當浪漫的春天離去，熱情的夏季到來，人們的心境似乎也隨著季節的轉換而起伏。夏天，除了學生們迎接期待已久的假期，也是世界各地的旅遊旺季，而英國倫敦海德公園內的蛇形藝廊也在這熱情高漲的夏季裡，展開一年一度的藝術盛事—夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）。 展亭外觀。© Counterspace Photo: Iwan Baan 「蛇形藝廊」是位於英國倫敦海德公園內，肯辛頓花園蛇形湖畔的一座美術館，自2000年的夏季開始，藝廊每年會邀請享譽國際的設計團隊，在藝廊前打造一座為期三個月的臨時建築展館，被稱為蛇形藝廊夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）。2021年，此計畫邁入第20個年頭，今年邀請來自南非Counterspace事務所的建築師Sumayya Vally負責操刀設計，而她也是計畫實施以來受邀最年輕的建築師之一。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 來自南非的女性設計師Sumayya Vally Counterspace事務所是由Sumayya Vally、Sarah de Villiers與Amina Kaskar三位生於1990年的女性建築師，在2015年共同成立的建築工作室，他們的作品不僅關注包容性、他者與未來，設計靈感更是來自他們的所在地—南非最大的城市約翰內斯堡（Johannesburg），期望將非洲大陸的歷史文化透過藝術、建築、設計等多元形式展現。年僅30初頭的Sumayya Vally，透過獨特的設計思維與視角，不僅被視為新生代建築師中的明日之星，更被紐約《時代雜誌》選為2021 TIME 100 NEXT。 設計師 Sumayya Vally。Photographed by Justice Mukheli in Johannesburg, 2020. © Counterspace 在南非學習建築設計的Sumayya Vally，長期關注身份、社區、歸屬感等社會議題，在設計上，她不斷跳脫西方的傳統思維，將南非獨有的文化語彙注入於作品之中；從她過往的實踐至2021年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion），不難發現她的創作皆是圍繞著不同的歷史、族群以及對各樣聲音的觀察和發聲。Sumayya Vally提及，她大部分的靈感來自於約翰內斯堡的精神、面臨的挑戰和機會；她的童年常待在由祖父經營位於約翰內斯堡市中心的店裡，她清晰的記得，她小時候遊走在城市街道時，觀察到各式場所、活動以及文化勢力的那股激動和震撼。所以，當她被邀請作為此次展亭計畫的設計師時，她就希望能藉由這個機會，向其他和她一樣擁有不同文化脈絡的人們展示，他們能為世界帶來不同的面貌。 “ 建築所扮演的角色，是吸收、反射並轉化我們在世界上的定位。 ” 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 靈感發想：倫敦移民文化與跨文化 因新冠疫情的影響，2020年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）延期至2021年舉辦；然而，這一年的停歇卻也讓Sumayya Vally有了更多的時間以及空間反思展館設計對於大眾的意義。 展亭外觀。© Counterspace Photo: Iwan Baan 展亭的設計是依據在過去和現在的倫敦城市裡，用來作為聚會、組織、和具有歸屬感的地點。展亭的造型輪廓是將多個地點的建築元素，透過抽象化、相加、疊加、切割而成的結果，將倫敦的形狀轉化爲展亭的結構重新組合再現於海德公園內。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan Sumayya Vally以布里克斯頓（Brixton）、霍克斯頓（Hoxton）、哈克尼倫敦自治市（Hackney）、哈姆雷特塔倫敦自治市（Tower Hamlets）、埃奇威爾路（Edgware Road）、巴金-達根罕倫敦自治市（Barking and Dagenham）、佩克漢（Peckham）以及諾丁丘（Notting Hill）等，這些對於倫敦移民和跨文化極為重要的社區鄰里中的市場、餐廳、工作室、書店、當地文化機構的建築為參考。例如，市內最早建造的Fazl清真寺以及東倫敦清真寺、哈克尼倫敦自治市的Centerprise合作書店、Dalston Lane的The Four Aces Club、Mangrove餐廳、諾丁丘嘉年華會等，Sumayya Vally希望擷取這些歷史精神並透過設計與其致敬。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 展亭是由再生鋼、軟木和覆蓋微水泥的木材建造而成，並參考倫敦建築在光線下的變化，選用不同質地以及色相的粉和棕色色調呈現。Sumayya Vally期望它不僅是一個展館建築、一個藝文活動，而是她為倫敦市民打造的一個新聚會場所。 延伸至展館外的結構裝置 擺放在德普特福德（Deptford）The Albany藝術中心的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 2021年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）也首次踏出蛇形藝廊，將展亭建築部份結構的小型裝置擺放在四個激發展館設計的地點，以表彰它們對於社區的貢獻和支持，分別是芬斯伯里公園（Finsbury Park）內英國首間黑人出版商與書販的New Beacon Books、諾丁丘（Notting Hill）的文化藝術／娛樂場地The Tabernacle、德普特福德（Deptford）的藝術中心The Albany以及Valence圖書館內的Becontree Forever Arts and Culture Hub。 擺放在Valence圖書館內的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 擺放在芬斯伯里公園（Finsbury Park）內New Beacon Books的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 擺放在諾丁丘（Notting Hill）文化藝術／娛樂場地The Tabernacle的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 2021年的倫敦蛇形藝廊夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion），已於6月11日盛大開展，並開放至10月17日，期望在疫情下為世界和倫敦市民帶來一些慰藉和希望。 2021 倫敦蛇形藝廊 Serpentine Pavilion 展期」2021年6月11日至10月17日 10：00～18：00 網站」https://www.serpentinegalleries.org 資料及圖片提供」Serpentine Galleries  撰文」歐陽青昀

