台灣設計研究院（Taiwan Design Research Institute，以下簡稱設研院）自2019年起推出「T22設計振興地方產業計畫」，以「產地」為概念，從設計角度切入地方創生。「T」意指台灣（Taiwan），「22」為台灣22個縣市，台灣有著精密的製造技術，不過由於世界經濟的快速轉變，致使眾多產業聚落出現式微現象，設研院期待藉由與國內外專業設計團隊合作，重新整合包含製造、行銷、通路等資源，與消費市場鏈結，為觀光和經濟發展賦能，與產地的生產者們攜手突破困境，迎接新生，創造加乘價值。 由角白設計工作室操刀的T22計畫Logo。融合計畫理念和元素，解構為品牌標誌。 時至今日已陸續在鶯歌、北投與花蓮等地發表相關計畫，並收穫了來自各方的迴響。《室內interior》於本期企劃中專訪身為T22計畫推手的艾淑婷副院長（以下簡稱艾副），請她分享站在第一線的觀察、當設計介入後激起的漣漪，以及對台灣產地最深切的期許。   台灣設計研究院 / 艾淑婷副院長 從外貿協會基層、轉任台創中心創始團隊，在2020年升格為台灣設計研究院，近30年的設計推廣與創新跨領域整合工作經驗。短短兩年，台灣設計研究院完成許多設計導入公共服務創新行動，其中學美美學計畫陸續獲得國內外重要獎項，包含2020年日本G Mark Best 100、金獎及全場大獎、德國iF設計金獎，影響台灣教育現場，培育國家未來領導人。除此之外，艾淑婷也推動如微改造新竹火車站、衛生所再設計、消防設備設計規範系統、公運美學導入北花線回遊號設計、台鐵便當店品牌形象設計等公共服務創新議題，同時擔任設計導入防災教育的社會設計行動、T22產地復興計畫等計畫發起人。   台灣的經濟結構，一向以工業生產與製造業為主軸，而MIT（Made In Taiwan）的品質也聞名於世。不過，環顧全球趨勢，「設計」正以前所未有的速度影響世界，它在國家經濟、文化、社會當中所扮演的角色重要性與日俱增，因此政府於2020年將「台灣創意設計中心」升格為「財團法人台灣設計研究院」，期許運用「設計力」整合政府跨部會的資源，成為重要的施政價值和發展策略，並持續引領產業和社會的永續發展。 DIT的時代已經來臨，設計將是改變產業、改變台灣的一大關鍵  艾淑婷副院長於採訪中提到，2020年不僅是設研院的成立元年，團隊也於同年獲得總統創新獎，證明了台灣從硬實力轉向軟實力的時代已經來臨，設研院致力往DIT（Design in Taiwan）的方向邁進，期待用設計改變台灣、讓台灣被世界看見。   台灣土地雖小，但擁有強大又旺盛的產業能量，也聚集了各領域眾多的優秀人才，不過，隨著時代變遷，產業逐漸面臨發展斷層和轉型的迫切需要。經濟部於1989年即開始推展「一鄉鎮一特色」（One Town One Product）計畫，協助中小企業利用各地特色為基礎，配合知識經濟概念為前導，創造高附加價值的新型態群聚式經濟體。 T22計畫首發站選定於鶯歌。設研院以設計角度切入，重塑文化與工藝的價值。 而設研院在前身「台創中心」時期，就開始從事產業輔導，甚至也擴及國際拓展和展會行銷等面向，艾副表示，在這些過程中，團隊觀察到頗為現實的狀況，也就是製造業的現行模式和所謂的創新，彷彿隔著一道鴻溝，而傳統的地方輔導又多為針對單一個案提供協助，並未兼顧整個產地發展，這樣的形式可能已無法滿足台灣在這個時代的需求。於是，設研院著手研發型態計畫，T22因此應運而生。   拉近產地、設計界、消費者的距離 台灣的製造業大多為群聚型態，現今面對的嚴峻挑戰，就是「世代交替」。年輕一代或許有接班意願，卻對老一輩的經營方式未必認同，世代之間的溝通不甚順暢，再加上，年輕人雖有意願進行改革，但他們不知從何下手，對於未來的定位發展也備感困惑；而所有的改變創新，都需要有縝密的計畫以及充沛的後援支持，才得以持續發展，T22便是集結眾人力量集思廣益的計畫，替這些有決心改變的年輕接班人們，打造一個具可能性的未來。 T22鶯歌「產地一顆星」與中川政七商店團隊全方位體檢企業經營，打造明星等級的在地品牌：「KOGA許家陶器品」。   「地方創生」的概念源自於日本，根據行政院揭示的資料，期待透過盤點地方既有「地、產、人」的資源優勢，確立獨特性和核心價值，再導入「創意（設計力）、創新（生產力）、創業（行銷力）」的輔導機制，為地方注入發展動能。 艾副則強調，地方創生不應該是單打獨鬥的現象，設研院提倡協助地方凝聚共同的目標，十分強調「共榮」，換言之，必須讓繼承者（接班人）們一齊擬定前進方向，在地業者彼此有了共識後，才有動能激起外界的關注度；由此可見T22計畫的使命：帶動地方活化、加深年輕人參與，以及吸引國際市場目光。   地方創生不該單打獨鬥，共榮才走得長遠  設研院在T22計畫中，則扮演串聯產地、設計界、後端推廣等細節的「平台」角色。艾副進一步解釋道，台灣長年來養成了非常多的設計人才，數量應該是亞洲之冠，但是，過往設計與傳統產業的串接機會較少，設計者們缺少大展身手的舞台，是一件非常可惜的事情；在這樣的前提下，設研院藉由T22計畫，將地方製造業和不同領域的專業人士相互結合，透過完整的機制，讓設計、行銷、懂得生活的人，一同替產地打造新的經營態度，也制定出一套具前瞻性的流程。 T22鶯歌「產地學院」則推出跨界聯名商品，演繹陶瓷的更多可能性。臺虎精釀與安達窯Anta Pottery結合瓷器、茶、與啤酒，創作茶酒杯對杯禮盒。 過去，商品是製造業的主軸，所以業者不斷地精進技術，以期創造出令人驚艷的成果；T22計畫進場後，則是更加注重「體驗」的環節，企圖使精緻又極具品味的商品，替消費者的生活增添質感。 產地挑選之原則與切點 T22計畫非常重視產地一路以來留下的軌跡，是否具備精闢的know how？是否有永續發展的能量？是否能承接各種不同課題，願意並肩開創新藍海？台灣許多鄉鎮的製造業，面臨了代工式微、與觀光、消費行為脫鉤等困境，各公司的決策者或接班人，大多也缺乏溝通合作的機制，導致產業氣氛略顯呆板無生氣。   T22鶯歌。永心鳯茶與郭詩謙（大謙堂）開發一壺二杯。 T22團隊每年會挑選2至3個產地，透過「把脈」的方式，邀請學界學者、日本專家一起走訪當地，進行田野調查，仔細剖析設計進場的適切性。現地踏查的重點，主要在於能否尋找到有企圖心、有話語權、能影響同業的年輕一輩，藉此拉起彼此的手，共同引動產地的發展；第二，觀察產業整體的上中下游連結是否密切，若嚴重斷鏈則有修復的困難；第三，接班人們是否能共同制定出未來發展方向的雛型，並順利說服上一輩給予支持和投注資金，這些面向皆為所關注之焦點。 前往花蓮田野調查的紀錄。圖片提供：沿岸製作 T22計畫目前已進入鶯歌、北投、花蓮三地，艾副說道，團隊在決定產地的考量如上述所提，他們重視在地業者自身的企圖心，有沒有關鍵族群願意跳出來承擔責任、進行整合，讓當地可以持續活化，而非一味的倚賴政府資源。   除了確認產地本身的能量，設研院作為連結跨域協作的發散地，會引進優秀的設計者一起合作。針對設計團隊的選用依據，艾淑婷副院長提及，台灣其實有許多充滿熱血和理想的設計從業人員，卻受限於市場而無法一展身手，有鑑於此，設研院積極開發各式項目，包含校園美學改造、工廠再造，甚至是公部門設計案等，讓這些人才得以實踐對於社會設計的理想。  T22北投團隊合照。 而國內外的眾多設計獎項，則是挖掘優秀人才的管道，設研院作為中介者，會主動邀請適合的設計者或團隊進行提案徵選，再委請具備高度市場觀點的專家顧問輔佐，以更明確與有效率的方式，保障設計方與業者的合作過程，讓產地風貌得以大躍進。   摩擦和衝突，都是成就蛻變的歷練 由於T22計畫大多面對較為傳統的產業，艾副表示，「世代交替」是最為棘手的一環，年輕人基於吸收了四面八方的新知，在價值觀和未來願景方面或許與父執輩產生了分歧，但是老一輩也並非不想改變，只是他們的成功經驗和現代已稍有落差，而「創新」這個詞彙又太過抽象，在無法想像的狀態下，他們通常會選擇較為保守的想法，固守自己打下的根基。 鶯歌產地開放日－繼承者們合影。 在改變的碰撞中，雙方的溝通和相互理解是相當難解卻又一定得面對的課題，有時候，說服家人其實最為困難，也因此，當雙方討論出共識、確立前進道路的那刻，才是重生的起點；艾副分享，曾發生過父親因為一路見證兒子站在第一線積極努力的身影，堅持著創新精神改革家族事業，使他大受觸動，兩人在發表會現場相擁而泣，這些感動時刻，都令艾副非常難忘，也成為持續推動T22計畫的原動力。   T22計畫的三大關鍵字：傳承、改變創新、永續發展    艾副自豪地說，T22將設計作為策略工具，並以「傳承」、「改變創新」、「永續發展」三大關鍵理念貫穿計畫架構，替台灣產業打造全新的發展模式，協助地方發揮特點，吸引人流，帶來新氣象；竭力凝聚產地的團結意識，從一個品牌到一群品牌，形成緊密的組織和力量，能夠自發性地規劃長期發展計畫，後期主要交由參與T22的繼承者們主導，設研院則逐漸轉為技術支援的角色，使地方創生不再只是曇花一現的短暫盛況，而是讓這股改變的意念得以在地綿延，激盪出更多火花。 T22北投發表會現場。   T22計畫根據不同產地定義出各自的問題、目標與對策，執行團隊運用設計思維，以Rebranding（品牌重塑）的概念，清晰爬梳在地優勢和特色，闡述各地的「自明性」，再透過co-branding（聯名）方式，打造話題商品，向外推展精緻的製作能量，帶領地方走出自己的康莊大道。 T22花蓮聯名商品。 艾副強調，台灣過往專注於提供幕後代工服務，但對於自身的自信並未有深刻著墨，她期待T22計畫成為具影響力的策略，重新挖掘鄉鎮地區的豐沛動能，將職人的精神及故事呈現於大眾眼前，讓優質的商品相伴你我的日常，讓台灣成為懂生活、懂體驗的國度，也能藉此開啟國際市場的注目。 下篇：T22鶯歌＆T22北投 用設計替產地敘事 資料及圖片提供」台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

