在長時間以設計服務為核心的實務歷程中，若然設計形塑出一種不同於形式導向的創作立場。對團隊而言，設計通常來自一個具特定切角的關鍵提問，可能來自對現實條件的洞察、對生活經驗的累積，從多元面向中持續探索更多可能性。這樣的態度也反映在品牌名稱「若然」中──在粵語裡，它帶有一種假設語氣，「如果這樣的話……」，設計的過程便是從抱持疑問開始，再藉由反覆推演後逐漸生成形體與結構。   耗材的逆向思考 《一方玄關｜大理石玄關家具組》正是在這樣的脈絡下誕生。作品由一塊完整的大理石為起點，發展出跟居家風景緊密對應的穿鞋凳、雨傘座、置物盤、筆筒與花器等玄關家具系統，乍看之下再平常不過的物件，其核心命題卻指向石材加工中長久以來被忽略的環節：材料耗損。 由石材出發，發展成完整的大理石玄關家具組。 設計理念緊扣「石材利用率的最大化」，相較於金屬或陶土的可塑性，石材只能依賴切割、車銑等減法方式，將不需要的部分層層去除，因此加工過程中的大量餘料儼然已是產業中習以為常的現象；若然設計並未將問題停留在「廢料如何再利用」，而是將提問往前推移：「是否有可能從一開始就不產生所謂的廢料？」 《一方玄關》的理念是希望將石材利用率最大化，藉由預先規劃的加工順序，讓可能產生的耗損變成結構或容器。   在這個前提下，《一方玄關》發展出「每一次切割皆具目的」的製作邏輯，透過預先規劃的加工順序，將原本可能被視為耗材的部分，轉化為結構或容器。被取出的圓柱形石材成為穿鞋凳的椅腳；挖空後留下的垂直孔洞成為雨傘的收納空間；其餘切割下來的石塊，則依比例與厚度重塑為置物盤、花器和筆筒。實體成為支撐，虛空成為容納，材料的「有」跟「無」被同時納入功能考量中。 圓柱形石材化為椅凳的椅腳。挖空後的垂直孔洞成為雨傘架。   比例和造型的設定，則回應真實的使用行為，從坐下換鞋時的高度，到隨手放置小物的順手程度，都來自對日常的反覆推敲。各部件既能獨立使用，也能在玄關形成彼此呼應的配置關係，彈性對應家庭成員的習慣及需求。 切割下來的石塊則依比例塑造為桌面用品組。 從製程走入日常 《一方玄關》的創作起點，源自團隊參與花蓮石資中心「研石造物」工作坊的經驗，在實際走訪工廠後，看到堆放於現場、難以回到製程中的大理石餘料，促使他們重新琢磨設計介入時機的重要關鍵。與其在結果端想方設法解決餘料，不如在設計初始階段便將每一個可能被切下的形體，轉化為潛在且具獨立功能的使用單元，而玄關這個由多重日常行為構成的空間，便成為容納這些形體的理想場域。 堆放在石材廠內的餘料。   針對使用體驗，若然設計並未試圖淡化大理石的存在感，相反地，他們選擇讓這種經常被視為裝潢背景的材料走入被拿取及反覆觸碰的情境中，同時，再透過重量、觸感和比例，使用者得以直觀感受材質的真實狀態，那些來自造型與配置的疑問，也成為引發好奇跟思考的契機。就算不理解背後完整的設計脈絡，單純覺得有趣、實用，在團隊心中這樣的感受已然足夠。 《一方玄關》的理念是希望將石材利用率最大化，藉由預先規劃的加工順序，讓可能產生的耗損變成結構或容器。   此次獲得金點設計獎的肯定，對逐步從設計服務轉向產品開發的若然設計而言是非常重要的回饋。設計本身伴隨著諸多嘗試與不確定性，獲獎的實質鼓勵不僅標誌著階段性的成果，也讓團隊得以持續思索，如何將過往累積的實務經驗轉化為能被長時間使用、並對社會產生正面意義的作品。   若然設計 / 戴健榮 張瑜娟 李璐 若然設計RuoRan Design由來自台灣與澳門的設計師組成，現以台南為長期據點。團隊從設計服務出發，累積近十年的產品設計經驗，近年涉足自有產品的開發。在每一次設計中持續探索限制的邊界，在有限的條件下秉持「若然」的精神──反覆提出「如果這樣？」的提問，並透過設計整合出平衡的回應。     資料及圖片提供」若然設計 採訪」陳映蓁

當居家與戶外的界線逐漸模糊，家具是否仍只能被侷限在單一場景中使用？以「生活 × 藝術 × 自然」為核心立場的BLACK Design，選擇從生活現場出發，重新思考家具在當代日常中的位置。品牌由高山攝影團隊發起，長時間行走於山林和城市間，將星空下的野營經驗、自然節奏與結構觀察，轉化為貼近生活的設計語言。 榮獲金點設計獎標章的BD Chair《夜曲》，從露營經驗延伸至日常，將戶外用品的設計語彙帶入家居中，模糊傳統家具在功能和美感的界線。   在設計思維上，BLACK Design關注生活型態的變化，透過極簡、模組化及多功能性的策略，讓產品能在不同場域中自由切換，可移動、可折疊、可擴充，實現室內與室外無縫連結的理念。   而材料選擇一向是品牌重要的一環，強調在地化、永續與質感並重，木材保留其溫潤特性，同時作為碳儲存體，配合永續林木管理，回應對環境的責任；金屬結構選用可再生鋁材，兼顧輕量化與穩定性。異材質的組合不僅滿足功能需求，也在視覺跟觸覺上形成立體層次，讓自然元素潛移默化走入日常。製造方式則採通用規格螺絲與模組化概念，使安裝和後續維護更加便利，同時減少不必要的客製加工。從防滑腳套、支撐結構到預留的掛勾孔位，每一處細節皆來自對使用情境的長期觀察，打造實用及安全的產品。 折疊收納與輕量化設計強化使用彈性跟靈活度。   不被定型的家具設計 此次BLACK Design共兩個作品榮獲金點設計獎肯定，分別是BD Chair《夜曲》以及BD Table monotospace《星空桌》，正是品牌設計立場的具體實踐。兩款皆為台灣在地製造，結合木材與可再生鋁材，《夜曲》椅面及椅背角度依人體工學反覆調整，熱塑一體成型的椅構弧桿提供舒適坐感；後桿造型取自樂曲節奏的起伏，透過異材質混搭為理性結構注入流動感，輕量化與折疊收納設計使其無論置於室內或帶至戶外使用都能融入情境，詮釋家具在不同場域中的多重角色。 《夜曲》結合木材與可再生鋁材，金屬結構加強承重，通用規格的螺絲則提升組裝及維護便利性。   家具不再受限於單一用途，而是能隨使用者節奏自由切換至室內或戶外。 《星空桌》則以「可轉換的生活家具」為主軸，採用專利桌腳結構，透過滑動式支撐系統確保展開與收納的穩定。四邊模組化設計可依需求延伸尺度，擴充的桌面融合台灣竹藤編文化意象，飾以水流紋理呈現天然美感；同時預留了配件掛勾孔位，回應戶外的多功能使用需求。 BD Table monotospace《星空桌》採用木質與鋁質的交織搭配，強化異材質間的搭配層次。   BLACK Design所關注的，並非讓作品僅止於機能層面的回應，而是成為能長時間陪伴日常的存在。藉由木材溫潤的觸感、材質間的細緻搭配，以及造型線條所形塑的律動，讓產品在使用過程中傳遞出放鬆愉悅的感受，更重要的是，設計團隊期望家具能隨情境靈活轉換，不受單一功能所限制，逐步累積情感記憶，讓家具成為人與物之間安定而親近的關係。 不論是露營使用或是日常家居情境皆可適切因應。   可多面向擴充模組配件，依據需求或狀態調整。 構築可持續的風景 對品牌而言，獲得金點設計獎不僅是對作品的肯定，更是對發展理念的認可。這份榮譽讓團隊確信，將生活、藝術感知跟自然經驗融入設計的用心能被看見，也具備延續的價值；這股力量也成為推動前行的動力，鼓舞他們在未來更大膽地探索家具的多元形式，同時思考傳統工藝和當代設計之間更細緻而適切的對話。保持對事物的敏銳度，期望在穩健的步伐中，將這份設計信念帶往更寬廣的舞台，讓作品在不同日常狀態中被感受、被記住，成為長久安心的陪伴。   BLACK Design / 賴彥岐 BLACK Design由高山攝影團隊發起，以「生活 × 藝術 × 自然」為核心，從星空下野營的情境，將自然體驗轉化為設計語言。團隊以木材為筆觸、結構為畫布，融合極簡工藝與模組化設計，讓美感成為功能的一部分，每件作品都誕生於生活現場、行走山林的過程，是觀察與實驗的旅程，旨在打造貼近生活、契合需求的設計。負責人賴彥岐擁有美術背景，結合西畫靈魂與工業設計邏輯，將藝術能量注入家具與產品，使每件作品都是可使用的藝術品。     資料及圖片提供」BLACK Design 採訪」陳映蓁