《環城 The Circle》比鄰瑞士蘇黎世機場（Zurich Airport），其宏偉而醒目的環形外觀是瑞士最大的建築之一。日本建築設計師山本理顯，打破以往建築設計的傳統框架，將這個多元服務空間打造成一個具有城市系統的圓環，並藉由象徵和諧與完美的圓形設計，來體現瑞士在建築與規劃方面的嚴謹。   環城鄰近蘇黎世機場，擁有便捷的交通系統；同時坐擁大片Butzenbühl 綠地，與周圍環境和諧共存。 建築群由小巷及廣場交錯而成，蜿蜒的公共通道串聯大大小小的廣場，並連接鄰近的機場和Butzenbühl綠地，使建築的各個單位能有系統地與環境集結成一個整體，構成一座小城鎮。 環城巨大且醒目的圓形外觀以密閉的幕牆系統覆蓋，此項目不僅作為蘇黎世的城市新標記，並發展出一套城市系統。 在交通層面，環城坐擁優越的地理位置，擁有便捷的交通系統；而在服務方面，此項目著重於商務與生活品質，涵蓋精品、餐廳、會議廳和頂級酒店等多元空間。這些內涵的組成，不僅讓大眾看見環城在城市中的重要性，也透過建築讓蘇黎世與世界建立深刻的連結，成為蘇黎世的鮮明標記。   建築上方的屋頂花園和露臺為環城的第五立面，地面以石板鋪設，欄杆則為玻璃設計。 小城街景的實現 此項目在施工、建築結構與建材尺寸等方面皆根據建築方格網(building square grid )布設，以確保整體規劃的準確性。再加上建築構思運用連貫性概念串連，使複雜的城市結構與建築脈絡能具有更加彈性且統一的規劃。   此項目主要以蜿蜒的小巷和廣場規劃出城市街景，通透的雙層玻璃帷幕設計讓室內空間能與戶外進行對話，以及優化室內採光，地板則使用石板鋪設讓環城的形象更加具體。 環城的大門入口設置在面朝機場的地面層，穿越階梯、斜坡或電梯後，則可通往建築前方的Butzenbühl綠地。小巷與廣場在環城中肩負靈魂角色，它們貫穿了此項目的所有區域，作為遊客行經的主要路徑。環城裡，地面和立面皆選用高品質建材，並藉由簡潔的樣貌讓各租戶的店面在呈現品牌特色的同時，也能與建築本身的設計和諧呼應。 環城的整體基礎結構皆為縝密而和諧的系統，連貫性設計也讓建築功能更加具有彈性和統一性。 在小巷與廣場的交滙處，地面採用小型的方形石板順著蜿蜒道路而鋪設；廣場中央則鋪設大型的天然石板，與周圍的小型石板連接，並且示意場域轉換。小巷內的梯座坡度一致，踏階延續小巷地板的特色，採用天然石板順應步寬與步長而鋪設。整齊劃一的石板設計，沿途林立的商店群像，高度起伏的動線變化，讓遊客恍若走在小城街景上。 廣場中心的地板以大面方形石板鋪設。 面面俱到的微城市規劃 建築的玻璃圍幕是環城的一大特色，團隊採用瑞士創新的密閉幕牆系統（Closed Cavity Facade, CCF），運用雙層玻璃幕牆包覆環城的所有子區域，不僅能達到優化室內採光、無阻通風的效果，亦使建築群能夠與周遭環境對話，映現出周遭風光。 租賃區域的店面設計皆交由租戶設計，讓店家各自展現品牌特色。 此項目的立面設計主要分為兩個範圍，一個是面朝綠地的垂直立面，包含山坡、小巷和廣場；另一個是面向交通系統的外突立面。垂直立面的部份呈現建築的高度，同時發展出結構可能的深度，突顯出建築量體的邊緣。外突的立面線條則圍覆著建築朝向機場的環形區域，構築出建築雄偉的姿態。 會議中心的大型會議廳採用對稱式設計，豐富了空間的層次感。 遊客在環城內可體驗２種空間型態：「城市規模 Urban scale」與「人文尺度 Human scale」。就「城市規模 Urban scale」而言，山坡及環側皆屬於此一範圍，建築表面均採用雙層玻璃幕牆設計，並將擁有高光澤度的鋁板覆蓋在上方作為護欄，以提高外牆的隔熱和防曬效果。 Butzenbühl 綠地為環城的項目之一，蘊含森林、草地和濕地等自然景觀。 在「人文尺度 Human scale」部分，則以小巷決定環境，垂直通道、玻璃電梯、入口大廳，以及不屬於品牌商家的租賃區域，皆按照城市規模的標準立面和密閉幕牆系統的規則作規劃。由於品牌商家是人文尺度的重要組成元素，並且佔據了環城大部分的空間，因此設計團隊精選高品質的建材來建構形象與外觀，租賃空間則交由租戶自行完成，令商店百花齊放，並呈特色。在這些涵蓋人文尺度的空間中，採用玻璃屋頂與城市規模的立面形成連結，完整了整體項目。   會議中心與綠地 會議中心的大型會議廳是環城不可或缺的重要元素，其恢宏的格局總共可容納1,500人，透過落地摺疊門可將空間彈性區劃出3間獨立小型個室。會議中心大廳以潔白的梯形結構作為空間特色，它採用預製的坡形白色混凝土組建而成，而裝設上方的玻璃屋頂能引入自然光線，兼具視覺美感同時提升室內採光。另外，在傾斜處與隔間牆之間的壁龕巧妙地隱藏了機械設備工程，使空間更形簡潔俐落。 Butzenbühl 綠地的地板同樣以天然石塊鋪設。 除了環城本身雄偉的建築外觀，旁鄰的Butzenbühl綠地也是此項目的特色環節之一，綠地不僅平衡當代建築與環境景觀的關係，同時也吸引民眾親近自然，共同體驗明媚的自然景觀。Butzenbühl綠地的地面延續著環城市的小巷與廣場設計，同樣採用天然石塊鋪設。此外，設計團隊為Butzenbühl的濕地規劃施作與水面齊平的步道，讓民眾近距離感受公園裡寧靜的水景風光。 自行車車道位於環城外側與公路的邊界牆之間，幕牆以鋁製擴張金屬板製成。 設計師簡介 山本理顯（Riken Yamamoto） 日本建築師，1968年畢業於日本大學理工學部建築學科，1971年取得東京藝術大學院建築博士學位，並於同年在東京大學生産技術研究所繼續學習。1973年創立山本理顯設計工場。 圖片提供與版權」Riken Yamamoto & Field Shop 撰文」紀奕安

7月初的台北街頭，出現了一間令人眼睛為之一亮的新地標。由全台灣最大的咖啡原物料供應商－源友企業，成立的品牌「CAFE!N」，特地邀請曾設計全球知名咖啡品牌「％ARABICA嵐山店」的設計師Elson與其團隊MIZUIRO Design水色設計回台操刀全新旗艦門市，企圖引領台灣咖啡場域的新浪潮。《室內》雜誌隔海專訪設計師Elson，與讀者分享他的設計理念，以及他對美好生活的想像藍圖。   MIZUIRO Design水色設計   / 林正斌Elson 黃詩茹Lucy MIZUIRO =ミズイロ=水色。水清無色，純淨透明，「水色」是形容水的狀態：凝結、融化、蒸發，自然的存在於生活環境中，環境的變化讓水有了循環、讓水有了生命，雙方共生共存。MIZUIRO的設計期望如同「水」的本質，風格簡潔清晰、造型多變卻有內涵；概念自然流露卻不矯揉造作，讓設計能在不同的空間之中因應環境而變化，發展出自己最適合的型態。 CAFE!N旗艦店選址於三角窗，是經營商業空間的絕佳地點。 喝咖啡，儼然已成為時下社會一種新的生活方式，它是一種體驗、一種享受。城市中隨處可見的咖啡小店，不僅豐富了街邊景象，透過舌尖品飲來自世界各地的咖啡風味，也是現代人在忙碌工作之餘的心靈綠洲。而咖啡生豆的質地越硬，代表品質越好，這也是「CAFE!N」品牌命名的靈感來源，藉由母公司堅強的咖啡「硬實力」，提供消費者美味的味覺饗宴，設計師Elson表示，由於本案為品牌的旗艦門市，在設計發想上，他注入一個全新的概念：「CAFE!N × L!FE」，希望透過生活感的塑造，讓門市與消費者的互動更為密切且多元。   格局再造與店面角色的再定義 Elson認為，1樓的空間是拉近消費者距離的第一線，也是店員最容易與之產生互動的地方，但原有基地的1樓卻保留著通往2樓的巨大樓梯，不僅佔掉了絕大部分的面積，也因為建物本身並非方正造型，導致在規劃服務機能時，必須浪費掉許多畸零空間，在與業主溝通後，儘管需要增加不少預算，業主依舊支持設計師重新規劃樓梯細節；且為了不壓縮店員操作動線的餘裕，Elson嘗試將吧台外推至門面，讓店員們在服務時的專業形象，成為門面視覺的一部分。   為提供店員流暢的作業動線，設計師重新整理1樓布局。 Elson表示，此次旗艦店重新定義了CAFE!N與城市的關係，他反其道而行，跳脫傳統商業空間張揚、引人注目的調性，而是賦予店面安靜、簡單、低調的個性，企圖弱化其於城市中的存在感，把「有」留給環境，店面則呈現「無」的角色，因此設計師取消過往設計中常見的黑色、木質色等，改將白色放大，藉此讓城市與店內所上演的故事，有著更具張力的感受。 牆面以白色紙漿代替壁紙，增加紋理和材料的變化。 此外，搭配著空間中的細節，如用油漆滾筒塗刷的白色LOGO浮牆，牆面以白色紙漿代替壁紙，呈現出的紋理和質地皆有微小的差異，也讓空間縱然低調，卻擁有多種層次。除了沉靜內斂的形象外，Elson更主張旗艦店必須更貼近消費者，硬體之外更需要加入「人」的豐富情感，大家都能找到與環境互動、對談的方式，並了解隱藏其中的設計意涵，讓處處充滿著生活的體驗感！   手作溫度豐厚了空間生命力 生活感，是CAFE!N旗艦店十分重要的環節，設計師由此延伸出材質設定，「手作」是不可或缺的部分。如同生活，滿盈著質感也具有變化；如同生活，完美之中總伴隨著些微不完美；如同生活，需要用心體驗才能感受深層的美好，Elson特地選擇由職人手藝鏝抹出的地坪水泥粉光、一層層塗抹而成的立體LOGO油漆、由外帶杯架（環保紙漿）相疊製成的立體驚嘆號，又或是串接上下樓層的紙漿牆面，這些無法復刻出相同模樣的語彙，正是設計師希望呈現的生活痕跡。 由職人層層塗抹而成的立體Logo牆面，讓空間多了手作的質感。 