普立茲克建築獎得主，世界知名建築師安藤忠雄的生涯回顧大展《挑戰—安藤忠雄展》（TADAO ANDO：ENDEAVORS），自2017年由東京出發，歷經巴黎、米蘭、上海、北京，日前抵達世界巡迴最終站－台北，2022年9月13日前於松山文創園區一號倉庫重磅登場！ 本展由忠泰美術館聯手安藤忠雄建築展實行委員會共同主辦，並由旅日建築師龍國英擔任策展顧問，共劃分為「空間的原型」、「城市的挑戰」、「景觀的創造」、「與歷史對話」四大主題，展出超過300件作品，含括安藤忠雄的世界旅行速寫、設計手稿、建築模型、眾多影片與攝影作品等。 以「青蘋果」激勵大眾永保青春的學習之心。©歐陽青昀 展場一隅。©歐陽青昀   近兩年來世界壟罩在疫情的陰影下，人們備受限制，無法自由的飛越國界，忠泰美術館藉由引進本展，讓台灣觀眾有機會親身感受國際級建築大師充滿挑戰的傳奇人生。《室內》雜誌更邀請忠泰美術館黃姍姍總監進行專訪，與讀者分享策劃國際級大展背後的點滴和跨越諸多挑戰的心路歷程。   忠泰美術館 / 黃姍姍 （圖片版權©忠泰美術館） 現任忠泰美術館總監（忠泰建築文化藝術基金會）。日本國立東京大學文化資源學研究所博士課程修了，同研究所碩士、國立臺灣師範大學美術系畢業。曾於日本橫濱三年展、森美術館、國立臺灣藝術大學文化政策與藝術管理研究所工作。博碩士就學期間累積獨立策展經驗並發表多篇文章於藝文專業刊物。自2010年進入忠泰集團，於忠泰基金會任職時期，負責忠泰美術館最初籌備規劃及開館建置工作，2016年開館至今負責統籌忠泰美術館之營運與管理以及部分展覽策劃。個人專業領域為博物館學、策展、藝術管理。 【希望傳遞永遠保持開放心境與熱情，勇於接受挑戰的精神。】   展場一隅。©歐陽青昀 安藤忠雄（Tadao Ando）無疑是當代最具影響力的建築大師之一。他的重要性，不僅是遍布全球各地的建築創作，更重要的是他所帶來的訊息：「不自我設限，超越自我，不斷挑戰！」而忠泰美術館作為台灣首座聚焦於「未來」與「城市」議題的美術館，總監黃姍姍提到，在過去五年的時間，忠泰美術館已策劃約17檔展覽，不論是當代藝術抑或建築類型，每檔展覽最重視的即為思考與城市有關的各種面向，透過感性的藝術角度，或是理性的建築思維，爬梳城市脈絡，並剖析人和居住空間的連結。 展出安藤忠雄設計手稿、建築模型等，圖中作品為六甲的集合住宅。©忠泰美術館   1941年出生於日本大阪的安藤忠雄，曾擔任過職業拳擊手，他雖從未受過科班訓練，但基於對建築的狂熱，21歲便踏上了遍及歐美、甚至遠至非洲的自學之旅，藉由吸納名家建築精華化為自身養分，並在學歷至上的保守社會裡，以大阪梅田佔地30坪的「大淀工作室」作為指揮基地，進而開闢出日本當代建築前所未見的全新道路，更在1995年一舉榮獲號稱建築界諾貝爾獎的普立茲克建築獎。 「大淀的工作室II」模型。©歐陽青昀 2017年，安藤忠雄回顧展首站於東京六本木的國立新美術館（The National Art Center, Tokyo）登場，而忠泰建築文化藝術基金會於2019年曾邀請安藤忠雄來台，以《亞洲是一》為題舉辦千人演講，分享他執業以來，對於社會局勢的觀察和體悟，以及50多年來的心路歷程；雙方的合作關係由此拉起序幕，彼此奠基於深厚的信任關係，順利爭取到台北作為展覽全球巡迴的最終站。 「水之教堂」現場照。這棟建築可說是安藤忠雄將自然景觀融入建築設計裡的重要轉捩點。©Yoshio Shiratori 黃姍姍總監說道，安藤忠雄這位沒有受過正統科班建築教育的自學者，透過自身努力和不懈奮鬥的歷程，達到世界頂尖建築師的地位，因此展覽的核心精神，主要在於期待藉由闡述他的人生和創作，讓觀眾在拓展視野之餘，也能收穫不畏艱難、正面積極的態度，藉此面對人生中的難題與挑戰。 安藤忠雄與光之教堂。在沒有裝飾元素的室內空間裡，只有從正面透空的十字架穿透進來的光，成為教堂的象徵。©Araki Nobuyoshi   展場與內容的相互呼應 年屆80歲的安藤忠雄從未停止腳步，他將「青蘋果」視為青春的象徵，這個青春指的不是年紀，而是心態，只要保持熱忱，並以謙虛、積極的心態持續成長，就永遠不失學習機會。他更將《挑戰—安藤忠雄展》作為迎戰「建築」的半世紀奮鬥紀錄，他表示：「展覽5年巡迴過5個城市，最終站落腳在『對話之地』的台灣，是極具意義的巧合。希望本展能夠成為大家重新思考建築原點的機會。」 「21_21 DESIGN SIGHT」現場照。以「建築即地景」為主題，打造了「摺紙」造型的地面部分，以及擁有下沉式廣場的地下樓層，成為主要的展覽空間。©Mitsuo Matsuoka   展場特別安排在日治時代所興建的「臺灣總督府專賣局松山菸草工廠」，即為現今的市定古蹟「松山文創園區」一號倉庫內。黃姍姍表示，當初在規劃展覽場地時，不可諱言地的確非常希望安藤老師個展能夠在忠泰美術館本館舉行，不過，考量到回顧展規模甚大，且展品豐富多元，再者，作為主辦單位和執行單位，她與同仁有股企圖，希冀能將1:1比例復刻的「光之教堂」呈現於台灣觀者眼前。 「上海保利大劇院」現場照。不直接以外觀突顯存在，而是利用虛與實、立方體與圓管狀的相互交錯，表現充滿激情的內在空間。©Shigeo Ogawa 綜合上述理由，以忠泰美術館這個較為中型的展覽場地而言，有其布展上無法克服的限制，因此，便開始和安藤老師討論各種展示場地的可能性。當團隊提起有百年歷史、具古蹟定位的松菸倉庫為其中一個選項時，安藤忠雄馬上同意以此為展覽地點；黃姍姍進一步解釋，安藤忠雄秉持著尊重的原則，經手了許多歷史建物的再修復與再造，此次在松菸這座古蹟場域中展示他半世紀的心血，期待創造「沉浸式」的體驗，帶領觀眾感受建築和歷史承先啟後的對話。 中之島計畫II—都市蛋空間（提案）設計圖。©Tadao Ando Architect _ Associates   疫情下，策展及布展的挑戰 在古蹟中布展，的確備受考驗，以及有許多需要注意的細節。總監分享，因為場地較為脆弱，在空間整體建置上，無法採取「釘」、「黏」等侵入性手法或裝置，基於保護古蹟的前提下，在正式進場前，團隊經過非常多次場勘，確認內部結構與預計增設量體之間的關係，也在這些過程中，深刻感受到共同主辦的安藤忠雄建築展實行委員會，對於古蹟空間的崇敬和誠心對待。 「倍樂生之家 美術館」全景圖。在這座幾何造型的建築中，因應地形有一半埋藏在地下，讓內外空間進行了動態且大膽的交流。©Mitsuo Matsuoka   疫情不僅對生活產生巨大影響，對於各產業也造成許多衝擊性的變革。黃姍姍認為，忠泰美術館本館在過去兩年陸續舉辦了多檔國際展，面對疫情這個不確定因素，團隊練就了一身彈性因應的本領，並嘗試發展線上策展等策略，讓藝術持續走入大眾日常；不過，親臨展覽現場的共鳴和悸動依舊無法被取代，因此忠泰團隊不懼困難，堅持於台灣打造實體的安藤忠雄回顧展。 「地中美術館」現場照。此為安藤忠雄在直島上創作的第4號建築，形體與既有風景融合，完全隱藏於大地之中。©Tadao Ando Architect _ Associates 有鑑於展覽規模龐大，亦有諸多需關注、解決的複雜問題，所幸同仁們不厭其煩地與日方進行多次溝通，透過視訊、資料整理、圖片呈現等方式，企圖將心意及想法完整傳遞至日本；她進一步提到，在整個籌備過程中，能夠十足感受到日方團隊的信賴，甚至在進場和布展的當下，日方授權忠泰團隊能直接在現場做即時判斷與應對，這對一向嚴謹、要求品質的日本人而言，代表著全然的信任，這令忠泰團隊感到十分榮幸且開心。 