。也表達竹構造運用及樣貌的可能性。 拾光隧道 大藏建築師事務所 / 陳鈺雯 穿越光影交錯的隧道，過往鐵軌運送木頭的影像慢慢浮現，旅人拾起過去那些逝去的美好時光，曾經遺落的歷史碎片，被重新撿了起來。建築師以 3 種拱形，共同交織出穩定的結構，創造出鐵軌般的光影，懷想起過去的繁榮。以常民素材，新的搭建方式，期許友善土地的產業可以再生。   精靈之境．竹構芒果茶屋 方尹萍建築設計 / 方新樵 若隱若現安靜的竹構小茶屋存在小丘上，彷彿一顆台灣土芒果墜落在大地的懷裡。在太陽高照的製材所廣場中，入座樹蔭間竹構構成的芒果小茶屋中，吹著微風的涼爽愜意，泡上一杯嘉義山烏龍茶，自然就存在內外之間的精靈之境。   竹粼 初樸建築師事務所 / 葉育鑫 「北沼垂竿趁嫩晴，枕流檜木眼前橫」昔日製材所貯木池也是當時居民的生活場域，是木業集體記憶的代表。在此置入一處供人停留、眺望、沉思的空間，延續竹子的彎曲狀態，如粼粼波光，藉由這種延續性的諧振，與場域的時空對話，讓風、光、樹蔭皆能存於其中，與觀者最本初的感知融合。 嘉義竹崎車站 竹軒．天井 王銘顯建築師事務所 / 王銘顯 以「斗笠」作為整體的發想，由斗栱系統轉化再利用竹子搭接成為主結構。將室外材料引入室內讓內外的交界模糊化進而相互滲透，創造層次性的表現手法。藉此呈現日本式的陰翳美學，從暗處往外可見光景層次之美，並從心理獲得安全感，卻體現不融入世俗的距離美。   共生 行一建築 / 彭文苑 竹崎站曾是林鐵登山路段的終點和起點站，機車需調頭轉向，形成有特色的「三角線」。作品坐落於鐵路動線節點，車站場域乘載著過去與未來。作品透過竹林的線性，軌道的移動性，象徵林業鐵路過去的歷史軌跡與未來的交匯，同時創造飛起揚起意象，意寓著新舊交織共榮。   展覽資訊 2021構竹林鐵新銳展（實體展區） 日期」2021年10月22日起 地點」阿里山林業園區、嘉義竹崎車站 葉育鑫《竹粼》   台灣竹．潮及竹構模型展 日期」2021年10月22日至2022年1月10日 地點」承億文旅．桃城茶樣子 1F 大廳   資料及圖片提供」臺灣竹會 攝影」朱逸文 編輯」林慧慈

橫山書法藝術館 10 月 22 日正式舉辦開館暨首檔國際展「飛墨橫山」記者會，由鄭文燦市長主持揭幕。展館位於桃園高鐵站旁，毗鄰青塘園生態公園，為台灣首座由官方經營之書法藝術主題館，更是桃園市立美術館館群中第一座正式開館營運的館舍，別具意義。 橫山書法藝術館建築全景。（原間影像工作室提供） 藝術公園景觀及藝術館建築由景觀設計師吳書原、建築師潘天壹擘劃。建築師以公園基地為「硯石」、陂塘為「墨池」的意象來規劃的園區中，打造了有如五方篆印的主體建築群，結合水岸景觀，將主體建築以硯石色為基調，並藉由錯落矩陣延展其空間，闢出建築間隙，引入自然天光，以禪風建築概念打造硯石及墨池，映照城市的藝術紋理和埤塘的文化景觀。 運用黃檜格柵編織而成的簍空木屏風，來表達東方藏書文化中「閤」的概念。（原間影像工作室提供） 橫山書法藝術館於 2018 年啟動前期籌備，以國際現當代書藝發展的軸線出發，既聚焦漢字傳統所形成的亞洲文化邊界，亦關照科技進步下書寫本身在數位化時代的挑戰，故此，於具體的實踐上，橫山書法藝術館企圖打造、培力的是面向亞洲的書藝生態系。 橫山書法藝術館空拍全景。   開館國際展「飛墨橫山」 「飛墨橫山」攜手中、港、台、日、韓、德、芬等地 51 位藝術家，透過「溯源」、「尋新」、「對語」、「跨域」4 個子題，展示書法藝術傳統與當代的對話，探索書藝創作的時代趨勢和美學思維，為橫山書藝館的未來發展拉開序幕，也展望成為國際書藝匯流的焦點場域。 建築外觀。（原間影像工作室提供） 除了賞覽書法大家作品，民眾更可親身貼近書法藝術，如國際知名藝術家徐冰展出《英文方塊字書法書房-古典版》現地裝置，思考不同文明與跨文化對話，並鼓勵觀眾以字帖臨摹重新思考書寫和文字的本質；或如「造象 Word to World」以傳統漢字起源的神話爲想像，回應｢倉頡造字｣，並以當代科技為媒介，邀請觀眾參與作品互動，呈現當代科技跨媒材的書藝語境轉換。 「造象 」新媒體藝術裝置。 橫山書法藝術館自 10 月22日至 26 日為開館週，邀請優人神鼓 13 組知名國內表演團隊及在地優秀演藝團體，在橫山書法藝術館戶外公園，帶來連續 5 日的精彩演出，開館展期間更推出免收費優惠，邀請民眾闔家共賞書藝之美。 《飛墨橫山－橫山書法藝術館開館國際書藝展》 日期」2021 年 10 月 22 日至 2022 年 1 月 6 日 地點」橫山書法藝術館（桃園市大園區大仁路100號） 「飛墨橫山」展場一隅。 資料及圖片提供」桃園市立美術館 編輯」林慧慈

