旅行是大眾生活裡的一環，日本、美國、德國和義大利，透過旅行探索他國的文化與美景，但你有好好的環遊過我們自己的家鄕台灣嗎？台灣雖然是座小島，但我們的建築卻蘊含了獨特的生活美感和廣大的世界級文化能量。 《在自己的城市旅行》 如果你看過日本作家甲斐實乃梨的《東京名建築魅力巡巡禮》，或是喜歡《在名建築裡吃午餐》這部非典型日劇，那你就絕對不能錯過被稱為「在名建築裡吃午餐」台灣版的 《在自己的城市旅行》。素有「都市偵探」之稱的李清志老師要帶領大家探索我們的家鄕，台灣！一起重新看見台灣各地城鎮的建築、人文風土、生活之美，來趟簡單卻不平凡的台灣建築「迷走」。 「迷走」一詞來自於日文，原意是「迷路、迷航」或是「陷入困境」的意思。迷走的狀態，讓你不得不放棄原本理性的規劃，只能好好享受當下，在迷走中細細品味你目前所擁有的一切。這幾年因為疫情的影響，讓大眾有如置身於「迷走」的狀態，我們所有的美好計畫、所有的宏偉理想都被摧毀，我們雖然想做困獸之鬥，卻終究不敵疫情的鋪天蓋地，最後我們只好守住自己的家，守住自己小小的幸福。  “ 我所謂的「建築觀察」並只不是針對建築物的觀察，而是關於我們居住的空間、生活環境，以及衍生出的空間文化之觀察與探討。”  –李清志  也因為如此，李清志老師開始在台灣這塊自己生長的土地，進行建築的觀察。他說：所謂的「建築觀察」並只不是針對建築物的觀察，而是關於我們居住的空間、生活環境，以及衍生出的空間文化之觀察與探討，我對台灣的空間環境，過去並未真正完整地去檢視或考察，因此整個台灣建築空間，對我而言，只是片斷而零碎的記憶與印象，是一種迷宮的狀態，因此以「迷走」來形容我的台灣建築觀察，其實是頗為貼切的。 五個旅行能量：遺忘、療癒、迷走、朝聖、再生  《在自己的城市旅行》以台灣城鎮建築旅行為主題，由「都市偵探李清志」領路，帶您走進我們家鄉各地的四十座名建物裡，迷失流連在各地獨有的人情場域風景裡，不僅由建築大師分析建物的賞析重點，分享建築名家的觀察和洞悉，同時更在進走我們家鄉各地的察勘中，一起打開探索世界的能力，這次就在我們自己的土地上，找回別人遠道而來的日常風景，重獲旅行的意義。 精彩內容搶先看 記憶中的車站穀倉 驅車前往員林探險，這座老城鎮充滿了豐富與多元的活力，廟宇後面就是一條市場街，販賣香腸的商家把一串串紅色香腸掛在廟宇旁，熱鬧的市場街上則是一座高聳的教堂，在紛亂吵雜的市場中，有如綠洲般的存在。員林小鎮雖然保有昔日純樸的生活風情，但是卻也在緩慢地蛻變中，特別是在員林車站周邊，因為鐵道高架化之後，原來的車站風貌已經不復存在，周遭鐵道用地成為開放空間綠地，或是等待著重新開發建設，還好不遠處仍舊保留著一座巨大的鐵路穀倉，為過去城鎮交通與鐵道運輸留下歷史的見證。 李清志 攝／大塊文化 提供 員林巨大的管狀混凝土穀倉，猶如巨人的管風琴一般，以前在美國中西部也常在鐵道邊看見管狀的穀倉，方便農產穀物藉由鐵道來運送，但是他們通常是使用金屬材質的穀倉，只有在大型車站或碼頭才有混凝土穀倉建築。當年柯比意在美國看見這些工廠及穀倉建築，帶給他極大的衝擊與啟示，回去後就發表了「邁向新建築」一書。 員林鐵路倉庫在員林車站旁，也算是一座巨大的地標性建築，特別是管狀倉庫上，書寫著巨大的「鐵路穀倉」字樣，不論是搭火車通勤，或是開車經過，都可以輕易看見這座巨大的水泥城堡；這座混凝土穀倉不僅是巨大的建築地標，同時也見證了台灣過去經濟成長的歷史。 李清志 攝／大塊文化 提供 七〇年代，因應台灣糧食進口的需求，大量輸入黃豆、大麥、小麥等糧食，糧食以海運進口為主，為了紓解港口倉儲空間壓力，因此興建了員林鐵路穀倉，利用鐵道運輸，將糧食從港口直接送到這裡儲存。員林鐵路穀倉又稱為是員林立庫（立體倉庫），1974年開始興建，1976年完工啟用，這類倉庫可說是台灣進出口貿易起飛時的代表性建築，可惜後來鐵路運輸逐漸被公路運輸所取代，這類鐵路倉庫全台現今僅存兩座而已（另一座在斗南）。 其實台北市昔日北淡線鐵路關渡車站旁，也曾經有巨大的管狀混凝土倉庫，屬於一家食品工廠所有，也是藉由鐵道運輸至此儲存，北淡線鐵路拆除後，改建成淡水線捷運，管狀混凝土倉庫也隨之拆除。當年管狀倉庫拆除時，我還特別潛入其中，試圖捕捉拆除一半的廢墟建築影像，結果當天竟然被佔據其中的野狗追趕，差一點無法脫身。 李清志 攝／大塊文化 提供 事實上，世界各地也有許多老舊的混凝土管狀倉庫，最有名的應該是西班牙建築師Ricardo Bofill利用龐大的混凝土管狀工業建築，改造成建築師的自宅，讓原本冰冷無趣的混凝土建築體，幻化成華麗動人的城堡；幾年前上海浦東黃浦江邊，一座原本是亞洲最大糧倉的混凝土管狀倉庫，也被改造成城市藝術空間；最令人驚豔的案例，則是由英國建築師Heatherwick在南非所設計的博物館，他將一座巨型的管狀從中間直接挖空，讓排列整齊的管狀倉庫在挖空之後，內部呈現出令人意想不到的奇妙空間，讓人讚嘆這位建築師化腐朽為神奇的厲害功力！ 地方歷史建築的保存，過去比較多是針對歷史悠久的古蹟建築，對於工業遺跡或產業建築比較少被注意，但是這些年來，大家開始了解到，工業遺跡與產業建築可能歷史不見得很久遠，但是其巨大的建築卻是城市歷史裡重要的地標物，而且也是城市經濟發展歷史最重要的證據，非常值得保留！ 因此聯合國世界文化遺產名單中，也有許多工業遺跡被列入。 李清志 攝／大塊文化 提供 對於員林這個城鎮而言，鐵路穀倉可能是最具觀光魅力的建築遺產，期盼將來有厲害的建築師可以參與建築再利用的設計，讓這座員林奇特的水泥城堡可以再度散發榮耀，成為員林地方的重要觀光資產。 資料及圖片提供」大塊文化出版社 編輯」歐陽青昀

《USHIO 赤身燒肉》 是來自日本福岡的人氣燒肉品牌，台灣首間店選址在林森大道台北的中山北路上。主理人期望以低調隱匿的氛圍來打造高質感的用餐體驗；行舍空間事務所為呼應品牌精神，藉舞台式的服務場景傳達出職人對於懷石系燒肉的專注感受，透過粗曠的設計元素對應精緻的線條比例，打造專屬訂製的用餐體驗 。 《USHIO Taipei 赤身燒肉台灣店》選址在台北的中山北路上。 曾勇傑設計師說道，當初他與業主在選址時就花費了一大心力，如何找到符合品牌形象又能傳達業主想要空間的氛圍，是他們選址時的重點之一，最後因緣際會下在中山北路上找到一間屋齡約有七、八十年的老宅。這棟位於城市角落的房屋，它靜謐、不張揚，低調又內斂，同時帶有歲月的氣息，令業主深深著迷。 以低調隱匿的氛圍打造高質感的用餐體驗。 低調內斂的高級饗宴 《USHIO Taipei 赤身燒肉台灣店》採全預約制，所以它無需顯眼的招牌，而是透過材料切割、燈光點綴打造一處會引人好奇的低調門面。《USHIO Taipei 赤身燒肉台灣店》選用內斂的黑色作為主色調，搭配肌理清晰的石皮堆疊，與左鄰右舍明亮的傳統台灣式店面形成強烈對比。 