對於建築產業的願景 安藤忠雄於展覽開幕的聯訪中，曾提到：「現在是男女平等的時代，我希望有更多女性加入建築領域，因此在展場規劃上，有特別思考如何讓女性對建築產生更多的興趣。」黃姍姍指出，安藤老師十分認同女性的能力和韌性，對於女性無限的發展可能同樣持肯定態度，這點令身為女性的她，深感鼓舞。 「海關大樓（皮諾私人美術館）」現場照。建築完全還原成15世紀的樣貌，僅在中央插入一個由清水混凝土牆框起的結構。©Shigeo Ogawa   另外，就她的個人觀察而言，安藤老師對於人類未來的城市發展亦抱持高度期待，他非常關注「尊重既有歷史」、「尊重自然」等層面，也期望建築行業並非僅藉由「新增」的手段，來塑造城市景象，而是需要營造與自然共生的環境，因此，在安藤的一些作品中，種植綠樹花朵甚至先於建築物。 「證券交易所（皮諾私人美術館）」現場照。依舊將新與舊之間的對話視為設計主題。©Yuji ONO 第二，他十分講求「團隊」精神，一棟建築的完工，絕非單靠個人就有辦法完成，而是必須由一群朝著相同目標的群體，共同努力、共同付出才得以實現，因此在展場入口處，特別展示一張安藤忠雄建築研究所同仁的合照，表達他對團隊的重視。另一方面，他也不斷在公開場合中呼籲世人正視地球環境面臨的危機，並傳遞他對人道的關懷，強調互相合作和理解的重要性。 「證券交易所（皮諾私人美術館）」手稿。©Tadao Ando Architect _ Associates 下篇：《挑戰—安藤忠雄展》展場介紹 資料及圖片提供」忠泰美術館 部分展場攝影」歐陽青昀 採訪」陳映蓁

以「成都方所」書店聞名，朱志康是設計師、是藝術家，更是一名書店創辦人，曾以家具作品獲得iF與紅點設計獎，並參與 2016、2017 年威尼斯雙年展官方平行展、2022 年屏東落山風藝術季等，更是大獲好評的 2019 台灣設計展「超級南」空間統籌，如此多元的身分來自同樣多變的職涯。本期《室內 interior》專訪朱志康設計師，了解其從國畫到空間設計的選擇心境、對於設計的核心精神，並分享諸多精彩作品的背後故事。 上篇：朱志康 奇蹟從「不可能」誕生 將原有結構柱體以水泥包覆，打造神聖氛圍。 成都方所書店：空間會走出自己的命運 介紹朱志康的代表作品，不得不提曾獲選 14 間「全球最美書店」之一的「成都方所」，自 2015 年完工並獲得多座國際大獎肯定，引領中國複合式書店設計風潮，至今開業 7 年，許多書店更迭淘汰頻繁，方所卻仍然在成都具有一席之地，有許多人將之視為經典。事後回想，朱志康談道：「空間會走出它自己的命運」，儘管施工時遇到許多超出想像的突發狀況，甚至開幕前需要整個設計團隊進入現場協助，還擔心成品會不符預期，結果居然大受好評，讓追求完美的他體會，很多事情做就對了，不必過於擔憂，每件作品都有自己的命運。   詢問朱志康認為「成都方所」相較現在如百花齊放的書店，有何與眾不同的魅力？他也有點摸不著頭緒，「或許因為我們並不是為了『被看見』才做設計。」 以特殊鑄銅材質包覆手扶梯，打造「豁然開朗」的視覺。 他解釋，設計一開始單純是為了解決尺度過於巨大的挑高地下空間，位於千年歷史的大慈寺旁，以此連想到將書藏於洞穴內的「藏經閣」，洞穴內以大切面的水泥包覆空間兩排原有柱體，建構出宗教般的視覺比例，跳脫一般書店配置，閣樓的藏書櫃與穿梭書與書中間的空橋，在「不能增建夾層、隔間」的條件下，完美地滿足了書店的機能需求。此外，空間設計上運用許多壓縮後釋放的手法，如入口的電扶梯即以鑄銅包覆，像是進入山洞前的神祕隧道，透過「豁然開朗」的體驗，加深看到主殿時的感動。   近年許多「網紅」書店將「吸引人潮進入書店」視為首要，但拍照、打卡後的下一步是什麼？為什麼成都方所可以令人「進入後逛到不想離開」？儘管自己因為閱讀障礙而不喜歡讀書，朱志康卻十分喜愛逛書店，在設計書店時，他會將自己視為消費者，去思考如何做出自己會覺得舒適、想一直逛的空間，因此在真正下筆繪圖時，所有空間格局、動線皆已在腦裡設想好。他認為，舒適美觀的空間固然可以吸引客群，但最重要的是要讓顧客對此心有所感，享受書店所給予的閱讀氛圍體驗。 兒童區，以圓弧造型打造親民尺度。   Jolab佐研院：信任與誠實，成就美的殿堂 與提提研面膜創辦人李昆霖在朋友介紹下認識，兩人一見如故，第一次會議便談妥了佐研院的規劃構想，而也是因為他與朱志康內心皆有喜歡「挑戰」的特質，才有獲獎無數的「佐研院」誕生。建築外立面高聳，潔白的外觀有如美術館，內部為 2 層樓的 8 米挑高空間，除了作為研發、生產基地，也需滿足對外展示、參訪等需求。 Jolab 佐研院坐落於高雄，為研發、生產美顏保養品的工廠。攝影：李國民 在規劃的過程中，朱志康與業主不斷溝通、把原訂提案推倒重來，發覺其內心真正的想望，是要打造一間「外國人也羨慕的工廠」，如果面膜是塑造容貌之美的作品，「我們是不是可以把工廠做成美術館、藝廊？」乍聽瘋狂的想法，卻得到業主的信任與支持。除了外觀運用設計手法放大視覺尺度，內部也以色彩、比例塑造如殿堂般的氛圍，讓空間影響人們的情緒與行為，使進到工廠的員工及參訪者油生崇敬之心，抱持著製作與欣賞藝術品的態度對待手上的產品，成就最完美的專業。 全白外觀打造殿堂神聖感。攝影：李國民   基地位於高雄，炙熱的南部陽光使得建築綠化特別重要，朱志康將其拆解為頂部的空中花園與半室內空間的懸吊式花園，讓陽光經過雙層綠化的綠蔭間照射入無塵室，懸吊式花園空間導入空氣對流降低室內溫度，讓無塵室節約許多空調與燈光上的能源使用。 植物的自然生機亦應證了廠房的潔淨，如果在設備層內的樹都能存活，何況無塵室內的設備及產品。朱志康笑說，自己也是因為這次經驗開始相信植物有靈性，原本開幕前樹已經有點枯黃，大家都覺得它應該活不了，但開幕後在大家的關心下居然越活越好。 半室內空間的懸吊式花園。攝影：李國民   由於室內僅能做兩層樓且樓高 8 米，1 樓研發中心與成果展示區以階梯式的設計做分區，抬高的研發中心下方，規劃作為庫存及運輸的區域。朱志康更靈機一動將無塵室的參訪動線上移，運用挑高空間 4 米深的管道層，做了 60 公分寬的檢修貓道作為參觀通道，使參訪者自上而下觀看，除了避免打擾員工作業，亦能看見最真實的工作狀況。 他分析，「大家都說這是最美工廠，其實不是美，而是最真實的工廠。」員工會因為隨時可能有人來參觀，所以端正自己的姿態，參訪客戶也因看得見每個細處的乾淨整潔，對於品牌專業產生信任。在設計時，朱志康會將自己置入參訪者、員工、老闆三者不同的角色去體驗空間，模擬每個人的心態、與空間的互動關係。   將參訪動線設置於工作區上方，呈現真實樣貌。攝影：李國民 關於佐研院的故事，最著名的即是那簡潔俐落的屋頂，在設計師的堅持下完美還原了設計構想僅數公分厚的線條。縱然所有人都反對將原有屋頂拆掉重蓋，業主仍舊相信他，一同將 99 分的作品推向 100 分的完美，而成品也不負他的信任，獲得了好幾個國際大獎，並受到外國客戶的讚賞。朱志康認為，佐研院的成功，除了感謝業主的信任外，最重要的便是「誠實」，真誠地坦白自己的需求，雙方才能合作，探索出切中核心需求的作品。   擦亮 HCG 工廠：「我們只是擦亮原有的，卻讓所有人找回自信。」 朱志康與 HCG 的緣分，始於台灣設計研究院「 T22設計振興地方產業計畫 」中「打開工廠」的活動，媒合 5 組設計公司與陶瓷產業工廠，藉由設計將民眾帶入實際工廠製造現場。面對偌大的HCG廠房，設研院找來擅長操作大尺度空間的朱志康設計團隊，期待給予這個近百年的台灣知名傳產品牌嶄新面貌。然而匠人們對於品牌的堅持，使提案過程不如預期的順利，他說道：「我們雖然很苦惱，但也還好他們拒絕了之前的提案，讓我們最後做了更重要的事情。」 打亮 102 米長的隧道窯具。攝影：李國民 最後完成的成品令人難以相信，他其實僅點亮了幾盞燈，以「光」點出那些美麗卻未曾被注意到的角落，如半完成品的輸送帶、102米長的隧道窯具、大型吸塵機具等，透過最輕的手法巧妙揭露並轉換他們最熟悉的日常，並「還原」原始的方向指示系統，制定可延續執行的指標設計規範計畫，並以百年前的鐵板噴漆技術，噴上企業代表色的藍色，加強日式工廠的氛圍。   「你必須跳脫設計師的既有框架，去看到空間本質上最美的那一塊」，朱志康說明，像集塵塔隱身於工廠兩棟建築物之間的陰暗角落，平時無人聞問、只想快速經過，但當他們打亮之後，才發現巨大的藍色集塵塔猶如八爪章魚延伸出錯綜複雜的管線，讓老舊的工廠頓時成了賽博龐克電影裡的場景，員工們會來這裡拍照、打卡，連在此工作30餘年的廠長都說出「原來我們工廠這麼漂亮」。 還原百年前的鐵板噴漆工法，打造簡單易懂的方向指示標誌。攝影：李國民   「其實我什麼都沒做，只是擦亮、還原，卻讓工廠從上到下的同仁找回百年產業的自信與認同，這是我覺得最有意義的事。」他提到，許多人會請他改造、裝修老宅，但其實只要經過妥善的整理，老物、老屋都有其自有的歲月之美。 朱志康反省，「設計不能以保護為名，卻行破壞之實」，很多老建築被抽走內涵的人與物，覆蓋上精美的設計手法後，反而失去了原本的韻味，本次HCG工廠透過「不加也不減的設計」，卻保留了工廠本身的美麗，讓空間與其中的人事物，自己講述品牌的百年風華。   藍色的巨型集塵塔宛若賽博龐克場景。攝影：李國民 資料與圖片提供」朱志康空間規劃 採訪」林慧慈

