以台南為發展據點的都市藝術工作室，2007年由人稱「杜姐」的杜昭賢總監創立，在杜姐的帶領下，工作室策劃了眾多令人驚艷的城市展覽，例如台南月津港燈節、漁光島藝術節、新竹過好年等，今年更以「2021臺灣國際光影藝術節－黑暗之光」與「2021漁光島藝術節－安棲之嶼」（傳達設計類與整合設計類）榮獲三枚金點設計獎標章。《室內interior》特別前往台南，邀請杜姐暢談策展的執行歷程，並分享長期縱橫於業界，針對藝術、展覽、生活三者之間串聯的見解，以及對她而言，藝術所擁有的能量能替社會創造哪些新價值？ 杜昭賢 現任加力畫廊（INART）、B.B.ART、都市藝術工作室及BeArtStore負責人，曾任台南市二十一世紀都市發展協會執行長、台南市政府社造委員、台灣省視覺藝術聯盟理事、世寶坊畫廊負責人、新生態藝術環境負責人。並曾經擔任多起文化活動策劃以及計畫主持人，如月津港燈節計畫主持人、台南運河環境藝術節策劃執行、海安路藝術造街等。 都市藝術工作室 「藝術具有最大的包容與創造性」，都市藝術工作室由一群視覺設計、影像傳播與公關行銷的七、八年級生組成，在總監杜昭賢帶領下，從台南出發，透過各種空間改造、藝術品進駐與展覽規劃，呈現古都的創作能量與文化脈絡，藉此形塑不同的利基市場，讓美感在城市中蔓延。秉持「讓生活更美好」的願景，針對不同個案，提供全面的策略規劃、創意設計到專案執行與管理，讓藝術深耕各個角落，使人們得以想像，並創造更好的未來。   都市藝術工作室團體照。 台南，是座迷人的城市。多元歷史背景交織出府城的精彩故事，豐厚的文化底蘊、濃厚的人情味，和眾多貼近庶民生活的街坊小吃，更是令旅人意猶未盡、再三造訪的主因，曾聽聞：「台南最美的風景是生活」，這句話對杜姐來說，也是心有戚戚焉。身為土生土長的台南人，這座城市的景致，都是她成長過程中習以為常卻不可或缺的日常，而土地與風情則孕育出她對美學的涵養，也因此，她堅持扎根台南，致力於推動家鄉的藝術風氣，期間亦前往舊金山進修，回國後任職於台南市二十一世紀都市發展協會執行長，2004年接下「海安路藝術造街計畫」的任務。 海安路藝術造街資料照：郭英聲《烙印》與打開聯合工作室《藍晒圖》。 早期的海安路曾十分繁華熱鬧，後續卻因失敗的地下街開發計畫而導致沒落，街區滿是斷垣殘壁、毫無生氣，杜姐透過豐富人脈，號召藝術、建築領域的朋友，利用當地原有面貌，重新打造各式風格的公共藝術，透過藝術造街的形式，將街道轉變成「無牆美術館」，頹廢的海安路蛻變成充滿文藝氣息的街區，是附近居民閒暇時的散步首選，更逐漸成為遊客必定會造訪的景點之一。 2021臺灣國際光影藝術節－黑暗之光：千田泰廣《日行跡》。 海安路藝術造街的成功，讓杜姐更加深刻地思考關於藝術推廣的議題，過往人們對於藝術的認知與了解不如現今，她曾開設過兩間深耕當代藝術的畫廊，每每舉辦活動時的參與人數卻屈指可數，不過，當藝術進駐公共場域後，不僅拉近了與民眾的距離，不同年齡層的觀者更在每次的遊覽中得到交流機會，共享藝術的美好，也活絡了城區的經濟價值，這是杜姐心中的美好畫面；於是乎，她遂創辦了「都市藝術工作室」，透過戶外策展的方式，竭力擴展藝術之於社會和大眾的影響力。   從白盒子走向公眾 「戶外策展」，是都市藝術工作室現階段認為最為可行的藝術推廣方式，杜姐率領同仁，踏足台南、台中、高雄等地，推出別具特色的城市展覽，杜姐說道，藝術具有充沛的能量，不管身處何處，它都是提升民眾對美學學習和感知的利器；不過，杜姐也提到，做戶外策展時，「適切性」是關鍵一環，當展品進入公共領域，它就必須接受大眾的審視及評斷，因此，策展單位得跟藝術家密切討論，必須剖析展出環境的風土文化，並在理念和實際之間尋找平衡，讓展品能涵納藝術家欲表達的概念，面對普羅大眾時又能保有一定程度的彈性，藉此構築出具共鳴的展覽全貌。 2021臺灣國際光影藝術節－黑暗之光：黑川互動媒體藝術《光廊》。 有鑑於此，杜姐扮演的策展人可說是重要的「中間人」角色，作為和公部門、藝術家、在地居民及觀者間的溝通橋樑，需要具備多方面的協調、整合能力，而良好的敏銳度與實踐力更是不可缺少，杜姐奠基於對藝術的深厚了解，認識眾多不同風格、類型的藝術家，再加上她對空間有著獨到眼光，初見一個場域時，她可快速描摹出展覽雛形，亦可於腦海中的資料庫媒合適當的藝術作品，她認為策展人需要建立自己的資料庫，對美學的看法也得十分精準，尤其是在策劃戶外展覽或執行公共事務時，必須提出可容納多方論點的觀念，並細膩梳理脈絡，讓隱於展品後的精神清晰呈現於大眾眼前。   2021新竹光臨藝術節：護城河燈區－游文富《奇幻花園》。 杜姐生活於台南，對家鄉有著強烈的情感鏈結、熟知民情，規劃屬於台南的展覽也較為駕輕就熟，但若前往另個城市，面向截然不同的群眾時，主軸和作品該如何跟地方融合呼應？對都市藝術工作室而言，每次的策展都是全新過程，前期需歷經嚴謹綿密的田野調查，只有親自感受當地的生活，抓取出極具魅力的特色，甚至國外參展者亦會提早至當地駐點，有了親身體驗才能製作出情感流動的作品，「多數展品現地製作」是策展團隊貼近城鎮的方式。 2021新竹光臨藝術節：護城河燈區－蔡筱淇＆吉川公野《風．光．逐夢》。 另外，也會針對每次的主題，邀請合適藝術家一同合作，並盡量挑選使用不同媒材的創作者，企圖使民眾遊走於展品間，即可實際感受材料的張力，藉此認識多變的藝術語彙，「教育」也是杜姐想經由策展推行的一個目標。 藝術節不再只是藝術節 兩年一度的「漁光島藝術節」已邁入第三屆，這個以沙灘和防風林為展場，以天光與海洋為背景的藝術節，儼然成為台南的指標性活動。位於安平港南側的漁光島，僅靠漁光大橋與市區相連，橋的一端是繁華安平都會區，另一端卻是有著原始林貌的漁村，跨越一座橋，即可進入世外桃源。2017年，台南市政府文化局對外公開徵求「漁光島藝術節」策展，在當時，有些居民擔心島上辦活動會破壞寧靜生活，但一方面也有人希望透過藝術進駐，帶來觀光人潮和商機，改善經濟生活。 陳建智《脫殼激動》。以「擬生」的脫殼狀態，開展出自體與環境的關係。 何采柔《起伏》。創作靈感來自於休憩的動作，作品設置於漁光島林海之間，穿梭樹林後到沙灘時帶給觀眾休憩的聯想。 因此，策展單位必須審慎思考如何在正反聲音中確立執行方向，同時藉由藝術節讓更多人知道：原來台南有一處這麼美麗的秘境。盡享美景之餘，如何珍惜生態環境，也是策展團隊極為重要的課題；透過藝術家的創作，讓藝術成為觸媒，填充小島更多特色與表情，以低調、不喧嘩的方式，讓自然生態和地景藝術相互串聯，共同塑造出符合漁光島唯美沉靜的氛圍，造訪者可以從天光、海洋、沙灘、璀璨黃昏和星空中，找到親近小島的方式，留下自己的專屬回憶。 邱承宏《漁光》。由工業吊車和水晶燈組合而成，試圖以帶有超現實感的物件組成，暗喻自然和人工相互交織而成的精神場所。 阿部乳坊《將變成樹與天空》。由藝術家的旅行者系列延伸，樹象徵著根連結著大地和起始點，天空代表外在、空間及其他萬物。 第一屆以《在漁光島放空的99種方式》為主題，邀請民眾前來台南美麗的後花園，創造自己的放空方式，並得到前進的動力；第二屆《海島新樂園》試圖結合「兒時回憶」、「自然地景」及「樂園想像」，來探討漁光島的過去、現在和未來。 