門面選用內斂的黑色作為主色調，搭配肌理清晰的石皮堆疊。 建築共有兩個樓面，1樓為主要的用餐區，設置板前料理區，後場規劃為備餐廚房，2樓則以私人包廂為主，佈置四間包廂與一個板前料理區座位，多樣化的座位形式，從兩人約會、家庭用餐到私人宴會，可以滿足不同人數的客群。 1樓為主要的用餐區，設置板前料理區。 2樓則以私人包廂為主，佈置四間包廂與一個板前料理區座位。 《USHIO Taipei 赤身燒肉台灣店》沒有傳統燒肉店的喧囂嘈雜，比起熱鬧活躍的氛圍，品牌更注重賓客用餐時的服務體驗。品牌認為，不單菜品是藝術，料理過程也是一段精彩的表演，所以空間以板前料理區作為設計核心展開。 空間以板前料理區作為設計核心展開。 主廚以位於中央的料理區為秀場，將肉品從分切、斷筋、修清、燒烤、擺盤道上菜，每道程序都在賓客的眼前完成，透過舞台式的感受與視覺衝擊，讓用餐不只是味覺的享受，而是融合視覺、聽覺、嗅覺以及觸覺的五感體驗。 透過舞台式的感受與視覺衝擊，讓用餐不只是味覺的享受，而是融合視覺、聽覺、嗅覺以及觸覺的五感體驗。 新與舊，動與靜 曾勇傑設計師提及，初期雖然為了整理屋況就耗費了一大心力，但他仍然希望能保留老宅精神，透過新舊融合碰撞出新的火花。為了讓原始的建築結構得以被延續，透過調整樓板與開洞位置，重新規劃空間的垂直動線，同時梳理出前後場的關係。 為了讓原始建築結構得以延續，重新規劃空間的垂直動線。 除了新舊結合，中山北路上的綠意也是設計師希望置入空間的元素之一。二樓樓面保留了建築原本的窗戶，而這面窗剛好可以看到樹梢風景，這幅會隨隨光線、四季變化的框景與空間的靜謐形成對比。不僅如此，天花板還保留了原本的屋脊，搭配斜頂架構呼應老屋語彙。 天花板保留原本的屋脊，搭配斜頂架構呼應老屋語彙。 《USHIO Taipei 赤身燒肉台灣店》強調與懷石系料理、空間氛圍與精緻服務，所以選用石皮、碳化木、泥土質感的塗料等粗獷質材對比細緻體驗，並在質樸的視感之中，用精緻工藝、現代線條、異材拼接與儀式感的燈光配置，為靜謐的空間質感增添律動感。 透過粗曠的設計元素對應精緻的線條比例。 質樸中仍帶有日本職人的工藝精神。 曾勇傑設計師說道，此作不僅是一個室內設計作品，更是一個品牌再造的過程。用大地色系加上深色調色彩，帶出時尚的現代感，透過格柵、柚木元素的運用展現日式精神，希望藉首間台灣店的設計，找到品牌未來的定位與方向。 在過道之中，利用儀式感的燈光配置昇華體驗。 大地色系加上泥土質感的塗料，展現日式精神。 設 計 者」行舍空間事務所／曾勇傑 設計團隊專注於儀式感的核心精神，追求高質量的設計與多元性的創作思維。對於空間投入情感，深刻探討人與場域關係的連結性，透過不斷創新的思考架構實現各種對於空間的體驗想像，在理性與感性之中萃取空間中最平衡的美感。 資料及圖片提供」行舍空間事務所 採訪」歐陽青昀

疫情期間，人們的行動受限、生活形式也隨之改變，時間彷彿停止了下來。三年之中，世界看似混屯黯淡，人們仍不斷努力找尋破口。2021年5月，臺東設計中心觀察到疫情席捲全人類的社會狀態下，需要傾聽大眾的聲音，便提出了由地方人出發、緩慢而⻑期的「台東慢波計畫」 。 《臺東設計OPEN CALL！》 「台東慢波計畫」回歸「縣政客廳」初衷，以「PPPP:Problem — Podcast — Plan — Project」的循環模式為基礎，收集臺東⺠眾的聲音並提出解決方法，三年間為臺東產出超 過15項設計導入公共政策成果，讓設計能量在臺東山海與市街的每個角落，有形或無形地 發酵、騷動與落實。  台東慢波計畫。 全新展覽 回顧改變 2023年底，臺東設計中心推出全新展覽《臺東設計OPEN CALL!》，以「PPPP」的全⺠參與模式為核心，二度攜手臺東出身的JP SPACE導演蔣承翰，以「地方生活描繪Design for local」、「全⺠參與共創Design for people」、「品牌識別再造 Design for city」、「給公共的設計Design for public」四大主題，將2021至2023年間設計中心所推動的計畫精選成四支影片，透過影像帶領⺠眾回顧三年來臺東不斷推進的改變。 循環模式「PPPP:Problem — Podcast — Plan — Project」。 地方生活描繪 Design for local  「台東慢波計畫」從對臺東「慢」的多元想像出發，透過「台東慢波電台」、「台東慢波旅行社」、《台東慢波提案》手冊等一系列計畫，描繪地方生活輪廓。團隊走訪臺東 16個鄉鎮，用聲音、文字、影像等形式，呈現地方內容，更接地氣地認識臺東的生活景象。 地方生活描繪。 全⺠參與共創 Design for people 作為臺東的城市客廳，設計中心打開空間邀請全⺠來想、來坐、來聊！不論是進行有機的書籍交換、走進生活提案所為臺東寫下提案，或是為舊火車站重新命名投下寶貴一票，每一場⺠眾參與活動不單是娛樂性質，更多了一些自主權和決定權。 設計中心打開空間邀請全⺠來想、來坐、來聊！ 品牌識別再造 Design for city  一座城市即是一個品牌，從熱氣球嘉年華與衝浪公開賽，至整座城市與世界對話的臺東城市品牌識別，皆在這些年透過不同形式的創意提案，形塑臺東的城市「慢」品牌，構築每個人心目中的臺東輪廓。 品牌識別再造與給公共的設計。 給公共的設計 Design for public  看似稀鬆平常的城市風景，其實是大大小小的公共建設累積。這些為臺東⺠眾所打造的公共設計，不僅僅是以美感思維出發，而是期待照顧⺠生、教育、建設、觀光等更廣闊的公共面向。 用四支成果短片，回顧三年來臺東不斷推進的改變。 自2021年首檔常設展「臺東需要設計嗎?」，2022年「臺東設計進行式」，至2023年末的《臺東設計OPEN CALL！》。臺東設計中心希望邀請大眾一同回顧，三年間臺東城市角落中隱而未見的警喜改變。  臺東設計OPEN CALL！ 時間」2023年11月21日至2023年12月31日 地點」臺東設計中心（臺東市鐵花路369號）     資料及圖片提供」臺東設計中心 編輯」歐陽青昀

