誠品畫廊2023年壓軸展覽「幾米個展」，共展出14幅油畫與多件紙上作品，均是幾米為本次個展量身打造的作品，也是他首度正式發表油畫之作。國際知名的繪本作家幾米從小就喜歡畫畫，從文化大學美術系設計組畢業後，就到廣告公司上班，從而喜歡上插畫，便開始大量閱讀各種插畫與繪本作品自學。 誠品畫廊2023年壓軸展覽「幾米個展」。 從事繪本出版20多年的幾米深感，繪本不該只被當成兒童讀物，所以他致力於創作給不同年齡層讀者閱讀的繪本，還創造出成人繪本的新類型。至今，他已創作出逾60種作品，翻譯成20種語言，在世界各地出版近200本外語作品，也曾改編成音樂劇、電視劇、電影、動畫和VR互動作品等，除此，亦曾受邀至日本大地藝術祭和北阿爾卑斯藝術祭展出，立體作品也常見於國內外公共藝術、主題公園等。 展出14幅油畫與多件紙上作品。 擅長紙上繪畫的幾米，近幾年則專注於探究油畫媒材。2012年，幾米應邀為第49屆金馬獎創作主視覺，原本主辦單位只請他畫一張，幾米卻欲罷不能地交出三幅畫作，這也是他第一次公開油畫創作。 睽違10年，幾米再度執起油畫筆，除了維持一貫神祕與幻想、孤獨和溫暖等外界熟悉的「幾米風格」，也運用高彩度的顏色增添視覺層次的豐富性，並輔以顏料堆疊的厚實感來營造深邃的意境氛圍。  幾米運用高彩度的顏色增添視覺層次的豐富性，並輔以顏料堆疊的厚實感來營造深邃的意境氛圍。  兩年間他一共完成了49幅畫作，分別使用油畫和壓克力顏料，在紙上或畫布上馳騁天馬行空的想像，這次個展從中精選作品展出。幾米自承，為了準備這次個展，從創作構思到媒材探索皆費盡心思；而在個展開幕前一週適逢他65歲生日，讓這次個展更別具意義。 和繪本一樣，幾米的油畫即使是單一畫面，也蘊含豐富的想像力和故事性。 和繪本一樣，幾米的油畫即使是單一畫面，也蘊含豐富的想像力和故事性。畫面中多半只有一位小男孩或小女孩，或被錦簇花海圍繞，或置身在深幽森林，或者佇立在潮起潮落的海岸邊，甚至是落葉滿地的乾涸泳池裡等，孩童的臉上沒有展露明顯的情緒：有人雙眼緊閉像在夢遊，有人對外界投以好奇探詢的目光，有人塗著像默劇演員的白臉等，他們像是心理學家稱之的「內在小孩」：大人們內心存在的兒童人格，而幾米認為，每個人都是這樣獨自地面對複雜難解的人生課題。 左：《翻滾吧，森林》，右：《獨木船的花花世界林》。 《翻滾吧，森林》是這次個展的起始之作，在森林的羊腸小徑上，雙眼緊閉的小男孩踩著紅球，一旁有個迷你房屋冒出白煙裊裊，樹木枝幹的顏色豐富，森林予人多彩、明亮的視覺感受。 左：《獨木船的花花世界林》，右：《我和雨下了一場花》。 《我和雨下了一場花》穿著泳衣的小女孩，手中抱著一只魚缸，站在堆滿落葉的泳池角落，她的頭上有朵茶花綻放，充滿期待與生機。 《大象狂想曲》是展覽中尺幅最大的畫作。 《大象狂想曲》是展覽中尺幅最大的畫作，在舞台聚光燈投射下的大象身軀色彩繽紛，和孩子一起演出馬戲節目等。縱使人生而孤單，觀眾從幾米的畫作中也能感受到不言而喻的溫暖，和面對生命悲喜的微小勇氣。更多內容請見>>>誠品畫廊 展覽資訊 展期」2023年11月25日至12月30日 地點」誠品生活松菸店 誠品畫廊（台灣110台北市信義區菸廠路88號B1） 開放時間」週二至週六11：00～19：00（日、一休館） 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」歐陽青昀