以「成都方所」書店聞名，朱志康是設計師、是藝術家，更是一名書店創辦人，曾以家具作品獲得 iF 與紅點設計獎，並參與 2016、2017 年威尼斯雙年展官方平行展、2022 年屏東落山風藝術季等，更是大獲好評的 2019 台灣設計展「超級南」空間統籌，如此多元的身分來自同樣多變的職涯。本期《室內interior》專訪朱志康設計師，了解其從國畫到空間設計的選擇心境、對於設計的核心精神，並分享諸多精彩作品的背後故事。   朱志康 擅長於將記憶帶入作品中，讓人們對空間產生共鳴。強調「真實」，不賦予風格，首要先了解空間的本質以及業主的需求，解決空間應用上的問題，讓空間擁有自己的個性。作品獲得多項國際獎項，曾被列為設計趨勢指標，並受到歐洲策展單位 GAA 邀請，在威尼斯建築及藝術雙年展期間展出創作，讓世界看到了現代新東方設計。   人生是一齣早就埋好伏筆的電影 大學時朱志康最常畫的國畫主題皆與空間有關，如廟宇、山水等，而非常見的花鳥靜物，這些養分也隱隱影響著他後續的設計風格，例如其最著名的作品「成都方所」書店中，柱子便沿襲了他過往國畫善用的比例與畫風，將廟宇的儀式感賦予到空間之中，壓縮視覺塑造出兩排柱體及中央的視覺核心，使書店產生宗教般的關係，而這些都是大學同窗所發掘，他才知道原來自己受到國畫藝術的潛移默化頗深。   從傳統國畫跳到設計領域，再一路從平面設計、產品設計，到後來踏上了更有挑戰性的空間設計一途，朱志康的生涯道路轉了好幾次彎，現在回首過往，卻發現一切早就埋下伏筆，「我以為自己是很有邏輯的判斷、選擇職業，後來發現我的國畫作品也是在畫空間，好像冥冥中安排了自己這條道路。」他以「電影」形容這一路的過程，非正科畢業、也未曾設想過志向，卻不知不覺地踏上這條路，像是早已暗藏伏筆的電影，身為演員只能隨著腳本前行。   參與 2016 威尼斯建築雙年展官方平行展，展出作品「山．水」。   揣摩大師的靈魂 「我從小成績不好，沒辦法跟人拚第一，也因此找到新的路、發現新的可能性。」人生路徑與大部分的設計師不同，令朱志康更加重視「獨特」的重要性，他笑說，自己很少從設計媒體上尋找靈感，因為那些都是其他人已經做過的設計，靈感應該是從生活瑣事的視覺體驗中發想，因此他更常看電影，或從事各種未曾挑戰過的體驗。此外，朱志康也會教導學生去研究大師的作品，「不要只看表面，更要學到大師的靈魂。」他甚至會去閱讀那些大師的自傳或紀錄片，以體會設計者創作的背景與心境。   談起自己心目中的大師，瑞士建築師 Peter Zumthor 是朱志康最為推崇的對象，更曾親自朝聖其 1996 年於瑞士建成的代表作品「沃爾斯溫泉桑拿房」。他分享，其他大師可能是代表一種風格、一種主義的極致，但 Peter Zumthor 的作品談的是精神與心靈性，一如其最新作品「布魯登．克勞斯田園教堂」以實驗性的手法打造出室內燒灼的痕跡，透過光與材質呈現對於宗教聖人的崇敬。朱志康相當佩服，「他的作品是一個體驗、一種感受，不是為了什麼機能而做的，走進去就像穿越時間，手法非常厲害。」 受邀參與2022屏東落山風藝術季，作品「來自海上的祝福」。 攝影：李國民   無關書的書店 體驗之於空間的重要性，亦可見於朱志康 2017 年所創辦的「無關實驗書店」之中，將其戲稱為一場「設計的極限遊戲」，推翻了他自己過往書店設計經驗中的那些「不可能」。雖然擘劃過大大小小的書店，但一開始拿到這個空間時，他們有兩年都想不出如何為其打造獨一無二的設計，後來他決定反向操作，做一個「沒有空間的空間」，書店內的燈光僅打在一本本封面向外擺放的書上，其餘空間則隱身於黑暗之中，將視覺感官上的設計提升至心理層面，塑造出一個「靈魂閱讀」的空間。 商業模式上亦創新，讓書店不只是賣書，而是販賣「閱讀」，他舉例，人們造訪酒吧除了喝酒，更多時候是期待享受酒吧的氛圍與體驗，書店為何不能如此？因此在入口處設置具有儀式感的「告別式」空間，象徵向外在桎梏告別，呼應「靈魂閱讀」主題，店內陳設、選書及活動皆經過精心安排，營運上則是需要購買門票進入體驗。 朱志康於2017年創辦「無關實驗書店」。攝影：李國民 書店已於 2021 年 6 月閉幕，朱志康笑說 3 年來的每個過程都是意外，原先只想做短期的實驗書店，沒想到大獲好評，中間經歷許多浮沉，在去年 3級期間終於下定決心停業，往下一階段邁進。他表示，做設計的過程就是一直在學習放手，無關書店的設計與經營更是一次挑戰放手的極限，一路上不停遇到巧合與奇蹟，「人生就是這樣，很多奇蹟，但奇蹟的本身必須要很誠實。」   奇蹟誕生之處 朱志康認為，從事空間設計，需要具備非常客觀的觀察能力，要能看見業主、空間、環境與自身的真實需求，才能以客觀角度提出可能方案，其中最難的是客觀地觀察自己，他也仍在學習，不去用自己習慣的手法思考問題，「如果不抽離自己，我們沒辦法看到新的可能性，完成的作品也會越來越相似。」 去年完工的書店空間新作「長沙open house」，將空間打造為一艘飛船。 他表示，每一個設計都是因應空間問題所誕生的解決方案，「找到問題、解決問題」說來簡單，卻是設計的根本，創意應該為了實用而服務，如果創意不能解決問題，創意就沒有用。 他喜歡去探索、實驗很多新的可能性，也因此他更喜歡挑戰別人認為困難、不可能的空間條件，從執業後第一個案子的小辦公室、方所書店的巨大尺度、無關書店的實驗，到佐研院的動線改造與 HCG 百年工廠，朱志康一直在挑戰各樣的不可能。他形容自己是「貪玩」的設計師，只要沒嘗試過、有可能性的，他都有興趣嘗試，「我發現只要有解決不了的地方，就可能會出現奇蹟；只要有卡住的地方，就代表只要突破了，就有一種新的可能性。」 「長沙open house」 下篇：朱志康 作品背後的故事：成都方所書店、佐研院、擦亮HCG工廠 資料及圖片提供」朱志康空間規劃 ​採訪」林慧慈  

輕盈通透的藍色壓克力板在日光下泛著微光，其上大小形狀不一的線條及輪廓組合成山景，如同那首你我都熟悉的詩句「橫看成嶺側成峰，遠近高低各不同」。這是臺北市立美術館（北美館）邀請新銳設計品牌「無園藝WU garden」合作設計的最新典藏衍生品「世外塵．花器」，以館藏藝術家姚瑞中的作品《世外塵-超人累了（臨黃公望「天池石壁圖」）》為靈感，將層疊山景具現於立體空間中。 圖片提供」無園藝Wu garden　攝影」陳婉寧   從壓克力轉型到無園藝 大學就讀建築系，吳立緯踏上花器設計一途在外人看來或許有點意外，對他而言卻是合情合理。在建築過程中接觸並研究景觀設計案例，對於植物逐漸培養出興趣，現在自己也是個資深的「綠手指」。 而「無園藝」的創立則與自身家族有關，父輩經營壓克力工廠，一如許許多多支撐台灣經濟起飛的中小企業，以代工、製作為主的產業敵不過人力與成本的飛漲。在吳立緯大學畢業時，壓克力製作逐漸走入夕陽產業，那時初入建築事務所的他便興起「壓克力是否有可能轉型？」的念頭，將自己的設計能力結合家中的製造技術，期待碰撞出新的火花。 圖片提供」無園藝Wu garden　攝影」陳婉寧 為此，吳立緯以姓氏諧音將品牌取名「無園藝」，另一方面也希望藉此降低園藝設計的門檻，「無園藝是可有可無的」他說道，就如同建築具有專業性，但最終成品卻應該貼近日常生活，以此為核心精神，希望嘗試將不同材質結合花卉、植物，使品牌成為園藝生活的實驗平台。 無園藝目前最具代表性的作品之一即是卡扣組合花器，將自己對建築、工業設計等立體設計手法的了解應用至花器之上，輕鬆組裝 4 片壓克力板即可獲得具設計感的花器。本次與北美館的合作，延續無園藝既有的花器設計概念跟組合架構，將姚瑞中畫作中的層疊山景化為輕盈通透的壓克力花器。 (左) 姚瑞中《世外塵-超人累了（臨黃公望「天池石壁圖」）》/ (右) 北美館ｘWU garden「世外塵∙花器」   藍色壓克力板打造的層疊山巒 觀察到近年蔚為風行的居家園藝潮流，且驚艷於壓克力材質的質感與光影效果，北美館很快便決定與熟悉壓克力花器設計、製作流程的無園藝合作。但面對數量龐大的典藏庫，如何從裡頭挑選出適合發展成花器的藝術品，吳立緯一開始也沒有頭緒，但在挑選的過程中，他也逐漸發掘無園藝及藝術品的同質性。 