 《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》餐瓷系列。   與馬匹有著深厚淵源的HERMES愛馬仕，自2010年起在巴黎大皇宮舉辦「Saut Hermès 跳躍的愛馬仕馬術障礙賽」，是法國騎術聯合會(FFE)與國際馬術總會(FEI)所認可的最高等級馬術比賽(CSI 5*)，賽事集結全球馬術好手同堂競技，為馬術圈的重要盛會。     《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》大碗。   《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》奶油碟。   《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》附蓋小碗。   重視藝術人文的HERMES愛馬仕更邀請法國藝術家Jochen Gerner為家居新品創作，Jochen Gerner以「Saut Hermès 跳躍的愛馬仕馬術障礙賽」為靈感，將馬術比賽裡的經典元素，化為明快構圖與雅致色彩表現於毛氈上，畫面生動且饒富意趣。     《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》茶壺。   《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》馬術騎士安全帽圖案馬克杯。   《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》蛋杯杯盤組。   品牌新推出的全新的餐瓷系列《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》，Jochen Gerner進一步將馬術之美展現於精緻白瓷上， 創作靈感延續「跳躍的愛馬仕 (Saut Hermes)」馬術競賽，運用氈尖筆手繪成生動插圖，以明快筆觸與柔和色彩描繪優雅的馬術世界，讓人在享用美食時，能重溫競賽裡的講究細節，將「Saut Hermès 跳躍的愛馬仕馬術障礙賽」的吉光片羽化為餐桌上的焦點話題。   《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》蛋糕盤。   《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》糖罐。   《Saut Hermès 跳躍的愛馬仕》餡餅盤。    資料及圖片提供」HERMES愛馬仕 編輯」Sumile

「台灣光環境獎」今年已邁入第六年，由國際照明大師周鍊擔任主席，並邀請夏鑄九、張光民、李乾朗、郭中端、薛琴、吳瑪悧、官政能、楊澤等九位專家組成評審團，於11月24日頒獎典禮上揭曉得獎名單，由「嘉義火車站廣場」、「思映之間」、「虎尾鐵橋」、「THE DARK LINE 時空暗線」等四項作品獲肯定，評審團特別獎則頒予「艋舺龍山寺」。今年更增設新秀獎以作鼓勵，並由「框框裡的風景」榮獲，期透過新一代設計師的參與，一同提升台灣光環境。 評審團主席周鍊於致詞中提到，此次參賽作品涵蓋種類多樣，包括自行車道、公共藝術、文教機構、車站等領域，所涉略面向十分多元，但皆與生活有著密不可分的關係；在每次的評選過程中，作品所蘊含的溫暖動人最具吸引力，「不用一見鍾情，但要日久生情。」期許透過光與環境的互動，感受光影相映間的多彩交織，就如整平土地讓大樹自然生長、遍布開花般，以光淨化心靈與環境，為社會帶來正向力，打造更為多元且安全的台灣光環境。  2023 台灣光環境獎 新秀獎  框框裡的風景 / 曉房子聯合建築師事務所 作品介紹」 高雄市立美術館圓形廣場前的公共廁所「框框裡的風景」，因所處位置較低，存在著通風及採光不佳等問題，設計團隊打開新窗口與創造弧型牆面，引入大面自然光並增加空氣對流；同時以低色溫的間接照明，解決原先直接燈光過強的問題，使光線柔化樓層板，增加視覺開闊度。透過開放、明亮等設計語彙重新定義廁所，塑造彷若美術館般的質感氛圍。 評語」 以弧形牆柵欄的線條語彙，巧妙將公園自然光引入室內，當光線穿梭在純白空間時，照映出帶有綠意的自然光感，呈現「光」的細節層次，建築如一件坐落於廣場的雕塑品，當民眾隨上下階梯移動，彼此間會產生獨特的互動關係。 得獎感言」 我們一直都在思考如何在有限條件下創造有趣空間，很幸運能夠遇到願意接受創新的業主及建造廠商，在疫情嚴峻情況下一同排除萬難，合力完成本案。設計初衷純粹是想讓人即使在廁所，亦能感受到自然光線及通風，因此保持初衷、透過設計解決問題，最深感受是要勇敢往設計目標前進，遇到問題不輕易妥協，才能將空間完整呈現，改變使用者感受。關於如何引光是設計重點之一，起初猶豫將廁所開口的隔柵拆除，擔心過於「開放」，但發現民眾時常在明亮開口處休憩、互動，反而形成另一種美好風景。  2023 台灣光環境獎 得獎作品  嘉義火車站廣場 / 沈庭增建築師事務所 艾歐照明設計有限公司 作品介紹」 1933 年台灣首座現代鋼骨鋼筋混凝土車站完工，隨著都市交通的發展，站前廣場存在著車輛壅塞、人行道需求等問題。考量車站功能主要是傳遞運輸、作為人的流動聚散空間，因此以景觀照明為主、建築照明為輔，讓車站本體避開雜亂管線，透過謹慎投光，重現其主樓及兩翼的古典秩序，並依據行人動線，增設曲線候車棚，藉雨遮的照明次序呈現豐富層次，從外到內、由暗而亮，扮演引導旅客及進出站轉換心情的角色。改造後車站大廳配合戶外景觀的低色溫，將色溫調整為4000K，使整體視感更趨一致。本案所有照明設計皆以民眾為出發點，將溫暖舒適的光環境自然融入生活，沒有過多的燈光、色彩，回歸照明設計的本質。 評語」 廣場輕巧的雨遮，讓老建築的古樸能優雅地重現，並提供車站和城市間美好流暢的銜接。白天的廣場有日光的層遮、疊影，夜間的燈光則成為空間中的引導。以民眾的需求為本，創造日常裡陪伴人們行走、往返或休憩的舒適生活場域。 得獎感言」 二、三十年過去，如今燈具光源幾乎只剩下LED，由於一路看著照明產業的改變，看著越來越多人著迷LED，忽略了照明設計的初衷與本質，所以過程中總需比以前更費力與業主、建築師、燈具廠商們溝通。很幸運此次遇到最完美的團隊，支持信任專業顧問的業主、有著相同理念認真負責的建築師、專業及全力配合的設備廠商、營造單位，一同成就好的照明設計。很感謝中強光電文化藝術基金會這幾年對於友善光環境的推動和努力，及各位專家老師們的引導，更感謝他們對我們團隊的肯定，期能持續設計更多好的作品，為提供良善的光環境努力。 思映之間 / 蔚龍藝術有限公司 Daniel Buren 作品介紹」 位於環狀線板橋站的「思映之間」，是法國藝術家丹尼爾．布罕（Daniel Buren）的大型公共藝術。藝術家整合車站周圍環境與元素，並將行人動線及時間的概念融入其中，以慣用的8.7 公分條紋的藝術語彙、搭配9 種色彩板材及月台15 種彩虹列柱，運用高明度、高彩度、高對比的色彩組合，營造強烈的視覺效果。隨著在空間移動，旅客得以沉浸於色彩變化、時光流影之中。 事實上，這件公共藝術是整個車站站體空間的整體創作，也就是塑造藝術化車站，範圍共有五個部分：戶外12 根墩柱、站內手扶梯壁面天花板、月台門及門柱、月台層LED 燈、車站大樓外牆。