當家具不再只是靜置於空間的物件，而是隨著生活節奏被使用、移動，設計便開始展現更貼近人心的樣貌。本期金點設計獎系列報導精選三組台灣設計團隊的獲獎作品，從跨越室內與戶外邊界的使用想像、石材零廢料的思維，到低碳材料的實踐應用，勾勒設計在永續及日常之間的多重嘗試。   這些作品顯示出設計回應的不只是機能層面的需求，更是生活方式的轉變。透過不張揚的造型、材料本質的探究、結構尺度與情感經驗的細膩拿捏，家具得以成為連結空間與人的媒介。設計自此化為一種溫和卻具行動力的行為，關注環境議題之餘，也映證台灣設計在當代語境下，持續向生活靠近的姿態。     重構居家與戶外的使用關係 BLACK Design 不被場景定義的家具   讓每一次切割都具意義 若然設計 從石材開始的提問   台灣低碳材料家具 梳理材料、工藝與永續的連結  

一年一度備受關注的金點設計獎（Golden Pin Design Award）經過複、決審，共429件來自台灣、中國大陸、香港、泰國、日本、新加坡、波蘭、馬來西亞、菲律賓、澳洲、美國與德國等13地的作品脫穎而出，榮獲金點設計獎標章肯定；日前更揭曉了22件「金點設計獎年度最佳設計獎」、3件「金點設計獎年度特別獎」及 3件「金點概念設計獎年度最佳設計獎」得主。《室內interior》作為金點設計獎官方媒體合作夥伴，將帶來連續三期的深度報導。   位在台北市的華山1914文化創意產業園區，相信大家一定不陌生，那你知道華山的周圍，藏著一座歷史悠長的建築嗎？它正是現今的「臺灣文學糧倉」。原先作為糧食局臺北事務所的辦公室與倉儲空間，1999年停止使用後，國立臺灣歷史博物館籌備處、國立傳統藝術中心臺灣音樂館曾陸續進駐，並於2016年登錄為歷史建築；2018年由國立臺灣文學館接手管理，經過長達六年的研究與修復，2025年正式以「臺灣文學糧倉」之名重新開放，蛻變為文學跨域與創作育成的基地。 負責修復臺灣文學糧倉的許維蓉建築師團隊重新規劃入口動線，透過黑色鋼材量體錨定指引，也與原有磚造立面映襯出層次。   榮獲金點設計獎肯定的臺灣文學糧倉修復案，由「城隅設計｜許維蓉建築師事務所」負責操刀，在許維蓉建築師眼中，這是一場橫跨多年的深度對話，從爬梳基地歷史脈絡的「調查研究報告書」，到文資委員重點審查的「因應計畫」與後續「修復過程紀錄」，團隊就像遊戲裡破關的挑戰者，以無比的耐心及柔韌，細心修復建物的滄桑，使其在不失歷史底蘊的前提下，重新拾起新生的絢光。   由文本出發 在談建築之前，許維蓉先談「閱讀」。   她並非一開始就走在典型的建築師路徑上。求學時期從空間設計出發，研究所期間甚至短暫進入戲劇領域學習，這段看似岔出的經驗，卻成為她日後面對建築時的思考根基。戲劇教會她的不是表演技巧，而是一種理解文本的方式：如何閱讀、解構鋪陳並掌握節奏，而非急著形塑形式。她形容自己的設計過程，往往像是在閱讀一份劇本，動筆之前，她必須先梳理這個空間的故事起源，又希望走向哪裡；對她而言，創作是在既有文本之中找出延續下去的線索，也因此，建築更像一場敘事，空間不只是被使用，更需要被停留、被理解，這樣的觀點促使她在面對歷史建築修復時，展現出不同於單純風格導向的細膩感知。 在南北翼之間的凹入空間置入低彩度的語彙，重塑具功能性的入口大廳。   獨立開業的契機，發生在她自荷蘭返台後，留學期間所接觸的歐洲建築文化，讓她對「基地」與「環境」的關係有了更深的體悟，建築不被視為單一物件，而是城市結構中的一環，必須回應周遭尺度和紋理，這些養分成為她執業的重要基礎。許維蓉並未急著替自己建立鮮明的設計標誌，甚至坦言至今也還在尋求內心遵循的「中心性」到底為何，相較於宏大的論述，她更在意的是「恰如其分」，每個案子都是新的任務，面對不同的期待、預算、法規和現實需求，建築師的角色並非凌駕於所有人之上，而是應該在不同立場間協調跟整合，並在能力所及的範圍內提出最合適的解答。 在南北翼之間的凹入空間置入低彩度的語彙，重塑具功能性的入口大廳。   建築與人的關係 那麼，所謂「好的建築」，又該具備什麼條件？許維蓉說道，相較於形式與風格，她更重視建築是否承載了足夠的理解和尊重。建築並不是一次完成的結果，而是一層層堆疊而成的狀態，這些層次來自於設計者對基地、對既有環境、對使用者，乃至於對時間本身所投注的敬意。這樣的敬意，代表著放慢速度、願意傾聽的態度，當設計者真正了解空間的來由與限制，所做出的每一個判斷，無論是保留、調整或是新增，都會自然帶著分寸，給出恰到好處的回應。   也正是在這樣的前提下，她特別在意建築是否能為人帶來內心的平靜，平靜並非意指空無一物的極簡，而是一種不被干擾的心境──人在其中不需要費力領會設計者的企圖，也不會被過度的表象牽引注意力，能夠安心地停留、呼吸，同時安放思緒。一棟好的建築並不止於初次造訪時的驚艷，更是在光影、尺度和細節間，讓人感受到被細心對待的痕跡；平靜並非附加價值，應是建築存在的核心意義之一，成為長時間陪伴人的存在。                                                                                                                                                                         新舊並置的設計思考 真正引她走向歷史建築領域的，是一次偶然的邀請。朋友在執行台中某日式宿舍的調研報告時，詢問她是否有興趣一同參與，在這個過程中，她意識到舊建物的保存與再利用，其實和閱讀文本高度相似，必須先清晰曾經歷過的人事物，新的介入才不會顯得突兀；設計不是抹去過往，而是建立在理解之上的延續，這樣的觀念，成為她接下「臺灣文學糧倉」修復案的重要關鍵。 布局上需滿足館舍的行政與營運需求。門板以原有車棚回收的木構件製成，賦予舊材新生。   許維蓉第一次造訪時，是在前身作為民族音樂資料館使用的時期，當時由陳瑞憲設計師操刀的空間簡潔當代又不失沉穩，與對街華山文創園區的活躍形成鮮明對比，讓她深刻體會到，台北這座城市中仍存著許多未被察覺的有趣場域。後來，當此處被公告為歷史建築、開始尋找修復團隊時，她再次回到現場，長時間未被使用的建物迅速老化，雜草叢生、金屬廊道鏽蝕、屋架漏水，空氣中瀰漫著潮濕與頹圮的氣味。在調研階段，團隊仔細檢視建築結構，爬上屋架觸摸每一根木樑，建築本體為加強磚造及大跨距木桁架，呈現日治時期的標準建造模式；其間可見修補痕跡與林務局印記，顯示材料的再利用歷史，這些細節成為知曉建築生命史的線索。 入口、樓梯與電梯等關鍵節點藉由內斂的鋼材和玻璃營造明確的新舊對話，同時提升空間的可讀性。   入口、樓梯與電梯等關鍵節點藉由內斂的鋼材和玻璃營造明確的新舊對話，同時提升空間的可讀性。 修復的精神並非將建築還原至某個單一時點，而是維持其歷史形制，讓時間的層次能夠被閱讀，主要結構依原比例和邏輯修復，必要之處進行材料替換與加固；相對地，新加入的元素則以低調、克制的方式介入，避免與舊構造混淆。入口空間的重新定義，是最具象徵性的一步，原本模糊不清的動線，在改造後以一座黑色鋼構量體作為入口門廳，尺度及高度上回應既有立面，但刻意以脫開手法使新舊界線被明確辨識，也保留必要緩衝。同樣的策略亦見於玻璃電梯的設置，鋼材與玻璃交織出輕盈透明的質感，精準地嵌於建築後方，和原有厚實的磚牆形成對照，透明與封閉、輕與重、當代與歷史間的張力相互並置，形塑豐富的感官體驗。  新增的電梯輕盈透明，精準嵌入於建築後方，避免破壞整體風貌。   當文學在空間中演繹 室內則以低彩度語彙貫穿新設物件，黑色鐵件、窗框成為引導動線的存在，卻不搶奪舊有結構的視覺重心。窗型設計呼應糧食局時期可向外開啟的型態，材料則採用當代技術以提升環境控制和使用舒適度，在保存及實用之間取得平衡。 設計上充分尊重倉庫原貌，整體修復策略以簡約色調降低干擾，讓詩意和記憶之間適切銜接。   由於使用單位在設計進場前便已明確，團隊在規劃時便已同步思考公共性和行政機能，因此，臺灣文學糧倉的再利用，不僅止於空間修復，更是一個「文學如何詮釋」的提問。 二樓空間完整保留原始大跨距木桁架結構，使建構邏輯和時間痕跡被清楚閱讀，成為安靜而有力的存在。 不同於以往靜態閱讀為主的展示形式，這裡被重新構想為一座以文學為核心的平台，透過動態展演、音樂或跨域合作，讓文本轉化為可被感知的經驗。