花器是與生活最相關的藝術品，它是收藏，亦是生活器物，反映出不同時代、文化背景以及創作者對於美的定見。秉持「器用為上，用之為美」的核心理念，坐落台北市青田街的異雲書屋日前推出《花氣 — 亞洲花器集珍》展，展出內容匯集台灣、日本、韓國、中國共橫跨千年的花器藏品，包括台灣超過300年歷史的原住民陶壺、台灣日據時期金煉成、紅磚胎藝品、日本鎌倉時代器物、韓國李朝白瓷，以及中國新石器時代、戰國時期及至漢、唐、宋、元、明、清等朝代的歷史器物，讓美學愛好者能縱觀千年與不同地域文化所孕育的器物，閱讀它們對於過往生活的象徵意義。   異雲書屋推出花氣 — 亞洲花器集珍，匯集逾百件橫跨千年的器物，演繹出歷史器物在當代生活的美感呈現。 器_中國仰韶文化彩陶罐 中國西漢灰陶繭型壺 中國元代四繫罐 中國明清陶甕 (左至右)。 異雲書屋秉持器用為上，用之為美的理念，於花氣 — 亞洲花器集珍展覽中，汲宋朝文人四藝其二之插花、掛畫，將花與器諧和共生，於展覽空間內打造嶄新的共生關係與美學體現。 花器之美其實也源自於它和花材、花藝師的對話。異雲書屋主理人陳維駿擁有室內空間設計專業背景，素來對生活藝術與空間美學擁有豐厚心得，這個展覽一如他所主張的靈動美學精神，將生活作為藝術涵養的集大成表現，特地邀請七位當代藝術創作者，包括顏貽成、吳士偉、彭康隆、羅士亷、許靜、柯偉國、李凱真參與，讓書法、繪畫、陶藝、混合媒材與花器並呈於展場裡，同時也邀來多位花藝師參與，由花藝師選擇展品與真實花木展開對話，打造出各具特色的韻致情境，讓展覽選品不再是單純的器物呈現，而是回歸到可用可賞的生活本質，演示真實而立體的藝術風景。   器_台灣排灣族陶壺 中國明代磁州窯罐 (左至右)，畫_彭康隆。 器_金代磁州窯瓶 韓國李朝白瓷罐 (左至右)，掛畫_許靜(芳華載) 李凱真(花色殘影) (左至右)，材_草海桐，事花_古玉貞。 一如花開花謝的自然周期，每位花藝師將陸續於《花氣—亞洲花器集珍》現場進行創作，以個人美學、視角表達對於器物、藝術的心得感受，週週別有意境，猶若一場場別致的小型盛宴。 器-台灣歸仁窯槽 羅士亷當代陶器 日本渡辺勝竹斎竹籃 (左至右)，掛畫_許靜(花氣)，材_山歸來 莎草 小判草 紫花藿香薊 繁星花 玉葉金花，事花_古玉貞。   異雲書屋 《花氣—亞洲花器集珍》展覽資訊 開展時間」2021年08月22日至10月25日（周二公休，配合防疫政策，展覽參觀採預約制） 開放時間」11：00am-6：00pm 地址」台北市大安區青田街12巷23號1樓 電話」02-2395-5858 Facebook」異雲書屋 yiyun art Instagram」yiyun_art 官方網站」yiyun-art.com 採訪」Sumile

全球熱烈討論的 V&A 重量級大展《蒂姆．沃克：美妙事物》7 月 31 日在奇美博物館登場，不僅可以看見傳奇攝影大師蒂姆．沃克（Tim Walker）的奇幻之作，一展區一世界、充滿氛圍的情境空間同樣令人驚豔，加上聲音效果的巧妙陪襯與沃克優美動人的自述文字，讓人彷彿進入一個超現實的綺麗夢境，堪稱是最魔幻的沉浸式體驗。而今台灣的民眾不用出國就能在台南看到原汁原味、具國際專業水準的超級大展，奇美博物館不惜重本向 V&A 借展，引進時尚攝影大師此生至今最精采的作品展！ 蒂姆．沃克「雲朵9」系列作品，拉迪卡．奈爾、尚特爾．庫爾卡尼與基蘭．肯德拉 時裝：Richard Quinn；伍斯特郡珀肖爾鎮 2018。圖片來源：Tim Walker Studio  　　 傳奇攝影大師攜手百年博物館 蒂姆．