2023臺北美術獎於近日揭曉，此次吸引227件作品參賽，並經歷層層考驗，最終選出9組作品從中脫穎而出，由國美館研究人員黃舒屏作為評審團主席，並邀請張世倫、林昆穎、莊偉慈、朱盈樺、蕭淑文、廖春鈴等人擔任評審委員。陳肇驊以作品《在 下圭柔山》獲得本屆首獎；吳瑋庭、陳姿尹榮獲優選；李立中、吳家昀、莊培鑫、彭思錡、彭韋、賴俊廷等6組得入選獎。 貴賓與參展藝術家合影。 臺北市政府文化局局長蔡詩萍表示：「本屆參賽者多數相當年輕，每位藝術家透過不同媒材展現對世界的看法，為我們提供新的視角，這讓我想起遠古時代人類於洞穴留下壁畫的故事，而我想無論是一萬年前或是一萬年後，創作的心靈都是一樣的。在此特別祝福各位，我們會在未來想起：人類的了不起是因為有藝術家獨特的創作！」   臺北美術獎得獎作品  首獎  在 下圭柔山 / 陳肇驊 陳肇驊常以改裝工業產品或自製機器描述環境或體制樣貌，此次改造除濕機的核心結構，於其上焊接一棵銅製的姑婆芋，並利用原本機器的特性使之結霜；透過在日常中所累積的生活經驗發現矛盾，尤其聚焦在人與自然的矛盾關係，是陳肇驊一直以來特別關注的面向。   評審團認為，藝術家以如實的生活狀態，回應其所面臨的創作境遇，冷冽頹廢的外在，隱藏著對於創作不放棄的真摯與熱愛，如此心境體現於他在工作室重現搭建的細節裡，像是改造、自製一台反映時代聲音嗡嗡發響的壓縮機、逐漸在環境或機制的因素下結霜的姑婆芋、漸漸蔓延的壁癌、以及在創作汗水勞動下逐漸頹喪但仍奮起發動起嗡嗡聲響的自己（藝術家）。作品真切而細膩表達了藝術家在創作過程中與工作現實交疊糾纏的狀態，作品細節充滿感性張力。    優選  日常雜訊──錯覺層次 / 吳瑋庭 起源於人們因虛擬訊號的增長，而逐漸喪失對於現實空間所牽動的場域感知。藝術家創作似是而非的關係物件，透過視線景框的層次突顯情境重點，並以悄然的氣味建立物件與環境間的聯繫，以破除界線的方式，試圖呈現一種與物共在、無法置身事外、無可取代的「現場」，提示生活是建立在龐大的物象數據滲透所渲染的體驗。   像素延伸 / 陳姿尹 作品探討影像的構成與AI技術等後製工具，以及影像經後製反致愈加遠離真實，有意義之物可能會在無法預測的技術下被消弭。觀看像素構圖或雜訊圖案，人們經驗了當中的虛實矛盾，安立又或許不安，並持續探索更多的未知可能性。   本屆參賽作品平面類佔總數33%、立體類20%、影音複合媒體類25%，其他類別22%。「臺北美術獎」鼓勵具獨特性且富有時代精神的藝術之作，為北美館鏈結台灣藝術生態圈的重要管道，本獎項持續觀察展覽趨勢觀點，提供當代創作者具能見度的發聲平台，進而促動藝術生態開展多元向度。 2023臺北美術獎 Taipei Art Awards 2023 時間」2023年11月4日至2024年2月18日 地點」臺北市立美術館3A、3B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館、各藝術家 編輯」林靖諺    

金點設計獎作為推廣台灣優質設計，並帶動產業重視設計價值的重要獎項，每年除了透過頒獎典禮表彰優秀的設計師與業者，同時舉辦金點設計展，展出當年度得獎作品，推廣來自台灣及世界各地的好設計。 2023金點設計展。 「2023金點設計展」由新銳策展團隊極製設計所操刀，以「超維增生」為主題呼應今年頒獎典禮的主題–「超能負荷」，象徵當今設計人在面對更龐大、複雜的種種挑戰下，不斷突破框架、超越自我的創新精神；透過充滿想像力的空間體驗，展出本年度精選的百餘件得獎佳作。 策展：極製設計、主視覺設計：楊士慶 。 策展人游麲說道，當代設計的跨領域合作已是必然且重要的趨勢，設計師們不僅要精通自己的專業，更需要擁有開放的視野，與不同專業協作產生獨特觀點與創新方法，而「超維增生」正是象徵著設計突破單一框架與現狀，透過跨維度的想像與溝通，觸發產生無限創意的可能。 透過充滿想像力的空間體驗，展出本年度精選的百餘件得獎佳作。 為呈現主題概念，策展團隊以線、面、體的空間元素，透過疊加增生的設計手法，將三個展間抽象化為創意迸發的現場，營造沉浸式的空間體驗，期望觀眾在虛實感交錯的場景中，也能獲得靈感的啟發。