這樣的想像，也在完工時迎來具象的瞬間，拍攝照片當天，兩位舞者在空間中以身體演繹文學的動態感，跳躍時肢體線條與木桁架幾乎平行，那一刻令許維蓉為之動容──建築不再只是被觀看的對象，而是成為承載行動和感受的場所。 木構架更新修復處皆依原有比例細緻重建，以確保真實性。   在時光中續寫 歷時六年的案子，是公司第一個從調研、設計到完工全程參與的歷史建築修復計畫，能獲得金點設計獎的肯定，對團隊來說是一份重要的鼓勵，也是回望來時路的驗證。在這段再生的過程中，許維蓉將建築視為一段續寫的篇章，讓這座曾為放糧的倉庫，成為裝載文學日常的場域，並在時間的縱深之中，找到得以安放自身的所在。建築重新回到生活之中，成為人們願意反覆進出、停駐的載體，也正是在這樣的持續使用和細微積累裡，臺灣文學糧倉得以在過去與此刻之間，慢慢生成屬於自己的節奏，靜靜地書寫下去。 夜色映照下，歷史牆面與當代構造形成虛實對比，光線輕柔地描繪出建築在不同時間下的狀態。     城隅設計｜許維蓉建築師事務所 / 許維蓉 連結各領域資源人才，藉由建築規劃設計、空間與藝術策展、文化資產保存修復等方式與城市環境互動。創意源自對環境脈絡的深刻體會，空間品質的落實必然來自專業謹慎的堅持態度──團隊相信貼近人的需求是空間介入的核心，而無論哪一種尺度的空間介入，真誠地理解與落實，都將形塑在這片土地上共同生活的模樣。       資料及圖片提供」城隅設計｜許維蓉建築師事務所 採訪」陳映蓁

一年一度備受關注的金點設計獎（Golden Pin Design Award）今年經過複、決審，共429件來自台灣、中國大陸、香港、泰國、日本、新加坡、波蘭、馬來西亞、菲律賓、澳洲、美國與德國等13地的作品脫穎而出，榮獲金點設計獎標章肯定；後續更選出90件入圍年度大獎「年度最佳設計獎」名單，並預計於12月5日的頒獎典禮揭曉最終得獎結果。《室內interior》作為金點設計獎官方媒體合作夥伴，將帶來連續三期的深度報導。 成立於2010年的META Design，在台灣設計領域裡是一個出眾的存在。他們由燈具代工專業轉型為當代創作團隊，持續拆解議題，重組更多可能性，十多年來用木頭這項原料發展出具辨識度的品牌語彙，更逐步跨足異業合作、材料循環到大型企業的專案，以「換一個角度看事情」為核心信念，試圖思索更深層的問題，並提出解答──設計與材料之間的關係是什麼？設計又能為社會留下什麼？   近年來，他們陸續與台電、遠雄企業等機關團體合作，其中，《金水361. META Space》不僅入圍金點設計獎年度最佳設計獎，亦榮獲TID Award金獎，從廢棄物料切入空間陳述、從產業範疇擴展至公共理解，《金水361. META Space》讓大眾重新看見材料背後的人文溫度，也理解設計如何在框架中找到最真實的出口。 《金水361. META Space》將閒置建築轉為台電的實驗基地。木橫擔堆疊的吧檯彰顯台電員工嚴謹的做事態度；端景牆以木橫擔的餘料拼組，上方的顏色則為台電物料系統的分類記號。   從工廠到品牌 總監鄭遠揚（Yaungo Cheng）回憶，品牌的創立，其實是始於一次深刻的反思。過往的代工產業面臨削價競爭的考驗，既定的商業模式難以持續，他不禁思考：「如果接下來必須不停重複這些狀況，真的有辦法走得下去嗎？」於是，在重新審視物力、技術與能力後，他選擇相對熟悉、具自然溫度，也能承載創意的材料──木材為主，成立了META Design，初期以曲木燈具作為對外溝通的媒介，逐漸打開海外市場的知名度，不過，高昂的運輸成本以及關稅、缺乏貿易協定等現實因素，同樣使產品面臨極大的交易阻礙；Yaungo認為降價策略非長久之計，而是應堅定傳達產品的「價值」，因此，他再次調整方向，將目光轉回台灣，期待藉由累積更多的能量再重返國際市場。 總監與META Design團隊的工作側拍。 由於經營品牌必須高度專注，他也觀察到自己內心對於設計的欲望深受壓抑，只能在每次的參展中，運用回收材料構建展位，宣洩滿腔的創作熱情。直至約莫2020年他因市場趨勢、外在變遷感到焦慮時，突然意識到「回望內在本質」才是關鍵，遂決定放下所有既有框架，將真正想做的事放進品牌營運裡，以此發展META Design的新階段。   超越視角再造 英國當代文壇大師符傲思所撰寫的《蝴蝶春夢》，是Yaungo將品牌命名為META的啟發。作者所使用的寫作手法被稱為「後設小說Metafiction」，meta本身有超越、在……之上的意思，正好符合他初離代工世界的心境：「要用不同角度看事情，才有機會超越它」，時刻提醒自己不要被任何形式綁住、不要被材料侷限，將「看待事情的角度」作為所有行動的核心，這也成為META Design創辦至今一路貫徹的精神：超越既有觀點，才能創造新的可能。 總監與META Design團隊的工作側拍。   多數人談永續或回收材，都聚焦於「廢棄物可以再生為什麼商品」，但對META Design而言，這是一個錯誤的出發點。在他們眼中，永續不是潮流、不是表象，而是基於人類使用地球資源後的自覺：既然大量擷取了材料，就應該讓它們獲得最有效的利用，因此，真正的循環不是將廢料變漂亮，而是理解材料從何而來，也應回到產業解決問題。這樣的主張讓META擁有更深入的材料觀，它們富含知識、工法甚至是企業的文化態度，如果不能把這些內涵帶回設計，那回收就只是流於形式；團隊爬梳背後的生成過程、找出困難、再用設計使其以另一種方式重回大眾視線，並嘗試結合敘事，讓材料的意義不止於物質本身，而是能傳遞價值、紀錄人文、改善產業，重新塑造人與環境的關係。   以空間開啟公共溝通 根據台電統計，2024年退役的礙子（支撐電線與絕緣）高達663公噸，尚未包含橫擔、變電箱與電纜等，如何妥善處理這些無法透過回收系統進行再運用的材料，一直是極為棘手的課題。而此次榮獲金點設計獎的《金水361. META Space》，則是台電首個與民眾對接的實驗基地，將位在瑞芳水湳洞的閒置建築、運用台電退役材料將空間活化，兼具展覽、咖啡與商店等功能，邀請觀者透過體驗認識不同面向的台電；META Design協助回應「公共溝通」與「退役材料再利用」的領域，將原本的廢棄物轉化為再生家具、再生建材、藝術裝置等，並回到台電的所屬場域之中。 來自基隆的退役變電箱門板，巧妙地化為牆面裝置。   空間整體設計以台電第一線工作現場為靈感，META Design跟著台電走訪全台各地的發電廠、工作站和材料倉庫，親眼見證第一線工作人員的專業與敬業，這是大眾平常難以接觸的面向，有鑑於此，便將這些觀察化為室內語彙，展現員工的專業，也提供另一個看見台電的面向。一樓咖啡吧的設計概念，即是轉譯自倉庫中整齊堆放、綑綁的木橫擔並堆疊而成，呈現第一線作業的秩序和嚴謹，讓人走入其中便能感受濃厚的職人精神，同時兼具收銀、備餐及收納等實際機能。背景牆巧妙地向民眾分享平常不易接觸到的電業知識，由600顆退役木橫擔裁切下來的端部餘料，矩陣排列出台電Logo上的閃電意象，顏色則為台電物料系統中的分類記號：紅色是未經任何處理的素木木橫擔，白色浸泡過防腐藥水，黃色是以檜木等針葉樹種製成，目前已極為少見。 以「雜貨電」為概念，將各式退役材料直接作為商品販售。   另一方面，也運用退役的木橫擔、輕鋼橫擔和變電箱，打造一系列再生家具，用於二樓座位區。這些材料在台電物料系統中本來就有嚴謹的規範，具備系統性與規格化的特性，因此在製作再生家具時，這些既有的規格都成為部件之間自然的連結方式。後續亦可延伸應用至全台各地的營業處和服務所，讓民眾更加理解材料與故事。   退役的木橫擔、輕鋼橫擔與變電箱成為組成再生家具的重要元素。 實現資源循環 台電一年產出的退役礙子約有600多噸，這種高溫燒結的陶瓷無法回收再製，如何去化成為挑戰。META Design在人造石英石的基礎之上研發出「礙子石」，每片有60%成份來自退役礙子，先將礙子破碎成顆粒，轉化為具備量化比例的再生建材，同時也保留部分礙子原貌，讓表面呈現出礙子的輪廓圖樣。每5片礙子石可以去化1噸的退役礙子，這是一種務實的循環，不創造額外商品，而是讓廢棄物回到它能真正發揮效益的地方。 