其中，月台上方的兩條LED 帶狀燈罩，特別訂製寬8.7 公分、長200 公分的燈具1706 組，藉由DMX電子控制器設計顏色變化，打造出光影流動、彩虹般的燈光效果，結合原有的環境光源，營造舒適的車站空間和愉悅的候車氛圍。 評語」 本作品運用整體環境的複雜性，以簡單幾何、色塊、光等元素，讓人感受空間中的和諧性與秩序感，創造公共藝術與環境的連結。作品融入站體，讓光結合日常通勤氛圍，為市民的生活注入光與人文新觀點。以整座捷運站體的角度來思考創作、費心整合，對於都市的交通美學極具啟發性。 得獎感言」 最困難的部分是藝術語彙是使用8.7 公分的條紋，因此環狀線板橋站整體牆面的配置，皆需依據藝術家的設計調整，讓牆面的每部分依照8.7 公分的倍數作分割，才符合藝術家的創作原則。感謝業主台北市政府捷運工程局對這件作品的重視，甚至連站內的消防設備及指標皆配合藝術家設計進行調整，以讓全站達到整體性的設計。非常感謝2023台灣光環境獎評審委員及主辦單位，這個獎項對台灣整個夜間環境美學獲得更多的重視，也讓這件作品有機會被更多人看見與欣賞。 虎尾鐵橋 / 沁弦築影照明設計有限公司 作品介紹」 近百年歷史的雲林縣定古蹟「虎尾鐵橋」，是虎尾作為糖都「百年糖業」的歷史見證。雖然現已不復見火車穿越鐵橋的場景，但藉由照明的巧妙設計，以動態燈光模擬火車行駛意象，使大眾得以重返往日時光。整體橋樑以4000K 冷白色光凸顯鋼骨結構之美，並以隱藏於步道扶手、橋體結構間的3000K 暖色間接照明，貼心地避免燈光直射的刺眼及眩光，確保行人遊橋動線的安全。 在構思的過程中，團隊深刻體會到虎尾鐵橋豐富的歷史底蘊，以及在地文化魅力。雖然長達427 公尺的鐵道的交通運輸功能現已不復存在（現為人行步道），但在民國四、五Ｏ年代曾見證虎尾糖廠砂糖產量的輝煌高峰。時至今日，虎尾糖廠仍是全台唯一以「五分車」載運甘蔗的糖廠，每年12 月到隔年3 月的製糖季，那股甘蔗的甜香依然在虎尾鐵橋上瀰漫著，如同時空的訊息，傳遞著昔日故事。而正是這些豐富的歷史和文化背景激發了靈感，希望將「五分車穿越鐵橋桁架的景象」，藉著夜晚燈光的演繹，讓光重現往日榮景。 評語」 橋體結構的冷白光勾勒鐵橋鋼骨的建築精神，橋面步道的暖色光，則和諧地照顧行人的步伐。手法純熟不鋪張，以光的推移模擬火車駛來的歷史場景，以低調精準的主題色光景，賦予古橋隨四季更迭的生息與美。橋身幽微的照明布局，讓人文與自然景觀完好融合，增添夜間美好的生態體驗。 得獎感言」 很榮幸沁弦今年能再次獲得「台灣光環境獎」。2023年沁弦正好成立滿十週年，過去五年裡，我們年年參與這一照明界的年度盛會，也很幸運地榮獲了多座「台灣光環境獎」的肯定。藉本案的設計歷程，我想我們設計的不僅是照明，更是時間的橋樑，連結過去與現在，希望照明設計不僅可以是光的藝術，更可以映現在地人文底蘊，讓光成為歷史和共同記憶的載體。 THE DARK LINE 時空暗線 / 達觀規劃設計顧問有限公司 米及米設計顧問有限公司 ARTEC 3 STUDIO 作品介紹」 北台灣牡丹、三貂嶺之間的「THE DARK LINE 時空暗線」總長3192 公尺，原為封閉近40 年的舊隧道，擁有有機地貌、苔蘚蕨類、蝙蝠棲息等豐富的自然生態。設計團隊以有節制、低亮度、看不見光源的照明設計，突顯舊隧道與地貌本身的場所精神，將對生態的影響程度降至最低；走入其間，微弱的光線使人打開五感，進而能細細感受、品味這條路徑獨特的生態、聲學、色調與氛圍。從設計、施工至開放初期，經歷不少人質疑為何隧道的照明不再打亮一點，大家才能更清楚看環境。 但是，如果再打亮，許多生物就離開了。經歷一年多使用，觀察到當人們來到此地親身體驗後，反而因為暗的環境放慢了步調，感官也更加敏銳，能更感受到隧道裡細微的環境變化以及隧道內外的明暗對比。「共享棲地」的觀念逐漸被認同，業主及維管單位不再單以「人」的需求考量光環境，隧道持續維持著晦暗的環境，夜間亦完全關燈不對外開放，透過掌控環境品質奠定地方活化基礎。 隧道壁面上燻黑的煤煙記載了火車行駛時期的光景；魚、蝦、蝙蝠等生物的進駐描述隧道廢棄後的暗黑環境；光環境也持續在刻劃這隧道的歷史，現在由於打光的關係，壁面上長出許多蕨類。光環境讓「THE DARK LINE 時空暗線」成為一條可閱讀隧道百年來連續性的變化，連結了人與環境的關係，是文化資產活化的成功案例。 評語」 「光」在本作品的隧道中，如同空氣般恰到好處。鏤空的鋼條透出日積月累的地景面貌，行走於其中能感覺到時間性，在規律中卻產生細緻的驚喜。細膩的手法讓光展現建築體的質感，呈現不同層次及對話關係，以對生態環境的尊重，賦予廢棄隧道全新的生命及動力。 得獎感言」 「THE DARK LINE 時空暗線」，不論是人造還是自然光源，雖非主角，卻是體驗環境特質不可或缺的元素，與環境不能脫節也不能搶戲。我們更為了隧道的生態環境，「暗」成為共享棲地的重要手段。很開心評審認同這樣的設計理念，與其說，有了光線，人們才能體驗環境的本質，我們更想表達的是，光線就是本案環境的重要成分。  評審團特別獎  艋舺龍山寺 / 原碩照明設計顧問有限公司 集結宗教信仰和傳統建築工藝於一身的龍山寺，是人們生活與精神的神聖殿堂。過去因缺乏妥善的照明整合規劃，牌樓的跑馬燈、強烈眩光、亮度分布失衡等問題，使廟宇隱沒在喧鬧的環境之中。照明重整後的龍山寺，燈具被巧妙隱藏，照明方法成熟溫潤，精準均勻地從不同處投光、相互堆疊，展現出建築工藝和寺廟的神聖優雅；燈光提供視覺及精神上的指引，讓人能安心駐足，專注與信仰對話。以周邊街區整體思考，讓龍山寺重新在熙攘的街道中，靜靜地透出安定有力量的光芒，重現信仰「光」的平靜氛圍，烘托出背後的社會意義。  入圍決選作品  日常家話_ 鹽埕第一公有市場改造 / 浩建築師事務所 一起設計Atelier Let's 瓦豆WEDO Lighting 已有70 多年歷史的鹽埕第一公有市場，設計上從整體環境改善的角度出發，優化內部空間。首先打開遮蔽天花，重現木結構屋頂的建築之美，並引入自然天光，增加市場的採光及通風；同時仔細計算日光的軌跡，避免日照直射攤位影響保鮮，顧及攤販的需求。而從屋架汰換的舊木料，再利用變成具設計感的燈具點亮市場，延續其使用價值。藉由引光入室，重新活化傳統市場。 入圍感言」 修繕完畢後，將沒落的傳統市場攤商與消費者彼此連結為「日常家話」，屬於鹽埕第一公有市場的光今昔時空相映，其歷史傳承意涵感染著來訪者，再次讓人們感受傳統市場獨有魅力。（浩建築師事務所） 鹽一市場的活化計畫始於2016 年叁捌地方生活所企劃的「鹽埕水上人家」，而城市的改造是漫長的，鹽一市場相較其他消逝的傳統市場是幸運的，透過眾人努力能被保存下來；我們也是幸運能與鹽一市場相遇，並看見重新點亮市場的光。