南藝大建築所B群《海朝你的方向吹來》。這是一個與環境對話的現地創作，頭頂上的針織網將無形的風視覺化；作品的另一端木平台延伸至海，感受風與浪的關係。 而榮獲金點設計獎整合設計類標章的第三屆《安棲之嶼》，則是對2020至2021年席捲全球的新冠病毒疫情，所造成的焦慮不安作出回應，期望創造一個天人共存、安身立命的棲居之地，來討論「相對安定的生存狀態」；展覽鎖定在「療癒」二字，從島嶼本質出發，請藝術家轉化環境特質，並聚焦於各自對漁光島的感受或反應，形塑出安棲之所。杜姐表示，藝術的介入給予了城市島嶼發展的新契機，除了地方美學的實踐，更希望透過藝術節尋找經濟效應和發展可能性，進而強化社區認同感，再加上大眾的共襄盛舉，才能真正落實效益，讓藝術節成為城鎮行銷的厚實底蘊。   范承宗《筌屋》。魚筌是一個古老的容器，過往是捕魚的工具，此作品嘗試將這個容器以不同的尺度和面貌重新詮釋。 今年漁光島藝術節的主視覺，亦獲得金點設計獎傳達設計類標章，藝術家劉致宏運用系列作品《聲音地誌》的創作手法，以感性、自由的黑白筆觸，蒐集漁光島上各種風景的聲音，將其視覺化，再委由「一件設計工作室」框選筆觸構圖、賦予色彩後，分成「海浪拍打消波塊」、「風吹木麻黃樹林」以及「沙灘步行」的平面創作，呈現主視覺。 藝術家劉致宏蒐集島上聲音，將其視覺化後，再由「一件設計工作室」轉化成主視覺語彙。 呼應「安棲之嶼」的策展主軸，畫面以較為柔和清新的配色呈現，藉由圖像即可感受由自然和藝術交織而成的迷人景致。藝術節的所有環節緊扣著漁光島，在在與土地連結，不論是展品、周邊活動如漁光小旅行、工作坊等，讓遊客用不同角度探索島上的各種樣貌，並由島民視角訴說著漁光島的點滴故事，捎來更加沉浸的體驗，並享受安然於此的片刻時光。 配色清新柔和，讓人感受漁光島的迷人風景。 用藝術促進城市變革 疫情之下的策展，更是充滿挑戰和不確定性，團隊面臨了場勘時間的壓縮和諸多限制，亦需提出通盤防疫細項，雖然辛苦，但都市藝術工作室的同仁們都樂在其中，因為藝術有著治癒人心的力量，在這動盪世代中，我們擁有如此美麗的環境，我們依舊可以進入島內修復身心，只要看到參與者真心的笑容，或收到對於藝術節的反饋跟迴響，就是策展團隊最大的成就來源，也鼓舞了他們在這條路上堅持下去。 2021漁光島藝術節展會紀錄。 此外，只有得到在地居民的認同，藝術才能在社區扎根且長久發展，因此如何永續經營，更是需要關照的部分；以漁光島藝術節為例，由於策展團隊不間斷地與相關群眾進行溝通、加深合作關係，時至今日里民多已十分投入於活動中，也很願意給予協助，這對藝術節而言，具非常大的助益。   當藝術走出美術館，介入公共環境後，除了提升民眾的視覺美感外，杜姐更期望能在繁雜的現實中，為城市建造一座避風港，在遊走過程中修復身心，和自己的內心對話，找回平靜愉悅的情緒。 2017月津港燈節法國知名藝術團隊Groupe LAPS《Keyframes》。 「開創」，是杜姐創業至今的最大收穫，不侷限於傳統的策展思維，致力於帶來突破，例如由都市藝術工作室策劃的月津港燈節，則是令台灣燈會走向藝術化，且具在地特色的最佳典範，也因為月津港燈節的成功，近年來許多縣市的燈會活動也開始關注藝術性，在杜姐眼中，這就是一個良好的循環，更是她對藝術、城市的理想實踐；而時代不停轉變，她時刻提醒、鞭策自己和公司同事，不能停下前進的腳步，要隨時學習新觀念，才能將藝術作為敘事語言，替每個有著無限可能的街道和城市，譜出精彩藍圖。   2018曾瑋《星光》。 談及未來願景，杜姐表示推廣藝術是她一生的使命，城市藝術的盛行，加深外國藝術家前來合作或參與的意願，民眾在日常生活中即可觀賞多樣化的精彩作品；除了國內的耕耘外，她也希望能引領台灣藝術家與國際接軌，讓世界看見更多來自台灣豐沛的創作能量。 2018森岡厚次《候鳥：文化之橋》。 杜姐也鼓勵有意從事藝術策展領域的人，要多方學習，增強自己的百般武藝，在執行公共事務時，需有明確的大方向目標，才有辦法歸納出展覽細項，並做出準確判斷；策展從來都不僅止於關注展覽主軸，而是得踏實解決所有枝微末節的事宜，溝通和整合的能力也是必備條件，放開心胸廣納新知的同時，莫忘對藝術的純粹熱情。 同場加映：從漁光島走向世界舞台 漁光島藝術節的成功，開啟了台灣藝術家前往國外參展的契機。加州長堤市非營利組織Creative Class Collective 因為漁光島而注意到都市藝術工作室，近期Creative Class Collective於加州長堤市舉辦Art Renzei展覽，便請都市藝術工作室引薦台灣藝術家陳萬仁的錄像作品《午夜憂鬱》，至長堤市政廳展出。   資料及圖片提供」都市藝術工作室 採訪」陳映蓁

金普頓大安酒店 1 樓大廳。 位於台北東區巷弄內，金普頓大安酒店邀請如恩設計研究室操刀，並與經驗豐碩的原碩照明設計團隊合作，以「城市中的靜謐方舟」為概念，不僅品牌的時尚摩登精神，更融入在地傳統人文色彩，將台灣常見元素如花磚、鐵窗等融入室內，交疊出酒店簡約靜謐卻不失舒適氛圍。 強調「光」作為住宿體驗的一環，模擬旅客在外忙碌一整天後自台北街頭漫步回酒店，並進入客房準備休憩的一系列情景，光的布局隨著心境起承轉合，最終收束於寧靜的臥房。 客房內照明營造休憩氛圍。 自酒店入口，光便營造如家一般的感受，捨棄過度的炫目及浮誇，僅有微微打亮的招牌及大廳自然流瀉出的光感。大廳白日藉由自然光影及燭光豐富挑高空間的層次；夜間以隱藏式燈溝照明洗亮四周白色磁磚壁面，座位區則以布紋玻璃柔化崁燈光線，微微提亮空間，並透過燈控系統隨著時間變化場景，隨著天色漸暗，室內的光線對比愈加明顯，使空間白日、傍晚、夜間皆呈現不同表情。   電梯以深色材質為主，與明亮的大廳形成對比，隱喻轉換的心情，照明同樣以「先壓縮再放大」的手法處理。踏出電梯則是全白的廊道，僅以兩側燈光溝槽作為動線指引，避免打擾空間的簡潔。打開房門，白色明亮的過渡空間延續廊道語彙，在此潔淨疲憊的心靈，木質門檻後轉換為適合休憩的氛圍，柔和光線營造輕鬆感，並通過對比突顯房內精心設計和空間感。 廊道以兩側溝槽照明引導動線。 12 樓的餐廳則加強戲劇性，配合別緻的造型燈具，以光的演繹區分出早、午、晚餐及夜間酒吧等不同氛圍，均勻的環境光避免強調彩色立牆的存在感；吧檯透過酒櫃及造型吊燈點綴台北街頭飲酒的熱鬧氛圍。   光可以感染生活的情感 台灣光環境獎至今已四屆，原碩照明幾乎每年都有入圍、得獎，陳宇晃觀察到，每年參賽的作品越來越多、面向也愈發多元，同時民眾對於光環境的支持，大大增加了執政者的信心更樂於推廣優質作品，彼此相輔相成，他舉例新竹甫結束的「光臨藝術節」，吸引大批民眾前往參觀，同時各地縣市政府也都有類似的活動及建設正在進行，在在顯示出光環境的教育已於民眾心底發芽，人們愈加注重夜間光的品質。 12 樓餐廳。   而「金普頓大安」作為光環境獎成立以來唯二獲獎的商業空間作品，與人們的生活連結更加緊密。陳宇晃認為，「人」是室內光環境中最優先需要考量的因素，而光的角色除了滿足人的外在機能需求，更需要喚起內在情感，「一個好的設計師必須讓人對生活產生想像，能讓人產生熱情的空間，才能激起人們心理上的共鳴」，對於陳宇晃而言，光能夠為空間烘托氛圍，引導情緒與想像、陪伴著各樣生活回憶，這便是光在日常生活中扮演的重要角色，不僅為了照明，而是提供感受。   原碩照明設計有限公司 成立於 1999 年，致力於結合光與環境、建築、室內空間。除了呈現美學藝術與工學技術外，兼顧經濟效益與能源節約，屢屢獲得國內外照明設計獎項。我們深感「光」不僅只是提供照明的工具，如何將光、建築及空間做最完美的結合為本公司的最高工作目標。 圖片提供」原碩照明 採訪」林慧慈