無法回收再製的礙子，META Design在人造石英石的基礎之上研發「礙子石」，成功解決去化難題。   除了硬體本身，同樣關注藝術情感面，藉由退役材料塑造台電獨有的藝術裝置，其中，不乏將原本屬於鄰避設施的變電箱重新演繹為可自由走入的載體，讓觀者由不同角度認識台電和各式配電材料。而頂樓的燈光裝置《把自己活成一道光》，則是將變電箱切割後的餘料作為創作媒材，透過精心設計的結構，將材料堆疊成立方體，並在內部配置光源，夜晚光線從內部洩出，投射出意想不到的光影。嚴謹的立面象徵台電員工的敬業與默默付出，無形的光影則代表著對每個平凡角色的致意──人們都在各自的世界努力，不知不覺中成了照亮他人的力量。 頂樓的《把自己活成一道光》裝置。利用變電箱切割後的餘料製作，嚴謹有序的立方體象徵台電第一線員工的敬業精神。   入夜後光影亮起，暗喻每個人帶給社會的溫暖及貢獻。 最終，構建《金水361. META Space》總計使用15,487公斤的台電退役材料，相當於減少3,232公斤的二氧化碳排放量，緊扣Yaungo的理念：不使用新資源的前提下，依舊能將內心對設計的熱情化為現實。 2023年3月，第一次基地場勘。   聚焦脈絡 重塑可能 針對實驗性和商品化的平衡拿捏，Yaungo則以兩個方向並行，一是持續試驗多元回收材料，建立資料庫，探究是否有再詮釋的機會；二是持續創作，並在脈絡中尋找「具商品化潛力」的物件，拉近與大眾的距離。此舉並非迎合市場，而是替議題鋪更多入口，舉例來說，或許許多建商也有意願執行永續循環領域，但資源不及大型企業，若能將創作規格化，就可以大幅降低門檻，不需曠日廢時與設計團隊磨合商討；而消費者也能更輕鬆的購入，確保議題直面社會層面，讓每一次的製造都具有意義。 將原先作為廢棄物的退役材料視為資源，轉變成再生建材、家具等，並重回原本的空間中。   回望品牌歷程，Yaungo最先想到的並不是作品或獎項，而是一路陪伴他探索的夥伴。META Design之所以能站穩腳步，是因為團隊始終秉持三項核心精神──「實驗、實踐、實在」。實驗代表不斷挑戰未知；實踐意指讓想法真正落地；而實在則提醒他們保持純粹，不以過度的視覺效果掩蓋概念。這樣的想法並非口號，而是在拆屋工地裡、滿身灰塵的現場、在一次次艱難的材料轉譯中被真正驗證；這些願意為理念付出、一起奮鬥與承擔的同事，是Yaungo創立品牌以來最大的收穫，他也始終站在第一線與大夥並肩，這份共同前行的力量正是他最珍貴的成就。 將原先作為廢棄物的退役材料視為資源，轉變成再生建材、家具等，並重回原本的空間中。   談及未來欲嘗試的方向，並不是限定於某種具體物質，而是一個更大的格局：產業。在團隊眼中，材料從來都不是單獨存在，它可能來自系統，也來自人類需求的累積，因此，他們關注的不是單一物件，而是整個大環境，META的設計方法一向是從理解開始，經過討論後再重譯為向外傳遞的媒材。這樣的想法，也延伸到META Design的藍圖願景，Yaungo分享，他心中一直有個畫面，那並不是更完整的產品序列，而是一個「場域」，在這裡，創作者、設計師、工藝職人能一起共處與共創，作品能被市場看見，也能被產業採納，進一步對社會產生實質幫助，這種有機且多元的聚落狀態是他心中的美好狀態。同時，他依然期許能與業界深度互動，因為框架和限制反而能促使他持續突破，鞭策他前進的不是無際的自由，而是在約束中找到重新剖析的切點。   META Design堅持初心，不以喧嘩高調的姿態示人，而是回歸本質，用最誠實的步伐牽起現實和理想。若用一句話定義META Design的價值，或許不是抵達某個標竿，而是讓更多人因為他們的存在，願意重新看見材料、產業和環境之間那些被忽略的友善連結。     工地計劃 2020年，META Design發起「工地計劃」，以策略思維、設計轉譯與工藝實踐等方式，將營建廢棄物轉化為再生家具、建材與藝術作品，並送回完工後的建築空間中，實際成為人們生活的一部分。透過這種「回到建物本體」的循環設計，期望啟發更多人，在丟棄之前重新看見材料的潛力；也希望協助建設公司與公共機關，透過具體案例落實 ESG 與循環經濟，成為產業鏈永續轉型的催化劑。 工地計劃。   截至目前已成功轉化40噸營建廢棄物，實質回應聯合國永續發展目標，同時協助企業提出ESG永續指標的對應政策，並可作為都市資源管理、營建政策、以及綠色採購制度的實證案例。未來若能進一步結合公部門政策工具，如容積獎勵、標案加分或再利用材料標章制度，將有助於建立制度化的資源循環平台，促進更多產業投入再利用體系，擴大其社會與環境效益。  工地計劃。   數字狂想曲 META為上海商業儲蓄銀行總行大樓所創作的樓層指標系統，運用9類回收物、14種工藝手法與15個創作概念，打造22個數字創品。所有回收物均由企業同仁收集而來，包括制服、鈕扣、廢棄公文紙、信封與海報、鍵盤與滑鼠、寶特瓶等。META從銀行本身的特質與各樓層單位的特性，進行多元的概念發想與創作，歸納出交流、累積、謹慎、數位、創造與引領等15個創作概念，運用多種工藝手法，並與不同領域的職人合作，將原本認知的廢棄物，轉化成工作場所中的作品，激發企業同仁看待廢棄物的另一個視角。 數字狂想曲。 數字狂想曲。   META Design / 鄭遠揚Yaungo Cheng META Design 成立於2010年，為台灣傳統產業轉型而成之當代創作團隊，以「既然已經從地球上擷取這麼多的資源，就應該將資源做最有效運用」的理念，透過廢棄資源再運用的表現方式，梳理各產業領域議題，探尋潛藏於背後的人文價值。   資料及圖片提供」META Design 採訪」陳映蓁

當布魯克林的楓葉染紅窗框時，台北的晨光正穿透101大樓的玻璃帷幕，位於紐約布魯克林的工作室裡，周大鈞正用鉛筆勾勒草圖，窗外即是充滿活力的街區；同一時刻，台北晨光穿透玻璃帷幕，許育嘉在案前審閱著尼泊爾寺廟的修復照片。12小時的時差，30幾年的默契，這對設計夥伴以「跨時區接力」的方式，將東方的細膩與西方的邏輯編織成獨特的空間詩篇。 周大鈞 LEED認證建築設計師、東海大學建築學士，以及紐約哥倫比亞大學建築暨都市設計碩士，其國際作品橫跨商業與住宅領域，展現出對尺度與細節的高度掌握。周大鈞的住宅與商業設計遍及亞洲與北美，享譽國際。其設計語彙以文化細節與風格張力之間的流暢交融為特色，精緻地融合東方與西方、傳統與現代，更在沉靜中展現力度，體現國際視野與永恆美學的完美結合。 許育嘉 在建築和室內設計方面已有20多年的經驗。作品由於類型、地點及客戶的多樣性而深受肯定。許育嘉成長於台灣，在台灣及美國受教育及工作。因著東西方文化的互相影響，非常活躍地參與各地的多元文化項目，足跡遍及紐約、洛杉磯、台灣、上海和尼泊爾等地，同時也是台灣的註冊建築師、東海大學建築學士，以及紐約哥倫比亞大學建築暨都市設計碩士。 從東海建築系到紐約天際線 1992年，那是一個尋常的午後，東海大學建築系的樓梯間，學長周大鈞從五樓走下來，隨口問了學弟許育嘉：「要不要去買飲料？」誰也沒想到，這句簡單的邀約，成了兩人30 幾年友誼與合作的開始。許育嘉回憶初遇片段，笑稱彼此履歷相似得「只要換名字就能用」。周大鈞不僅帶領他踏入建築世界，後來更成為人生摯友，從哥倫比亞大學研究所、紐約職場，再到共同創立公司，他們的合作像一場即興爵士，主旋律是信任與玩心。從台灣到紐約，從建築到室內設計，兩人的旅程像是一場精心設計的空間敘事，充滿默契、挑戰，與對生活的深刻理解。 在哥倫比亞大學與教授的合照。從右到左分別為：許育嘉、Brian McGrath教授、周大鈞、學弟黃金樺（前彰化青年處處長）。 周大鈞形容：「我們像兩個小孩在玩設計。」許育嘉笑著補充：「但我們從不吵架，可能上輩子是兄弟吧！頂多他假裝生氣說『待會你主講』，最後還是自己跳上場。」這種默契源自大學畢製，當年周大鈞的畢業製作需成立一個團隊，彷若擔任一間小公司的「老闆」，而許育嘉就是成員之一，他們大膽找來不同科系的夥伴加入，像是請美術系朋友為色彩美學把關，建築系夥伴則帶來結構的嚴謹思維等，透過跨領域的碰撞，讓最終成果跳脫傳統框架，充滿獨特生命力。「現在想起來還是覺得超瘋狂！」許育嘉笑著回憶。