（一起設計Atelier Let's） 最難的是將在地攤商需要的光，與空間中適合的氛圍達成實用與美感平衡。從塔槽高聳爐火，轉變為一座充滿文化活力的城市，感謝生活在這裡的每個人，文化從來不是一蹴可幾，而是扎實生活，日復一日年復一年。盼當代人做的每件事，都能留給下一代更美好的台灣。（瓦豆WEDO Lighting） 南海書院 / 沁弦築影照明設計有限公司 台灣藝術教育館是國內唯一以藝術教育為發展任務的國立機構，館舍歷經不同時期的更迭，建築源流已有近百年之久，被指定為台北市歷史建築。入口的神橋以及漢、和、西洋混合建築樣式的建築立面，是整體視覺重點；照明聚焦於建築細節與景觀，第一展覽廳更使用燈控系統融入自然光源，使空間隨著時序有著細緻表情變化，園區由外而內連成一氣，塑造優雅而靜謐的氛圍。 入圍感言」 「南海書院」為「南海學園」建築群重要的成員之一，這次的夜間光環境優化計畫能入圍「台灣光環境獎」，對我們來說是莫大的榮幸與鼓舞。希望照明優化後的成果，讓區域裡的光環境更加得宜與優雅，更期待它像是我們在這裡撥下的一顆光的種子，在爾後的時日能開花結果。讓「南海學園」不僅僅是台北市內早期的重要文教區，更能成為市內新的優良光環境模範與文化地標。 資料及圖片提供」中強光電文化藝術基金會、Studio Millspace 編輯」林靖諺

對住宅空間的想望人各有異，初向設計新作《project Y》的業主，對米白色調以及弧形語彙情有獨鍾，期待可以在居所注入喜愛的調性。曾國峰設計師以此為基準，以輕淺明亮的色調配搭圓弧曲線，替日常生活捎來輕盈柔和的質感。 本案位於高樓層，自然採光充足。住宅調性素雅明亮。   以需求錨定平面布局 基地坐落於台北市的精華區，是新婚夫妻攜手構築回憶的專屬境地。設計師提到，本作為舊屋改建，有鑑於業主重視衛浴空間的程度更甚主臥室，因此特別針對格局進行了大幅度的調整；舊屋最常遇到的問題即為管線的破損，而管路配置等細節也需格外注意，在有限的面積內盡量擘劃適合的生活舞台。 設計團隊利用屏風界定內外，同時也兼具圍塑落塵區的功能。   業主提出，大門處需有充足的鞋履收納機能，且需做出隱約的內外分界，避免整個家一覽無遺，因此，設計團隊特別拉出一道小屏風去做遮掩，同時界定出落塵區的範圍；針對房數規劃除預留了一間臥室，藉此因應日後家庭成員的增加，女主人也提出需要一間獨立更衣室，收納並擺設她的衣物與收藏。 米白色塗料和磐多魔地坪作為室內主要材料，共築和諧畫面。   談及室內調性的設定，曾國峰說道，業主明確表示希望賦予圓弧意象、並以相近色整合天地壁，形塑協調感受。對此，團隊弱化色彩力度，利用偏米白色的特殊塗料做天花板與牆面的打底，地坪則選用同色系的磐多魔。 隨處可見圓弧語彙，甚至連天花板維修孔都為弧線，弱化尖角的銳利。 而弧形造型的運用一方面是貼近業主喜好，另一方面，也考量到舊屋原有樓板較為低矮，且天花板上方需隱藏空調、除濕機等設備，設計師盡量透過弧形抬高空間尺度，以柔軟線條和輕盈色系描繪住宅表情。 業主提出開放式廚房的需求，為創造一致性，廚具亦選用米色調。   細節注入層次變化 前述所提男主人要求主臥衛浴需盡量放大，在空間尺度的拿捏環節，是設計團隊著墨的重點之一，曾國峰利用一道弧形牆體區劃暨鏈結公私領域，藉此維繫客廳的完整性。 以弧形牆面鏈結公私領域，而結構之間進退面所產生的陰影則強化了空間的層次。 他進一步解釋道，特意賦予弧形牆進退面的層次，讓陰影變化提升空間的細膩度，消弭素色空間可能造成的冰冷氣息，電視牆的圓弧曲線也有異曲同工之妙，讓住宅畫面更為流動。不過，設計師也提到，弧形造型的呈現在放樣時需格外注意細節，避免施工時產生落差，影響整體品質。 必須仔細拿捏格局尺度，讓公私領域獲得良好平衡。 有鑑於基地本身位於高樓層，採光條件十分不錯，考量到室內的白色調，人造光源的配置上以均亮為主，讓自然光的游移描摹出流動畫面。 主臥室。床頭整合了開關插座等設備。 床鋪以架高形式呈現，門後結構間的凹洞則以層板賦予展示功能。 主臥部分則將開關插座整合於床頭，並以架高的床鋪劃分出機能差異；公共空間的弧形牆面結構導致臥房的門片後方產生了凹洞，設計師飾以層板滿足展示機能。主臥衛浴部分則安排了乾濕分離的形式，並以木皮做跳色，注入溫潤的視覺效果。 男主人十分注重主臥衛浴。以木皮做跳色，乾區利用塗料、濕區則鋪設磁磚。 全案貼近居住者喜好，利用純淨柔淡的筆觸細膩描繪居家場景，珍藏每個美好片刻。 女主人專用的更衣室，設有旋轉展示架。 《project Y》 設  計  者」初向設計 / 曾國峰 參  與  者」莊子承 攝  影  者」MD Pursuit樸敘空間創意有限公司 主要材料」磐多魔、塗料、木皮、磁磚 面       積」23坪   設計的根本是人與人之間的溝通。重要得獎紀錄包含TID Award、TINTA金邸獎等。     資料及圖片提供」初向設計 採訪」陳映蓁

台灣製造業技術高超，成品的品質深受國際市場肯定，時至今日依舊有許多工廠勤懇地在專業領域中耕耘；不過，外在接踵而至的挑戰，例如科技、自動化、AI趨勢的席捲與推陳出新，以及專業人力斷層、缺工、缺料、缺單等問題，整體營運面臨嚴峻考驗。該如何突破重圍，找出傳統產業的全新出路？設計或許是解決問題的其中一個解方。   本期金點設計獎系列報導，邀請以作品「%」榮獲金點設計獎標章肯定的設計品牌LAJOS創辦人暨品牌策略顧問梁崇栢（Bryan），來分享他眼中製造業的豐沛能量，以及設計介入傳產時需注意的「眉角」，同時與讀者聊聊台灣設計產業在國際市場的優勢。    LAJOS / 梁崇栢Bryan  LAJOS著重於如何「詮釋情感連結」，透過物品與空間，詮釋人們在生活中可以更好的一切價值。致力於發掘並突顯台灣獨特的工業實力，除了設計概念，更進一步的拉近商業、設計、使用者之間的距離，把作品帶到屬於他的位置。 團隊透過設計釋放製造潛能，結合技術與創意，不僅追求創新，更在情感層面與消費者建立連結。LAJOS擁抱製造產業和工匠的技藝，致力於將這些技術帶上國際舞台，讓世界見識精湛工藝與創新精神。 LAJOS在多個國際展覽和藝廊中展示了其創作，包括米蘭設計周、杜拜Design Dubai District、巴黎Masion & Object等；亦與許多國際頂級藝廊和品牌進行合作，並在多個國家成功拓展了市場，包括米蘭、中國、法國、荷蘭和美國等。   台灣傳統產業的能量無庸置疑，它們隱身於街頭巷尾卻曖曖內含光，其堅實的技術力成為國際客戶最可靠的靠山。全球產業劇烈變革，面對轉型難題，如何探尋可行的方向，成為第二、三代接班者思索的問題；另一方面，「設計」一詞可說是現今社會的當紅炸子雞，但對傳統產業而言，該如何引入設計思維，並且有意識的為之，亦是需摸索的課題。 