屏東縣立圖書館總館 將建築轉向面對城市。 建築原為落成於 1983 年的屏東縣立中正圖書館，隨著時代演變，館內不僅設備老舊、空間不足，主入口離主要道路需經轉折才能抵達，原先四面對稱且封閉的形式主義設計也不再符合當代圖書館需求的高度公共性，因此屏東縣政府委由曾經手過高雄大東文化藝術中心、台南市立圖書館的張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所擘劃，與大公照明設計團隊合作，一起在國境之南點亮閱讀的燈塔。 建築不將「打掉重建」視為改造的唯一途徑，而是新增一座形式獨特的透明圖書館大廳，保留屏東市民原有的空間記憶，同時彌補舊建築匱乏的流動性與開放性。並將建築轉向 90 度，使其直接面對城市，重新與市民生活連接。 夜間泛出溫暖光線。 新大廳由連續的 Ｖ 型鋼結構形成平行四邊形平面的大空間，大面玻璃帷幕將戶外綠蔭透過戶外廊道的中介引入室內，打破原先封閉沉重的氛圍。室內黑色鋼構以原住民三角形圖紋為意象，向在地族群文化致意；大廳內兩座三角型鐵構燈籠引入自然光，並定義出預期人會聚集的區域，使其身處室內但抬頭仍能望見屏東永遠晴朗的藍天。 舊圖書館建築則拆除沈重的混凝土樓梯與欄杆，改以不鏽鋼圓形樓梯以及橡木壁板，使其成為垂直串連各樓層的室內閱讀中庭。其中特意將三層樓的書庫移除樓板及結構，成為擁有一座大階梯的白色空間，作為青少年圖書館及視聽區使用，滿足投影、講座等機能，成為活動最多樣性的場所。 大面開窗引入綠意。   打亮適當的光 設計師提到，「提供舒適的光環境」是本次設計主軸，尤其圖書館應該以功能性需求優先，使用剛好的燈具打造適當照度的環境，避免不必要的照明。室內空間以 3000K 的暖白色為主，選擇「無眩光」的燈具，避免過度刺眼，以整齊的配置創造充足且均勻的光環境，僅加強重點區域以補充閱讀所需亮度，提升民眾閱讀時的舒適度。 在滿足閱讀需求後，設計師選擇泛亮新大廳中的整片木質背牆及連續性的 Ｖ 型鋼構，使其成為空間視覺焦點，並增加大廳視覺明亮度，於入夜後向外微微泛出暖意。 圓形樓梯連結垂直動線。   白日以玻璃帷幕反射周遭樹林倒影，減少建築量體的巨大存在感，夜間照明以相同主軸，避免過亮及過多燈具影響周邊公園生態環境，僅以基本的燈打亮地面，滿足雨遮、座椅、步道等人行空間所需安全性與視覺，四角的樓梯塔樓如同燈塔般溫柔地矗立，讓圖書館靜靜地隱於森林之中。 設計師認為，不論何種照明設計，最重要的即是空間的舒適度，燈光應融合入建築及室內空間；其次則需減去多餘的燈具，以最少的燈滿足功能上的需求，並營造豐富的層次效果。 3 樓青少年區大階梯。   大公照明設計顧問 自 1992 年創立以來，於台灣、中國大陸及香港地區參與設計超過 1400 個照明設計專案，大公照明團隊在最短的時間內瞭解設計原意、安排人性化的光環境，項目涵蓋各類型建築、室內及景觀照明設計。一個好的專案絕不是靠單一角色完成，而是整個團隊一起合作的成果，我們非常榮幸能夠與有共識的業主及設計者共同創造精緻的作品。 圖片提供」大公照明、張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 攝影」丰宇影像 採訪」林慧慈

銀座聚場 拱廊街。 這裡曾是人聲鼎沸的熱鬧商店街，落成於 1936 年，然而隨著商圈轉移，店家的鐵捲門一扇扇拉下。設計師江佶洋談起初次到訪此地的樣貌，漆黑的巷弄裡沒有商家也沒有人，一切寂靜無聲。因此在討論初期即定調「有燈就有人」的主軸，基地位於拱廊街中段，自巷口根本看不見立面，但只要建築前方有一盞燈亮起，便能吸引人一探究竟。 然而「要用什麼樣的燈？吸引什麼樣的人？」卻成為一大難題，既要能代表「銀座聚場」的精神，又必須融合於街區氛圍之內，一直到建築工程進入後期，他們才在 3 樓頂棚下找到「那盞燈」。 銀座聚場正面。   那是兩盞歷經風霜的日光燈，在國際商場成立時即存在，「我覺得日光燈是某段時期台灣人共同的回憶，很能代表台灣人的殷實個性」，江佶洋保留了它鏽蝕的原貌，僅將燈管改為現代光源以滿足省電與安全性；且因 3 樓屋簷下維修不易，又與建築團隊合作，從 2 樓咖啡廳窗框結構延伸出活動手臂方便後續使用。 設計師分享，這盞旭光牌日光燈已經陪伴在地居民 60 年，現在整條商場巷弄內只剩這兩盞燈會亮，藉由重新修復，它便能伴著銀座商場再下一個十年、下個世代。   銀座聚場的 1、2 樓為咖啡廳，照明需要能吸引人，但光線必須溫柔、不打擾鄰里作息。1 樓吧台區特意將地坪打亮，營造出水的意象，並使用磁磚、磨石子等材質仿擬「浴池」，呼應基地易淹水的環境；吧台上方的吊燈則改造自建築舊有的木窗框格紋，作為視覺重點，引起路過行人的好奇。 1樓咖啡廳。 3 樓以上則是旅店，照明保持低調安靜，維護住客的隱私，僅貼心地在枕頭上方、走道轉折或盡頭處以小檯燈、壁燈作為提醒。空間整體皆以結構隱藏照明，許多鐵構看似窗框、扶手，或 3 樓洗手台上的結構，卻兼有燈具機能，使光在精心巧思下看似自然地從適當的位置透出，溫馨的氛圍滿溢整個空間。 設計沒有標準答案 具有劇場及藝術背景，在處理老屋照明規劃時，江佶洋大多聚焦於空間脈絡及當代人在空間中的行為，理解空間的前世今生、未來會如何運用，再來討論需要什麼光線、怎樣的燈。「我覺得最難的是設計沒有標準答案，它可能在這個空間裡合理，到下一個房子就變不適合了。」為了給予每一個使用者切身的光，瓦豆團隊常花費許多時間來回探討，如銀座聚場5 層樓約 40 坪的空間，便花費了 3 年才完成。 4樓民宿。 過程中常被工班質疑「沒有人這樣做」，江佶洋解釋，他們不是刻意不一樣，而是希望讓每一個人都有自己獨特的樣子。如果設計的成品與個人的家庭、成長經驗相關，或許它就會被好好對待，再流傳給下一代，讓燈不再是用壞即丟的產品，而是精神象徵的具象化，使百年之後的子孫有故事可以向他們的後輩訴說。   瓦豆製作有限公司 2014 年《瓦豆.光田》榮獲老屋新生大獎金牌。2018 年《台中舊酒場雅堂館D.E棟照明規劃》、2019 年《新竹縣定古蹟姜阿新洋樓光環境規劃》分別入圍兩屆台灣光環境獎。2021 年擔任文博會花蓮館燈光設計，獲得紅點設計 Best of the Best 大獎、Japan Good Design Award。 圖片提供」瓦豆製作、一起設計、叁捌地方生活 攝影」李易暹 採訪」林慧慈