「我們的花器有點跳脫一般人對花器的想像，透過壓克力重新詮釋、再定義園藝，《世外塵》這幅畫作也是一樣，具有將山水畫再詮釋的概念」吳立緯分析道。同時，山水畫中亦常利用水墨深淺營造出空間感，正巧符合了壓克力花器輕透、立體的特性，成為本次衍生花器的最佳選擇。 圖片提供」無園藝Wu garden　攝影」陳婉寧 一如藝術家以原子筆和簽字筆臨摹元代畫家黃公望的代表作《天池石壁圖》，改寫並挪用中國美術史經典畫作，以極細緻的線條堆疊出不同深淺的藍色層層山巒，讓古與今產生有趣的對話與新意；花器以透明的壓克力板材重新詮釋山水，使平面線條在現代生活空間中具現化，獲得了美術館方及藝術家本人的喜愛。 花器汲取畫作中最令人印象深刻的藍色、層疊山巒等元素，將其線條簡化使整體設計風格偏向現代，透過不同角度的透明壓克力還原山形與色彩。而這也是吳立緯第一次嘗試做 4 片不同形狀的壓克力板組合，呈現出的效果比想像中更好，粗細相異的藍色印刷線條與邊緣的稜線在空間中交疊，層板的交疊仿擬出山水濃淡效果。 他分享，儘管花器雛形一開始便大致確定，但途中還是來回調了許多次顏色、形狀的細節，如原先選擇更接近畫作的深藍色壓克力，並以白色線條描繪形狀，後來為了使整體感覺更加輕盈，改以輕透的螢光藍色作為基底。 圖片提供」無園藝Wu garden　攝影」陳婉寧 吳立緯也透露，通常螢光色的壓克力板材會有很明顯的發光效果，唯獨本次使用的藍紫色，平日看似普通的透明藍色，只有在某種特定時刻的光源下才會發光，而這個神秘的小彩蛋，就留待使用者自己發掘。 美學流入日常之中  本次「世外塵∙花器」將傳統山水畫風格簡化，使其適宜融入現代居家風格當中，本身即為一件可從各個視角賞玩的現代雕塑作品，再放入玻璃試管便能作為花器，置入花草增添室內生機盎然的逸趣。除了與「美樹館裏的服裝秀」合作，展示於當代簡潔的畫廊空間之中，吳立緯樂見不同使用者插上自己愛好的花卉、放在不同空間中所呈現的效果，如他與我們分享的照片，在復古摩登的老宅當中，花器亦能與環境及家具良好地融合。 「世外塵花器」期間限定花藝體驗－紅／藍款。圖片提供」美樹館裏的服裝秀Museum of Flowers 「有機會將美術館才能看到的藝術品，化成貼近生活日常的居家用品，我覺得是很棒的想法與計畫。」這是吳立緯初次與他人合作，過往大多是自己思考、設計，再配合家中的壓克力工廠製造，此次除了學習到來回溝通、調整的過程，也是第一次嘗試從主題性的靈感延伸創作，更豐富完整的設計架構流程經驗，而他也十分期待後續有更多藝術品的嘗試機會，使美感與美學能透過一般人家中皆有的花草，流入日常生活之中。   設計師簡介 無園藝WU garden / 吳立緯 擁有多年種植經驗的主理人吳立緯，透過作品犀利的指向人與自然相互共存的重要性。自然與人沒有輕重之分，更不應該因城市而與自然產生距離，讓自然浸潤日常。 透過不同的新創媒材與植物結合，催化出嶄新介面，讓人重新與自然展開連結，是WU garden的理念與實踐。與其說WU garden是間植栽園藝店，倒不如說是一個以自然為核心，不斷自由解構既定園藝型態，創造無園藝感知的實驗基地。 「世外塵∙花器」售價新臺幣980元，線上訂購請見巡藝網路商店：https://reurl.cc/QjGpY2 資料與圖片提供」臺北市立美術館、無園藝Wu garden 採訪」林慧慈

社群普及與行銷當道的氛圍下，讓新一代的設計師能快速成名、累積經驗，但也因此衍生出許多問題。近年，關於設計的糾紛、侵權等問題層出不窮，設計師們該建立哪些觀念？消費者要如何自保？《室內》邀請到中華民國室內設計協會（CSID）理事長趙璽與台灣室內設計專技協會（TnAID）理事長袁世賢，他們兩位不僅是優秀的執業設計師，也是室內設計產業的領導者，透過他們的視野與經驗，提供年輕設計師與消費者可供參考的方向。  袁世賢 台灣 Next Design Studio / 呈境室內裝修設計有限公司 創辦人兼執行長 台灣 大葉大學空間設計學系兼任助理教授 2022 台灣室內設計專技協會第十一屆（TnAID）理事長 2022 金邸獎 評審委員  2022 德國iF DESIGN WARD 評審委員 2021 台灣室內設計專技協會第十屆（TnAID）秘書長 2021 台北市政府都發局 台北老屋新生大獎 評審委員 2020 台灣室內設計週執行長 呈境設計 空間的形成由人類的立體感知而建立，生活的經驗、美學的傳達、材質的變 化、光影的引入是使空間的轉換更為豐富的表達。因此呈境團隊致力於透過 設計的方法，去呈現建立在生活之上的空間美學演繹，讓生活、空間、生命 更為美好及充滿意想不到的驚喜。  當代設計師與過去在角色上的轉變？ 台灣早期，因為教育與社會環境的關係，僅有裝修、裝潢師傅，並沒有真正的室內設計師;而當時的網路也不如現在發達，所以裝修業的人大多依靠口耳相傳來累積名聲。接著，隨著時代的轉變，擁有專業背景的室內設計師越來越多，一開始主要透過報章雜誌等的紙本媒體作為曝光媒介，後期有的藉電視節目來傳播，他們以精湛的實力以及作品吸引業主。 相比現在，設計產業在過去不僅較為封閉，設計師也處於一個被動的角色狀態。當今的時代，對於設計師來說，不管是設計作品的發表、 設計師群體之間的交流，甚至要提升在社會大眾之間的認知度，都比以往簡單很多。迅速與廣泛的傳播力，讓室內設計產業變得更為開 放和普及、室內設計師的角色也更加多元化。  您會如何定義「好的設計師」？ 「好的設計師」除了應對自己的業務、服務的業主負責之外，我覺得更要追求「設計的價值」;這個價值不是只體現在少數的人群中，而是能擴展至整個社會。將設計師的能力轉而運用在社會上，對於我們身處的社會、生活環境、公共空間等的設計議題提出更多的關懷 和想法，讓社會大眾都能體驗到好的設計所能帶來的正面影響，進而提升大家對於設計力的認知。「好的設計師」能夠透過設計的力量去改善人們生活的方式。生活的方式並不是一定要追求高級、奢華或是富裕的生活，只要讓使用者感到適得其所，就是一個「好的設計」。   您認為「好的設計師」應負起哪些社會責任? 設計師應有哪些道德自律？  在設計師應負的社會責任中，我認為城市美學是很重要的一部分。第一，設計師必須對自己的設計負責，他的設計不能影響其所處的周遭環境，甚至必須放眼至整個城市的美學，不管是室內空間、建築外觀，追求設計與美感之餘，也應該要與城市美學取得平衡。  第二，當設計師有機會接觸到公共設施項目時，應更具同理心。因這些空間服務的對象是社會大眾，所以應以更為友善且便利的角度來設計規劃，同時在美感上也需與城市美學和諧共存。  第三，關懷社會議題。因擔任台北老屋新生大獎的評委，我才知道，台灣有一群默默在推動社區美學的人，這些人雖然都是非專業設計師，但他們卻運用自身能力，去改善他們觀察到的問題。設計最終的目的是「關懷人性」，設計服務的對象是「人」，所以透過設計師的觀察，找到、看到「人」的需求並做出被需要的設計，才是所謂「好的設計」。  在資訊龐雜的時代裡，消費者委託設計時應有的自我保護意識？ 諮詢時，消費者應請設計師提供工作流程、內容以及收費標準。設計溝通過程中，業主也應觀察流程是否融洽且是否有效率，若遇到問題，須及時提出並處理。進入工程期，同時也是糾紛最容易發生的階段，建議在每個階段，消費者都須與執行單位簽訂合約，將工作內容、付款期程訂定清楚，以法律保護自我權益才能彼此制約。  在設計師與消費者溝通之前，應先建立的正確觀念？ 設計師與消費者的關係其實非常奧妙，它不同於一般的買賣行為，設計師販售的商品是從無形，在與消費者溝通後，才逐漸成形並完成的，所以兩者之間建立良好的溝通模式至關重要。一般消費者並不了解設計背後的繁複程序，若溝通不確實，就容易造成對於設計結果想像的落差，所以設計師必須制定一個完整的溝通流程，與消費者清楚說明自己的作業方式與流程，減少後續問題的產生。  室內設計產業目前的隱憂或亂象？ 設計產業從接收案件、設計發想、製作簡報、業主溝通、產製 3D 圖、繪製施工圖、工程管理、結案驗收、拍照、媒體宣傳，每個環節都需要有專業的人員。但因為社群的發展、媒體迅速傳播，社會大眾看到的僅是最終的結果而忽略了過程，讓設計師這個職業被掛上輕鬆且高所得的標籤，導致很多人都想成為「設計明星」。我認為，這個問題必須從教育體制來改革，透過學校系統的分類、分眾，幫助設計產業人員找到適合自己的定位。 第二，設計師是一個需要經過時間歷練的職業，因為時代的轉變，名聲與經驗的累積更加容易，也因此降低了創業的門檻。當設計師的經驗不足、基礎不好，為了生存可能會採取低價競爭的方式，這對產業來說不是一個正向的發展，反而會造成市場價格的拉扯。