深諳傳統產業擁有豐沛資源的Bryan，期待以「精品」的定位向國際市場推展台灣的加工能力，大學就讀工業產品設計學系的他，發現設計的概念並非單純著重於外觀、形象的呈現，「整合」更是貫徹其中的核心，需將產品使用的場合、使用者角度、商業模式甚至是品牌發展一併納入思考，如何透過設計將這些面向串連而起，是他認為設計最為迷人的地方，也恰巧符合他喜歡橫向整合及策略思考的個性，便下定決心深耕設計領域，並於畢業後投入「LAJOS」品牌的創立之路。 本次獲得金點設計獎肯定的「%」，兼具凳子與邊桌機能，外型極簡卻對材質、力學比例十分講究。   整合台灣優勢，共創精品 談及成立品牌的起心動念，Bryan說，就是看上製造業技術的硬實力與其深厚基底，希望幫助產業發現不一樣的可能性。不過，平心而論，傳統產業正面臨著諸多挑戰，不論是接班存續問題、專業加工人才的流失或人力斷層，國外市場趨勢轉變導致訂單縮減、抽單等，甚至有業者寧願收掉畢生心血，也不打算繼續做下去，這令Bryan深感惋惜，他分享道：「台灣聚集了許多具世界級水準的工廠，且坐落位置相對密集，不論是工序銜接或技術整合相對容易，且設計者能夠直接與加工廠面對面討論，這樣的產業鏈是我們得天獨厚的優勢，非常適合發展精緻化產品。」也因此，LAJOS這個品牌便應運而生，精良的加工能力和彈性靈活的設計語言相輔相成，交織出產業的美好前景。 「%」製作過程。需經過反覆測試和驗證，才能創造出最終成品。   「LAJOS」一詞，是Bryan父親英文名字Louis的原文，以此替品牌命名的原因一方面是感謝父親對他的「不干涉」，長輩雖然有許多擔憂但依舊選擇尊重他的所有選擇，對他而言就是最好的支持；另一方面，也是希望「以父之名」的概念，可以連結到傳承的精神，期待推出的所有服務和設計，都可以讓情感延續、讓技術代代延續。   由現實出發，用設計回應目的與需求 傳產之所以能立足，關鍵就在於他們有精確的know-how來因應各種狀況，並提供穩定的品質，經年累月成為各領域的佼佼者；面對訂單轉移、人工成本變高等不利因素，需要發掘更高單價的訂單或是研發自有產品，這些對代工廠而言皆為新的學習，邁向下個階段的方法變得格外重要，有鑑於此，設計者更需具備橫向思考的能力，藉此整合配套方案及洞察更深層的機會。 「%」製作過程。需經過反覆測試和驗證，才能創造出最終成品。   長年與製造業並肩作戰的Bryan認為，設計師必須深入傳產文化、從頭梳理所具備的特色、優勢，並釐清未來目標，「為什麼做？」、「想獲得什麼？」是他在合作初期會不斷追問的問題，並要求擬定好通盤策略後才進入設計範疇，因為設計是商業目的的一環而非終點，與產業的合作需進一步協助他們洞悉先機，並歸納出合適機會，也需推敲各種可能發生的不確定因素，感性與理性並行地做好妥當安排和因應。   不過，Bryan也提到，台灣對設計認知的理解度雖有顯著成長但尚不成熟，而工廠的營運端也因不清楚設計的價值，遂無計畫投入足夠的預算對趨勢做出相對的回應，從而導致發展受限；如可善用製造端得以控制成本的態勢，先以小量、低花費的方式試水溫，輔佐設計的整合思維，梳理需求、市場狀態、目標等面向，盡可能做出滿足所有條件的產品作為敲門磚，測試市場反應與消費者回饋後，再逐步細修至最佳成果，更有機會在國際市場上嶄露頭角。 Bryan長期與傳產合作，致力於推廣台灣精湛的加工技術。   致力讓世界看見台灣加工技術硬實力的Bryan，在執行設計時，非常重視「目的」、「需求」、「體驗」三個觀點。如前述所提，目的就是你為何想推出這個品項？是從什麼樣的需求點出發？而產品實際產出後，即是與使用者有了具象的接觸，如何讓設計觸動人，創造滿足的體驗，則是品牌和大眾建立關係的關鍵。 為了追求可以打動人、推廣台灣工藝的好設計，Bryan習慣維持對事物的好奇心，每看到一樣物品，腦中會開始臆測它背後的動機和策略，就像推理遊戲般，思索物品的拼組元素、樣態、售價等，並將其作為題目，反問自己：「如果是我，我會如何選擇？」透過日常的腦力激盪，建立起資料庫，同時鍛鍊思考能力。設計就像是在探尋那塊關鍵拼圖，如何在茫茫大海中找出適合品牌的形式，是Bryan樂此不疲的環節；就算途中遇到挫折或失敗，他也會對自己信心喊話：「沒有失敗，只有過程」，每一個頓點都是邁向成功的基石，只要持續探究、保持學習的熱忱和開放的胸襟，最終都會順利找到解方。   串接工藝和情感，以作品敘事 此次榮獲金點設計獎肯定的「%（percent）」，是與廠商DOUXTEEL合作的產品，融合凳子與邊桌的機能，擁有極簡外貌，旨在挑戰材質及工藝極限。Bryan解釋道，金屬與木頭充滿著衝突美，木頭溫暖且有著天然多變的表面紋理或節點；金屬卻是冰冷剛硬，表面觸感平滑，兩者看似極端，但透過設計手法的呈現，也能使其使協調共融，彰顯各自的純粹本質。 「%」近照。兩片金屬圓板與傾斜的圓木交叉，突顯材料的衝突美學，帶來具反差感的體驗。   「%」的命名也體現了外觀造型、材料應用和力學計算等面向，為展現力學、美學的連結，兩片金屬圓板與傾斜的圓木些微交叉，構築出看似容易傾倒實則穩固的型態，坐在上面可直接感受安穩的乘坐體驗，認知與實際的落差替凳子的設計帶來更進一步的記憶點與驚豔度，同時也能更全面地沉浸於溫潤木材和金屬冷冽之間，觀賞並觸摸到不同質地。 「%」能適切融入各式居家情境中，讓台灣精湛的製造技術輕鬆走進更多家庭。 整個執行過程需要不斷的跟製造端研究討論，進行反覆測試和驗證，讓作品看似傾倒卻有著出乎意料的穩固承重能力，木頭無縫包裹金屬支架的細節，更是需經過精密的計算以及卓越的工藝技術，才得以完成這個幾何俐落的設計。 「%」手繪圖。 Bryan表示，獲得獎項的肯定對他和客戶、工廠而言是十分振奮的事情，「%」也有受邀參加今年的米蘭設計週，同樣獲得不錯的迴響，鼓舞他們持續朝著正確方向努力耕耘。   另一項由LAJOS推出的「Memento拆信刀」也是大有來頭，作為品牌的首發設計品，強調工藝之美並結合純熟技術，以不同職業器具設計成六款樣式，賦予「信物」的概念，讓送禮者更貼近對方並借物抒情。 「Memento拆信刀」是LAJOS的首發品項，以不同職業器具設計成六款樣式。 這個作品不僅獲得了2015金點概念設計獎年度最佳設計獎、義大利A' Design Award鉑金首獎，更被尊為「米蘭設計教母」的義大利知名策展人及收藏家Rossana Orlandi納入收藏之中，是她本人直接收錄的第一件台灣作品，可說是Bryan設計職涯中的重要里程碑，也讓他深刻理解到台灣製造業的精湛功力在國外市場十分具競爭力，因此更義無反顧的投入推廣行列，期待用設計傳遞製造業的深厚能量，再一次點亮產業風華。 品牌著重於表述情感層面，並以精品為定位。從產品到盒裝皆嶄露精緻細節。   