展覽共分成三個展區，並以關鍵字作為觀展索引。 以線、面、體的空間元素，透過疊加增生的設計手法，將三個展間抽象化為創意迸發的現場，營造沉浸式的空間體驗。 第一區：#未來遷徙、#人機共創 01展間 展出當代移動解決方案與跨域共創的智慧產品，展場以線性規劃，從展品的擺設、觀展動線、展間設計與燈光都以線性元素帶出空間的方向與位移感。 第一區，展出當代移動解決方案與跨域共創的智慧產品。 第二區：#跨維對話 藉由在空間中創造出各式大小、錯落有致的框景，形成開啟對話框的意象，以靜態及動態影像，呈現跨界溝通合作下的傳達、空間與整合設計類的精彩之作。 第二區，呈現跨界溝通合作下的傳達、空間與整合設計類的精彩之作。 第三區：#在地增生、#超維風格 從桌面展示疊加陳列層次，突顯由台灣本土元素、地景或結合產業轉型的設計巧思；並聚焦具有獨特美學或機能創新的日常物件，勾勒出令人嚮往的未來生活場景，體現設計師們的創造力。 第三區，突顯由台灣本土元素、地景或結合產業轉型的設計巧思。 此外，在各個展間中，亦能發現具備「永續質感」特質的作品穿梭其間，傳達出永續的思維與實踐，不僅可以是美與質感的表現，更是當代各領域中的核心價值。  營造沉浸式的空間體驗。 2023金點設計展「超維增生」  時間」2023年11月32日至2024年3月17日 地點」台灣設計館 01、02、04展間      資料及圖片提供」台灣設計研究院  編輯」歐陽青昀

由臺北市立美術館主辦的台北雙年展自1998年創辦以來致力推動臺灣當代藝術的發展，並透過多元文化觀點積極參與亞洲乃至全球當代藝術網絡，建立促進本地和國際藝術社群互動與交流的平臺。 「2023台北雙年展：小世界」主視覺。設計：Wkshps（紐約）。圖像由臺北市立美術館提供。 第13屆台北雙年展於2023年11月18日至2024年3月24日盛大展出。本屆以「小世界」為題，邀請臺灣獨立策展人周安曼（Freya Chou）、貝魯特當代藝術中心總監及策展人莉姆．夏迪德（Reem Shadid）和紐約資深作家與編輯穆柏安（Brian Kuan Wood）以有機協作的方法共同策劃，匯集來自20多個城市共58位臺灣及國際藝術家、音樂人，透過個人生命經驗與美感知覺，將北美館轉化為一個聆聽、聚集與即興創作的空間。 王衛，《鏡子》，2023，馬賽克磁磚，1600×400×30公分。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。 臺北市立美術館館長王俊傑說道：「今年，世界逐步從疫情風暴中復甦，人們從被限縮的日常生活重整觀看世界的方式。台北雙年展作為臺灣與全球當代藝術接軌的重要平台之一，試圖以嶄新的思維，引導觀眾從小世界中見微知著。今年適逢北美館成立四十週年，更是積極推動臺灣藝術與國際鏈結的可能，希冀藉由本屆多元開放的作品及公眾計畫，與來自各地的觀眾增進交流及對話的動能。」 賴志盛，《2B205》，2023，複合媒材裝置，尺寸依場地而定。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。2023台北雙年展委託製作。 我們存在的「小世界」 在印度北部賈郎達爾（Jalandhar），累積數十年的空氣污染，因為封城、工業生產的停擺，當地居民意外得以清楚看見鄰近的喜馬拉雅山，這群峰乍現的美景反映出許多人在疫情封控期間的深刻體悟：在一個日益縮小的世界，原來近在身邊的事物也可能顯得陌生。  唐納天，《漫遊微觀宇宙》，2023，複合媒材裝置：工事用砂、鍍鋅鋼板、顏料染色的水，尺寸依場地而定。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。 