CAFE!N旗艦店基地位在三角窗邊，無論是由內而外，抑或是由外至內，都有著良好的視野，是絕佳的開業場所，為了不破壞周遭環境，以及維持設計本身的簡約概念，立面未做過於顯眼的裝飾，而是於室內創造猶如招牌般的「標的物」，立體驚嘆號便應運而生。 以外帶杯架製成的立體驚嘆號，不僅是品牌的識別，也成為空間中引人注目的焦點。 設計師解釋道，驚嘆號不只是裝置藝術，除了與人產生互動外，也應為環境著想，遂利用環保紙漿形塑，達到環保永續的目的；而符號的凹凸造型，在製作時需經過層層疊砌方能穩固結合，並突顯出堆疊後的細節，也因為選擇回收材料，再製時難免會有厚薄不一的現象，但Elson認為這樣的效果更加真實地表現出「生活中些微不完美」的設計理念。   為確保空間的通透性，在家具的配置上，設計師以「減低數量、簡化空間、視覺活潑」等三大面向作為主軸，藉由減少單張桌椅，讓整體布局較為簡化，也能更直接的表現設計力道；利用薄板製作的金屬家具佐以簡易的折角設計，除可穩固結構外，亦使輕盈感受貫穿其中。 有機式的座位安排，帶來更多元的配置彈性。 設計團隊從不同層次、造型、家具著手，以提供多元視覺角度供消費者體驗，人與人、人與空間之間的互動，可以讓店面的氛圍更為活絡；再者，所有商業行為的構成中，消耗及浪費必定會發生，面對這種無可避免的難題，Elson也期望可以從每次的設計中，一步一步尋找到適宜的解決方式，就好似由回收材製成巨型立體驚嘆號裝置，便是設計師和品牌對於環保的實踐。 由1樓向上仰望樓梯與立體裝置藝術品。   資料及圖片提供」MIZUIRO Design水色設計 採訪」陳映蓁

還記得每回搭乘飛機時雀躍又期待的心情嗎？在抵達旅途目的後，機場便是首個與當地接軌的地點。機場不僅做為與國際連結的樞紐，亦是體現國家的人文風情，為每位踏入機場的旅客帶來深刻的第一印象的重要國門。 「視覺之門」文化藝術展於東京國際機場（羽田機場）與成田國際機場展開，邀請各國旅客共同探索日本文化及歷史魅力。（圖片提供：Takashi Kawashima） 2021年2月9日至9月，日本文化廳於國內7個國際機場和１個港口舉辦文化藝術展，以「CULTURE GATE to JAPAN」為企劃主題，使機場和港口成為旅客初步了解日本文化的入口。每個展區皆邀請現代藝術家及設計師運用裝置藝術或影音媒體的形式，來詮釋日本各個區域的歷史背景與文化特色。即使受到新冠疫情的阻礙，短期內難以實現自由旅行，各地民眾依然可透過官網資訊共同體驗富含日本文化底蘊的藝術饗宴。   視覺之門（Vision Gate） 以凌空視角揭開藝術序幕 保拉·安特那利／紐約現代藝術博物館建築與設計部資深策展人兼MoMA現代藝術博物館R&D部研發長。（圖片提供：Marton Perlaki） 東京國際機場（羽田機場）與成田國際機場在美國資深設計師保拉·安特那利（Paola Antonelli）精心策劃之下，以「視覺之門（Vision Gate）」為主題，於2021年初揭開展覽序幕。保拉·安特那利將自身搭乘飛機和旅遊的經驗融入策展構思，期望透過裝置藝術和影片來呈現搭乘飛機所見的景致—雲層及河川，讓觀展的民眾能擁有深入其境的體驗，同時藉由展示作品來發掘日本文化過去至未來的視覺感官，深入探索這個島國的歷史背景與文化魅力。   裝置藝術 擁擠的雲（Crowd Cloud） 創作者」鈴木有理、細井美裕 2位聲音藝術家鈴木有理和細井美裕攜手合作，共同打造結合視覺與聽覺藝術的裝置。這朵運用68隻高低不一的喇叭構築而成的人造雲朵，收錄並播放旅客在機場迎客大廳與親朋好友對話，使人能夠用心去傾聽日本這個民族的真實聲音。 「擁擠的雲」象徵視覺之門的大門，結合視覺與聽覺藝術，迎接每位抵達機場的旅客。 而在視覺效果的部分，喇叭特別選用「蒔繪（蒔絵）」常用的色彩漆覆外觀，在宣揚日本傳統工藝技術的同時，也與在地的藝術文化連結。藉由現代藝術作品與傳統藝術融合，使人們對於日本歷史演進的概念更加具體化。 鈴木有理／藝術家、設計師及音樂家，同時是五角設計聯盟（Pentagram）的合夥人。 作品設計靈感源自一首名為《歌唱技巧A.I（Vocalism A·I）》的具象音樂作品，是由日本現代知名作曲家武滿徹和詩人谷川俊太郎聯手譜寫出的經典名曲。《擁擠的雲》和《歌唱技巧A.I》這兩個作品皆捕捉到人們周遭無形的情感，細膩地展現言語與聲音的力量。 細井美裕／聲音藝術家。（圖片提供：Ken Hirose） 藝術家認為，語言是文化的一部份，乘載了一個民族的歷史、思想和信仰等多種面向。日語本身便體現了日本含蓄、內斂且謹慎的性格特色，透過言語交流能更進一步地去感受民族的歷史背景與魅力。   多媒體影像 寫實的世代群像   東京主題公園 （Theme Park Tokyo） 創作者」Acky Bright 影片連結」東京主題公園 Acky Bright／插畫家及漫畫家，其作品以傳統的黑白線條聞名。 Acky Bright是一位日本知名插畫家及漫畫家，在「東京主題公園Theme Park Tokyo」這部影片中，他以自身特色的黑白漫畫風格來呈現日本澀谷與原宿的街道景致，全片的表現手法生動活潑，既帶出東京現代科技的發展，也融合傳統的文化元素，讓人耳目一新。 一拍 （Hitoshobu） 創作者」井上純 影片連結」一拍 井上純／其作品將傳統藝術—書法與塗鴉、嘻哈這兩項現代藝術融合，以創造獨特的空間。 影片記錄井上純在掛軸上創作的過程，其作品不僅結合現代塗鴉和傳統書法的技巧，再配合身體的律動，將自身對於「視覺之門」這項主體的觀點，鮮明地灌注在作品之中。 重力花園（Gravity Garden） 創作者」兒玉幸子 影片連結」重力花園 兒玉幸子／擁有物理學科的背景，為首位結合鐵磁流體和藝術創作的藝術家。 擁有物理學背景的藝術家兒玉幸子，運用紅、綠、藍色的螢光鐵磁流體（Fluorescent Ferrofluid），在磁力與重力的作用下，創造出日本的重力花園，同時展現日本的生命力。    TSUGI 創作者」PARTY 影片連結」TSUGI PARTY／一家集結藝術、科學、設計等領域的創意公司。 這項作品涉及氣候變遷和自然生態保護的議題，例如：北極冰因地球暖化，其面積逐漸縮小；森林占地因野火肆虐而逐漸流失。面對環境浩劫，我們該如何應對？PARTY在作品中藉由日本傳統修補技術「金繕修復」，藉由金漆象徵人類的意志修復及環境損失，以喚醒大眾對環境議題的重視，共同去思考並採取行動來改善問題。   滿月之日（Day of a Full Moon） 創作者」茂木モニカ 影片連結」滿月之日 茂木モニカ／藝術家、攝影師及導演。（圖片提供：Monika Mogi） 影片蘊含對日本自然景觀的愛，帶領觀眾一同探索茂木モニカ眼中超凡推俗且神祕莫測的自然環境；同時融入自身對女性強大而獨特的特質的憧憬，紀錄女性的穿著在過去和現在的變化。   古事記 – 天之真名井 創作者」森萬里子 影片連結」古事記 – 天之真名井   森萬里子／當代藝術家。（圖片提供：David Sims） 作品運用電腦產生圖像技術來呈現日本首部文史典籍《古事記》的故事，影片演繹天照大神在須佐之男的十拳劍撒上天之真名井的淨化過程。森萬里子不僅藉由神話故事呈現日本的歷史與傳統文化，亦具有賦予日本生命力的象徵。 圖片提供與版權」Vision Gate 攝影師」Takashi Kawashima 撰文」紀奕安

7月初的台北，人流因為疫情少了些，但街頭卻出現一個令人驚豔的新地標－台灣咖啡品牌「CAFE!N硬咖啡」所打造的「CAFE!N台北民權店」。兩層樓的基地由曾設計全球知名咖啡品牌「％ARABICA嵐山店」的團隊MIZUIRO水色設計操刀，設計師Elson表示，他在本次旗艦店的設計發想中，增加了與一般門市不同的新概念：「L!FE」，期望描繪出一股隨性的生活感，讓店面與消費者能有著更適切的融合。   在概念延伸的材質設定上，「手作」是很重要的一個環節，手作的質感充滿著溫度和變化，需要細細體驗才能感受到其中的層次，Elson除了為CAFE!N旗艦門市妝點上好看的面貌外，更期待於其中添加消費者的豐富情感，讓每一位上門的顧客，都能找到與這個空間互動、對話的方式，並了解其中的設計意義；他發揮為空間敘事的特長，構築出店內多處亮點。   亮點1：巨型驚嘆號 垂吊於天井，以外帶紙杯架（環保紙漿）砌形而成的兩公尺巨大立體驚嘆號，是店鋪中最重要的標的物，驚嘆號作為企業的識別形象，不僅藉此與品牌產生連結，亦可強化過路客的印象，無形中達到廣告效益。 亮點2：無死角視野 三角窗邊的基地穿透明亮，沒有過多結構干擾，由內而外都有著良好的視野，能夠盡享城市景觀。 亮點3：有機式座位 有機式階梯座位及開放性桌椅，削弱傳統對號入座的制式感，人與人之間也能保持適當的距離，不論一人獨坐或三兩好友散坐皆十分自在。 亮點4：純白空間與手作溫度 由職人層層塗抹的手作感立體LOGO牆再次突顯出品牌識別，以薄板製作的金屬家具，透過簡易的折角設計達到穩固效果，整體視覺輕盈簡約，交織出空間的層次和張力。 Elson企圖藉由CAFE!N旗艦門市，向消費者傳遞「互動的美好」，期望從互動中，為店面發掘更多有趣的可能性，也創造出新型態的咖啡場域浪潮。 資料及圖片提供」MISUIRO Design水色設計 撰文」陳映蓁