沃克 1970 年出生於英格蘭，是當代公認最富創造力的攝影師之一，於 1990 年代嶄露頭角，在專題編輯攝影（editorial photography）領域以獨特的視覺敘事，模糊幻想和真實，創造出超現實、奢華或幽默動人的作品。而提供其豐沛靈感的來源，便是具有近 170 年歷史，館藏超過 230 萬件的維多利亞與亞伯特博物館（Victoria and Albert Museum，簡稱V&A），座落在英國倫敦最壯麗的維多利亞及現代建築群之中，是世界頂尖的藝術及設計博物館。 沃克透露，展覽名稱「美妙事物（Wonderful Things）」源自他在 V&A 尋找創作靈感時，想像著自己如考古學家霍華德．卡特第一次進入埃及圖坦卡門之墓，他引述霍華德著作《圖坦卡門之墓》中所記載的內容：「當我的眼逐漸習慣昏黃的燈光，陵墓內的景象彷彿撥開雲霧一般逐漸明朗，稀奇的動物、雕像及黃金，到處都是黃金反射的光芒......震懾得我一時之間呆住了。我的沉默讓卡那封伯爵再也無法忍受，他焦急地問我：『你有看到什麼嗎？』我只能愣愣地回答：『我看到了，非常美妙的事物。』（Wonderful Things）」 蒂姆．沃克於倫敦 V&A 博物館；莎拉．洛依德攝影，2019。 圖片來源：Tim Walker Studio     怪誕氛圍 打造沉浸式展場 展場主要分為兩大展區，第一展區回顧沃克在 90 年代出道後的職涯重要之作與一部影像節錄作品。此區可以清楚看見其鮮明特色，巨型道具、奇異角色、華麗服裝與浮誇布景，呈現魔幻、詩意、荒誕等強烈風格。且入鏡模特兒皆為國際影星、超模、歌手等名人，民眾欣賞作品的過程中會不時發現熟悉面孔，成為觀展一大樂趣。   第二展區為沃克從 V&A 藏品獲取靈感的系列作品，包含十大單元及一部短片。此區每個單元自成一個奇異世界，例如「光芒」呼應 V&A 16 世紀彩繪玻璃，展示空間好似一座燒毀的教堂；「寶盒」猶如一個逃離現實與追尋自我的所在，展間以粉紅玫瑰壁紙、粉紅樓梯打造為一座藏著祕密的童話天地。「雲朵 9」的創作靈感來自印度畫與西洋棋，場景設計師將拍攝道具「動物公仔」一併展示，更顯奇幻繽紛之感。 ​蒂姆．沃克「寶盒」系列作品；詹姆士．史賓塞； 倫敦 2018。圖片來源：Tim Walker Studio 有別於一般展覽經常以知識教育的方式解說作品，本展說明文字幾乎全出自藝術家之手，他有感而發、娓娓道來自己的心情，包括小時候的記憶、對攝影的想法以及對藝術的感動……文字情感飽滿且饒富意境，彷彿在身邊親自訴說，引領人們一同遨遊在他恣意奔放的心靈世界。此外由於沃克會在拍攝現場播放音樂，培養工作人員的情緒，因此本展也融入「聲音」元素，為不同主題搭配背景音效以增加臨場感。 展覽尾聲則放映沃克的電影《勇敢的小錫兵》，為一齣描述同性愛情故事的芭蕾舞劇。出口處還有一本巨型剪貼簿和鉛筆，提供民眾拍照留念。奇美博物館也自行設計一個向 V&A 與藝術家致敬的互動區「奇幻投影牆」，將奇美的典藏品化為光影，邀請民眾扮演攝影師，拍出創意照片。 蒂姆．沃克「珍藏與維護」系列作品；斯凱爾．伍德、詹姆士．克魯與凱倫．艾爾森；時裝： The Row、安東尼．瓦加雷羅為 Saint Laurent 設計的時裝、Daniela Geraci、Sarah Bruylant、Molly Goddard； 倫敦 2018。圖片來源：Tim Walker Studio    奇美與 V&A 的邂逅 將國際文化資源帶到台灣，一直是奇美博物館努力的目標。2019 年 8 月，時任奇美博物館副館長的郭玲玲女士（現任奇美博物館基金會董事長）至英國倫敦旅行，結識了 V&A 典藏主任 Antonia Boström 與多位館員，雙方理念相投、暢談甚歡，因而再度開啟了合作的討論。在多次討論後，館方對蒂姆．沃克有著高度興趣，展演組同仁也特別親自前往倫敦觀展。經館方確認展覽質量優異後，便決定與 V&A 合作引進該展。 《蒂姆．沃克：美妙事物》2019 年 9 月於倫敦首展，隨即進入世界巡迴，2020 年前往比利時，現今來到台灣，台灣不僅是亞洲首站，更是歐洲以外的第一站。奇美博物館表示，蒂姆．