所以，我希望剛畢業的學生與年輕設計師們，在進入公司後，能靜下心來學習，打好基礎後再來自我證明，成為產業真正的助力。 第三，室內設計產業的門檻過低。除了教育體制的改變，我希望國家未來應針對室內設計產業提供專業證照，或是推動室內設計師的相關規範，不僅讓室內設計師的職業更受到社會尊重，也讓設計師與消費者都能有所保障。  設計師應有哪些道德自律？ 在設計層面上，因為設計的靈感來源很多，可能是自發性的想像，也可能是因為一張圖片、一部電影的啟發，這些內容經過設計師的咀嚼、轉換，最後會藉由設計的獨特語彙展現出來。不可否認，尤其在學習階段，有的設計需要依靠模仿來練習，但我認為，在模仿的過程，必須加上自我的想法並重新修正才是正確的做法。 在實質層面上，我認為合理的設計服務費用是設計師必須擁有的道德自律。一個合理的收費機制，才可以讓產業同行之間一起成長，而不是互相打壓和搶奪。而設計師在面對消費者時，傳達的資訊內容必須確實、曝光程度也需要合宜，應透過作品來發聲，而不是過度的渲染和誇大。  在社群與行銷時代下，室內設計產業目前有哪些好的發展？ 社群與行銷時代下，讓所有的設計師都有平等的機會，去展示他們的設計能力與作品，同時也讓設計產業被更多人看見，因此，它帶動了產業整體的正向發展。而且也讓設計師的行銷方式更加多元，除了宣傳作品，設計師也可以分享生活、自我品味、設計精神等，藉此吸引志同道合的消費者。 設計師之間也會因為社群的分享，而相互激勵、交流，引發一個良性的互動和討論。而對於消費者來說，他可以看到這位設計師更多不同的面向。但還是希望大家必須自我約束，自我行銷必須拿捏得宜，切勿過度放大和過分渲染。  TnAID 對於產業的助力與責任?  因為新時代的來臨，協會十分重視年輕世代的問題，除了要吸引更多年輕世代的設計師加入我們，也需要與他們有更多的互動與溝通。協會的責任是需要幫助整個產業的發展，所以我們會提供設計師相關課程來提升能力，而這個能力並不僅限於設計，設計師除了做設計，開設公司時還會遇到稅務、會計、法律等的問題，協會邀請專業人士透過論壇、講座讓設計師參與。我們希望讓設計師，尤其是年輕一 代的設計師，在進入產業時是具備更多能量的。 時代的轉變也造成一些隔閡，協會就需要負肩負起橋樑的角色。讓資深前輩、中生代設計師在面對年輕設計師時，找到一個合宜的溝通方式，可以是經驗的分享與討論，雖然很多過往的案例不一定符合時代現況，但它卻是一個良好的觀念交流。  TnAID 未來發展的方向?  我們希望能與學校合作，大專院校專注於設計教學上，但卻沒有與產業銜接。我們可以將建材廠商、家居品牌、相關從業人員帶進校園，讓學生們提前接觸、認識並拓展眼界。近期，協會也積極與學校討論人才媒合，希望帶動產業人才的發展。 協會一直以來也十分關注設計產業廠商的動向以及兩岸之間的設計交流，所以也將延續室內設計週的活動規劃，整合設計師與廠商之間的關係；而除了兩岸，我們也希望能有機會與歐美、亞太等地區的國家有更多的交流機會。  資料及圖片提供」中華民國室內設計協會（CSID）、台灣室內設計專技協會（TnAID） 採訪」歐陽青昀  

社群普及與行銷當道的氛圍下，讓新一代的設計師能快速成名、累積經驗，但也因此衍生出許多問題。近年，關於設計的糾紛、侵權等問題層出不窮，設計師們該建立哪些觀念？消費者要如何自保？《室內》邀請到中華民國室內設計協會（CSID）理事長趙璽與台灣室內設計專技協會（TnAID）理事長袁世賢，他們兩位不僅是優秀的執業設計師，也是室內設計產業的領導者，透過他們的視野與經驗，提供年輕設計師與消費者可供參考的方向。  趙璽  2020-2023 CSID 中華民國室內設計協會 第 23/24 屆 理事長 2020-2023 TID Award 台灣室內設計大獎 第十三 ~ 十六屆 大會主 2014- 迄今 台北大紘設計 負責人 / 設計總監 APSDA 亞太空間設計聯盟副主席 台灣設計研究院 專案顧問 行政院公務人力發展學院 講師 教育部學美美學計畫 評審委員 / 專案顧問 台北市捷運局北投園區改造計畫 評選委員 彰化縣教育局 學校美域美育計畫 審查委員 國家發展委員會 地方創生公有建築空間整備活化 評審委員 2021/2022 松山文創園區學園祭 空間組召集人 2020/2021/2022 金點設計獎 評審委員 2021 台北市政府都發局 台北老屋新生大獎 評審團主席 2021 德國iF大獎 評審委員 2022 金邸獎 評審委員  當代設計師與過去在角色上的轉變？ 台灣的設計產業已經50年，室內設計至少也有40多年的歷史。3、40年前是從裝潢與美工開始，早期其實稱不上是專業的室內設計；接著，七八零年代，海歸的前輩們，開始從建築角度去規劃室內設計，本科出身的依然很少，大部分都還是建築背景居多。 在歐美國家甚至是與我們比較相似的日本，建築師就等同於室內設計師，他們擁有足夠的知識、學養、藝術與能力，將室外建築到室內空間一併完成。但台灣的建築與室內設計教育是被拆分的，我們的建築看重的是結構、建蔽率、環境位置等具體的物理性條件，然而，我覺得室內設計是一種化學性的變化。若說建築是一個載體，那室內空間則是一種生活。 隨著人民生活水平的提高、眼界的開闊，從早期單純追求「能住」的需求，到現今對生活條件、品質與細節的要求都已顯著提高。因業主的改變，讓當代室內設計師的角色也與過去有很大的不同。  您會如何定義「好的設計師」？ 「好的設計師」應該能夠充分了解生活的價值，能夠幫業主解決生活上的問題，在正確的方式下，用設計師的專業，幫業主打造生活、創造出合適的生活環境。我覺得設計師並不是一個製造者，而是一個發現者，尤其是在老屋翻新時，明明是同樣的空間，但經過重新梳理後，常常能夠發現業主不曾察覺的角落和細節，可能是一扇窗、一片景。所以「好的設計師」要能夠幫助業主去尋找生活的方式、生活的價值以及生活的品味。 而且，設計師除了聆聽與陪伴，更要幫業主做到「收藏」。「收藏」並不僅限於實體，也許是一個記憶、一個回憶。每個人在家中，不管是虛或實，皆會有想要收藏與留存下的東西，設計師的功能就是幫助業主找到他們想「收藏」的東西並呈現在生活中。  您認為「好的設計師」應負起哪些社會責任？ 在任何行業裡，只要在合理的法律及道德規範下，我覺得無法將社會責任強加在每一位設計師身上。因為設計師至今仍是一個付費性的服務，他只要能滿足委託者的需求，讓其付出與獲得的結果是對等的，他就已經盡到他應盡的責任，也是最基本的道德責任。 但若擴大到「社會責任」層面，可以以CSID近年推動的「社會設計」來說明。室內設計雖然是類服務的一環，但同時也是十分小眾的， 因此許多大眾不曾體驗、理解過，設計能夠帶來的好處。為此，我們希望藉由「社會設計」來提升大眾對於設計的認知，設計不只是追求美感，更是一種邏輯，從設計改變服務的方式、動線、流程以及視覺感官的享受，這些公共空間中的變化將會逐漸內化到大眾身上。 所以，我們與台灣設計研究院合作的「社會設計」，從學美美學計畫、衛生所改造計畫、車站與工廠的指摽性優化、法院改造等，從日常生活的場所，影響大眾對於設計的認知，用設計邏輯改變大眾、喚起大眾的意識，這就是社會設計所看重的「社會責任」。  在資訊龐雜的時代裡，消費者委託設計時應有的自我保護意識？ 室內設計在台灣，不僅入門條件以及門檻偏低，法律的約束上也較為鬆散且模糊，因此造成許多矛盾，而這個問題必須依靠行政與立法機關去做大幅度的檢討與調整，才有可能從根本解決。 現階段最大的問題是，這些行為是不被管制的，所以除了認證公司登記、網路評價之外，我會建議消費者，可以挑選隸屬於設計協會、公會、組織等的設計師，雖然無法完全保證不會產生問題，但至少他是隸屬於組織下，是被匡列、注視與規範的;若消費者碰到問題，組織也能發揮責任提供相關的協助。 資訊龐雜的網路時代，業主必須花時間做功課。設計師以往的案例、經驗甚至是糾紛，在網路中是無所遁形的；接著，可以到政府單位查詢公司的狀況，包含公司是否合法成立、是否擁有室內裝修設計及工程管理乙級技術士的證照等，這些做法至少可以初步篩選與判斷。我們也希望協會日後有能力能夠提供消費者諮詢服務，不管是推薦、介紹或是給予建議，讓消費者擁有足夠的資訊來判斷，幫消費者把關。  室內設計產業目前的隱憂或亂象？ 台灣目前最大的問題，是室內設計產業的門檻過低，沒有一個比較正式的認證方式。換一個角度來說，室內設計產業與藝術的界線是模糊的，所以「藝術」如何認定?是一個十分困難的問題。不同於建築師、技師，室內設計產業因為沒有統一的課綱、教程，所以很難去做檢定，也因此延伸出相關爭議。 