「Vessel盛」家用擴香器體現了「恆定內在本質」的哲學，其反光表面和中空中心可以和諧置於任何環境，設計靈感來自傳統中國花瓶，取其外觀再轉化承載香味的意義，使擴香器融合中西方美學精髓；頂部的天然火山石能釋放令人平靜的香氣，促進心靈和感官放鬆。 「Vessel盛」外觀的金屬外亮內霧，十分考驗工廠的表面處理功力。 而「Courbe」花瓶則讓金屬加工廠的剩餘管料有了新生，經過工廠現有的彎曲和擠壓方法，將兩種不同的管材結合在一起，塑造柔軟的視覺意象。Bryan笑說：「當初跟工廠師傅提起這個想法，大家都很疑惑，因為成品在他們認知中是『做壞』的狀態，我覺得這就是與傳產合作有趣的地方，彼此切磋交流並吸收新知，共創出精彩成果！」 「Courbe」賦予剩餘金屬管材新生。可作為花器、燭台、擴香等使用。   勇敢嘗試，無懼挑戰 談及創業至今的收穫，Bryan認為不僅增廣了自己的見聞，也認識許多深藏絕技的傳產朋友，台灣產業的潛力就像是原石一般，只要經過時間的淬鍊，就有機會雕琢成炫目的鑽石；而設計的使用手法和價值導入也隨著經驗累積更為駕輕就熟，他更知道如何引導傳產業者，並給予眾多可能的嘗試方案，在試驗中汲取茁壯的養分。針對品牌的未來願景，Bryan則希望可以跟更多台灣產業及品牌合作，一起挑戰和發展，攜手共創未來的成長空間，也期望能在國際上拓展更多通路或展演環境，增加台灣優秀的技術及產品的能見度，讓世界見證台灣設計的整合優勢。 作品「Ding鼎」。以現代視角重新詮釋古代的「三足鼎」，比例和克制的線條傳達了「包容」的哲學概念。可用於種植植栽或展示物件。   經歷天翻地覆的疫情、戰爭等因素，對設計產業最大的影響就在於成本顯著上升，而市場的採購積極度卻相形萎縮，但Bryan認為產業要懂得找機會，市場不是沒了而是變了，如何跟隨當今的趨勢滾動調整策略，並提升自身的價值以吸引市場注意，是經營者和設計者皆需思索的議題。針對想踏入設計領域的有志之士，Bryan建議要勇於嘗試，利用靈活的心態進行全面觀察並做出快速應對，要正視困難並時時修正；若有意願與製造業合作，則要清楚爬梳產業精神、脈絡，理解製造語言及特色，多在意「美」以外的事，才能完整搭接並挖掘深埋其中的能量。     資料及圖片提供」LAJOS 採訪」陳映蓁

設計周是極具世界「設計力」的指標之一，遍布於各國城市，致力於提供設計師表達主張、交流概念、展示作品的最佳舞台。今年台灣亦跟上此潮流，由經濟部產業發展署主辦、台灣設計研究院執行，開啟首屆「台灣設計週」，以「彈性橋接」為主題，呈現靈活應變力，透過橋接不同領域的智慧與資源，碰撞出不同凡響的創造力。   「2023台灣設計周」主視覺牆。 台灣設計周包含主題展、交流場與設計夜，「主題展」邀請54組台灣跨領域團隊、5組海外團隊推出期間限定創作；「交流場」舉辦12場國際論壇，力邀來自台灣、香港、美國、西班牙、日本、加拿大等9國，近70位跨領域專家接力開講，分享永續發展、智慧創新、AI 科技、人機互動、設計政策、城市設計指標、建築趨勢、城市美學等國際最新趨勢，論壇於松菸創意劇場舉辦，同時開放線上參與，打造今年台灣最盛大國際設計交流活動。 希臘新銳建築事務所P4 Architecture作品「化繁為簡」。 主題展 聚焦台灣設計跨界共生 由於永續發展是本次焦點議題，主展館隔間牆特別採用台灣團隊「好事交易所」利用海廢回收再生塑木及磁磚、充氣材等異材質打造，並邀請Studio HJL利用台灣原生種創作專屬台灣的地景裝置，另邀兩度獲得D&AD最高榮譽的 Bito帶大家進入互動式視覺感官體驗，令人引頸期盼其精彩呈現。 彈性橋接大廳。中央植物為藝術家廖浩哲以台灣原生種植物創作作品。 主展館以台灣設計產業中的微型團隊為主，討論台灣設計團隊靈活、輕便、可持續運用發展的共生（ Co-exist ）模式，展現兼具彈性與穩定性的另類動態結構。    A區：Small Leaf  植栽、創作、裝置  此區展出「受自然啟發」的作品，以大自然的形狀、顏色、氣味作為設計創作的靈感來源，引導作者與觀者思考人類與自然間關係，透過食物、植栽、雕塑、機械裝置等不同媒材，反思與感受自然所贈與人類的禮物。植物藝術家廖浩哲在展場中，以不同的台灣原生種植物堆疊出一座山形島。何理互動的「扉花」取材自南湖大山特有種，為極能適應貧瘠環境的南湖杜鵑，團隊以機械裝置幻化為機械花，映照台灣這座島嶼的堅韌特性。 何理互動「扉花」。    B區：Our Shrine  食物設計、自然建築、文化策展  B區展呈現「受人文啟發」的作品。「吃」不僅表現台灣人的文化精髓與常民生活，從設計角度來看，其實是心與體感的遊戲，展現議題的同時，亦表達人們信仰的價值，不管設計走得多前面，食物、自然與傳統文化將一直根植於心。曾代表台灣策畫威尼斯雙年展台灣館的自然洋行，展出從牛奶瓶罐再製而成的馬桶浮球，玩味消化系統的隱喻。 無礦作品（前）、自然洋行作品「浮球」（後）。  C區：Cram-school for fun 平面、生活美感提案  填壓式教育是島嶼成長共同記憶之一，不過現今台灣教育已趨向多元、去中心化。平面設計與生活提案設計在此除了扮演媒介以外，也具引導與溝通功能，從閱讀、行為藝術和豐富作品展示形式，為觀者展開新視角。 PROJECTbyH.無構藝文創作「一塊布料創作的衣服」。 在紐約創立、於台灣茁壯的雙人組合PROJECTbyH.無構藝文創作，以一塊布創作出一套衣服，呈現材料原始樣貌，減少過度加工產生的污染與碳足跡；美感細胞號召設計師重新設計教科書。 美感細胞「教科書設計改造」。  D區：Material Island 材料、建築、空間設計  從建材的觸感、特性到平面設計圖，人造結構/建築是材質與人類感知的橋接會合處，是設計師眼中每一次的天人合一；同時也邀請觀看者透過設計產業中的材質運用，開啟環保意識，並重新發現島嶼上的文化與傳統製造產業歷史。春池玻璃帶來玻璃磚、小智研發帶來回收材料打造的模組磚、Verde帶來花蓮蛇紋石製成的淺盤與擴香座、伊日好物帶來石門水庫淤泥製成的器皿。 小智研發 回收玻璃磚（前）與春池玻璃磚（後）。  E區：Imagination Cloud 多媒體、互動裝置  台灣新媒體創作團體與藝術家，代表了一股原生又充滿爆發力的年輕力量，裡頭充滿嶄新的提問與要求、對技術開發的渴望、內容創作的實驗精神和對自身文化的回望，而觀者時常能從創作者的作品中獲得啟發。金馬視覺團隊Bito特別為台灣設計週製作多媒體互動裝置「What is your belief？」，透過與觀眾互動，表達設計不只是表象，更是深度傳達的信念。   Bito作品「What is your Belief？」。  F區：Gear Base 選品、公共服務創新  選品與設計二不可分，過程中創作者們帶出文化物件中縱向累積的珍貴傳統，同時也激發橫向、有機的美學新風潮。