沃克的作品精采絕倫，所關注的面向也極廣，從時尚產業、多元文化、身體性別、環保到消費等議題皆有。期待將此展介紹予台灣大眾，提供與國際同步的文化資源，令觀眾都能如沃克一般，從 V&A 或更多美妙事物中尋得靈感，激發無窮想像力。 Tim Walker 特展第二展區「光芒」 。圖片提供：奇美博物館   展覽資訊 蒂姆．沃克：美妙事物（Tim Walker: Wonderful Things） 日期」2021 年 7 月 31 日至 2022 年 2 月 6 日 地點」奇美博物館特展廳（台南市文華路二段 66 號） 配合防疫，短期內採入館預約制，後續視疫情發展滾動式調整，詳情請見奇美博物館官網。   資料及圖片提供」奇美博物館 編輯」林慧慈

「我們的家鄉—地球很美麗」，許多美國太空總署NASA的太空人在訪談中都這麼描述他們從國際太空站觀看家鄉星球的經驗：一片死寂真空的宇宙裡，地球是唯一充滿生氣蓬勃色彩的星球。但是，現實窘境是地球生態系統正面臨著大崩壞，人類獨大的現代文明方式正劇烈改變自然環境的樣貌，甚至有科學家宣稱已經進入「人類世(Anthropocene)」時期。 NASA。中國三峽大壩建造前影像。1993 年 9 月 24 日至 2016 年 8 月 22 日。NASA 提供，U.S. Geological Survey (USGS), Landsat Missions Gallery, U.S. Department of the Interior / USGS and NASA 面對殘破的自然生態，聯合國教科文組織在2019年「聯合國氣候變遷會議」的網站上清楚地寫著世界各國應該如何行動：「迄今為止，各國的野心不足以實現協定中的三項氣候目標，分別是2030年前要減少 45%的二氧化碳排放量；2050年前實現氣候中和（意味著零淨碳足跡）；本世紀末前，使全球溫度的上升控制在1.5°C內。」如果依照聯合國教科文組織同年發表的氣候變遷科學研究報告書，會發現，如果各國再不實際行動，10年後我們將面臨地球生態系統崩壞的世界級災難。  對於此一世界重大議題，紐約MoMA美術館在嚴峻的新冠疫情中策劃了《損壞的自然》(Broken Nature)展。這項展覽討論如何運用設計的「修復」潛力，來修補人類和生態物種、環境之間的關係。如果設計的本質是解決人類文明的問題，我好奇展覽將如何討論設計能為目前光速般損壞的自然環境提出解決方案？或者，運用設計保護獨大的人類物種？ 初始觀點：優雅地滅種  《損壞的自然》其實來自2019年第22屆米蘭三年展(XXII International Exhibition of La Triennale di Milano)《損壞的自然：設計承載人類生存》(Broken Nature: Design Takes on Human Survival)，總策展人寶拉·安東內利(Paola Antonelli)是建築暨設計部門資深策展人(Senior Curator, Department of Architecture and Design)，在紐約MoMA工作超過25年，此展覽也是她首度在米蘭策展。 亞歷克斯・高德(Alex Goad)，《MARS》(Modular Artificial Reef Structure)，2013。2019 米蘭三年展 《損壞自然》裝置現場。米蘭三年展(Triennale di Milano)提供。攝影 Gianluca di Ioia 2019年，在紐約設計出版刊物Core 77舉辦的設計論壇上，安東內利表示，《損壞的自然》最先來自2013年在MoMA內部的提案，但是當時時機尚未成熟，也許環境議題還不那麼急迫，所以未能實踐。最初的概念來自一項簡單的想法：人類終將滅絕。我們也許沒辦法完全控制滅絕，但是我們對什麼時候、如何滅絕能有一些掌控。因此，安東內利認為人類可以設計自己優雅滅絕的方式。 這簡單的想法讓《損壞的自然：設計承載人類生存》進一步來討論如何、怎樣設計人類的滅絕。而米蘭三年展的版本是為了「世界公民」(citizens of the world)而展出，而不是設計師；因為我們身為公民，每個人都有責任。