延續社群與行銷時代的影響，網路有利也有弊，雖然網路加速作品的傳播與名聲的累積，但同時也產生照片版權、盜用與抄襲等的問題，而且防不慎防，加上網路的法律漏洞太多，我們除了透過輿論譴責，其實很難有具體的懲處。設計師除了做好自我保護，用更好的作品去抵制、用實力證明自己才是最佳的解決方法。 在社群與行銷時代下，室內設計產業目前有哪些好的發展？ 社群與行銷的發展，除了讓設計作品的曝光增加，也讓設計師的名聲傳播得更快且更廣。尤其這兩年因為COVID-19的關係，比起以往透過實地移動來增加交流，網路造就了許多新的聯繫與傳播方式。 當移動受限，也讓我們意識到，社群與行銷的重要性，除了各個設計公司、設計師更加注重自媒體，設計界的大小活動都需要仰賴網路。像是 TID的頒獎活動從線下轉成線上，也藉此讓我們發現社群與網路行銷傳播的影響力；以往頒獎典禮受限於場地大小，參與人數約在三至五百人左右，但2020年第一次的線上頒獎典禮，卻擁有約49萬的觀看次數，這對於團隊來說是莫大的鼓勵與信心。 網路不僅跨越地域，同時也逐漸跨越領域，原本僅受室內設計產業關注的活動，在社群與行銷時代下，也引起了一般大眾的關注，加上不受空間、地點與時間的限制，也提升設計師與大眾的參與度。所以網路延伸出的新時代，提供室內設計產業一個很好的行銷管道，讓專業與非專業人士都可以參與並了解。  CSID 對於產業的助力與責任？ CSID今年已經邁入第43年，接任理事長對我來說是非常重大的責任。在亞洲地區，台灣是備受關注與注目的，對於台灣的設計，尤其是室內設計，要如何走出國際？如何讓世界看到我們？早期，台灣、日本、韓國是亞洲地區擁有強大設計力的地方，然而隨著時代變遷，台灣的腳步慢了許多，像是泰國、菲律賓、新加坡、馬來西亞等東南亞國家的設計實力不僅快速成長中，甚至已經超越我們了。 CSID身為亞太空間設計聯盟副主席，在亞太地區的地位讓我們負有相對的責任，我們必須告訴設計師不僅要團結，更要把台灣的室內設計做出指標性。當你拿出台灣室內設計的名片，即是告訴各個國家，台灣在地的設計是不一樣的，是具有溫度的、是能夠改變人們的生活體驗、是可以創造生活價值的，它不只是表象、虛榮與浮誇的。這不管對於我或是協會，甚至是每一位設計師來說，都是非常重要的意義與責任。  如同CSID 推動的社會設計計畫，希望讓更多的人接觸到設計，並體驗設計帶來的便利性、設計邏輯延伸的思考，當設計擁有這些價值後，會讓更多的人認同並理解設計的價值。我希望藉由擴張台灣的設計力，進而影響不同的年齡以及階層，讓這股力量反饋回來，成為一個循環，再造就新的創意，並影響他人。 我也鼓勵年輕一代的設計師，要將眼光放大至整個亞洲，甚至是全世界。在資訊如此透明且發達的時代中，我們應該透過學習，重新梳理出台灣自己的設計脈絡，創造以台灣角度出發的設計，才能找出屬於我們的市場。  CSID 未來發展的方向?  首先，協會團隊的年輕化。以往，CSID在年輕世代的眼中，是大前輩、老師們聚集，一個崇高且被仰望的組織，仰望沒有不好，因為協會長年累積的地位，才能夠被受仰望與尊重。除了保有前輩累積的經驗與傳承外，我們希望有更多年輕世代的設計師加入，為協會帶來更多年輕、新的觀點與視角，同時我們也會延續這份尊榮，讓他們感知協會為產業做出的努力，能讓他們引以為榮。 其次是品牌化，不管是TID獎項、國內的廠商與品牌、優秀的設計師，甚至是CSID本身，怎麼讓設計產業中的這些要角，透過品牌化走上國際，成為室內設計產業中的推手，也是協會未來需要努力的方向。  資料及圖片提供」中華民國室內設計協會（CSID） 採訪」歐陽青昀 

迪化街百年葉晋發商號的華麗蛻變、蔚為話題的三峽禾乃川豆製所、新竹車站的微改造、全新國民法官法庭等，這些專案可說是大眾熟知的精彩作品，幕後的操刀團隊皆為由蔡嘉豪建築師所創辦的「本埠設計｜蔡嘉豪建築師事務所B+P Architects」。 近期，本埠設計完成了「屏菸1936文化基地」的常設展展場空間設計，甫完工便已在社群媒體上引起熱烈討論；而受基隆海洋科技博物館委託的「潮境智能海洋館」也已進入試營運階段，是北北基首座以海洋生物、科技發展虛實整合的水族館。除了面向大眾的公共場域外，團隊也承接了不少私人住宅案，《室內interior》特別邀請蔡嘉豪建築師進行專訪，來聊聊在設計的執行面上，他所重視的要點有哪些，以及在改造 / 興建的歷程中，所秉持的原則和概念，又該如何付諸於現實？     蔡嘉豪 本埠設計｜蔡嘉豪建築師事務所B+P Architects創辦人。  致力於以不同材料及空間，透過構築與活動想像的生活場所的可能。作品透過空間的建構過程，思索建築與生活的狀態，並關注材料構築與環境，同時探索城市建築具有時間、場所意義的生活樣態與空間架構，並探索氛圍特性；作品涵蓋公共與私人之建築、室內與策展，包含展場空間、住宅、商場、學校、車站、學校、水族館等，透過大小尺度的探討，更關注新舊併置的建築可能。 面對老屋活化議題，以「整理」手法來重現建築之美。 在成立本埠設計之前，蔡嘉豪任職的公司深耕於迪化街，十分關注老舊建築相關議題，持續進行改造、重塑之委託。2016年時，決定自立門戶成立工作室，由於他畢業於英國倫敦大學巴特雷建築學院（Bartlett School of Architecture），在替公司命名時，字母「B」的意象便在他心中萌芽，剛好B也是建造（Build）的字首，非常符合他的職涯志業。 葉晋發商號－米糧桁。主要設計採取減少碰觸、減少鎖固等不破壞歷史建築的原則。 而構築空間時，除設計概念外，更需要關注包含都市、景觀、營建施工等範疇，公司就好像一個整合各式專業的連結埠口（Port），「本埠設計B+P Architects」這個名稱因此而生。   禾乃川豆製所。 公司承接的首個專案，便是迪化街百年「葉晋發商號－米糧桁」的改造，此作獲得許多獎項的肯定，也讓大眾更加關注本埠團隊的動態，爾後，在蔡嘉豪的帶領下，團隊經手了眾多亮眼專案，更涉足各式展場設計，例如老醫院空間活化與協助弱勢青少年再生的「禾乃川豆製所」、教育部美感教育計畫成果展「紙屋簷」等，近期亦與台灣設計研究院合作，進行新竹、嘉義等古蹟車站再改造；每次專案的歷練，都讓團隊對設計有更進一步的理解，能與不同的專業領域相互合作切磋，也是蔡嘉豪認為執業過程中最有趣的一環。 禾乃川豆製所。 閱讀和理解基地為首要 公司的核心精神，在於「閱讀環境背景」，這裡的環境，泛指建造建築時所處的基地及其周遭，你必須靜心閱讀、梳理所有痕跡，並將這些痕跡作為創造建築的根基，有了這個基底後，再透過設計手法做出回應；若是室內設計的委託，則會專注在既有面積中，找尋相關的蛛絲馬跡，來勾勒屬於居住者的未來生活樣貌。 潮境智能海洋館全區示意圖。 蔡嘉豪強調，不論是新建空間或是公共場域的改造案，他非常重視與背景的相互呼應，不論是實體的物理環境，或者是與人的關聯，所有的設計發想都蘊含著團隊經過考察後所得出的見解，期望替大眾帶來不同於以往的經驗，或是嶄新的觀點。   從2樓回望大型缸體。 至於在日常中，如何保有對設計的熱忱？蔡嘉豪說，他非常喜歡旅行，對事物都有探索的興趣，「觀察」是他生活的一部分，也因為敏銳的觀察力，讓他有著靈活的思緒。設計的初期，都是從「想像」出發，有了畫面後再輔以縝密的調查、梳理現實，讓想像和實際得以結合，「邊做邊調」是必經過程。 屏菸1936文化基地。利用金屬、擴張網等元素，符合空間的工業調性。 他也提到，自己並非對每項事物都有透徹的認知，此時就需仰賴團隊的協作，集結大家的力量，共同發想討論，再從中歸納出共識；最重要的就是，莫忘所有空間都是「生活」所需，因此要將自己帶入角色來思考，以創造貼近業主或目標群眾的更多可能性。 工作貓道。山形牆與巨大機械堆疊出層次。 請登入會員，至名人堂專區閱讀更多內容。 資料及圖片提供」本埠設計B+P Architects 採訪」陳映蓁