從惠特尼美術館夜間鳥瞰小島。© Little Island Covid-19 讓紐約所有社交活動停止超過一年半，在紐約 6 月 15 日解封之前，許多空間、活動都逐步開放。其中最引人注目的就是在肉類加工區(Meatpacking District)的54、55號碼頭小島(Little Island)公共空間，選擇在5月21日解封前對外開放。小島到底是什麼？小島的鄰居有哈得遜河公園、惠特尼美術館、以及即將在57號碼頭使用的Google紐約辦公擴建總部，都讓小島成為紐約近期焦點之一。這是一座在曼哈頓西邊河岸舊碼頭位置，重建水面上的公園空間，佔地2.4英畝、南北橫跨近乎6.5公里的哈得遜河岸。許多媒體這樣形容小島：一座漂浮的紐約小島。光以漂浮這樣的字眼形容，就足以讓人想造訪，一探這座小島如何漂浮在哈得遜河上？後疫情的大家，都上網預訂造訪小島的時間，迫不及待透氣，找回紐約的新鮮事。 鳥瞰小島。© Little Island 小島是一座公園，沒有台灣傳統舊式公園的設計：整齊的水泥鋪地、綠色仿竹水泥欄杆、兒童遊樂場必備的溜滑梯、強健身體的石頭步道、半夜打著日光燈管的陰森涼亭、以及疏落榕樹和植物。小島，不僅是公園而已，這是一項集合有趣的建築設計、藝文活動戶外展演場所、海洋植物園、輕食休憩的服務，讓訪客在建築、藝術、文化中感受哈得遜河周遭的紐約風景和河對岸紐澤西景觀。 小島草坪設計。攝影 Michael Grimm © Little Island  從發起、設計、完工，小島建造耗資2.6億美元、耗時10年。由夫妻檔美國媒體大亨巴里.迪勒(Barry Diller)和時尚設計師黛安.馮芙絲汀寶(Diane von Furstenberg)建立的迪勒–馮芙絲汀寶家族基金會(The Diller – von Furstenberg Family Foundation)發起，建造給市民的這座公共空間一半資金來自於他們的家族基金會。當2.6億美元可以買一座遠離世界紛亂的自然小島，或是買下廣大土地作為生態保護區公園，我很好奇這座連結在極致資本開發的曼哈頓島的人工島，如何在全球自然環境光速毀壞、氣候變遷劇烈之中，提供人們嶄新的城市文明經驗？那樣美的感覺經驗是什麼？ 仿丘陵山形的地表。攝影 Michael Grimm © Little Island  結合建築主體、工程設計、景觀規劃 鬱金香花瓣造型的清水混泥土樁柱，應該是網路社群上分享最多的畫面。空中鳥瞰的小島，四方區域有序規劃著不同的環境，讓我聯想到開心農場電玩裡那些方整虛擬的農地。小島有許多曲折蜿蜒的小徑，簡單連結這些空間，這是由英國設 計師托馬斯.亞歷山大.赫斯維克(Thomas Alexander Heatherwick)和其赫茲維克工作室(Heatherwick Studio)所設計的小島建築主體。赫斯維克在紐約著名的設計案是2019年的「Vessel」蜂巢式建築，位於高線鐵道終點屬於紐約市哈德遜廣場開發案(Hudson Yards New York)中的建築之一。小島設計重點是公共空間的公園和世界級戶外演出空間，有面向哈得遜河景夕陽的露天圓形劇場可容納687人，站立空間可容納50人。 小島。攝影 Michael Grimm © Little Island  2013年正式進行小島的設計案，這些混擬土結構柱體，赫斯維克設計靈感來自小島兩側54、55號舊碼頭遺留在水底的木樁體，隨著時間這些舊木樁成為水生生物的棲息角落。小島的設計選擇和舊有木材樁體共存，那些歷史痕跡殘破的木樁 突顯這些鬱金香花瓣水泥樁柱的當代設計感。其實，小島最早的設計提案是將小島空間貼近水面，就像一只漂浮在水面的落葉那樣的概念。最初的設計藍圖和完工遠離水面的結果不同，因小島設計過程經歷2012年的紐約桑迪颶風，這也意外地讓赫斯維克重新思考小島要如何去因應全球氣候劇烈變遷、水患、海平面上升的殘酷現實。新聞訪談中赫斯維克回憶到，步出初期設計提案會議的那天，剛好桑迪颶風來襲，會議結束，風雨越來越大，颶風也對殘存老舊碼頭造成更大的損害。 因此，他和團隊變更原來的設計案，加強堅固結構，增加樁體高度，讓小島主體結構離水位4公尺高，就是為了減少洪水淹沒的機會，因應天然災害。 組裝施工現場。© Little Island  工程人員側量樁體深度。© Little Island  這些不同高低的有機造型樁柱，創造出小島在水面上的「陸地面積」，產生仿山地、丘陵地形等高變化，同時讓訪客在小島上 移動時，藉由上下高度的變化，在小島小小的面積中，能創造出最大空間的經驗。至於鬱金香花瓣造型樁柱的工程，由英國奧雅納(Arup)工程公司的紐約分部團隊負責工程結構設計。每座鬱金香花瓣樁柱的承重不同，大約是250至350噸，這也讓整體景觀設計能依照不同承重的樁頂，選擇不同土壤、植栽、空間機能。 值得一提的是，水泥柱體打入河床上，工程物件都是在紐約在地 工廠預先製作各部分水泥元件，用老派哈得遜河船運的運輸方式到碼頭，再到現場組裝。 所有元件都預先製造，到現場組裝。© Little Island  鬱金香花瓣造型的水泥結構體細部。© Little Island  景觀規劃則是由紐約知名景觀設計公司MNLA的辛葛妮.尼爾森(Signe Nielsen)打造。MNLA在紐約執行許多知名的案子，其中最著名的就是高線鐵道公園，所以在這裡也可以看到一些高線公園景觀元素的延續。赫斯維克設計出高低不同、承重不同的樁柱結構，對於MNLA來說，在這小小的四方小島上，創造出不同的微型氣候：不同的地形、陽光照射和風模式，讓每個角落都有屬於自己的氣候。至於在植栽選擇上，不是「好不好看」、「想要」的膚淺問題而已，而是與所在環境適其所性的設計來決定， 像是得考慮面河環境、繁忙馬路邊的空氣品質、適合紐約氣候， 如寒冷的冬季、因為其香味和對鳥類和傳播花粉媒介的吸引力而選中的植物等。這座海洋植物園，選擇了在地原生種的35種樹木、65種灌木和290種草本多年生植物、藤本、球莖植物，來適應紐約四季嚴峻的氣候條件，讓小島植栽隨著紐約四季變換，一起變化。 每一座鬱金香花瓣造型的水泥結構體，重量高度都不一樣。© Little Island  園區到處設有座椅。攝影 Michael Grimm © Little Island  贊助者的支持 小島所在的54號碼頭，呈現著曼哈頓西側哈得遜河岸的興衰歷史，就像是台北艋舺，從早期河岸港口繁榮興盛，歷經老城衰退的過程。54號碼頭曾是1912年鐵達尼號生還者獲救後登陸的碼頭，70年代曾經為許多藝術家和多元性別團體的據點。 鬱金香花瓣造型的水泥結構體。攝影 Michael Grimm © Little Island 如果沒有媒體巨擘迪勒先生感興趣重建這些只剩殘破木樁的碼頭，如果沒有他的家族基金會鉅額資金投入，那麼54、55號碼頭也不會以55號碼頭公園的小島新樣貌，呈現有趣的當代建築概念。藝術家和贊助者、委託人緊密的關係存在各時期的藝術史，案例不勝枚舉。如果說富豪們都會買一座私人小島，那麼迪勒先生則在紐約創造了一座人工小島，並與全民一同分享。新聞訪談中，他提到，人們問他為什麼要進行這項計畫？他說：「我的家人都喜歡公共空間、公共藝術，我們很幸運有這樣的資源。但是最重要的是看到城市裡的人們真正開心的樣子，讓人們開心！」私人旅行中，迪勒先生每看到那些歷史悠久的雕像、公園等，他總要問這百年的什麼是怎麼發生？他自己的回答是通常來自某個奇特的人、某個奇特的想法。在小島這項計畫，他也希望能創造一座百年後，大家仍然驚艷的空間。 露天圓形劇場，面對哈得遜河。© Little Island  另一展演空間。© Little Island  雖然小島有來自私人、民間單位、政府單位龐大資金支持，建造的過程也不是一切都順利。