策展團隊不選擇常用的「區塊」子題手法來處理，而是以流動、觀展的方式，其中展出超過100件作品，以廣泛內容、並非單一主題聚焦討論，從宇宙、社區、日常的觀點，提供世界公民在嚴峻環境中生存的設計方案。 修補人類環境和自然的關係？ 此次，紐約MoMA和米蘭三年展合作，呈現《損壞自然》的精選迷你版本，在《損壞的自然：設計承載人類生存》的眾多觀點中，選擇「修復性設計」作為主題聚焦。在「修復性設計」策展觀點基礎上，《損壞自然》認為環境是多樣、相互連結的體系。展覽要探索人類棲息地中那些複合的系統，並進一步討論在這涉及經濟、社會、政治、以及自然生態的多樣連結體系中，設計如何作為修補角色？在「修復性設計」的大主題下，選擇45件作品，其中有些作品也成為MoMA新典藏。 稻田亞希。《想演化 #1》(Think Evolution #1: Kiku-ichi (Ammonite))，2016-2017。藝術家、久保田雄藝廊(MAHO KUBOTA GALLERY)提供 展出作品呈現能提供多樣策略的設計物件和概念，解決損壞自然所帶來的相關問題，來幫助人類去修復與其他物種的共享環境關係。不僅是生態環境危機的緊急難題，例如污染、材料消耗、全球暖化，也包括像是家庭、性別、種族、階級、民族等基本制度和概念的議題。同時展覽內容，呈現設計師、工程師、藝術家、科學家之間存在的共享關係，以及這些不同領域間持續相互合作、影響下所產生的設計。 像是為了解決來自多樣的環境壓力、海水升溫造成珊瑚大規模死亡，全球正在開發新的養殖方法，種植不同珊瑚物種，直到可以將珊瑚移植回天然珊瑚礁為止。來自澳洲的亞歷克斯·高德(Alex Goad)在2013年的設計作品《MARS》(Modular Artificial Reef Structure)，以3D打印樹脂模具的晶格系統，作為陶瓷模塊化的人工礁結構。在沉入水底之前，珊瑚片會附著在這結構上，就像是一座堅固的骨架，讓移植珊瑚可以在其上生長。《MARS》提供複雜幾何造型為許多其他依賴珊瑚礁的物種，如魚類和軟體動物，以及更廣大的珊瑚礁生態系統提供保護性棲息地。  有些作品專注在廢棄物的議題。把廢棄物作為可大量獲取的材料，從新資源的角度來看待、運用。英國設計師亞歷山大·格羅夫斯(Alexander Groves)與村上梓(Azusa Murakami)組成的彘工作室(Studio Swine)，他們的作品《罐子城的棕櫚凳》(Palm Stool from Can City)是街上拾得的廢棄物件，有棕櫚葉、陶瓷磚、籃子底部等。在廢棄的籃子底部填滿沙，再將不同物件壓印翻模，做成鋁凳的模具。這件移動式鑄造裝置，以食用油為燃料，熔化從城市街道上收集的鋁罐，作為各種造型的棕櫚凳子。《罐子城的棕櫚凳》靈感是來自巴西聖保羅的地下拾荒經濟，由拾荒者收集回收物件放在拉車上，再拿去回收。  英國彘工作室(Studio Swine)，《罐子城 市的棕櫚凳》(Palm Stool from Can City)，2013。藝術家提供 廢棄物議題也有討論運用新科技和材料，開發製造和建造新方式，讓廢棄物能回收再利用。像是法國阿爾勒(Arles)的路馬工作室(Atelier Luma)是藻類實驗室，專注在探索微藻和大型藻類的生物材料潛力。此次展出的 2019年設計計畫《藻類地理》(Algae Geographies)，是路馬工作室採購當地海洋植物，在實驗室進行種植、混合、乾燥階段，要創造替代石化產品的塑料，同時扮演能吸收二氧化碳排放的材料。路馬工作室團隊製作區域內資源、專有技術、文化檔案的網絡，進一步與地中海區域的設計師和在地社區合作，重振當地經濟。  也有作品以想像實驗的方式提出解決問題的設計方案，像是美國建築師穆斯塔法·法魯基(Mustafa Faruki)所創立的實驗室實驗室(theLab-lab)以建築想像圖取代實際建造的設計。實驗室會依照匿名客戶不同的要求，以建築數位繪圖作為一種溝通的媒介，依客戶所想的設施視覺化。此次展出許多想像方案的建築數位繪圖。除此，也有以批判性設計(critical design)來思考解決生存方案的作品。 