最經典的莫過於那次在建築系館熬夜趕工，原以為要通宵達旦，卻因為團隊目標明確、效率驚人，竟提前三小時完工，一群人還能得空溜去唱KTV，這種「在嚴謹中迸發的隨性」，至今仍是兩人眼中的「完美主義浪漫」。 談到那次神奇的高效率，周大鈞分享了一個關鍵心法：「當你清楚知道自己要什麼，做到極致了就該停下。自信不是無止盡地堆砌，而是精準達到對自己的期許。那種『剛剛好』的滿足感，才是最珍貴的。」這種既追求極致又懂得收放的哲學，正是他們日後在專業領域游刃有餘的祕密。這對設計夥伴，一個急性子追求完美，一個善於用幽默化解壓力，卻在創作中找到了共同的語言：「設計不是實現風格，而是實現人的故事。」令人驚喜的是，他們的合作就像呼吸般自然，溝通時沒有壓力，只有清晰的思緒碰撞。這種默契讓成果總是超出預期，也正是這份流暢無阻的協作能量，成為他們日後打造跨國事業時最堅實的信任基石。 “ 一杯飲料，開啟30幾年的默契。” 零食櫃裡的公司哲學 憶起創業的起點，那年剛結束台北兩年多的繁忙工作，來到紐約的許育嘉在公寓裡，整整休息了五天，一日在晨光中醒來，突然撥了通越洋電話：「老闆，我決定離職了。」這通電話成了Design Determination十瀚設計誕生的前奏。命運也總愛安排驚喜，從紐約回台前，他在舊金山Yerba Buena Gardens閒逛時，怎麼也想不到數月後會在同個地點親手重塑此方景致。先前為台北101辦公室熬夜趕工的藝術裝置，意外引來Samovar tea lounge老闆Karter的青睞，希望由他為Samovar tea lounge的新分店作設計。「人生就像設計圖，永遠不知道下一筆會連到哪裡。」這個橫跨太平洋的案子，讓他毅然踏上創業之路。然而，創業初期卻恰好遇到金融海嘯，公司從熱鬧的團隊縮減到只剩兩人。「我們賣了房子，像守著最後一塊設計板。」他們輕描淡寫帶過那段在艱辛中堅持前進的日子。 在疫情下，將隨手塗鴉化成文創卡片，成為公司嶄新事業，以細膩筆觸將溫暖具象化。 創業挑戰不斷， 靈活整合資源， 讓Design Determination十瀚設計始終在續航中前進。2022年新冠疫情開始席捲全球，台北與紐約兩地團隊卻面臨迥異境遇，台北辦公室意外迎來台灣房市熱潮，而紐約團隊卻接案停擺，隨著閒暇時間的拉長，周大鈞為了維持團隊的創作熱情並拓展經營範圍，決定以興趣作為發想另闢途徑，拿起畫筆將滿腔靈感化為一張張手繪卡片，並突發奇想向員工提議：「要不要一起設計卡片？」團隊眼睛一亮，瞬間點燃熱情，從員工到行銷團隊，悄然將卡片設計、網頁更新全數完成，並逐漸開發AR輔助系統，將疫情間的隨手塗鴉變成文創卡片，拓展出一條經營線。 結合AR技術，讓靜態的卡片圖畫動態化，增加使用者的趣味性。 原本的閒暇塗鴉，竟成了公司的新事業，這不僅是轉型，更是一場意外的團隊凝聚，每張卡片都藏著疫情下的溫暖，每筆線條都是彼此扶持的印記。如今，這份小而美的堅持，成了公司最動人的風景。危機讓他們發現，設計的本質是「人」的連結。創業至今，面對設計他們仍始終堅持「高級訂製」般的精緻模式，讓每個作品都帶著手作的溫度。 紐約辦公室空間照。 台北辦公室空間照。 紐約與台北除了時差，也有著工作文化的不同，他們取其優點，調和成團隊的節奏默契。「在紐約公司，員工六點準時下班，加班到七點主管就感動到付計程車費。」許育嘉將這份美式職場文化帶回Design Determination十瀚設計，談到：「台北辦公室有永遠補貨的零食櫃，紐約辦公室後來也跟進設置。」周大鈞則補充：「但美國同事更重視界線，週末絕不談公事，這反而是健康的提醒。」 “ 危機就是轉機，另闢蹊徑的達觀。” 編織夢網 美夢成真 許育嘉的設計過程宛如一場靜謐儀式，先讓自己沉浸於空間之中，捕捉環境的細微脈動，隨著觀察讓腦海逐漸浮現畫面，彷彿在夢中編織另一個維度，不禁令人想起《全面啟動》裡造夢者構築世界的魔幻時刻，只是許育嘉的畫筆取代了電影中的特效，將天馬行空的想像化為無數草圖。周大鈞的設計靈感猶如一座生機盎然的庭園，既有來自業主的真實需求，也有他對自然的有機迷戀。他享受在後院與植物相處的時光，修剪花草、觀察生命，這樣的日常滋養了對有機線條與自然元素的偏愛。但他深知設計並非獨白，而是與業主的共創，因此擅長從對方的衣著品味、生活態度中捕捉線索，將個人美學與業主氣質巧妙融合。他笑稱：「有時候得先拋出瘋狂點子，才知道能一起走多遠。」這種在限制中尋找自由的平衡，正是他創作中最迷人的特質。 許育嘉從不把工作視為苦差事，對他而言，設計就像呼吸一樣自然。當志同道合的夥伴一起投入熱愛的事業時，連日常對話都會不自覺圍繞著創意打轉。「我們常常討論到一半，就會互相提醒：『該停止瘋狂發想了，快進入下一步吧！』」周大鈞笑著透露兩人工作時的有趣互動。這種渾然天成的熱忱，不需要刻意維持，就像孩子玩樂高時不會計算時間，當沉浸在自己熱愛的領域時，連加班都成了享受的過程。他們用行動證明，當工作與熱情合而為一，每個挑戰都會變成令人期待的冒險。 紐約的理性與台北的感性 「美國設計是在限制中找自由，台灣則是在自由中自我約束。」許育嘉的比喻精準點出雙城差異。跨國設計最迷人的挑戰，是法規與文化的碰撞。周大鈞分享紐約案例：「業主想裝設保險箱，得先請建築師計算樓板承重，流程耗時三個月；在台灣，設計師甚至能把房子改造成洞穴。」提到兩地文化差異，許育嘉舉例：「氣候和文化，是設計師永遠的考題。」美國公寓的陽台是喝咖啡看街景的浪漫角落，但到了台灣，陽台得容納洗衣機和曬衣架。「我們不能改變建築DNA，但能讓空間『說在地的語言』。」在紐約，他們學會用「財富基因」解讀業主，Old Money重視傳承與服務，一句「聖誕派對前完工」便瀟灑旅行三個月，而設計師就像私人管家，默默處理細節讓業主三個月後驚喜驗收；New Money追求效率與驚喜，會每天確認進度，設計師需化身效率專家，精準掌控時程預算，有如魔術師。 周大鈞形容自己像一株適應力強的植物，紮根紐約布魯克林，卻帶著台灣的生長紋理。他愛種花、愛藝術，更愛觀察人的衣櫥，認為「衣服是最直接的自我表達，而空間只是延伸。」他曾為一位圓潤輪廓的紐約業主，為全屋選配圓角家具；也因客戶家庭成員身高懸殊，量身訂製符合人體工學的座椅。周大鈞說：「真正的設計是讀懂業主沒說出口的渴望。」其方法論藏在細節裡，他會觀察客戶衣櫥的色系，甚至從待客細節來判斷空間該留多少社交餘裕。許育嘉則自嘲曾是「工作狂」，在哥倫比亞大學被教授訓斥：「你做太快了，重來！」如今他則學會在靜坐中平衡速度與深度。其靈感來自「現場的呼吸」，走進空間感受光影，想像使用者如何生活，「骨架對了，穿什麼都美。」 跨國合作最迷人的，莫過於資源的流動。某次台灣客戶鍾情紐約展間看到的異國磁磚，團隊立刻啟動「全球採購模式」：紐約同事下單寄回，台灣師傅精密拼貼；另一次，則是將台灣的訂製家具裝進貨櫃，飄洋過海運去紐約。台北選的軟裝、紐約找的硬裝，台灣的客製實力遇上紐約的軟裝創意，擴大了團隊的視野與選項，聯合彼此優勢，碰撞出全新火花。兩地事務所合作也如同接力賽：紐約團隊下班，台北團隊接棒畫圖，時差反而成了加速器。 “ 從限制中找自由，在自由中自我約束。” 暖陽化冰的應對 「我們像空間偵探。最難的不是設計，是當業主堅持『你錯了』，卻不肯說真正在意的點。」周大鈞提到，曾為找出客戶挑剔床墊的真正原因，花三小時喝咖啡閒聊，最後發現對方只是害羞承認選錯尺寸。「一杯咖啡的時間，往往比合約條文有用。」這種「把衝突變下午茶」的智慧，讓他們連棘手的風水要求都能化解。許育嘉與合作多年的風水師，總能在現代法規與傳統羅盤間取得巧妙平衡，提及「開門不見灶」的講究，許育嘉會心一笑：「這其實是古人的智慧，從前灶火怕風，本質是實用考量。」當財團業主堅持大樓方位得配合羅盤時，他們找來風水師，讓科學與玄學在3D模型裡握手言和。甲乙方溝通有磨擦時，「學會翻篇很重要。」許育嘉表示，每個案子都是緣分，強求不來，彼此尊重才能成就佳作。周大鈞亦會耐心理性的深談，釐清癥結點，提及過去有個案子耗時三年，過程裡從設計師變身成業主的「生活顧問」，這段經歷成了難忘的故事。 