Shadow In Motion 「某方面來說我覺得光更像空氣，不一定要被看見，但能感覺到它的存在，你可以聽見光的聲音、從肌膚感受到光的溫度，如同全身心飄浮其中、受到光的洗禮。」設計師豊田啓介以詩化而浪漫的語句形容道。儘管光的體驗如此感性，其背後的理論與過程卻充滿理性的運算，一如 Noiz 團隊的作品，極其科技、未來且講求精確度。 與日本平面設計大師原研哉共同合作的台南市美術館二館停車場公共藝術裝置「Shadow In Motion」便是其代表之一，使用遊戲引擎進行運算及實時渲染，並以三維鐳射掃描場地，使所有數據誤差皆小於 1 毫米以內，最終完成一件充滿動態感的「四維平面設計」作品。   設計師強調，這並不是一件單純的照明設計作品，而是對於光影動態的巧妙運用。基地位於地下停車場入口，是唯一能引入日光之處，因此人車的行動、日光軌跡顯得更加重要，「動能」成為設計主軸之一。裝置由三列的薄帶鋁板組成，運用「莫列波紋效應」（moiré effect）原理，隨著天氣、時間及觀者的移動形成獨一無二的視覺與體驗。白日光影的移動為到訪者留下深刻印象，入夜後更展現截然不同的面貌，與陽光相反，照明自停車場向裝置內部輻射，並自下往上打亮，更加全面地瀰漫於空間各處，使人感覺彷彿漂浮於光之上。   下一個世代的設計 在 Noiz 的作品中，常常能見到跳脫一般思維的想法，這點或許從他們選擇使用的工具便可洞見。在「Shadow In Motion」中，Noiz 運用現今仍不常見的遊戲引擎進行所有設計，不僅能快速的模擬光線變化，更可以輕鬆地變更材質及觀看角度，甚至模擬人在不同速度下行走的視覺。 而這並不是他們第一次的嘗試，早在兩年前東京的住宅案「House In Todoroki」，他們便使用遊戲引擎完成全案，設計師分享道，不僅在更改及渲染上更加簡便，由於對光線的精確模擬，實際成品與遊戲引擎內幾乎一樣，使得在與客戶及工班的討論上也更加易懂，能夠確實看到每一個細節樣貌。   作為「數位建築」（Digital Architecture）的實行者，科技對 Noiz 而言不僅是輔助的工具，更是設計思考的一部分。隨著虛擬化「元宇宙」的時代即將到來，數位空間設計成為下一個世代必經的議題，如何將實體與虛擬彼此轉譯，將虛擬世界裡的想像化為實際、將現實世界的體感氛圍複製入數位空間，更是 Noiz 目前致力的方向。 並且使用遊戲引擎做設計的另一個好處是，成品資料會永遠存在於數位世界中，豊田啓介興奮地談道，也許未來就能使用自己家的場景玩射擊遊戲、殭屍遊戲，拓展了建築的用途與想像。期待不久的將來，我們也能在數位世界裡再次體驗「Shadow In Motion」那魔幻而充滿動能的光。   Noiz Architecture design and planning Noiz Architects 由豊田啓介、蔡佳萱與酒井康介建築師主持。事務所服務項目包含公共藝術、建築、室內及家具設計，現階段的工作分佈於台灣、日本、中國等地。Noiz 相信即使在此資訊爆炸的時代，周遭仍有許多未經發掘的素材，並為每一件設計案提供最是獨特的方案。 圖片提供」Noiz、中強光電文化藝術基金會 攝影」Kyle Yu 採訪」林慧慈  

一年一度備受關注的金點設計獎（Golden Pin Design Award）已於日前公布標章得主名單，今年共有115件作品入圍「金點設計獎年度最佳設計獎」，預計於12月的頒獎典禮揭曉最終得獎結果；而《室內》雜誌作為金點設計獎官方媒體合作夥伴，也將帶來連續三期的標章得主深度報導。以「工廠革命－傳產窯廠復興計畫」、「2020桃園文創博覽會－走桃花」等作品獲得標章且入圍年度最佳設計獎的格式設計展策，總監王耀邦（以下簡稱格子）有著建築和策展的專業背景，屢屢率領公司同仁完成蔚為風潮的專案，是台灣炙手可熱的策展團隊。本期報導編輯部特別至裕邦窯業工廠參訪，專訪格子與裕邦窯業董事長王世慶先生，帶領讀者一同進入設計與傳產相遇的起點，深入了解改造過程的點滴！ 王耀邦 Pang Wang  攝影：黃少柔 策展人、格式設計展策總監、格式多媒負責人。 2002年畢業於華梵大學建築系，2006年取得英國愛丁堡藝術學院Art, Space & Nature藝術空間策展碩士，2009至2014年擔任archicake築點設計創意總監，目前為格式設計展策與格式多媒負責人。長年深耕策展跨域、設計整合與文化創意產業之策略實踐，作品屢受國際設計大獎肯定，其主持之格式設計展策，為全台目前唯一三度榮獲德國紅點傳達設計大獎年度最佳設計獎（BEST of BEST）之設計公司與策展人。 格式設計展策InFormat Design Curating 以展策之精神與工作流程作為處理案件的核心價值，創造新的設計方法。在團隊所執行的設計專案裡，對應不同設計的條件需求，尋求「適切」的解決方針，在作業開始的前端，先進行內容的研究與分析審視，擬定策略方向，透過設計企劃來整合專業視覺與空間操作團隊，在創新與專業的烹調過程中，料理出最優質的設計作品。執行範疇包含：展覽策劃與空間設計、空間企劃與都市議題研究、視覺設定與平面影像、主題陳列與多媒體裝置。 格式設計展策團隊照。攝影：汪德範。 鶯歌，是台灣陶瓷發展歷史最為悠久的地區之一，極盛時期可說是大規模的聚落產業，但隨著情勢變化，以及全球化浪潮的襲來，各類別產業看中中國市場較為低廉的製造成本與商品，不僅大舉遷移工廠，眾多價格廉價的進口商品也導致台灣傳統陶瓷業逐漸沒落；爾後，鶯歌致力於發展文化觀光，如鶯歌陶瓷博物館與鶯歌老街等陸續啟用，近期台灣設計研究院所主導的「T22設計振興地方產業計畫」，首發地即為鶯歌，以設計角度切入地方創生，透過長年累積地方輔導、國際拓展與展會活動經驗，並與國內外的專業團隊、當地企業、居民攜手突破困境，翻轉在地能量。 此次「工廠革命－傳產窯廠復興計畫」所完成的成品。攝影：黃少柔。 在T22中，設研院媒合了五家設計公司，及五間產業鏈上的工廠，與旅遊集團合作推出「Open Factory工廠見學」企劃，這是一場知識型的旅遊，在不改變現有環境、製程的前提下，藉由指標、燈光設計與動線整理，邀請民眾走進工廠，看見陶瓷產品實際的製造工序和生產情境；其中，格式設計展策負責的「裕邦窯業」，由品牌重建的設計思考切入，從識別系統到空間場域，結合色彩計畫、動線指標與工作站設置，引領企業轉型升級，以全新姿態迎向未來挑戰。   策展這條路 大學就讀建築系的格子，求學時期對於泛美學性的議題十分感興趣，例如廣告、平面設計等大面向的設計範疇，由於台灣的建築領域和室內設計相關產業已算蓬勃發展，他不斷思考是否有一種可能性，在承接過往學業訓練之餘，又可以融入多樣性的美學概念、或是看待事物的新方法，因此，畢業後遂前往英國愛丁堡藝術學院攻讀Art, Space & Nature藝術空間策展碩士，這段期間帶給格子最大的收穫，在於系所不設限學生的求學背景，除了理論教學外，非常重視實作經驗，是一個互相支援、學習橫向連結的絕佳試煉場，經歷的案子亦與在地場所或文化有著深刻互動，例如五星級飯店的藝術進駐活動、英國皇家植物園歷史空間展覽進駐等，在這樣的鍛鍊中，能夠藉由實務經驗，深刻理解展覽的可塑性。 