10年的歷程，小島歷經4年的法律訴訟:紐約城市俱樂部(The City Club of New York)提告小島建造沒有依照新的環評結果，並且建造過程危害了野生動物保護區。持續的法律訴訟問題，讓小島在2017年面臨停工禁令，那一天同時也是迪勒先生計劃訂購價值8千萬美元 的水泥，他的家人都要他停止這項瘋狂計畫，不如選擇他真正想要的地方。後來，紐約州長安德魯.馬克.古莫(Andrew Mark Cuomo)居中介入溝通協調，才讓紐約城市俱樂部願意撤告，換來小島2018年的復工。迪勒先生和其家族基金會投注小島近乎一半的資金(約 1.13 億美元)，據稱是城市史上、對公共空間公園最大的一筆捐贈。迪勒先生和家族基金會也承諾，將會捐贈接下來20年高達1.2億美元的維修經費。 小島一景。攝影 Michael Grimm © Little Island  小島露天圓形劇場和周遭環境。攝影 Michael Grimm © Little Island 這裡不僅單純的是一座公園，小島更有自己獨立運作的藝文活動，像是藝術家駐村、每日不同的藝文活動。小島是藝術家展演的創造空間，也是藝術教育活動的場地。我看著小島冗長的夏季藝文活動表，每天都安排著不同類型、提供大小朋友的藝文活動，從視覺藝術、音樂、劇場等，就像是小島迫不及待地要讓紐約客有個忙碌的後疫情夏季時光。混雜著海風、河水和城市混沌空氣之中，我突然有個問題：我們到底會是比較嚮往人工島，還是天然島？我喜歡吹著鹹鹹清新的海風，漂浮在大洋中沒有污染的天然小島。但是，我也享受紐約小島的建築設計和公園規劃提供我們無限想像的文明經驗。這個問題的回答也許應該是取決於空間與當下周遭環境互動的關係。曼哈頓島是人工化的小島，舉例來說在垂直、橫向大道間占地廣大的中央公園，那裡的仿自然是百分之百人工設計打造而成，像紐約這樣城市文明極致發展的環境裡，小島也許就顯得自然而充滿迷人魅力。 撰文」Chia-Ling Lee

艾迪遜酒店（EDITION Hotels）向來擅長以創新風格重釐酒店的奢華定義，並揉入各地文化與社會環境的精隨，標示出當地獨一無二的生活態度。2020年秋季揭幕的東京艾迪遜酒店（The Tokyo EDITION）由Ian Schrager與隈研吾合作，雙方在經過不斷討論後，期望將它打造成具有溫度的空間，同時體現東京匯集日本傳統文化與尖端科技的特殊象徵，展現其傳統與時尚交織的面貌。 大堂。Ian Schrager與隈研吾期望打造猶如森林般的空間，使用大量的木頭元素與綠色植栽，建構城市中的綠洲，不僅為酒店帶來生機，同時體現出日本人與自然共存的傳統精神。 由建築師隈研吾主理的空間設計，以「呈現森林般的空間」為設計構思，讓旅客沉浸在綠景懷抱與在地文化之中，透過酒店空間展現日本傳統建築面貌，提供富含當地人文精神的頂級住宿體驗，建造出一座歌詠自然的城市綠洲。   漫步室內森林 東京艾迪遜酒店位於日本商業街區東京虎之門，坐落於綜合大樓東京World Gate的31至36層樓，可眺望鄰近的東京鐵塔，並俯瞰繁華的城市街景，擁有絕佳視野。抵達酒店入口，首先可感受到沉靜素雅的氛圍，門面的黑色大理石以簡潔線條鋪設出大器沉穩外觀。大廳內，黑色大理石在白色的穹頂下呈現洗鍊質感，精心構劃的燈光角度令空間更顯挑高。   閣樓露臺特大床房。客房主要以木造家具擺設，柔和的色調流露素雅的氣息。 日本擁有豐富的自然景觀，加上文化深受神道與佛教的影響，民族尊重自然萬物，並秉持人與自然和諧共存之精神，向來擅長將自然語彙融入建築設計與室內空間之中，而這項傳統文化亦延續至今，深刻影響著當代日本建築師的設計精神。 艾迪遜酒店頂層套房。附設廚房島、起居室與餐廳，房內裝設多面大面玻璃以增加採光，同時引景入室。 「負建築」是隈研吾最為人熟知的建築理念，「融入自然，並熟悉自然」是他貫徹創作的核心要素。一如既往擅長建造出帶有溫度的建築，他將此一精神灌注於的室內空間，不僅將日本的景觀特色納入酒店，讓室內洋溢森林的芬芳；也運用日本常用建材—橡木、胡桃木，營造出溫暖且精緻的空間體驗。     魅力獨特的餐飲空間 如何在奢華的環境中體驗自然的樸實與城市的繁榮？東京艾迪遜酒店公共空間選用大量原木素材，並添加綠色植栽元素，讓旅客恍若置身於叢林裡的木屋，能自由地在空間裡探索各區域。酒店規劃了4座餐區，每間酒吧與餐廳皆流露獨特的空間氛圍，各自以獨特魅力提供奢華的餐飲服務。   大堂吧。整體空間主要為木造設計，並擺設大量的綠色座椅、玻璃瓶和植栽，讓前來暢談的旅客彷彿置身於叢林中的酒吧。 大廳酒吧環繞生機昂然的植栽，並以木格柵天花板覆蓋寬廣的場域，實現了Ian Schrager對於「空中叢林」的想像，並且利用燈光與造型增加空間的層次感，沉浸式的空間氛圍令人能在此輕鬆啜飲調酒同時欣賞城市風光。 The Blue Room餐廳。廳內選用湛藍色沙發和餐具，以呈現藍寶石的意象。 The Blue Room餐廳擁有豐富的綠景，典雅的藍色沙發與餐具宛若藍寶石般點綴空間，餐廳內設有私人包廂讓提供重視隱私的賓客一種理想選擇。包廂裡有別於主廳的深邃湛藍，這裡選用的是意喻珍貴的黃玉（Topaz）色彩，亮麗且溫暖的色調令空間顯得溫馨、高雅。   翡翠廳。色澤深沉的原木家具，在翠綠的植栽與座椅的交映下，營造出沉靜的空間美學。 充滿綠意的翡翠廳配以原木桌椅，同時設有花園露臺讓人置身在城市綠洲中愜意賞景、享用精緻餐點。酒店內還有一間彷若黑寶石的艾迪遜Gold酒吧，空間採用炭黑木料仿造燒杉（焼き杉）的質感；這是借鑑日本的傳統技術，木板經過碳化後不僅會散發漆黑的光澤，亦能提升耐用性及防腐性。   用自然寧靜闡述大和之美   全作共設置206間客房，其中22間為套房，共分為14種房型，每間套房皆採用大量木質呈現自然、寧靜、優美的新和風調性，柔和色調與簡潔的家具線條正如大和美學予人的恬靜印象。為了提升室內採光，每間套房皆裝設大面玻璃，有些房型設有室外露台，讓旅客親近東京繁華的市景。 翡翠廳＋花園露臺。翡翠廳外部設有花園露臺，讓旅客在綠景與東京景致的懷抱中品嘗精緻餐點。 在細節上，隈研吾應用日本傳統木造工法於設計巧思，屏風採用江戶時期常見的格柵元素，運用千本格子工法，以細長梳條密集排列，不僅達到美觀效果，也助於室內通風與隱私維繫的功能。   艾迪遜Gold酒吧。Gold酒吧的裝潢以黑色基調呈現黑寶石高貴而時尚的魅力，並以金屬壁飾與擺件點綴出低調奢華的質感。 依據旅客各異需求，酒店設置４間設備齊全且裝潢素雅的會議工作室，與1間可容納250人的多功能廳，以提供商務、社交活動或婚禮等用途。酒店內多元的健身和娛樂設施也能緩解旅人的疲勞。 圖片提供與版權」隈研吾建築都市設計事務所 攝影」©︎SS Co.,Ltd / Naomichi Sode 撰文」紀奕安

經過一年漫長的等待，威尼斯建築雙年展終於在 2021 年中旬與大眾相見，本屆大會主題「我們將如何共同生活？（How will we live together？）」呼應現代世界所需要的建築，尤其建築作為環境與人的溝通橋樑，將生活、工作、理想地合為一體，亦是將神性、生活與旅行融合的場域。此一命題，在歷經疫情肆虐的當下，人與人、人與自然之間如何共存，更成為當代亟需的解答。 台灣館外觀。   本屆台灣館由國立台灣美術館、策展團隊自然洋行建築設計團隊及草字頭國際聯合舉辦，以《台灣郊遊 – 原始感覺共同合作場域計劃》為題，自 5 月 22 日至 11 月 21 日在義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）展出，透過梳理數個獨特案件、跨領域合作經驗，深入探討打造環境建築的前端企劃、與後續實驗建築的營運紀錄。 國美館館長梁永斐表示，本次台灣館不僅布展過程面臨最多挑戰與不確定性，也是布展團隊人數最精簡的一次，因應義大利當地防疫規範及個人健康風險，國美館、建築團隊及運輸公司總共僅有 9 人前往，前後隔離至少 20 天，而此番疫情下的跨國布展過程，也意外地回應了「如何共同生活」的提問。   展覽裝置「置身物種間的建築 II」。自然洋行製作，Mauricio Freyre導演。   郊遊─逐山水而居 「人類在自然的野地，如何透過本能的感覺啟動應對能力，克服自然給予的挑戰，當我們正視人類內在的原始感知並逐漸產生正向對應能力時，恐懼也就會消失了。」策展人曾志偉如此談到，本屆展覽命題與建築概念也從此而生。 