穆 斯塔法·法魯基(Mustafa Faruki)，實驗室實驗室(theLab-lab)。《匿名客戶的接收供應設施》，2018—至今。藝術家提供 來自英國設計師、目前任教紐約新學院的安東尼·鄧恩(Anthony Dunne)和菲奧娜·拉布(Fiona Rab)共同組成鄧恩&拉布工作室(Dunne & Raby)，專長就是批判性設計。他們展出2009年的設計計畫《為人口過剩星球的設計：覓食者》(Designs for an Overpopulated Planet：Foragers)，討論人類未來獲取糧食的方式需要從根本上重新思考。 MoMA展場平台上放置著鄧恩&拉布以玻璃強化塑膠材質打造鮮豔綠色的物件，十足的未來感造型，其實是在人體以外的腸胃系統裝置。連結到人體周圍外在環境，進行「外包」的糧食資源，這項裝置協助人類在人口過剩的地球 覓食，甚至消化人類無法食用的東西，像是粗韌的根和纖維素物質，但是這些卻是其他哺乳動物和鳥類賴以生存的食物， 甚至人類祖先在早期也能夠食用。 《損壞的自然》MoMA 展覽現場，圖為鄧恩&拉布工作室(Dunne & Raby)2009 年作品《為人口過剩星球的設計：覓食者》(Designs for an Overpopulated Planet: Foragers)© 2020 The Museum of Modern Art。攝影 Robert Gerhardt 看完紐約MoMA版的《損壞的自然》，也許設計真的能夠解決某種因人類文明所產生的問題。從這些展出的案例，策展人安東內利認為，從復育急速死亡的珊瑚礁，到思考為人口過剩的星球提供糧食的場景，設計、建築一直以來能夠在不同階段、背景、環境下，橫跨時空並迅速推動建設性的改革。 然而，如果我們對於自然環境的關係仍是以「取得資源」為出發， 要如何如他所言，設計可以改變人類行為，或是自然環境的行為？《損壞的自然》展出的《蜜蜂計畫》(BEE' S project)讓我萌生這樣的問題。《蜜蜂計畫》是目前任教倫敦的葡萄牙設計師蘇珊娜·蘇亞雷斯(Susana Soares)在2007年的設計和科學計畫，運用蜜蜂獨有的精密嗅覺，訓練蜜蜂來作為人類醫療疾病、懷孕診斷的有機測試。展場裡三件工藝精緻的玻璃製品，其實在真正使用時，裡面會有受人類特別訓練的蜜蜂，來作為不同用途的醫療測試。 看著《蜜蜂計畫》美麗的玻璃物件，讓我想起幾年前全球各地原生種蜜蜂大量死亡，各地的數據都不同，最高數據大約是30-40%。主要原因包括棲息地、化學農藥的使用，沒想到我們熟悉的蜜蜂有一天居然也會成為可能瀕臨危機的物種。蜜蜂族群數量下滑，導致各地農場缺少蜜蜂作為農作物授粉的重要媒介，也意味著人類世界糧食供給也發生問題。那麼，蜜蜂作為醫療測試的用途，顯得有些 超現實。  朱亞·奧曼(Julia Lohmann)。《因為這很重要》，2013。海帶植物裝置， 2019 米蘭三年展《損壞自然》裝置現場。米蘭三年展(Triennale di Milano)提供。攝影 Gianluca di Ioia 如果整體大環境的基本面沒有獲得改善，如聯合國教科文組織所言人類僅剩10年不到的時間，設計真的能保護人類免於生態大浩劫所帶來不宜人居的狀態？除了設計作為解決方案之外，近年國際趨勢很多朝向規劃生態保留區，作為讓自然環境免於浩劫的方法之一。所謂生態保護區，是免除、降低人類活動對環境的干擾。 以美國拜登政府舉例來說，年初頒布對應氣候危機的行政命令，其中一項是暫停所有公共土地上的新油氣租賃。其中最深具野心的政策目標，是在2030年前分別保護30%的陸地、30%的沿海海洋，作為自然保留區。2019年美國《國家地理》雜誌報導，中國將以生態廊道區的概念設置大熊貓國家公園，其規模是美國黃石公園的3倍，橫跨不同省份，目前試點區總面積2.7萬平方公里，跨越四川、陝西、甘肅3省12市30縣，因為動物沒有省份的概念，只有隨著自然韻律遷徙移動的原始生存本能。 凱利·賈茲瓦克(Kelly Jazvac)。《塑料異構體》(Plastiglomerates)，2013。凱利·賈茲瓦克提供 雖然是大熊貓國家公園，這生態廊道保護的不只是熊貓，還有其他珍貴的野生動植物，像是雲豹和金絲猴等。一位台灣海洋科學家曾跟我說過，台灣大多數溪流，都早因為水泥攔沙壩的設置成為階梯式溪流，對我們來說是溯溪的好步道，但是魚如何在階梯式的河川水中游？他認為修補大自然最好的方式就是不要理它，讓自然自己療癒。 經濟發展和生態修復之間總是棘手的政治問題，「修復性設計」也許是人類一起作為損壞自然共犯的良心行為。  撰文」Chia-Ling Lee 