提及「永續」話題，他們共同認為「減法設計」是愛護環境的解方，不過度裝修的觀念更加重要，周大鈞指出在裝修時，百年家族偏愛採用實木，會以物料的耐久與歲月韻味作為考量，新富族群則普遍接受十年作為翻新週期，「沒有對錯，只有誠實面對需求。」而面對近期逐漸攀升的AI 浪潮，兩人像品嚐新菜般不排斥亦不盲從，周大鈞比喻：「AI像不成熟的朋友，只能反射你的品味。如果客戶只要AI設計，那不如直接找工班。」雖然AI能快速產出素材，卻嚐不出廚師的手溫與火侯，高層次業主期望的設計師，是作品有「原則」、有「靈魂」，而非華麗炫目的「選項」。他們認為科技無法取代「共同激盪」的過程，設計者個人涵養、思考深度、文化品味，是「共同激盪」的結晶，也是作品與眾不同的基石。 周大鈞在峇里島與自然相會，感受當地人的悠活步調。 談及未來時，周大鈞透露心中的夢想之地是峇里島。他希望能像作家蔣勳一樣，每年安排一段時間遠離塵囂，專注於繪畫創作。「如果還沒決定退休後要去哪裡，不如先去峇里島生活看看再決定。」他笑著說道，眼神流露著嚮往。許育嘉則惦記尼泊爾的緩慢步調，因緣際會參與聯合國在尼泊爾的佛陀誕生地保護計畫，所以多次往返當地，該計畫包含各國興建代表寺廟的園區，專案自2008年進行至2011年開幕，後續仍有多次修整。這段過程教會他「慢，有時才是快」，隨著時間推移，他逐漸學會放下堅持，找到與當地團隊合作的方式，並看見了正向的發展。經過溝通磨合也對尼泊爾產生深厚的歸屬感，甚至覺得那裡就像是另一個家鄉。 許育嘉在尼泊爾因緣際會下修習靜坐，在沉澱中迎來一場心靈之旅。 採訪尾聲，周大鈞翻出手機裡的「夢想清單」，許育嘉吐槽：「寫了三十年還沒動工！」或許這就是他們的魔力，把設計變成生活，把客戶變成朋友。在這個追求風格的時代，他們寧願隱去自我，成為業主生命的鏡子。正如許育嘉所說：「我們不是設計大師，只是幫人把日子過成喜歡的樣子。」而周大鈞的結語更簡單：「業主回家開心，我們就開心。」 “ 用一杯咖啡的時間，讓衝突翻篇。” 洛克菲勒藝境私邸 “ 跟著藝術住進自然。” 這是一場融合細膩對話與美學共鳴的設計成果。業主以其敏銳的藝術眼光，深度參與材質挑選與細節雕琢，更提出獨特的照明構想，催生了量身訂製的建築式天花設計，為空間鋪陳低調優雅的氣質。專案初始，業主清晰的飾材配色構想便為設計奠定基調。設計團隊在此基礎上，透過和諧的層次安排，將原始願景昇華為更具完整性的空間語彙。而貫穿整體的靈魂，是業主橫跨多年、薈萃各洲的私人藝術收藏，每件作品皆承載著職業歷程、個人熱情或旅途記憶，使藝術超越裝飾，成為訴說故事的詩意載體。 自然靈感亦巧妙滲透於空間肌理，例如主臥雕塑感的垂柳主牆、客房熱帶景緻與奇幻動物圖騰，皆流露有機生命力。客廳中豹紋壁紙與櫻花地毯的東西方對話，以及起居室華麗虎紋地毯的張揚平衡，更展現大膽卻精準的美學掌控。最終，每個角落皆體現業主對美、記憶與自然的渴望，以靜謐奢華的筆觸，完成這幅充滿個人印記的生活畫卷。 格林威治村靜謐閣樓 “ 光與比例的雕琢，交融歷史與當代優雅。” 這座位於格林威治村的閣樓住宅，經重新設計後化身為繁忙都市中的一方寧靜天地。挑高的天花板與大片落地窗引入豐沛自然光，在喧囂的城市背景中創造出舒緩的對比，透過完美平衡功能與美學的設計，呼應屋主對細節的講究。精選的家具與藝術品交織經典與現代，營造層次豐富卻毫不刻意的氛圍。新舊元素的對話，為空間注入溫暖質感，讓每件作品自然成為焦點。色彩運用簡約而克制，利用乾淨的線條、柔和中性調與天然材質，低調烘托建築特色。格局規劃貼合日常需求，流暢的動線布劃，讓各區界線分明卻相互連結。從閱讀角落到用餐休憩區，設計鼓勵互動與流動，跳脫傳統開放式格局的框架。 這座住宅的獨特魅力在於其「靜謐自信」，無需誇張語彙，僅憑光線、比例與細膩工藝的雕琢，便悄然展露美感。設計既尊重格林威治村的歷史底蘊，亦賦予當代生活的舒適與意圖。不僅是居所，這處閣樓更體現社區精神－個性、創意與歷史在此交融，既呼應周邊社群的獨特氣質，亦滿足現代奢華生活的追求，成就一處優雅而寧靜的都市棲居。 紐約雲端藝居 “ 以藝術筆觸描繪東西美學。” 坐落於紐約傳奇的史坦威大樓內，這處住宅坐擁中央公園景致，毗鄰卡內基音樂廳與MoMA，盡享曼哈頓精粹。隨著Bonhams藝廊進駐，社區文化底蘊更顯豐厚，此宅邸亦成為融合藝術與生活的精緻城市居所。設計巧妙平衡現代優雅與個人敘事，東西方文化、藝術熱忱與舒適個性在此交織，深刻體現屋主的生活哲學。雕塑般的形體、大膽圖案與靜謐中帶表現力的色彩，構築成空間主調。 家具以實用舒適為本，而精心陳列的藝術品，尤其靈感源自動物的作品，則低調訴說屋主對生命的深厚情感。空間規劃呼應家庭生活型態，大型酒窖妥善展示珍藏，原本模糊的早餐區與客房轉化為靈活的工作娛樂場域，滿足文化環境中的多元需求。公共區域如藝廊般流暢串聯廚房、餐廳與起居空間，私人領域則隱密安設，提供靜謐休憩。藝術與雕塑的巧妙布局，不僅引導動線，更譜寫視覺的韻律節奏。 台北French inspired Maison私宅 “ 法式雙開軸線間，演繹時尚的古典浪漫。” 靈感源自屋主對法式雙開門的浪漫想像，每一扇門的開啟，都如同展開一頁精緻的古典篇章。設計團隊以嚴謹的軸線對稱布局，從公共區域到私密空間層層遞進，完美復刻古典建築的序列美感。落地式雙開門的設計巧妙隱去現代建築痕跡，營造出純粹的法式氛圍。而屋主深厚的時尚產業背景，為空間注入了大膽而活潑的色彩語言。整體配色與收藏藝術品相得益彰，展現獨特的生活品味。設計團隊更專程前往巴黎19區古董市集，精心挑選全室家具、燈具及擺飾，為空間增添時間的厚度與溫暖的光輝。 客廳中，玫瑰花壁爐與鬱金香壁燈相映成趣；餐廳手繪牡丹壁紙透過古董掛鏡折射出優雅韻味；各處點綴的植物花鳥藝術品，則娓娓道來屋主對自然園藝的熱愛。轉入起居室與主臥，飽滿的色彩張力在此盡情釋放。推開主臥雙開門，一條貫穿的中軸線引領視線，經過無限反射的鏡面穿堂，越過更衣室，最終抵達以黑白為主調的主浴空間。在這裡，所有色彩歸於純粹，只留下最本真的寧靜與放鬆。這處居所不僅是對法式古典美學的致敬，更是屋主個人品味與生活哲學的完美呈現。每一處細節都在訴說著：「優雅，是一種生活方式。」 台北Park One靜謐時光 “ 臨水圓拱，以光與線條譜寫生活的從容優雅。” 這處臨水而居的退休宅邸，以270度轉角陽台擁抱遼闊水景，將看盡千帆的灑脫情懷轉化為空間語言。設計團隊巧妙融合圓拱語彙、天然材質與精準比例，打造出一座靜謐卻層次豐富的生活舞台。純白基調與自然光的完美配合，賦予室內輕盈通透的氣息；開放式格局中層層遞進的圓拱線條，不僅柔化空間節奏，更為整體構圖譜寫古典韻律。 客廳主牆選用雲灰大理石搭配金屬飾件，低調演繹奢華質感；落地窗邊特別規劃的訂製臥榻與圓桌組合，結合弧形壁龕與精選藝術品，打造出日光浸潤的靜謐角落。餐廚區以大理石中島與Poltrona Frau不規則橢圓餐桌為核心，搭配層次天花與Preciosa手工霧白水晶吊燈，營造優雅精緻的用餐情境。書房延續圓拱設計語言，選用墨綠牆面與Ceccotti Collezioni 胡桃木書桌，在沉穩中展現非凡品味。這座宅邸完美平衡古典底蘊與現代精神，透過光線與線條的詩意交織，創造從容而富有儀式感的生活節奏，充分呼應居者對細節、品味與日常美學的至高追求。每一處轉角，都是歲月靜好的最佳註解。 資料及圖片提供」Design Determination 十瀚設計 採訪」室內雜誌編輯部、林靖諺