俞挺 建築師，美食家，專欄作者 1972年生於中國上海 現居於上海 Wutopia Lab的主持建築師，聯合創始人。 Let's talk論壇聯合創始人，城市微空間復興計畫聯合創始人，FA青年建築師獎聯合創始人。 清華大學建築學學士，同濟大學建築設計與理論博士，教授級高工。   Wutopia Lab事務所和他們的作品被大量的國際知名設計獎項所認可，被選為Architectural Record Vanguard Firm 2018, HD-Wave of the Future Honorees 2019, Archdaily China Building of the year'18 Top Three. Wutopia Lab曾獲ICONIC AWARDS, German Design award, Best of Year Award, iF, IDA, FX international design award等獎項，也曾被INSIDE, WAF, WAN, DFA, Frame, Dezeen等獎項提名。Wutopia Lab，一個以魔幻現實主義，創造日常奇蹟的全球當地語系化建築設計事務所。主持人俞挺近年以別具特色的空間語法，打造了看似夢幻實存現實的商業空間，屢屢造成城市話題。而一切，其實源自於他具備藝術家的浪漫與想像力，同時也懷有建築師的理性務實，複雜、宏觀、創意的思維，讓他的作品令人耳目一新，偶爾也挑出了當代人的隱性想望，獨特的世界觀與設計思考，讓人難以用建築師／藝術家／劇場設計等單一角色來定義。   熱愛藝術的建築師 俞挺投入設計產業迄今27年。回首最初，他並未把建築師視為終身職志，1990年在清華大學就讀的首個學期，對當代藝術的興趣更勝於建築學，像海綿般吸收藝術領域的知識與經驗，教授介紹的柯比意（Le Corbusier）、萊特（Frank Lloyd Wright）或是後現代主義都未能激起他對建築學的熱情，直到一天，在北京外國語學院的歌德學院裡翻閱了密斯凡德羅（Ludwig Mies van der Rohe）的專書，被畫面裡的極簡美學與豐富隱喻所吸引，作品呈現的極簡主義精髓，不是蒼白呆板的大白牆，而是對線條的精練純粹、對物料質感深刻理解之後的結晶，淨簡卻自蘊豐厚深度，當下的震撼讓他萌生「做建築師是一件很酷的事」的念頭，開始投入研究密斯凡德羅less is more的減法哲學。然而，less is more究竟為何而減？要減掉什麼？他卻無法從當時的建築師、大師身上獲得合理的解答，內在對於藝術的喜好與敏銳，引導俞挺開始轉往他方尋找答案，就此深深影響了日後的設計思維。   在藝術領域裡，倪瓚文人畫的逸氣與梁楷的瀟灑筆觸給予俞挺獨特的美學體驗，那種放鬆、靈動、簡筆的山水畫和人物畫，與西方極簡主義講究的精確、嚴密相比別有意趣。而羅斯科（Marks Rothko）、達利（Salvador Dalí）、夏卡爾（Marc Chagall）、梵古（Vincent Willem van Gogh）、馬列維奇（Kazimir Malevich）作品裡的色彩、構圖與創作觀念，則讓俞挺擺脫了傳統中國文化的桎梏，靈感更加奔放自由，羅蘭巴特（Roland Barthes）的哲學養份與博觀思維，更打開了他內在的精神枷鎖。就這樣，汲取東西方養份，建立了俞挺視野博大且善於微觀的特質，以及懷有彈性開放且尋思諸多可能的胸懷。俞挺表示，近年對他影響最大的「複雜系統的新思維」，即是融合了第二熱力學定理、量子力學、混沌學說的複雜系統思維方式，幫助他徹底擺脫傳統建築師的思想桎梏，在設計上呈現出開放、多樣與當代性的表達，同時又能從其中讀到一抹汲自傳統、某些審美與思索的影子。     設計在於精神 而非尺度 俞挺的建築背景為內在積澱出紥實底蘊。他認為，建築有別於其他藝術類型，它能塑造出一座讓人可以踏入的三維空間，空間裡的使用行為賦予它人文體驗與人文精神，再加上時間性的參與，構成了建築空間的四維思考。因此，創作內涵的意義更勝於量體尺度。   擺脫建築尺度的迷思，更精究內蘊的精神觀，可以從俞挺過往的作品讀出。那些看似類地景裝置的微建築，就功能面而言或許單純，它其實更像是一種啟發思考的精神場所，可謂是小而宏大的具體印證。俞挺坦言，「大」對許多建築師而言是誘惑，好像只有宏大的敘事才能滿足雄心壯志，但他以量子力學裡所說的「世界是由事件組成」的角度來思考作品，認為創作者如果內在具備一個複雜、系統的眼光，就能跳脫單一個體的侷限，換來發展系列的大布局。因此，每個小建築（微型裝置）都可視為作品裡的組成部分，從第一個逐漸發展至多個，甚至數十個，作品群裡的每一個體都自有特色與探索目的，不同的小作品之間又有一貫的核心思路彼此聯繫；就觀念上而言，它們是一個具有共同意義的大型作品，拆分閱讀亦能欣賞內部建構的獨立世界。當想通了這點，設計思考就無需拘泥於尺度的大或小，而是傾注於作品裡的精神核心。   俞挺認為，每個微建築都可以從一個切入點入手，切入角度與場所精神會構成對自身、他人、社會、世界的思考和表達，因此尺度限縮未必會限制發揮，更重要的是設計思考的切入點，以及作品想表達的精神性。他進一步分享，微建築的切入點大致有二：第一、對於身體的真確瞭解；第二、對於身份的清楚認知。這些都會影響設計者如何將場所、時間、技術貫徹起來融會表達，創造出一種新美學，並且從中充分體現出自身的思考與信仰。     新時代閱讀空間 魔幻感的書店空間，是俞挺作品裡最引人矚目的亮點，這些書店都各具特色，就像一座充滿故事性的空間，承載著城市歷史、品牌精神甚至奇思妙想。在數位時代，實體書店的存在意義究竟為何？俞挺認為，在當今科技社會下，書店是一個微型文化綜合體，它的意義除了購買、知識分享，同時也提供了社交功能，這些特質奠定書店不會因時代更迭或科技進步而消失，因為它提供了一種有深度的、知識分享的社交，尤其近年新冠疫情籠罩下，人們經歷了嚴格的防疫隔離生活，更加彰顯出實體交流的珍貴與重要。   然而，在訊息爆炸的數位時代如何讓消費者主動走進書店，靜下心來享受閱讀？俞挺以設計為助力，在書店規劃的著墨上，尤其重視空間予人的閱讀享受，在意場域氛圍能否讓人放鬆；原因在於，他觀察大多數時候人們對閱讀會有一種戒備和緊張感，因此希望空間氛圍能讓閱讀者鬆緩情緒，消弭內心的戒備感，用開放的心境去探索書店裡的知識與樂趣，自在的悠遊其中，打開書本沉浸閱讀享受。   喜歡閱讀的俞挺，也分享了近年喜愛的書籍以及給予他的啟發，這些書單亦透露出他博觀思考的特質。《真實的幻獸：從神話寓言中現身的二十七種非虛構生物》（The Book of Barely Imagined Beings），向他展現了一個從未瞭解和涉足過的生物世界，理清了他對生物學的許許多多誤區，意識到生命如此豐富多彩，生物進化和生存方式也給予他設計靈感，醒悟建築設計所掙扎的諸多原則有時是作繭自縛。《大地之下：時間無限深邃的地方》（Underland: A Deep Time Journey）展示了人類學對於人類社會的思考，給予他許多新角度，重新認識了看待世界的方式、方法。第三本書《莫斯科紳士》（A Gentleman in Moscow），是一本閱讀體驗極其舒服的小說，讓人愉快的、深入的去閱讀、去瞭解。他也喜歡《惡棍來訪》（A Visit from the Goon Squad），認為這本小說的寫作結構非常棒，可從中瞭解了許多與他不同的生活方式和理念。第五本書是《地中海三部曲》（Empires of the Sea, 1453, City of Fortune），講述威尼斯、奧斯曼帝國、君士坦丁堡的陷落，將歷史書寫得生動、細節豐富、波瀾壯闊當中又不失細膩的探究，令人歎為觀止。     靈感是種日常功 身為一位建築設計師，保持源源不絶的靈感是必要的。談到如何尋獲靈感並且維持創意？俞挺分享，其實靈感與創意來自日常累積，生活周遭的一切現象都可能是靈感來源，它並非偶發也無法速成，身為設計者必須要時刻敏覺環境訊息、閱讀世界脈動，持續豐厚自身內涵與思考深度。   他從量子力學的觀點打比方，城市裡的物體是由不同事件組成，世界與城市也是由不同事件組合而成，不同城市之間有著相同點與相異點，若由此切入就能跨越界域限制，覓得其中的關係與可能，從博大視野縱觀全局，靈感自會源源不絶。面對設計題目其實就是盤點日常浸潤在這些事件群裡的感受，哪個事件觸動腦海的迷因（meme）來切合入設計，當你維持在敏覺與累積的狀態裡，每天都有創意的火花驅動著你，靈感會推著你去等待著一個合適的設計機會出現把它實現，而不是有了設計任務才開始苦思靈感。   面對將在地特色融入空間的命題時，大多數設計者會從物體著手，可能從材料、建築、形式、或者取用當地某個具體象徵來進行轉型、變化。然而，俞挺的作品卻巧富新意，宏觀思考的特質讓他在規劃城市空間時，更輕盈地將在地文化與群眾記憶織入其中，隱約扣合又別出心裁，其中奧秘在於他會從人類學的角度來剖析在地文化與群眾記憶。俞挺認為，「物」的文化價值取決它能否在群體記憶裡佔據神聖、重要的位置，何不先深入探掘「群體記憶」與「物」體之間的隱性關係，再為它賦予新形象與別致體驗？因此在做研究時，他會從體驗群眾記憶來著手，深知無論是鮮明或是被人遺忘的模糊記憶，都會變成事件存在於各種載體裡，或許依然體現、或許深深隱藏，有賴仔細研究與耙梳來挖掘搜集，在累積了龐大的素材資料後，再使用less is more來進行精萃，從中提煉出那個最重要的記憶點，並用當代手法將它織入設計方案裡，透過實體的建築空間領人重溫當地的集體記憶。  請登入會員專區閱讀全文