2020桃園文創博覽會坐落於富含歷史記憶的眷村「馬祖新村」，以「走桃花」作為活動主調，透過編輯地方的採集精神，以自然山林、人文記憶、產業創新、文化轉譯等視角，打造一個跨域、共感、設計整合的地方文博會。攝影：汪德範。 回到台灣先後換了一兩個工作後，便決定將在國外的所見所聞，作為自己的事業與專業，「格式設計展策」的成立，展現了格子深耕策展專業的決心，「Curating is the way that make design happen」，是格式的核心價值，策展是一種做設計的方法論，它讓設計得以發生，可以用新思維去詮釋所面對的話題或要求，另外，他也期望向大眾推廣專業的策展理念，藉由長時間的研究與挹注資源，使產業邁向更縝密且寬廣的未來，並串接起更多可能性。  「走桃花」相關視覺計畫。攝影：黃少柔。 策展二三事 格子表示，展覽探究的一直都是物與人之間的關係，過往展覽多偏靜態觀賞式，講求凝視，場域中的燈光或動線安排，多是為了襯托「物」的獨特或重要性，但是策展發展至今，已由「物的凝視」進化成「翻譯社會集體需求的動態過程」，議題的發散反而變成貫穿展覽的主要脈絡，因此，洞察社會趨勢和需求，儼然成為現今策展者須具備的能力，要能與社會產生共感，展覽才有可能貼近大眾，並與之牽引出情感共鳴。 「陽明實驗山屋YANGMING MOUNTAIN LAB」位於陽金公路制高點的廢棄小觀音房舍，格式設計展策與陽明山國家公園管理處共同合作，以「與時俱進的國家公園」為出發點，透過設計與品牌思維導入，提升國家公園公眾服務的質量。攝影：汪德範。 一個優秀的展覽，基本上必須清楚地傳達隱藏於展品後的訊息，且需貼心的照顧到「完整性」，從空間布局、視覺、軟體等面向著手規劃，讓議題或意念成為被梳理過的語言，藉由互動或沉浸式體驗，觀者遊走於展場即可體會策展者欲表達之事，離開展場後，這些迴響依舊留存於心中，在網絡世界中，後續將有機會激起更多漣漪，多元又深層的討論令觀點從清晰線性，開展成擁有各式角度的面貌。 實驗山屋1樓的火山咖啡，以火山群地質特色出發，運用視覺意象描摹與產品風味想像，讓陽明山的在地風味瞬間立體化。攝影：汪德範。 如前述所提，「共感」是策展者不可或缺的本領，格子的靈感來源，絕大部分來自生活。生活的厚度，取決於看待事物的角度，我們的社會每年都有各種表演、藝術和設計的展演和競賽，在主辦單位、媒體的傳播下，向視聽者傳遞出所謂的「趨勢」，也就是當今備受矚目的話題，如何將這些資訊咀嚼內化，再利用策展思維剖析、整合，讓你製造出來的觀點，引導觀者獲得新的體悟。他常跟學生和朋友聊到，各大網路書店的暢銷書排行榜中，除了反映時下的流行，也能藉由各年齡層對於新知渴望的差異，爬梳不同族群關注的焦點，這些過程都是觀察社會趨勢和學習策展很好的練習，有助於歸納出適宜的展覽切入點。   2樓MOUNTAIN RESEARCH微型展以「山屋設計事務所」為場景，解析陽明山豐富的自然路徑。端景處的BOOK HUT森系選書邀請詹偉雄規劃，並利用原建築的斜屋頂搭配長形方窗，塑造安定的閱讀空間。攝影：汪德範。 執行面的關鍵：溝通與釐清內心 所有的委託案，都飽含著客戶對改變的想望，可能是修正目前狀態的缺失，也可能是需要透過設計媒介，完成下階段的目標。格式設計非常重視業主的真正所需，前期溝通可說是至關重要，釐清內心想法和目的後，後續的策略才有跡可循；執行時，若雙方想法發生分歧，需理解癥結點所在，是對方不理解你的溝通語言，或是因信任感不足而導致？格子在溝通時不會只告知答案或決定，而是透過引導方式，讓對方理解他的所作所為都具有功能考量，雙方培養了信任和共識，遇到問題也較容易迎刃而解。 裕邦工廠改造前。環境較為昏暗，且原有地面塗料斑駁。 近年格式設計承接不少大型展演作品，如新竹市玻璃藝術設計節、台灣文博會、2020桃園文創博覽會等，格子認為，公部門的案子某程度而言擁有較大的實驗型，尤其是在做概念形式的展覽時，可以盡量擴張、含納各種可能性；至於私人委託案，則需要更精確地理解客戶的使用需求，譬如本次「工廠革命－傳產窯廠復興計畫」中，就得注意眾多客觀事實，材質運用上必須有足夠承重度且易於清潔，也需創造清楚的SOP，所有細節都是奠基於深刻了解客戶所需，共同制定出執行方向，讓業主在日後的管理維繫上順利接軌。   工廠革命：裕邦窯業工廠改造 改造過程紀錄。 裕邦窯業為擁有40年歷史的傳統磁磚生產工廠，王世慶董事長表示，市場和建材的不斷改變與創新，品牌也面臨了轉型問題，作為領導者，他期許自己能率領員工跟上時代腳步、迎合市場需求，因此決定與格式設計合作，替工廠創造華麗新生。以經營方立場而言，品質和創新是提升業績的兩大要素，而井然有序、乾淨舒適的生產環境，有助於提升員工的工作效率，進而提高品質及產量；至於創新方面，則注重於企業形象識別的改造，透過全新識別系統，落實優質的品牌形象。  前為裕邦窯業董事長王世慶。攝影：汪德範。 裕邦窯業是業界非常穩定的供應鏈，從原物料到成品一手包辦，格子提到，傳統產業通常已有一套行之有年的運營法則，因此在翻轉品牌的策略中，就不能只針對LOGO進行轉變，而是要更加關照內部員工，由精神方面和空間體驗切入，讓他們實際領略設計的美好，不僅營造出舒適的工作環境，也強化了員工對公司的向心力和榮譽感。  2樓磁磚藝術廊道。可依據公司需求自行替換展示品，廠商、買家來訪時能對產品有初步理解。攝影：汪德範。 2樓咖啡閱覽室。攝影：汪德範。 由於工廠在經營管理上秉持著「6S（工作環境現場管理）」機制，分別為「整理、整頓、清掃、清潔、素養、安全」，品牌的CIS設計概念遂以此為原則，由視覺設計的角度來分析，並從內外面向提取出裕邦窯業的兩大核心：「內涵精神－企業6S」與「外顯意象－磁磚窯廠」，再進一步解構6S精神，每個S代表60°，拼組後可形成360°圓；而窯廠內以三條全年不停窯的生產線，穩定製作輸出精確的高品質磁磚。 裕邦窯業LOGO。揉合企業6S精神和磁磚形象，且型態有著勇往直前的寓意。攝影：黃少柔。 綜合以上兩點，結合品牌的內外意象，格式設計形塑出兼具兩者的裕邦企業全貌，選用具現代感的無襯線字體為標準字，並以15%黃＋100%紅調和的橘紅，作為注重人本幸福的企業主色。格子解釋道，6S準則和設計十分雷同，皆在追求化繁為簡的歸納，新LOGO除了有6S的延伸意涵外，型態上更象徵著企業永遠向前向上的信念。 利用標線色彩，清楚明示工作場域的分區。攝影：汪德範。 至於三班制運轉的廠區，滿布著磁磚製成的敲擊聲，是個充滿生命力的環境。格式設計整合了企業識別系統和色彩計畫，從大方向的廠區功能性色彩識別，到說明站點的整體規劃，兩者相互咬合，創造出一致感，也能藉由標線的顏色輕鬆判別場域機能；識別硬體製作材質需考量廠區長期較高溫之環境因素作為選用依據，十字節點採用導光板，明確告知動線走向，也替較為昏暗的工廠注入明亮效果。 在空間的十字節點中，置入導光板材質，指引動線。攝影：王昱惟。 