邱德光設計事務所於2023年，發動一場前所未有的設計連動，「雅園新潮婚宴會館」以模擬拋物線條的收放，觸動流體視覺體驗，拋開舊思維的束縛，設計過程中引入時代潮流趨勢Al應用，結合藝術及未來感、流動感十足的建築外觀及室內空間，探索建築與環境、人與大自然之間的和諧共生與更多未知的可能性，打造了一座夢想境地。   邱德光 邱德光設計事務所主持人暨總設計師 德光居品牌創始人 亞洲設計界領軍人物 邱德光先生畢業於台灣淡江大學建築系，曾師從著名建築師修澤蘭女士並參與陽明山中山樓等經典建築的方案設計，後於1985年建立個人事務所，將設計重點轉向室內領域。 從事設計行業至今已逾40年，創辦個人事務所35年，以其深厚的美學修養及空間思維，將裝飾元素結合當代設計，開創了「新裝飾主義」neo art deco東方美學風格。善於以建築師思維處理室內設計，優化功能和動線，提升空間品質；堅持「空間藝術化，藝術生活化」，善用藝術品和藝術化的設計語言，實現空間的情感喚起。    再塑「雅園新潮」│ 時代任務遇見藝術思維   「雅園新潮婚宴會館」創立於2004年，原為複合式餐廳，累積口碑後逐漸擴大為婚宴會館，2013年業主委託邱德光設計事務所，期望以設計藝術思維創作空間，給予婚宴市場耳目一新的驚喜，甫推出即獲得業界好評，將其商業價值與營收推向高峰。   隨著時間推移，2023年「雅園新潮婚宴會館」羅永粱董事長鑑於流行趨勢的改變與婚宴市場需求的更迭，委託邱德光設計事務所為這座會館再創新機。此次聚首，滙聚雙方思維碰撞的各種火花，除了從務實面籌理各項改造內容，也思索目標對象之年齡層、需求，以及當代國際審美、對婚禮懷抱諸多的夢幻想像。   邱德光設計師素來擅於透過設計手法、藝術語言、精準的市場觀察打響業主品牌名號。相對十年前會館以蕾絲、喜氣、隆重為意象，此次規劃將設計概念、設計過程、落地執行和衍生價值連成一氣，利用當今先進的AI軟體、分析大量設計數據和趨勢，模擬布局與相應風格，為設計團隊注入更開闊的思維，達成理想創作效果。 改造後﹒外觀    建築外觀：流線•純淨•浪漫   此次建築外觀設計以「維納斯女神的誕生」為發想，與婚宴會館作為戀人締結連理的主題相呼應。邱德光設計師指出，希臘女神維納斯象徵著愛與美的誕生，她自海浪中升起，乘坐貝殼漂浮到岸邊，其中蘊含著祈願來到此地的眷侶們，愛情美滿和生活幸福的寓意，貝殼意象便是本次設計最初的靈感聯想。   除此之外，建築外觀設計注入了對洛可可式優雅的解讀，融合自然主義與有機美學的精髓，展現流體與夢幻般的視覺體驗，上述靈感來自新娘頭紗的輕盈與純淨，象徵著純潔與夢想的結合，並引入有機流線的概念，用自然界的曲線與形態為藍本，創造出既和諧又充滿生命力的建築輪廓。   整體建築造型也深受新藝術風格與雕塑概念的影響，透過對材質、光影與空間的運用，融合新舊元素打造出一座具備儀式感、夢幻美、藝術性的入口，作為婚宴會館外顯的記憶點，更為市區增添醒目地標。 改造後﹒前廳    室內空間：雅緻•詩意•永續   空間生成概念延續自建築特色，以邱德光設師計師的透視手稿作為基底，運用AI軟體作為輔助，除了承襲洛可可新藝術的華麗感，也將空間整體視為一個流動的構造，以一體成形的雕塑造型與建築特色作呼應。   挑高大廳的樓梯是展現流體與浪漫結合的視覺呈現，以渾然天成之姿悠悠地串連了兩個樓層，自然有機的線條配以純淨設色，讓前廳彷彿是一座夢幻而謐靜的鐘乳石洞穴，靜靜祝願新人莫忘純粹美好與相守初心。   新改造中，亦將原本分散於三棟建築的機能整併至兩棟建築，為各廳賦予彈性隔間，能更好的服務各種規模的婚宴。同時，基於環保考量，各廳保留原有的天花板造型，結合新的立面、地坪與照明計劃，整體色調亦考量當代國際審美，從以往偏濃重的紅、黑主調，改為淡雅的白、金設色，並融新綠作局部點綴，共築精緻不失清新的新象。 改造後﹒前廳    「國際廳」順應建築本身的屋頂形式，中央動線上方的天花板呈現雙斜線條，空間中教堂婚禮的儀式氣氛油然而生，高雅的白色牆面襯上金色飾線，整體氛圍純粹且隆重，吊燈有如繁花盛開於空中，祝願新人幸福就此展開。 「小吃區」以輕奢優雅示人，為實踐夢幻質感，融合的唯美藝術畫面，提煉巴洛克的經典元素再化繁為簡，輔以空間照明設計，令典雅線板與玫瑰金相互結合，打造出饒富詩意的情境，空間裡也應用了曲線領人進入流動、飄浮的視覺趣味，是提供三兩好友小聚共餐的時髦聚所。 「時尚廳」以黑幕天棚籠罩展翅般的白色天花造型，宛若歌劇院般的穹頂對應著圓拱流蘇舞台、40米長的星光步道，濃重了新人入場的儀式感，抬頭看望有如象徵幸福的白鴿凌空展翅，給予佳偶祝福。 改造後﹒交誼廳   後記   邱德光設計師談到，「雅園新潮婚宴會館」是座唯美的婚禮場所，以洛可可式的精緻優雅和自然之美呈現，外觀輕盈如新娘的婚服，層疊結構與細膩的光影捕捉，營造出夢幻與浪漫氣氛，靜靜在晨光中散發它的獨特魅力。這是一場美夢的營造，也是一件獨一無二的創新，從發想到落實，同一案場十年前後的對照、新生，一如事務所團隊持續精進，不斷更新視野與創作工具的自我砥礪，無畏挑戰過往，將新思維與新想像解讀整合，從而育成全新可能，是一場始於業主期望，卻不僅止於最初期待的浪漫創實。 改造後﹒小吃區     專訪邱德光設計師 │「設計不只是設計，生活不只是生活，它還有很多想像空間。」    您貫徹的設計精神？   設計師是協助業主完成理想的工具，根據業主的需求，在設計之前應該先立定清晰的準則，如果沒有這樣的基礎，僅憑天馬行空做自己，最後的成品會是不切實際的。我很重視與業主在合作初期立定一個清晰的共識，不會輕率地根據一時、一地，或一句話就盲目行動，必須認清空間的服務對象、需求，結合項目所在的環境條件，以此為基底進行規劃，謹記空間目標，在過程裡排除干擾雜訊。   當深入項目的核心，我不希望自己的思考僅止於空間規劃，更希望能整合在地的人文、歷史背景、地理環境，為它融入藝術思考。我認為，藝術品是創作者所見所聞與思想脈絡內化後的延伸，我會邀請藝術家依據特定項目而創作，讓藝術品與空間內的種種要素對話。   我向來對創作過程有一套堅持的行事邏輯，但不會拘泥於特定風格，認為設計師必須對環境保持敏銳感受，掌握國際趨勢、審美風格，做一位入世、觀察社會的創作者，現今設計已經沒有邊界了，它是跨領域的，結合不同的元素，就能創造新的可能性。早期我做建築，後來進入室內設計領域，深入探索世界各地的品牌家具，再延伸到藝術創作範圍，也鼓勵同仁接觸繪畫、舞蹈表演等藝術領域，豐富自身的視野與內涵。 改造後﹒時尚廳   我始終秉持一個理念：「設計不只是設計，生活不只是生活，它還有很多想像空間。」創作者要去想像、去做夢，從事設計四十多年，我依然保有年輕的心境，會跳脫設計框架去觀察思考，避免陷入象牙塔式的思維裡，用生活心得創作空間，它的可能性就會無可限量。     一個理想的作品應該具備哪些條件？   一個好的作品必須能協助業主將理想具現成實境。設計思考要先確保業主理想已達成，才能考慮在此之上建立的額外驚喜，否則再動人的設計也只是一場與業主意願無關的自語。不難發現，我的作品風格多變，能夢幻、能中式、能巴洛克，也可以很浪漫，但是仔細觀察，會發現每個作品都有我的DNA，那就是藝術性與純客製化的堅持，誠懇地完成業主的理想，並給予他超乎預期的收獲。 改造後﹒時尚廳     藝術對您而言的意義？   一般人收藏藝術品的目的可能是投資增值，但那不是我對它的期待，我不會為了價格而收藏。我收購藝術品的原則是純粹的喜愛，在意它能否激發我的思考，同時也會針對它的造型和概念去設想應置入空間的位置？如何與周邊的其他元素和諧？針對空間作品裡的藝術呈現，我也會沿用相同的審視尺度，衡量所有物件、藝術品與業主特質，藝術元素的存在可能很強烈，也可能很內斂。   我認為，藝術品在空間裡無須定義主從角色，藝術品與空間應該是和諧共生的關係，藉由個體的存在，增幅整體美感，進而將空間轉化為一件大型藝作。我常說，空間條件、藝術品、家具，讓每個元素都能找到適切的位置，是做設計的重要原則。   現今，我對自己的定義已不再是單純的空間設計師，反而更像是策展人，在一個空間裡，收集、調配各種元素，將它們編織成理想場景，給予使用者身心靈的滿足；藝術品在其中是重點，但並非全部，它可能是觸動靈感的起點，也或許是完整空間的句點。     改造「雅園新潮婚宴會館」的挑戰？   我們在十年前規劃「雅園新潮婚宴會館」內部，原本面積共有三棟建築，建築基地位於台中市區，交通便利但也車流交會，建築共有兩層樓高。十年後業主希望以新形象因應當今婚宴市場，除了規模更加講究精緻，也亟欲為品牌建立新形象，我認為它應該是一座針對年輕人設計的婚宴會館，需要具備時尚感、貼合新世代的國際審美，這是我為這個婚宴會館預設的重要原則。   業主擁有建築背景，整個空間的動線規劃都由他主導，空間美學則委託我們全盤構思。十年前，我用新娘婚紗的蕾絲紋理包覆外觀，十年後以新娘頭紗線條作為概念，再加入AI輔助設計成型，提供設計方案更多樣化的選擇，以及更效率、具體的溝通，完成了建築外觀裝置造型，並透過3D列印完成優美的流線形態。   