天蓋地的紅色毛線如血液織繫著輕舟、黑色則如同夜空包裹燒焦的鋼琴，這樣夢境一般的場景，是塩田千春最具代表性的系列作品。作為 25 年創作生涯最大型且全面性的展覽，本展由日本東京森美術館館長片岡真實（Mami Kataoka）策劃，展出超過 100 件雕塑、行為藝術錄像、攝影、素描、舞台設計及其相關圖稿等，2019 年在森美術館展出時，130 天內吸引超過 66 萬人參觀，藝術如何走出學院受到普羅大眾歡迎？一如展覽名稱「顫動的靈魂」，塩田千春的作品不僅給予觀眾直面靈魂的震撼，更象徵著藝術家看似纖細卻無限漫延的生命。 《去向何方？》。攝影」林冠名   此次移師台北市立美術館，樓高、動線、空間氛圍皆與森美術館不同，作品都是到現場研究完空間之後，思考觀眾的感受，再重新編製。策展人片岡真實亦說明，作品呈現依據空間會有所更改，如入口處的第一件作品《去向何方？》，一艘艘以白線細密纏繞的船懸吊半空中，緩緩向上航行，卻看不見最終目的地，藉此意味著現代人每日收到過多資訊，卻受其迷惑，反而不知道該去向何方。此作在森美術館安排於入口的電扶梯上方，利用燈光照明襯托，觀者從下方隨著白舟而上抵達展覽。但在北美館則安排在入口長廊處，觀者則是沿著白舟向前，兩側為大面落地窗，利用自然光與玻璃倒影襯托展品如夢似幻的氛圍。   提到塩田千春，多數人腦中會浮現的第一幅作品即是《不確定的旅程》，透過滿室的紅線彼此糾纏表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態，映照出藝術家內心世界的一角。鐵製的船則來自塩田小時的回憶，每次回到位於高知的老家時，都必須坐一個晚上的船，船上那種搖晃、不安的感覺帶給她相當深的印象，如同渺小的人類處於浩瀚的宇宙中。 《不確定的旅程》。攝影」林冠名 塩田與紅線的緣分開始於2015年威尼斯雙年展的作品《手中的鑰匙》，她提到，日本與台灣對紅線都有相同的意象，便是牽起人們的緣分，除此之外，紅線也能代表血液、血管的顏色。除了紅色，塩田的作品中也常使用黑或白的線條，她將立體空間視為畫布，以作畫的概念創作，因此作品中常使用黑線描繪框線。而白色象徵純潔、從什麼都沒有的空間開始，卻也代表著結束、死亡，同時具有起始與結束的意含，成為她較常使用的色彩。   藝術中的死亡與重生 塩田千春將生命歷程完全袒露於展品中，展覽特別展出她的第一幅畫作─《蝶倚向日葵》，童稚的線條與色彩出自 5 歲的塩田，她描述彼時連自己的名字都不會寫，卻已經能繪畫，12 歲時便立志成為藝術家，一路學習、磨練技巧從未放棄藝術之夢，但進入京都精華大學美術學院就讀油畫科後，她卻開始徬徨，發覺自己不管怎麼畫都會有其他人的影子。 《成為畫》。攝影」林冠名 作品《無題》是她的最後一幅油畫作品，放棄畫筆後，某天晚上她做了一場夢，在夢中她成為一幅畫，不停思索著如何移動身體才能成為傑出的作品，醒後她將夢境場景化為行為藝術作品《成為畫》，以畫布包裹周身，並潑覆紅色瓷漆，瓷漆接觸皮膚不僅難以清洗，更會造成傷害，但對塩田而言，這是她首次將自身全部投入，真正地展現出她所欲表達的情感。此後她開始創作裝置與行為藝術，如第一件嘗試用線跳脫二維空間的創作《從 DNA 到 DNA 》，是她感到蛻變重生的轉捩點。展覽依時間順序將《蝶倚向日葵》、《無題》、《成為畫》與《從 DNA 到 DNA 》等 4 件作品並列，呈現出塩田千春藝術生涯的初始，死亡，與轉型的重生。   塩田的創作始終與生命經驗緊密扣合，探索諸如死亡、生命、記憶、界線、身分認同等普世都會有的疑問，呈現出糾結、纏鬥等難以表達的情緒。