展覽題目「台灣郊遊」聚焦於台灣山林自然生態，探討在台灣郊區野遊、生活，進而移動所形塑而成的生活狀態，曾志偉描述，台灣地理上 70% 遍布高山、森林和丘陵，人口集中於西半部平原城市，與中央山脈距離非常密切，嚮往在郊區或自然條件下生活的人們，來來往往都市與郊區之間，形成一種非正式、不斷變動的遷移行為，「在開發與保護之間，構築一道值得努力的纖細平衡。」自然洋行多年來致力於自然野地郊區研究及環境規劃，著重人與環境的共存，建構如何和建築以外的事物和諧運作，而非創作一個人與自然或環境隔絕的空間。 展場作品模型「少少—原始感覺實驗室」   展場位於威尼斯重要交通樞紐與觀光景點「普里奇歐尼宮」，前身為古老監獄，如何在一個古老而封閉的空間中創造出寧靜且帶有原始感受的場所？策展團隊刻意提供留白，盡可能保留空間原有質感，並以大型立體空間裝置與投影呼應歷史建築原始元素。 展場氛圍呼應目前全球疫情發展下人與空間的關係，在隔離的狀態下人們如何自省、內觀，重新省思與生活環境的互動關係。期待觀眾透過 5 件展出作品，回歸個人感覺心念、周遭感知來貼近當下時代，找尋寧靜而平和的心境。除此之外，此次展出亦通過影音作品與氣味設計的結合，配合與秘魯籍導演 Mauricio Freyre 合作概念影像，並與「曖曖內含光實驗室」合作籌劃互動的展覽，帶領觀者透過五感體驗獨特的策展概念。   建築，是溝通的橋樑 本展以「提問」、「共同合作」、「相互影響」3個對應大會主題的子命題，與數個跨領域的團隊一起探索建築、環境與人共同生活的方法，建構更為符合人類生活感知的建築。 本次展出的內容包含自然洋行建築團隊獨立實驗作品如「少少—原始感覺研究室」、峇里島「天然修道院」，以及數件與台灣產業的合作：「勤美學 森大」、與春池玻璃及忠泰建築文化藝術基金會合作的「類生態冥想屋」、「野長城原始知覺研究室」等建築環境規劃概念，呈現不同的人文、環境條件、產業、空間使用模式等，皆有各自獨特的對應觀點，其中的共同點是通過建築扮演溝通橋梁，呈現並拓展各領域透過實驗建築場域共同合作的成果。自然洋行從各個獨特案件的風土、田調觀察中發現，「安定的人心」是與自然環境共存、持續發展而不過度開發的重要先決條件。   天然修道院及野長城。   少少—原始感覺研究室 「少少—原始感覺研究室」是自然洋行於 2014 年所發起的研究計畫，以「自然中的學習場域」為題，與植物學、傳統醫療、調香、靈修等跨領域策劃與交流，擇址台北城市與山脈之間的山林，至今已舉行將近百場研究計畫及活動。 本案選擇在背風面及擋風樹群邊搭建，並在原有木造平房上覆蓋台灣農務上常見的植物庇護網室系統，高度 8 公尺、長度 20 公尺，再採用 80%加 60%透光性針織網形成適當的工作生活場合。因應地形與樹木障礙，修正成以 8 個圓心組合成的不規則弧形斷面的構造主樑下搭建。打造輕質、速成、節省人力及耗材的建築，所有結構不採用水泥製品，可迅速拆解、位移，也同時具備臨時性、耐久度、 機動性等彈性功能。   少少-原始感覺研究室實地照。攝影」Jetso Yu   類生態光學冥想屋 未來，是一個移動方便迅速的世界，人的生活不再是一個定點，而是安定、微小、寧靜，並分散於各地角落的空間碎片，作為未來所需的居住場所。自然洋行攜手專司回收玻璃的春池玻璃合作打造了「光學冥想屋」，於忠泰美術館 2016年 開館首展《HOME 2025：想家計畫》中展出。 展覽聚焦於住居議題上，著眼人最基本的生活單位─「家」，透過時間與空間兩個向度的交叉設定，啓動思考 10 年後住居的研究計畫。此作透過玻璃無機、耐溫、堅固、透光等特性， 將自然的光能和水回收轉換成生態小屋，並具備不斷繁衍的彈性變化，結合其他維生設備。想像未來人們透過網路分享模式，關照散落各地的冥想屋達成訊息交流、知識分享的家。 類生態光學冥想屋玻璃模型。   野長城原始知覺研究室 延續「少少」的嘗試，自然洋行於 2017 年在中國河北的山野間建築一處結合自然涵構及探索山林美好生活的實驗場域。空間機能包含植物工作坊、香氣實驗計畫、自然療癒課程、藝術展演等，引導人們走進天然場域，建立與大自然緊密連結生活。設計團隊重新思考自然如何地吸引人們，松樹林、梯田、老礦場，以及遠方山脈形成的野長城，作為人類文明與荒野的那條模糊邊界，散發著一種寧靜。 建築以竹炭板作為主要材料，期待建築除了回應土地、生態，更能照顧到空氣，因此研發空氣濾心原理的相關建材，作為對未來大量發展時的示範依據。若說建築作為人類在自然中尋找立足點的載體，自然洋行期望在這片和諧的關係中帶來新的生命，或者是生機。 野長城原始知覺研究室之展出模型。攝影」高靖捷   勤美學 森大 2018 年與苗栗在地企業「勤美學」合作，策劃一座通過人與自然生活體驗及知識聚落範型—森大，位於苗栗香格里拉樂園南側 10 公頃次生林內。 建築由主屋及環形網廊兩個部分組成：主屋改造原有荒廢的類中式宮廷房舍，外部大量覆蓋銀網和噴霧水系統，回應谷地炎熱氣候，主要作為教室、廚房和工作坊等用途，並收集附近散落的巨石取代日常生活慣用的家具。不完全封閉的環形網廊由銀色 60% 農用針織網及強化結構的鍍鋅鋼管構成，形成近 300 公尺的長廊作為輕度隔離荒野森林的結果，串起各個可以彈性使用的空間，並承載工作坊的型態。將「向大自然學習」的思想與產業結合，展現更多的影響力。 勤美學 森大實地照。   天然修道院 為自然洋行 2019 年的作品，將工作室計畫搭在印尼峇里島某個原始的秘境山林中，探索未來自在生活及愛護自然界的建築方式之可能性，也因此以動物原始本能「棲息」於山林的概念，規劃數棟棲息屋形成一個微小的村落，以分時與不插電概念生活於其中。 空間中大量運用自然元素，引人聯想歐洲古老修道院、高原上的藏傳佛教寺院、熱帶森林的神殿、沙漠的清真寺等，設計師表示，趨近純粹的神性空間時常體現人類與環境和平共處的可能景象，透過建造神聖的空間，用光線和空間量來喚起敬畏和虔誠的情緒。 天然修道院展出模型。攝影」高靖捷 自然洋行 自然洋行成立於 2003 年，工作室位於台灣台北外雙溪陽明山國家公園後山，主要設計思考著重於建築、環境、感知等複合因素規劃而成的完整場域。其中包含歷史建築物改造、新型態研究機構及部分實驗性住宅、飯店等。並於 2014 年起持續探索輕質、異材質構造及其運用向度可能性發展。 資料及圖片提供」國立台灣美術館、自然洋行 編輯」林慧慈

2021年第17屆威尼斯建築雙年展（Biennale Architettura 2021）在策展人Hashim Sarkis的策劃之下，於2021年5月22日順利揭開展覽序幕。6個成員國，包含愛沙尼亞共和國、瑞士、立陶宛、英國、芬蘭和盧森堡，攜手跨越地理限制，善用愛沙尼亞先進的科技技術，以數位平台的方式邀請各地設計師和民眾一同參與這場全球藝術盛會，訪客透過建築雙年展官網可以取得各個國家館的展覽與活動資訊。   威尼斯建築雙年展官網，主頁每天都會更新國家館的線上串流。圖片：Biennale Pavilions 目前共有22國共同參與這場前所未有的線上建築雙年展活動，多數國家在開幕週選擇以線上或複合式活動的方式出席開幕典禮。這些國家館從2021年夏天至秋天，也將持續在網站分享演講及研討會內容，或提供線上導覽等服務。讓民眾能透過官網瀏覽活動日期，並點擊圖示記錄於個人行事曆。   透過網站可以觀賞國家館的線上活動。圖片：Biennale Pavilions 面對險峻的未來挑戰 我們該如何共同生活 自2019年起，全球受到新冠肺炎（COVID-19）影響，各地產業與日常生活型態皆受到嚴重衝擊，這不禁讓我們開始省思人類過往的行為模式，更去思考未來該如何應對及改善。2021年威尼斯建築雙年展呼應全球當前所面臨的困境，以「我們將如何共同生活？」（How will we live together ?）為主題，深入探討人與環境共存的議題，攜手打造能維持環境平衡與未來發展的建築。 2021年5月至11月，每天皆安排不同國家館的線上活動行程，點擊右邊的行事曆小圖示，可以將喜歡的活動資訊存入個人行事曆。圖片：Biennale Pavilions 以下，是６個國家館的設計構思與作品成果。 （詳細資訊請至建築雙年展官網探索：https://www.biennalepavilions.com/）   主頁下方提供22個主要國家館的資訊。圖片：Biennale Pavilions 愛沙尼亞館 《廣場！積極收縮Square! Positively shrinking》   愛沙尼亞館《廣場！