而「見學計畫」中，則以「烹土見學－一場土的料理見習」為題，並與「大象兔ELEBBIT」合作，透過擬人化及插畫的視覺手法，趣味表現磁磚的生產過程；而見學流程中衍生的視覺和知識性資訊，應避免與工廠原有流程、氛圍及作業環境互相衝突，且需時時進行優化檢討。 在「見學計畫」中，以趣味的擬人方式，轉化生硬的磁磚製程，拉近與大眾的距離。攝影：陳思維。 制服則與台灣服裝設計品牌WISDOM合作，布料的選擇必須支援實際的使用情境，使用快速排汗、透氣、快乾的布料，版型除保有特色，也需顧及高強度的肢體動作舒適度，帶給工廠夥伴職人般的自信與驕傲。 與台灣服裝設計品牌WISDOM合作的新制服。採機能性布料製成。攝影：陳思維。 格子分享道，「時間」是和傳統產業合作最為重要的關鍵，傳統之所以成為傳統，代表它走了非常久的一段時間，有著完備的結構性及實戰經驗，設計師在面對這樣的委託，需要與業主長期並肩作戰，大量溝通、現場多次驗證甚為必要，亦得定期回頭檢視物件適宜性，除了對美的追求外，時間的配合和理解客戶不同階段的需求，亦考驗著設計團隊的執行及統合能力。 每個工作場域的簡易標語，點出作業性質。攝影：王昱惟。   設計構築出新價值 傳統產業是讓更多設計被發生的媒介，製造業背後有著強大的經濟循環，裕邦生產的磁磚可外銷可內銷，在設計的加乘下，更有機會走出一條康莊大道。格子以公司與台灣品牌茶籽堂的合作案為例，茶籽堂獨立概念店的門面招牌即運用裕邦窯業的磁磚，再輔以新的噴墨技術，開發出獨特的商品。近期也接到許多建築師或工業設計師的聯繫，希望親身到工廠參訪，探詢日後合作或產品發想的可能性，有鑑於此，設計的介入不僅拓展了工廠的未來性，當生產製造與設計創新相互理解且融合後，更使台灣的設計力有了躍進的能量，樹立全新價值。   資料及圖片提供」格式設計展策、台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

完整走過整個文博會，你會發覺跟過往有些許不同，而這或許來自策展人林昆穎的「混種」背景，接觸過音樂、哲學、空間設計、科技藝術等多元領域，以世大運聖火裝置、台灣燈會「聆聽花開的聲音」等大型多媒體創作術為人熟知，並在去年擔任白晝之夜藝術總監，林昆穎以「編導」概念想像整體展覽，「我會思考演員是誰？主題是什麼？故事要怎麼說？」   文博會總策展人林昆穎。圖片提供」豪華朗機工   方法論的集合 在這座名為「數據廟」的大型舞台上，他讓建築師與科技互動人才一起探究花蓮的石頭；找劇團導演與商業空間設計師一起把展館蓋成戲台的後台；工藝館則將未來科技製造師與媒體人搭配，透過不同文化領域的人一起討論、共識、最終創作，是整個策展過程中最困難的部分，也是最有趣的部份，林昆穎提到，文博會有一個隱藏的主題，就是各種「方法論」的集合。 方法論即研究方法的理論，相比討論如何解決單一事件的方法，方法論更注重「為什麼」要這樣解決的邏輯、原則，而每種方法論都來自不同的專業背景，如何將其統整，就需要大量的「共識」。透過今年的文博會，林昆穎希望推行「先共識再創造」，了解自身所擁有的事物，討論、找出方法後再去創造，因為創造會耗費資源與能源，但討論不會，在快速改變的台灣，「共識」反而成為隨時都不能擱置的重要考量。 2020 年台灣燈會「聆聽花開－永晝心」。圖片提供」豪華朗機工   回顧文博會 10 年，從最早期的純商展形式到 2017 年因應文化部轉型下加入文化策展，出現議題式、跨領域的展覽內容，然而文化與商業各自發展，卻看似無法融合，林昆穎說明，文化的邏輯能夠提出命題，關懷我們所身處的環境，而商業的方法則具有號召力與表達性，當兩者交互作用，才能提供觀眾／消費者更多途徑，現在商業與文化者做事的方法涇渭分明，各自有各自的山頭，是否能達到互有所用，是林昆穎的理想。 因此今年提出「商策互用、商策合一」的訴求， 在文化概念展區放入商業流程，圖像授權與設計品牌展區分別策劃不同展覽，使三大展區互相佐證，呈現更具整體性的文博會。 2019 年台南藝術節「府城流水席」舞台照。圖片提供」豪華朗機工   變動的台灣 談起「相信律」的策展緣起，林昆穎分享道，來自他對於人性某一面的不了解。他觀察到，台灣社會有一股「變動」的力量，或許受到海洋民族的特性影響，也或許來自島嶼豐富的地貌與生態，人民生活型態講求快速與短暫，包容力強、能夠隨機應變，如同一部「混種」的引擎，塑造出多種文化交雜融合的社會風貌，並在最快的時間內找出成功的方法，使得早期經濟起飛時能順利轉入加工、代工導向的社會，林昆穎認為，這樣的「變動」特性引領台灣擁有今日的成就，也是台灣最珍貴的特質。 然而，此種氛圍也令人擔憂，因為講求快速，人們常會忘記或忽略一些細節，「差不多就好」是台灣人普遍擁有的心態，所以食安、工安問題層出不窮。他提到，很多台灣人都會羨慕日本的職人文化，但我們捫心自問，是否重視每一個簽名承諾的瞬間？是否能夠日復一日確實每一次練習？ 2017 年世大運聖火裝置。圖片提供」豪華朗機工   此次的「相信律」便是一次對於思考邏輯的整理，林昆穎承認，內容策劃或多或少帶有一絲說教的意味，但台灣已經等不及慢慢的啟發，而是需要「即刻開悟」，展覽期待大眾能在後果發生前提早想像，如果每次下決定時都能依據「簽名、評論、實現與分享」四個象限審慎思考，結果就能有所改變，他相信「只要一半的參觀者接受當下每個選擇的『相信』都會影響未來，那麼輿論就會擴大其影響力，我們的社會就能不一樣」。   為了使不同年齡層、背景的觀眾都理解展覽主軸，主題館內運用大量日常行為、景物，帶領觀展者進入你我生活的既視感中，並創造出展覽的既定流程與循環性，最後則是表演與沉浸式空間。其中表演更佔有特殊地位，林昆穎強調，相比無機的輸出物或展品，表演是由人來傳遞訊息，因此本次主題館中可以見到大量啟發式的表演，從入場參拜大廳的默劇、脫口秀，到共創神殿的 7 組表演者，人們可以輕鬆地觀察，也能深度思考，並走到外側的展牆，細細閱讀其上的文字與邏輯圖表，依照策展者給予的提示理出自我的思考脈絡。   外環的理性論述，探討相信的4個象限。圖片提供」台灣設計研究院   成為自己的資料庫 「這是最好的時代，也是最壞的時代」19 世紀英國文豪狄更斯寫於小說《雙城記》開頭的話語，用以形容今日依然精準無比。受到新冠肺炎疫情影響，文博會去年在開展前一個月宣布暫緩舉辦，儘管過程歷經波折，總策展人林昆穎卻認為，這是一個非常好的機會，「疫情的一年我們更向內探求，不做誇張的國際對話，而是將自身整理好再對外。」 在本次策展中可見到濃厚的內省氛圍，他舉例主題館「相信律」藉由討論與反思看待台灣目前的文化、人情味是否有改變的可能；地方總論館「北回朝聖路」則是由土地生長而出的自信，這條台灣的朝聖路串聯起花蓮、嘉義兩地，引申出台灣自豪的飲食文化，透過本次文博會的觸發，林昆穎希望將台灣的文化整理出一種樣態，可以告訴世界「我們有什麼」。 內環表演者呈現出感性現場。 圖片提供」台灣設計研究院 主題「數據廟」，將每個人的生活、行為、方法都化成數據，這不僅是一個短暫如煙花的口號，更是林昆穎平日貫徹的邏輯，也是他鼓勵創意人才必須具備的能力，隨時整理、歸納生命經驗，將自身視作資料庫。如果缺乏整理，所有的親身體驗只會是一段記憶，無法成為工具。他也分享自己整理「資料」的方式－「反覆問自己為什麼？」，從生活過程中練習判斷的方法，一一展開每個決定背後的原因，去研究自己的思考邏輯，「相信律」中的四個象限便是他歸納出的方法論之一。林昆穎相信，透過整理，從個人到品牌、企業、土地都能夠成為資料庫，下一次進行文化創造時便能夠從中汲取，作為推進島嶼未來的力量。 華山主題館－相信律。圖片提供」台灣設計研究院  