如《靜默中》便來自藝術家9 歲時的記憶，看見鄰居家因火災而燒黑毀壞的鋼琴，帶給她相當大的畫面震撼，20 年後將其化為作品，黑色的絲線由鋼琴中向外延伸，塩田以細線代表音樂，呈現出鋼琴彈奏的模樣。展牆上她寫下「有些事物深深沉入我的心底，有些則無論多麼努力嘗試，也難以物質或語言的形式捕捉其樣貌。但它們卻是沒有形體的存在，一如靈魂。」 《靜默中》。攝影」林冠名 1996 年塩田千春前往德國就學並遷居柏林，那時圍牆倒塌不久，整個柏林瀰漫著一股特別氛圍，分別 28 年的東西德各自有不同的文化，撞擊出新的想法與機會，吸引許多藝術家前往。她思索著這些擁有相同國籍、說著相同語言的居民，如何看待生活、看待彼此？她跑遍大大小小的工地，蒐集了被丟棄的舊窗戶，在作品《內與外》以象徵交流的窗戶建構出一道圍牆，反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變。 《內與外》。攝影」林冠名   連結靈魂的細線 被策展人片岡真實形容是「沒有展出、不創作會活不下去的人」，在 2017 年收到森美術館辦展邀請時，塩田心想「活著真好！」老天卻在此時給予一個殘酷的考驗─她被診斷出癌症復發，歷經半年的治療後，塩田隨即投身於展覽準備之中。她描述治療的過程，人躺在病床上接受一個個不同的醫療儀器與療程，身體越來越健康，但靈魂卻感覺跟不上身體，身體彷彿不是自己的，她開始思考，當下的這些想法與情感，在肉體消失之後會去哪裡？本次展覽中的最新作品《外在化的身體》即呈現出藝術家的徬徨，以紅色網狀牛皮連結攤放的手腳青銅鑄模，藉此與身體對話，表達身心碎裂的束縛感，呈現出想要聯接靈魂與肢體的渴求。   在被診斷出罹患癌症後，塩田開始思考靈魂，因此展場動線的最後一個作品即選擇《關於靈魂》，在影片中她從寵物切入，一題題深入詢問這群德國孩童：「靈魂是什麼？靈魂在哪裡？是什麼顏色？動物是否有靈魂？人死後靈魂是否會消逝？」等問題。塩田分享，這件作品的創作動機來自她女兒，癌症復發時，女兒才大約 10 歲，身為母親，她非常擔心自己不在後女兒怎麼辦，孩子會怎麼理解死亡，她也很好奇跟女兒差不多時代的孩子們怎麼思考靈魂這件事情，因此才有了這個計畫，也透過影片召喚觀者一同思索存在的意義。 《外在化的身體》。攝影」歐陽青昀 劇場作品 除了視覺藝術創作，本次展覽更特別展出塩田千春為9部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計的作品，展覽中分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。塩田表示，舞台設計與藝術作品最大的差別在於觀眾的時間性，美術館不太會限制觀賞的時間與角度，但舞台有固定的表演時長，觀眾僅能坐在座位上欣賞，因此如何在種種框架內呈現視覺震撼及表演主軸，成為每次設計的重點之一。 在創作時，她會特別重視表演者與舞台的積極關係，如 2011 年創作歌劇《松風》舞台時，她以黑網在舞台上築起一件跨距達 14 米、高度 10 米的巨型裝置，舞者們可在網上交錯攀爬。此外，與藝術創作不同，舞台設計需要與整個團隊合作，需要多方配合、參考他人意見，塩田非常享受這種和眾人一起創作的感覺。 劇場設計展區。攝影」林冠名   本次疫情中佈展，也是一次團隊合作的精彩作品，塩田先與 7 位團隊人員來台隔離 14 天，同時間北美館事先完成展場隔間、硬體等施工，塩田團隊則以技術顧問性質指導台灣約 50 人的專業團隊佈展，如何將錯綜複雜的細線拉好、做出藝術家希望的效果，在時間與默契的培養下逐漸加快流程，花費約兩周的時間通力合作完成本次盛大展覽。策展人片岡真實提到，在疫情下，許多美術館都只能改以線上虛擬方式，但她認為實體美術館有其重要性，親身體驗、沉浸於藝術品空間中，會帶給人與照片完全不同的感想，希望本次的展覽能為觀眾帶來思考生命的契機。   塩田千春：顫動的靈魂 日期」2021 年 5 月 1 日至 10 月 17 日 地點」台北市立美術館 1A、1B 展覽室（台北市中山北路三段 181 號） 資料及圖片提供」台北市立美術館 撰文」林慧慈