以前需要大量人力共同協作的部分，現在都能經由AI生成，採用這項工具是我們這次工作過程中與過往相比最大的變化，它在短時間內提供大量資訊和更多元的思考方向，也幫助我們重新定義「雅園新潮婚宴會館」的品牌定位與設計亮點。在各方面條件限制之下，我們綜合所有討論，提煉出最理想的整體效果，希望藉此再創這座婚宴會館的高光時刻。   十年前，婚宴多半是為了家族而舉辦，決定權在長輩手中，選擇宴客場地偏好隆重氣氛，加上紅色當道，明顯可以看到濃重色彩和繁複的裝飾藝術風格，呈現出喜氣、華麗的樣貌。現今，婚宴主導者多為新人，強烈色彩、厚重繁複已經不符合當代審美，年輕一代更加鍾情輕盈夢幻的場景，讓空間與時代趨勢對話，也是這個項目的主要挑戰。 原況﹒前廳     室內空間設計重點？   在空間設計上，除了連結兩棟會館的動線，使其更加流暢外，更加強彈性隔間規劃，讓大廳可以彈性應用，符合各種宴客規模的場地需求，每間宴會廳空間風格各具特色，各廳共同緊扣時尚高雅的主題，但又彼此同中求異，分別展現獨特性。秉持環保初心，與節約資源的信念，團隊也研思各項細節運用並保留可用材料、設備加以改造，達成品牌形象再塑與國際審美等目標，讓空間體現客製化的精緻感。     建築外觀設計重點？   我們意欲將這個作品包裝成一座夢想境地，融合新舊元素打造出儀式感、夢幻感十足的外觀，透過日夜光影的照拂，突顯建築特色。   鑑於本案的地理位置，我希望為建築創造亮點，建立大眾對品牌的第一印象。建築外觀設計源自我對於洛可可式優雅的當代解讀，也融合了自然主義與有機美學，希望展現流暢動態與浪漫意象。發想設計的靈感部分來自新娘頭紗的輕盈與純淨，象徵純潔與夢想的結合，並以自然流線勾勒，創造具有記憶點的建築造型。另一方面，為外觀融入新藝術風格與雕塑概念，運用材質、光影、空間與有機線條的目的，也是希望歌詠自然，傳達建築與環境、人與自然和諧共存的理想。 改造後﹒幸福廳     希望這個作品予人的啟發？   我在「雅園新潮婚宴會館」主導了發想與手繪草稿，其他很多細節都是設計團隊與業主共同完成。   整體設計以兩張手繪草稿作為起源，翻轉了全盤的空間印象，我希望透過這個作品讓台灣業主理解，設計能創造的獨特價值，甲方應尊重設計價值，給予合理的報酬，給予創作者足夠的發揮空間。如果把設計預算壓縮，將迫使設計公司必須承攬工程才能生存，那麼可能導致設計思考的誤區，因為方方面面都受限於造價和盈利考量，創作上很難放開手腳，難以產生火花，這是目前台灣設計元素雷同性高的主因之一。我想透過這個作品傳達「設計的價值」，期望委託者能尊重設計，這是我參與「雅園新潮婚宴會館」此次改造的關鍵因素。     資料及圖片提供」邱德光設計事務所 企劃」室內雜誌編輯部 採訪」江瑜 劉冠彣  

一年一度備受關注的金點設計獎（Golden Pin Design Award）今年共分四大參賽類別，共642件來自台灣、中國大陸、日本、泰國、新加坡、英國、美國等地的作品脫穎而出，榮獲金點設計獎標章肯定；再經由嚴謹的決審後，最終選出138件入圍「年度最佳設計獎」名單，並預計於12月13日的頒獎典禮揭曉最終得獎結果。《室內interior》作為金點設計獎官方媒體合作夥伴，將帶來連續三期的深度報導。   本期編輯團隊企劃了兩篇來自中國的精彩得獎作品介紹：由Sothink所向操刀的《½咖啡 鼓浪嶼．美院店》、以及ziinlife吱音的《莫比烏斯椅咖啡渣環保版》。兩件作品皆有機會競逐年度最佳設計獎，不論是重釋80年代老建築的新生，抑或是將咖啡渣應用於座椅中，都彰顯出設計者關愛歷史、自然的純粹初心，以及建構理想生活的願景。     Sothink所向《½咖啡 鼓浪嶼．美院店》  新舊並陳 展現老建築的新視角 ziinlife吱音《莫比烏斯椅咖啡渣環保版》  轉化廢料 讓設計成為推行永續的助力

榮獲金點設計獎標章，並即將競逐年度最佳設計獎的《½咖啡 鼓浪嶼．美院店》，是由來自中國廈門的設計公司「Sothink所向」操刀的作品。林龍海設計師分享，承接設計委託的初期，他習慣先解讀客戶的需求點，綜觀整個專案條件並找到關鍵要素，透過分析、梳理等手法，總結出設計策略與解題思路，同時亦會思考是否有表達獨特主張與價值觀的機會，藉此成就一個獨特的作品。   Sothink所向 / 林龍海 Sothink是一家專注於時尚消費品領域的品牌全案公司，業務涉及品牌形象、商業空間、數字短片、時尚活動及藝術策展等；Sothink一直秉承「用創意改變生意」的理念，持續為客戶提供高水準的品牌策略及創意設計服務。Sothink認為在新的消費意識型態及多元文化語境下，一切「生意」都值得被重新定義；團隊以商業革新者的視角，從價值觀念、視覺美學、消費體驗到溝通方式的一系列創新中持續為品牌賦能。   必須具備跨域整合能力 設計者某種程度來講，跟導演的角色有點雷同，需要具備精準的空間解構能力，並於其中融入居住者需求或品牌的企業價值，再輔以工藝材料、光影控制的協調駕馭，打造美感與實用兼顧的空間型態。有鑑於此，思緒的活化與不間斷的接收新知，可說是設計師的日常，林龍海會在工作的閒暇之餘，去觀看各種展覽和欣賞電影，展覽使他得以近距離去感受、觀察精彩作品；電影則是一種性價比非常高的興趣，一部影劇其實包含了上百位創作者的心力，不論是劇情編排、後製技術等細節，都值得設計者品味，若能從閱覽過程中吸收並內化所見所聞，對於培養自身敘事觀點與能力有極大幫助。   林龍海進一步說明，中國的商業市場非常活躍，於是給設計師帶來很多新的機會，有許多不同類型的專案可以嘗試，但他個人會更偏向挑戰非常「克制」的方式，不想拘泥於形式、也不過度依賴材料語彙，而是專注於如何透過設計，將場域及功能有效融合，形塑「簡單卻不簡單」的空間精髓。   鷹架的轉化與鏈結 本次獲得金點設計獎肯定的《½咖啡 鼓浪嶼．美院店》，坐落於廈門鼓浪嶼工藝美術學院的老校區，是一個80年代的大型雕塑工作室。 建築外立面保留了原有水洗石風格，與新增的黃色鷹架共創新舊衝突的張力。 基地為80年代的雕塑工作室，業主期望以複合式的業態兼顧藝術和商業的平衡。 業主欲將其改造為複合業態空間；建築擁有深厚歷史人文和藝術底蘊，一樓規劃為咖啡廳，二樓為整合來自全國20幾個獨立設計師作品的零售區域，三樓日後將不定期舉辦小型有趣的展覽，三層樓以垂直天井相互鏈結，並建立起完整的中庭系統。林龍海解釋道，在專案初期便決議以「ReDesign」的思維執行，從人文美學角度出發，採用鷹架的構築方式，在不破壞原本建築結構的基礎上去完成品牌需求，充分展呈新視角與新維度。 一樓場域主要作為咖啡廳使用，單純語彙勾勒出一抹樸實氛圍。   建築外立面保持了原有水洗石風格，搭配檸檬黃的鷹架構件，交織出強烈對比，孔狀體塊與彈力布則控制了光的明度。室內布局引入拆解重組的概念，利用建構手法完成空間分割與敘事，光線從垂直天井自然灑落，並隨時間的游移產生變化。 鷹架被用來完成複雜的空間分割，是貫穿整個案子的主要元素。 整個中庭寬敞透亮，集展示、樓梯、更衣室機能於一體的大型裝置構件，藉由結構和木質材料完成複雜的格局劃分，設計團隊追溯鷹架最基本的功能－鏈結，釋放原件的最大潛能，使其成為中庭的核心及動線的交會。期待藝術與商業能在此找到共存的平衡，讓造訪者化為美學生活的一環，沉浸於獨特的空間體驗之中。 垂直天井連結起三個樓層，光線表情隨著時間游移豐富了室內的表情。   大型構件整合了展示、樓梯等機能，亦成為動線的交會核心。 設計師認為，《½咖啡 鼓浪嶼．美院店》最大的困難點是材料運輸，由於鼓浪嶼未通車，所有材料皆需以漁船渡輪和人力車搬運的方式，導致成本非常高昂，這也是當初採用鷹架建構的重要因素之一。針對本次獲獎心得，林龍海則表示，金點設計獎在中國知名度頗高，參賽作品均有一定水準，能獲得認可，對團隊而言是一份鼓勵，也期許自己與同仁未來能以更高標準去對待每個設計專案。 大型構件延伸至二樓，突顯鷹架的靈活性，同時也順暢銜接不同區域。   資料及圖片提供」Sothink所向 空間攝影」1988攝影工坊－阿奇 採訪」陳映蓁