積極收縮Square! Positively shrinking》圖片：©Samuele Cherubini 策劃主旨在於探討小城市在面臨人口減少的趨勢下，高品質空間對於此危機發揮的作用及未來發展。事實上，城市收縮的現象在歐洲屢見不鮮，而這是東歐自1989年發生後社會主義轉型之後的結果。自2000年起，愛沙尼亞就有人口顯著流失的問題，造成當地常見空置建築和棕地，同時存在大量低品質住宅、破舊建築和投資不足的環境問題。 愛沙尼亞館以影片的方式展示愛沙尼亞100建築計畫框架對城市收縮的干預過程與成果。圖片：©Samuele Cherubini 愛沙尼亞建築中心（The Estonian Centre for Architecture, ECA）在此展覽中，正視都市收縮對環境產生的影響及危害，並展示出可行的解決方案，透過拆除建築、採取積極的住房政策、修復歷史建築以及振興都市空間，以改善城市收縮的現象。   愛沙尼亞的城市地圖。 《廣場！積極收縮》主要以影片的方式呈現「偉大的公共空間」，展出愛沙尼亞100建築計畫框架對於城市收縮的干預成果，此計畫旨在2020年重現愛沙尼亞15座城鎮的中心和公共空間，目前特爾瓦（Tõrva）、帕爾瓦（Põlva）、瓦爾加（Valga）和拉普拉（Rapla）已於2018年完工；沃魯（Võru）和庫雷薩雷（Kuressaare）地區的廣場也於2019修復完成，而埃爾瓦（Elva）和拉克韋雷（Rakvere）的復興工程於2020年完成。 特爾瓦（Tõrva）。圖片：©Tiit Veermäe  愛沙尼亞館呼應「我們將如何共同生活？」這項主題，以《廣場！積極收縮》呼籲空間品質對共同生活空間的重要性，愛沙尼亞館項目專員Raul Järg表示，在新冠肺炎的影響下，更加顯現人們除了需要面對面互動，更需要較好的空間質量以滿足這項需求。   拆除瓦爾加（Valga）的廢棄建築。圖片：©Anna Hints 策展人：Jiří Tintěra, Garri Raagmaa, Kalle Vellevoog, Martin Pedanik, Paulina Pähn 委員：Raul Järg（The Estonian Centre for Architecture） 參展者：Mari Rass, Ott Alver, Alvin Järving, Kaidi Põder, Helen Rebane, Egon Metusala, Kaie Kuldkepp, Liis Uustal, Vilve Enno, Gianfranco Franchi, Chiara Tesi, Rea Sepping; Siiri Vallner, Indrek Peil, Villem Tomiste; Häli-Ann Tooms, Mari-Liis Männik ; Ülle Maiste, Diana Taalfeld, Anne Saarniit, Roomet Helbre, Taavi Kuningas; Risto Parve, Kai Süda, Liisa Hirsch, Patrick Tubin McGinley; Anna Hints, Joosep Matjus, Ants Tammik, Tushar Prakash, Urmas Reisberg, Kairid Laks   瑞士館 《oræ－邊境體驗oræ – Experiences on the Border》   瑞士館《oræ－邊境體驗oræ – Experiences on the Border》圖片：KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 瑞士館以《oræ－邊境體驗oræ – Experiences on the Border》為主題，鑽研關於瑞士邊境在政治和社會議題的現況，並為這些有常住人口領地（Inhabited Territory）建立一個新感知。瑞士藝術理事協會（Swiss Arts Council Pro Helvetia）委託來自日內瓦的建築師與藝術家共同研究瑞士邊境關於政治與空間的面向，以及其感性和社會層面的感知。 Oræ地圖。圖片：KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 團隊於2019年年底展開首次的巡迴研究，他們在研究期間乘坐卡車造訪居住在瑞士和鄰近國家之間的居民，親自去體驗和了解當地人民的生活環境及現況，並以影片記錄全程活動。在此展覽中，團隊透過影片與模型的方式使觀眾能有彷彿置身在瑞士邊境的體驗，藉由模型訴說當地人所想像的居住環境和空間，帶來沉浸式的感官體驗。 瑞士館以模型表達邊境居民對於生活環境和空間的想像。圖片：KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 這項計畫在整體籌備過程中，由於新冠肺炎突然改變人們對於邊境的感知，帶給團隊新的挑戰。為了因應疫情產生的限制，團隊與伯恩大學（University of Bern）合作，運用學生設計的行動論壇再次造訪邊境地區的人民，藉此來梳理邊境在疫情影響下的新感知。 瑞士館內展示的模型。圖片：La Biennale di Venezia, Photo: KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 瑞士館的團隊確信邊境是21世紀的實驗室，這些地區富含複雜的社會和文化結構，需要深入去研究和觀察。而這項計畫將揭開這些區域在政治和理想的面向，並挑戰大眾對於邊境、限制和滲透性的普遍思考模式。 瑞士館內除了擺設模型，並放映瑞士館團隊實際造訪邊境的紀錄片，使參觀者能有身歷其境的體驗。圖片：La Biennale di Venezia, Photo: KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 策展人：Fabrice Aragno, Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Pierre Szczepski 委員：Madeleine Schuppli, Sandi Paucic,Rachele Giudici Legittimo （Swiss Arts Council Pro Helvetia）   立陶宛館 《立陶宛太空署The Lithuanian Space Agency》 立陶宛館《立陶宛太空署The Lithuanian Space Agency》的形象設計：以人體骨骼為基礎的字體。圖片：2021 ©Julijonas Urbonas and Studio Pointer*. Courtesy of the Lithuanian Space Agency  立陶宛館坐落於流浪漢聖瑪利亞堂（Santa Maria dei Derelitti），展覽以《立陶宛太空署The Lithuanian Space Agency》為主題，設計結合引力建築和宇宙想像這兩項元素，策劃出一個虛構的外太空世界。立陶宛太空署由一家研究太空建築和重力建築的組織Julijonas Urbonas所創辦，此項計劃認為宇宙是根本的理想世界，其設計主旨著重於人們如何更加接近超自然，同時轉換人類對於外星人的觀點。 人類星球的數位模擬，2021。圖片：©Julijonas Urbonas and Studio Pointer*. Courtesy of the Lithuanian Space Agency 立陶宛館策展人Jan Boelen表示，想像危機是近期危機，而立陶宛太空署提供我們能夠共同協調和夢想的框架，帶來可能的新太空時代，使人類脫離國際和商業掌權的空間，將主導權歸於人們。 立陶宛太空署展內設置的人類星球設備。圖片：Darius Petrulaitis © Courtesy of the Lithuanian Space Agency  立陶宛館藉由此項計畫對社會政治帶給人類星球的影響提出質疑，並探討當人們脫開地球的種種框架，而純粹地成為這個新外太空架構的基石，地球原有的文化和倫理觀念對我們來說又是什麼樣的存在？展場中央設置了人類星球設備，這是一台三維掃描儀（3D scanner），可以將參觀者以動畫模擬的型態掃描進太空，當愈多民眾參與，掃描儀就能形成一個新星球。 