從器物、身體之於公共生活空間，將美感議題融入日常，而城市生活的重要場景「公共區域」，亦是設計策略大展身手所在。台灣在地流石五金選物，引進世界各地五金，橋接台灣美學與世界美學，綻放衝擊所帶來的火花；台灣設計研究院近年媒合多組設計團隊，改造台灣公共服務空間，包括改造台北捷運中山站、為航港局藍色公路打造全新海洋運輸品牌「TAIWAN Hi」，以及「學美．美學」校園環境美感改造，讓美感教育從校園生活開始。   台灣設計研究院公共服務設計再造案例。 超連結展區 期間限定國際創作 為強化與國際藝術設計社群的連結，特邀5組來自墨西哥、泰國、德國、希臘的海外團隊，在松菸推出期間限定創作。德國團隊raumlaborberlin熱衷限地創作，時常選擇在非傳統場域舉辦對談，創作取向關心社會議題，是當代建築學與城市規劃的重點策展團隊，本次邀請4位在柏林從事城市設計和行動主義領域來賓，在松菸巴洛克花園上演跨國線上「戶外脫口秀」，為觀眾帶來週末限定設計Talk！ 德國設計團隊raumlaborberlin 「Freezing talks about hot topics」。 而泰國團隊PAVA & Mo以台灣紅到泰國的珍奶和麻辣鍋為靈感來源，運用陶藝創作送給台灣的地景裝置，呈現台泰友好的美好情誼。 泰國新銳建築雙人組PAVA _ Mo地景裝置「禮物·當下」。 墨西哥設計團隊Estudio Estudio「彈性界線：聲音地景裝置」。 特別的是，本活動與Giloo紀實影音合作舉辦線上影展，即日起可隨時上線觀看主題選片；同時與博客來合作「主題書展 feat.開箱設計師書櫃」，由本屆策展人及參展團隊一起打開他們的書櫃，分享推薦書單。即時預訂都會享樂FunNow推出「台灣設計週手作專區」，並與Open House Taipei打開台北跨界合作，12月3日至12月9日將再次打開台北城市裡的32個風格迥異空間。 2023台灣設計周 時間」2023年12月1日至12月10日 地點」松山文創園區 更多活動詳情請見>>「2023台灣設計週」社群平台（Facebook、Instagram ）   資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」林靖諺  

FENDI Casa旗艦店外立面設計沿用米蘭旗艦店的裝飾細節。   來自羅馬的Fendi Casa致力在全球融合傳統文化和創新理念，品牌與Design Holding合作共同創建Fashion Furniture Design（簡稱FF Design），最新旗艦店近日於上海靜安區揭幕。瞄準當地商圈融匯傳統中式風格與現代都市活力，FENDI Casa期望在此打造一個兼具品牌價值觀念、歷史淵源和獨特精神的特色空間。   FENDI Casa旗艦店選址於上海靜安區的核心商業區，眾多知名國際時尚和設計品牌在此雲集。   旗艦店由FENDI室內建築師和室內設計師團隊以及品牌藝術總監Kim Jones、Silvia Venturini Fendi和Delfina Delettrez Fendi共同操刀，外立面以墨黑雙條背景反襯雪白logo，兩側分別由寬大的落地式玻璃櫥窗向外延展，採用仿羅馬建築式的輪廓，結合Arabescato Vagli大理石裝飾柱和地板，沿用全球FENDI和FENDI Casa精品店一貫的鮮明風格。 Toan Nguyen的作品Totu桌，石英桌面配柔和粉色盡顯典雅；出自Cristina Celestino之手的Ottavia桌椅，以及Dimore Studio的得意之作Icaro漆面餐桌。   踏入店內，一樓分別以三個生活體驗區展示全新系列的核心作品，室內陳設經Silvia Venturini Fendi的創意鋪陳，並呈當代設計師的特色家具，百家爭鳴亦相輔相成，盡顯品牌產品活潑多元的特點。   Groove & Groovy扶手椅，由Toan Nguyen設計，彰顯復古與未來主義風格，由醒目的黃色長毛羊皮製成，兼顧現代氣息與舒適質感。   空間裡，大片玻璃窗引入自然採光，室內各種風格的沙發、座椅以及書櫃和餐具櫃陳列，以溫暖色調與精工質地展現豪邸般的優雅氣息，細節可見帶有FF Logo的皮革把手，是對FENDI皮革產品的致敬。   Cleo單椅，由Marcel Wanders工作室構思，從FENDI品牌在服飾上的創意和卓越汲取靈感，真正濃縮了精緻典雅的設計。Arches餐桌，以整塊大理石製成，桌腿部分標誌性的拱門形狀吸人眼球。Matrice書櫃，玩轉玻璃隔板的和諧微妙差別，由Dimorestudio設計，表現FENDI不拘一格的時尚意趣。   臥室區域設置灰黑條紋相間的雙人床和邊櫃，以不同家具的功能定義場域情境，遊逛賞覽都值得細看，像是：Totu餐桌的石英桌面配柔和粉色營造出典雅氛圍，Icaro運用FENDI的經典橙色將訪客目光引入家飾區，各式FENDI Casa精選系列的餐桌配件、蠟燭和禮品，以實物演示如何點綴生活意趣。   Peekasit座椅系列，由Controvento設計，從著名的FENDI Peekaboo手袋中汲取靈感，結構柔和宜人。   眾多設計師作品展呈於二樓的開放式空間，包括Gran Pliè沙發和扶手椅搭配Metropolis咖啡桌，以及Chiara Andreatti沙發在2017年邁阿密設計展上的全新演繹款，現場可見Welcome!沙發與Selbit抽屜櫃相得益彰。   Totu流線型沙發設計簡約、比例優雅，展現Toan Nguyen富有表現力的理性主義手法。點綴FF標誌的裝飾細節。   採用懸浮設計的Totu床用不同視角重塑休憩區概念，該設計師的另一傑出作品Groove & Groovy扶手椅也實境展呈，鋪陳令人沉浸享受的居家角落。旗艦店每個空間均有FENDI Casa的系列燈具，款式別致多樣的燈飾設計成了空間溫暖而美麗的點綴。   FENDI Casa發起Peekasit巡迴之旅項目，旨在重要的國際城市中展示由Controvento工作室Peekasit扶手椅。   此外，備受矚目的「Peekasit之旅」亦隨之登陸上海，它取材自FENDI標誌性的Peekaboo包款，採用FF緹花摩卡色天鵝絨面料，飾以撞色縫線的柔軟象牙白皮套，一如精緻優雅的空間背景。   個性化的空間陳設傳達FENDI Casa融合傳統與創新的品牌精神。   FENDI Casa上海店融合時尚、建築、匠心和工藝，以華麗典雅的空間氛圍回應所在城市之氣質，店內呈現完備的產品選項，讓精緻優雅的大小細節觸動情感連接，處處誘人放慢腳步靜心品味，為精品家具收藏者打造難忘的賞物情境。   資料及圖片提供」FENDI Casa 編輯」江瑜