由國際知名設計師Tara Bernerd創立的Tara Bernerd & Partners，是一間涵蓋室內設計和室內建築的室內建築公司，2002年成立以來，參與了全球各地不同的設計項目，使她成為業內最炙手可熱的設計師之一。Tara與她的專業團隊為世界各地的餐廳、酒吧、酒店、遊艇及私人開發項目提供創意指導及室內空間規劃，建構專屬的美學。近期，她於亞洲完成的項目包含2020年夏季開業的Zentis Osaka（Palace Hotel Group旗下全新Zentis品牌的首個項目）、去年12月剛開業的香港灣仔The Hari Hong Kong等，《室內》雜誌特別邀請Tara Bernerd進行專訪，請她分享事務所秉持的理念，並與讀者分享近期所完成的酒店設計概念與亮點。 Tara Bernerd & Partners Tara Bernerd & Partners是由設計師Tara Bernerd創立的室內建築公司。項目遍布全球，擅長透過運用智能科技為室內空間進行規劃及設計，視每個作品為獨一無二，然而Tara Bernerd & Partners在設計的過程中均會注入標誌性的風格，奢華但是親民，帶點工業風的元素，展現優雅質感，帶來獨一無二的設計體驗，團隊希望為不同空間賦予不同的意義及營造彼此的連繫。 金普頓費茲洛伊倫敦酒店大廳。建物本身為受保護的歷史建築，設計團隊保留其大器典雅的元素，再以現代觀點重新思考空間佈局。 Tara Bernerd & Partners以倫敦的貝爾格萊維亞（Belgravia）為基地，承接眾多國際知名客戶包括瑰麗酒店（Rosewood Hotels & Resorts）、四季酒店（Four Seasons）、夏利里拉酒店（Harilela Hotels）及Palace Hotel Co. Ltd等設計案，其中，金普頓費茲洛伊倫敦酒店（Kimpton Fitzroy London）的翻新工程為其得意之作，設計團隊與發展商攜手合作，確保整個建築物的室內設計都能夠保留這幢二級歷史建築的原貌。金普頓費茲洛伊倫敦酒店坐落於羅素廣場（Russell Square）上，曾是上流社會成員的集聚地，外觀維持著維多利亞時期的設計風格，公共區域基本上保持了原有的樣貌，內部裝飾古典大器，Tara Bernerd & Partners與建築師將這些富含歷史底蘊的元素保留下來，並在翻新過程中以現代思維重新詮釋佈局、動線等規劃。 面對委託案時，Tara Bernerd & Partners秉持著對創作一貫的認真和熱誠，相信每一個項目都是獨一無二，其中，保留當地特色是所有設計提案中的骨幹，Tara深信每個地區都有其獨特的個性，在色彩運用上多以道地風貌及城市景觀為靈感，用料方面亦盡可能就地取材，透過文化、歷史、氣候與環境氛圍的結合，勾勒出專屬當地的風格；同時，團隊也十分重視建築概念和室內空間的融合度，希望能充分展現出設計與生活美學的結合。要判斷一間酒店是否真正成功，絕不能單靠整體外型印象，每個設計細節都是環環相扣且缺一不可，從空間運用到材料、家具選擇、色調、藝術品、燈光、氣味等，甚至是最後的修飾，皆需仔細考量；另外，如何與酒店經營團隊適切的配合，也是Tara認為在酒店設計中非常重要的關鍵，不管硬體規劃有多完善，若沒有服務人員時時刻刻關懷著住客的需求，都無法成就出一間受人愛戴的酒店。 金普頓費茲洛伊倫敦酒店客房。不論是色調、材料或軟硬體等規劃，皆環環相扣。   從縝密的觀察中，找尋設計切入點 有鑑於團隊經常承接知名連鎖集團的設計委託案，該如何在既定的企業精神下，注入屬於Tara Bernerd & Partners的元素？Tara解釋道，她會先因應各項目的先天特性來擬訂設計方針，這有助於團隊在創作上享有更高的自由度。首先，會針對建物本身、其所在地及鎖定客群進行評估，再配合品牌定位和風格著手設計，若是為同品牌設計不同地區的酒店，除了賦予獨有的設計基因外，更需將相同的元素置入每間酒店，使它們緊密連結；以近期完成的The Hari Hong Kong為例，為突顯和The Hari London之間的連結，大廳整體設計和圖書牆的運用便營造出相互呼應的效果。Tara Bernerd & Partners的作品中，不難察覺奢華但平易近人是他們的標誌性設計風格，當中透著細膩的設計層次，以及對藝術滿滿的熱愛及精準的氛圍掌控。   位在香港灣仔的The Hari Hong Kong，大廳劃分成不同功能的休息區，以藍色、綠色與大地色調，和天鵝絨及羊毛厚布構成，家具風格則融合中世代主義與當代主義。 由於Tara的作品分布於世界多個城市中，歐亞地區對於酒店設計的發展趨勢與喜好有著明顯的差異，以日本為例，她觀察到日本人非常重視傳統文化，在設計浴室時便參考當地人的沐浴習慣，希望能設計出更貼近當地生活習性的空間，而香港的酒店則十分注重色調調配；整體而言，不同國家地區存在著各自的建築規範，團隊會先向當地的建築師徵詢細節方面的意見，在可行的情況下盡可能滿足多方需求，並尋求機會做出突破，Tara認為這才是設計的真諦。過去一年間因疫情影響，遠距工作成為全新的日常，無法親自審視材料的利用及實地考察，因此需要盡更多心力建立起與客戶、施作方牢不可破的合作關係；憑著團隊堅毅的精神和出色的應變能力，在這段艱難的時刻仍於全球完成了5個項目。 The Hari Hong Kong客房以開放式手法設計，香港的高樓大廈透過玻璃窗映入眼簾。   聚焦設計美學－Zentis Osaka Tara Bernerd & Partners去年於日本大阪完成了Palace Hotel Group旗下全新Zentis品牌的首個項目－Zentis Osaka。Tara表示，她小時候在亞洲度過了很長的一段時間，期間曾造訪過日本數次，一直憧憬著有機會在當地工作，Zentis Osaka是她在日本的首個作品，期待為講究設計及時尚潮流的客人帶來更優質的精選酒店。選址於大阪市中心，目標成為繁華城市中的綠洲，鬧中取靜，營造出家的溫馨感；大阪最引人入勝的地方，在於她蘊藏豐厚的歷史脈絡，同時充滿著現代都市魅力，Tara與團隊以低調奢華卻不失優雅氣派的概念作為Zentis Osaka的設計基因，提供旅客悠閒又賓至如歸的感受。 休息區一景。講究設計感與時尚氛圍，並適度引入外部蔥綠。 啟發自建築概念的石梯是空間的亮點，極具雕塑性。 