立陶宛館參展者Julijonas Urbonas親自導覽館內展示的設備。2021, 威尼斯。圖片：Aistė Valiūtė & Daumantas Plechavičius  策展人：Jan Boelen 委員：Julija Reklaitė 參展者：Julijonas Urbonas   英國館 《私人愉悅園The Garden of Privatised Delights》 英國館《私人愉悅園The Garden of Privatised Delights》圖片：©John Riddy  英國館透過《私人愉悅園The Garden of Privatised Delights》針對英國存在私有公共空間（privately owned public space）這項議題提出新思考， 並挑戰私人與公共空間的兩極性，提出能夠共同改善公共空間在使用、可接近性和所有權的問題。 英國館的路線導覽圖。圖片：Cristiano Corte ©British Council 此項計劃的靈感源自荷蘭畫家耶羅尼米斯·波希（Jheronimus Bosch）的三聯畫—《人間樂園》（The Garden of Earthly Delights），畫中的人間位在天堂與地獄之間，而英國館策展人以此為概念，暗示私有公共空間處在兩個極端之間：英國18世紀存在圈地法案（Enclosures Act）前，公共土地的烏托邦，和完全私有化的反烏托邦。 英國館入口。圖片：Cristiano Corte ©British Council  設計團隊將英國館內的房間規劃成7個私人公共空間，透過一串聯的空間體驗，讓參觀者彷彿置身在典型的英國城市，啟發人們積極參與並思考如何改善公共空間的設計，使空間具有包容性和理解性，打造能受惠廣大市民的空間。 愉悅園。圖片：Cristiano Corte ©British Council 館場內模擬英國熟悉的公共空間，包括青年活動中心、商業街區和當地酒吧，這些空間平時並列於無法進入的私人花園廣場周圍。前述項目皆列入此項計劃的重編和振興範圍，並採取自上而下方法（bottom-up approach）探討土地所有權和面部識別數據的議題，而位在展館地下室的私人廁所則凸顯了基本公共服務的問題。 位在地下室的廁所。圖片：Cristiano Corte ©British Council  策展人：Manijeh Verghese, Madeleine Kessle （Unscene Architectur） 委員：Sevra Davis（Director of Architecture at the British Council） 參展者：Unscene Architectur, The Decorators; Built Works; Studio Polpo; Public Works; vPPR   芬蘭館 《新標準New Standards》 芬蘭館《新標準New Standards》圖片：©_ugo_carmeni_2021  芬蘭館透過《新標準New Standards》講述芬蘭Puutalo Oy（Timber Houses Ltd.）的故事，展示1940年至1950年中期的預鑄建築（Prefabricated building）歷史和發展。 芬蘭館展場內部擺設Puutalo Oy的照片，訴說標準化住房在芬蘭的演進史與貢獻。圖片：©_ugo_carmeni_2021 Puutalo Oy是一間由21 家芬蘭木材製造商成立於1940年的工業產業， 旨在應對冬季戰爭後產生的卡累利阿（Karelian）難民危機，為解決大量人口因戰爭而流離失所的問題，芬蘭各地的建築師和工業家共同開創量產住房設計模式，透過工廠建房有效地解決戰後的住房危機。而這項建築新標準不僅使芬蘭建築業推向現代化，而Puutalo Oy也在十年內成為世界上最大的預鑄木造建築製造商之一。 位在芬蘭赫爾辛基（Helsinki）的典型Puutalo 住房。圖片：Juuso Westerlund  展館擺放特別委託著名攝影師Juuso Westerlund為Puutalo房屋拍攝的新照片，印證這些房屋對於戰後各地生活水平的貢獻，和現今的居住狀況與蛻變。芬蘭館委員Katarina Siltavuori表示，組合屋是建築師們非常感興趣的領域，這項建造模式可以幫助他們達到快速且經濟建房的效果，同時不會失去住房質量或造成環境危害。而芬蘭的標準化住房設計除了為設計和生活質量設定新標準，也證明此項建造模式可以改善人們的生活。 1940年代，位在Nekala芬蘭的Puutalo住房。圖片：ELKA Archive  策展人：Laura Berger, Philip Tidwell, Kristo Vesikansa 委員：Katarina Siltavuori（Archinfo Finland） 參展者：Juuso Westerlund, The Central Archives for Finnish Business Records (ELKA), Museum of Finnish Architecture (MFA)   盧森堡館 《盧森堡之家Home for Luxembourg》 第17屆建築雙年展的盧森堡館是第二次舉辦在威尼斯軍械庫（Arsenale - Sale d'Armi）圖片：©LUCA_holicstudio  人類世（Anthropocene）的首次大流行—新冠肺炎嚴重打擊人們十幾年來倡導的可持續性概念，使群體的生活型態、社交距離以及消費行為都必須歷經戲劇性的轉變。然而，這也凸顯了建築與土地、城市與農村、室內與室外、家庭與工作、建築環境與自然之間的關係。 盧森堡館內展示模組化住房的結構，每個組件皆為細薄的木板：基本52平方公尺的配置尺寸為3.9 x 14.4公尺，住房有3面裝設玻璃幕牆，而後牆集成了儲藏室、廚房和較小的開孔。圖片：©LUCA_holicstudio 盧森堡館呼應「我們將如何共同生活？」這項主題，LUCA盧森堡建築中心（LUCA Luxembourg Center for Architecture）邀請建築師Sara Noel Costa De Araujo探索模組化生活的概念，而SNDCA工作室（Studio SNCDA）將盧森堡多個空置建築用地使用的模組化住房設計帶入展館策劃，使國際展覽與盧森堡能共同關注住房危機的問題。 模組化住房的空間雖不大，室內的基本配備卻一應俱全。此項設計可以根據地塊規模部署若干個單位住房。圖片：©LUCA_holicstudio 歐洲多數城市的住宅負擔能力指數特別高，表示多數當地人民無法負擔得起住房價格。盧森堡之家正視住房法規、建築和城市品質、生活方式和生活水準、經濟、房地產邏輯和政府等方面，藉由建築設計將理論化為行動，實際採取方法濃縮這些多元面向，並刺激人民、當局和其他利害關係人回應這項議題。 住房內部為開放式空間，僅藉由廁所區隔空間。廁所裝設2個窗簾：1個環繞著床，另一個則隱藏了廚房檯面。圖片：©LUCA_holicstudio   SNDCA工作室所設計的模組化住房仔細拿捏小空間與設備齊全之間的平衡，運用較為細薄的模組在園地上打造可以容納各式家庭型態的別墅，此模組化住房無需深厚的地基，內部空間的基本配置也應有盡有。LUCA盧森堡建築中心希望透過這項計畫讓建築師們擁有發聲的機會，即使他們在城市建築發展的作用受到土地私有化和大型房地產開發商的經濟實力而減弱，建築師仍有促使社會大眾思考和討論的特權，對未來提出願景。   策展人：LUCA Luxembourg Center for Architecture 委員：Ministry of Culture 參展者：Studio SNCDA, Koenraad Dedobbeleer, Sara Noel Costa De Araujo, Ester Goris, Arnaud Hendrickx   圖片提供與版權」Biennale Pavilions, The Estonian Centre for Architecture, Swiss Arts Council Pro Helvetia, The Lithuanian Space Agency, British Council Arts, Archinfo Finland, LUCA Luxembourg Center for Architecture 撰文」紀奕安