大廳開闊不拘束，語彙簡約俐落，啟發自建築設計的石梯更是亮點所在，從外型到材質皆充滿著雕塑性，加上落地玻璃的設計，將外部熙來攘往的市容景觀引入室內，動靜之間更添層次，而地下空間則以內外無接縫的手法打造，Tara精心設計一個以玻璃包圍的雙面壁爐，拉近住客與戶外綠色花園的距離。2樓的酒廊別具魅力，挑高的環境以藍色和芥末黃色調捎來柔和感受，並與外露的磚材、橫梁及Crittall鋼窗相映成趣，吧檯則延續了地下石梯的建築風格，由當地採購而來的磁磚製成，也肩負分隔酒廊和餐廳兩個空間的功能；藍色色調延伸至餐廳，地磚圖騰和特色書架則形塑出具變化的視覺效果。Tara提到，Zentis Osaka最大的挑戰在於酒店各個角落、不同大小空間的運用，有趣的是，團隊將客房想像成傳統日式便當，將有限的面積巧妙地劃分成多個獨立卻相連的區域，創造既具功能性又舒適的環境；沿用大廳的清新色調，同時注入些許溫暖顏色，再妝點出自日本藝術家之手的傳統藝術品，藉此向大阪這個洋溢著活力的城市致敬。 Zentis Osaka注入不少屬於當地的設計特色，例如於滋賀縣製作的床頭櫃、靈感來自日本書法的壁紙裝置，及出自當地藝術家的當代作品等。 資料及圖片提供」Tara Bernerd & Partners、PURPLE 採訪」陳映蓁

人生一定會擁有幾顆印章，你可曾想過印章背後的歷史脈絡，或者是它所代表的意義？來台28年的DDG美商方策顧問有限公司執行總監史孟康（Mark Stocker，以下簡稱Mark）大學時主修經濟，並因興趣而選搭亞洲文化藝術課程，畢業後因緣際會來到台灣工作並定居，提供眾多台灣品牌行銷方面的專業，協助其立足於國際；另一方面，也不忘自身熱愛東方文化的初心，遂成立「款（Kuan）」，將印章結合與現代美感和設計品味，卻依舊保有文化精神，期盼印章可受到更多尊重和欣賞。本期人物專訪邀請Mark來分享創立品牌的契機，以及想傳達的意涵。 史孟康（Mark Stocker） 來自美國的史孟康，就讀加州大學洛杉磯分校（UCLA）時修習了東亞地區研究，開始對亞洲文化產生興趣，其中尤對中國藝術情有獨鍾，曾蒐集鼻煙壺等多種中國代表藝術品。畢業後赴台灣居住將近30年，擔任美商方策顧問（DDG）執行總監，曾為大中華區上百家企業打造具有國際競爭力的品牌，有「品牌顧問專家」的封號。2018年他和陳明珠共同創立東方設計精品「款」，期望將篆字入銅印之歷史軌跡繼續流傳，帶給大眾嶄新不凡的用印體驗。 台灣設計品牌「款」解構常見的印章，將傳統的文化精神以現代美學詮釋，賦予印章更進一步的價值。 Mark在高中時期跟隨父母搬至香港，並就讀國際學校，期間陸續造訪了台灣和中國大陸，人生的第一顆印章也是於中國西安所購買，他笑說當時還沒有中文名字，印章上刻的是音譯的「馬克」，做工和質感也頗粗糙，但十分具紀念意義；爾後，返回美國就讀大學時，因自身興趣驅使，在主修經濟之餘，亦選修了關於亞洲文化藝術的課程，並於畢業後來到台灣工作，創立DDG，利用西方視角和經濟專業協助台灣品牌的策略發展與行銷，也不間斷地培養自己對品牌的認知跟了解；5年前，公司承接了台灣最具代表性的金點設計獎（Golden Pin）的公關事務和相關策略操作，著重華人設計概念的金點設計獎，觸動了Mark內心的「亞洲魂」，便開始關注台灣極具意義的事物。 他發現，印章對台灣人來說應該是很重要的物件，舉凡銀行開戶、創業、購屋等都需使用到，但台灣的印章店不論是外觀或是內部，大多老舊雜亂，而藉由電腦刻印的成品，雖然快速便利，但卻僵化制式，感受不到它的生命力，這令Mark深覺可惜，他認為印章是代表個人的一種象徵，其背後更有著悠長深厚的歷史發展脈絡，應該重新定位它的價值和美感，遂決定創立一個以印藝為主軸的品牌。   利用高磁效能使握柄（上款）和印紐（下款）得以拆解，分離式設計相當創新，也帶來更便利的使用經驗。 重塑對「印」的認知 人類最早的文字銅璽印來自殷商時期的殷商三璽，距今已有3000多年的歷史。銅璽印蓬勃發展源至春秋戰國時期，當時人們在腰際配戴銅璽印，「印」在當時代表了一個人的信譽和身份，古語云：「印如人」正為此意，從古至今「印」也是兼具實用和美學的東方微型藝術。Mark深入爬梳關於印章的歷史，期望將華人特有的用印文化，透過當代的簡約美學設計作為載體傳承延續。 品牌命名為「款」，乃自於「落款」，即「留下印記」之意，過去文人雅士於創作和收藏品中，皆能找到落款的個人印跡，代表著個人身份品味與藝術涵養，另外，現代詞彙中，「款」字具有多重意思，提款中的款，代表錢財、款式的款，代表式樣；因此Mark認為這個名稱既能說明印章的功用和涵義，也於無形間表述品牌欲推出多種樣式的企圖心。   印紐採用黃銅，比起傳統印章的木頭、石材的使用壽命更為長久，質感也更大器。 款目前有個人章與公司章兩種商品，個人章的外觀融合黃銅與不鏽鋼的大器雋永，以及宋朝花器的「開片技法」，跳脫市面常見的長條印章形式，將形體拆分為「上款」（握柄）和「下款」（印紐），並分「方款」和「圓款」兩種造型。歷經多時研發，導入高磁效能吸附，讓上下兩個部分得以分離，一個握柄可搭配多種印紐，能針對不同場合隨心替換使用的印章，不僅是相當具創新的突破，也增加了使用上的便利。 甫於去年推出的公司章則結合「方圓」意象，上下是方形，中間為圓形，符合人體工學容易握取，特別之處在於這是顆「雙面印」，將「大小章」的概念合而為一，再度顛覆傳統印章的設計思維，設計靈感來自中國西魏的一代名將獨孤信所持的「多面體煤精組印」，身為朝廷重用的官員，他隨身攜帶這只共有26面的璽印經手各式公文書信，激發了品牌製作雙面印的想法。Mark補充說道，款所推出的商品，所有的設計概念皆有史實依循，字體亦有別於傳統印章的電腦字，彙整漢字入印，團隊針對篆體進行深入的考究，目前統整出十多種具明確風格和特色的篆體，供消費者選刻，每一款字形皆有其文化和歷史淵源，並由專屬藝術家手繪訂製，程序嚴謹，每個成品皆獨一無二。   下款的文字提供多種篆體字，品牌梳理歷代篆書的發展，歸類出十多種具風格特色的字形，呈現用印文化的脈絡。消費者選定喜愛之字體後，會由專屬藝術家手繪訂製。 品牌發展的建議 Mark提到，「款」這個品牌旨在表述印章所富含的深厚底蘊，他希望可以傳遞一個訊息給台灣人，就是我們擁有許多有意義的東西，應該要更加被重視，要對華人設計與台灣文化抱持著驕傲感，並尊重生活周遭所有的事物，也期望透過保有過往精神卻又創新的印章，提點出設計創作的美好。 身為專業的品牌顧問，Mark認為發展品牌最重要的是「對於議題的深化了解」，只有深入挖掘，才有可能把話題變成專業，並從中找到與他人的差異性，若僅一味追求潮流，其實風險較大，無論如何，創新和差異才是長久發展的最佳方式；由於品牌創立需耗費許多時間，他建議創業者需調整好心態，除了設定好最終的「成功」目標，中途的「小成就」更是不可或缺的環節，這些經驗會引領你不放棄地持續向前走，並使這段過程蛻變成甜美的果實。Mark也期許「款」可以不間斷研究、研發的步伐，創造更多異業合作的機會，讓印藝文化更深入你我的日常生活。 去年新推出的「公司章」，將大小章概念合而為一，外型融合方、圓線條，亦符合人體工學，蓋章時容易施力。 資料及圖片提供」款（Kuan） 採訪」陳映蓁