「小世界」一個看似簡單的詞，實則蘊含錯綜複雜的面向，它展現了希望、承諾，卻也同時暗藏某種懼怕及不安；希望能對自身小我的生活擁有更全然的掌握權，卻也懼怕被孤立於大我的群體之外。當世界在尺度上縮小時，可以拉近彼此的距離，但當人與人之間相互疏離時，世界在情感層面上也變得渺小：「小世界」就懸浮於這樣相聚與分離的狀態中。 艾德加．阿瑟諾，《剝鏡 #59》，2023，硝酸銀、壓克力顏料、紙、鏡子、畫布，274.32×1100×9.52公分。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。 三位策展人表示：「現在是我們重新審視疫情經驗並重新構想我們與外部世界的關係的最佳時機。希望所有觀者都能在這個小世界裡探索並找到與他們自己相應的位置。」希望邀請觀眾一起探索歷經巨大災變後迎來的集體智慧，以及重整自身與周圍環境和人事物之間的關係。 阿迪亞．諾瓦立，《亞洲(虛構)房地產計畫》，2023，木材、樹脂、鋁、鋼鐵、銅、壓克力板、布、133個LED三角旋轉盒，380×25×180公分。圖像由藝術家、雅加達ROH畫廊及臺北市立美術館提供。此作品的展出呈現由雅加達ROH畫廊贊助。 本屆雙年展以多重面向的方式呈現，涵蓋生命經驗、生態學、文化、經濟和政治層面，從參展藝術家與音樂人自身私密的情感及生活環境為出發，繼而對全球當代社會所面對的問題進行詰問。匯聚120多件作品，展出包括19件全新創作和委託製作，以及一系列的聲響、動態影像、攝影、錄像、繪畫、雕塑和裝置作品等。 蘇詠寶，《書的形狀》，2023，草本植物，尺寸依場地而定。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。 其中，位於地下樓展廳的「Music Room」，著重於人與人之間的情感交流和互動，從2023年12月起至2024年3月，將由dj sniff、朱利安．亞伯拉罕 （「多加」）（Julian Abraham‘Togar’） 與Wok the Rock和聽說三組音樂及聲響創作者，舉辦聆賞會、駐地研究與創作、錄音實驗、即興演奏和音樂編曲等公眾計畫。 「2023台北雙年展：小世界」藝術家許村旭及娜絲琳．寇德展區一景，。臺北市立美術館提供。 2023第13屆台北雙年展「小世界」 時間」2023年11月18日至2024年3月24日 地點」臺北市立美術館        資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」歐陽青昀

有序生活製作所位於台中市西區，是一間2023年成立的室內設計品牌，設計重點關注於生活細節與構造本質，並以此衍生空間秩序與構成樣貌。設計師提到，由於他本身也居住、生活於台中市西區，非常喜愛當地便捷且豐富的機能，便將公司擇址於此。 繼承了前任租客留下的玻璃隔間與夾板櫃體，並從中爬梳屬於設計團隊的空間脈絡和工作秩序。   剛創業的公司，經費的拿捏會是首要考量，如何在有限資源中發揮理念，成為設計師思索與切入的重點。剛好辦公室的承租處有不少前任租客留下的夾板櫃體與玻璃隔間，遂延續此一空間架構，並從中梳理出自己與同仁的工作秩序；整體氛圍注重工作的舒適性，對於家具與擺設等面向則以輕鬆為主，期待創造自由無拘束的居家氣息。 松木夾板架起了辦公室的主要畫面，搭配上同色系胡桃木地板，形塑一致和諧的調性。   針對辦公室的平面布局，設計師提到，空間主要劃分為兩大區，分別是會議接待與同仁工作區。 主要劃分為工作區和會議室。家具軟裝上注入了設計師喜愛的綠色調，讓整體視覺效果更為活潑。 兩大場域訴求穿透連接的同時，也需保留一定程度的分界感，可自由開闔的窗簾成為效果絕佳的隔間方法；簾子布料選用的磅數則剛好能隱隱透出背景光，整圈拉滿時也不至於令人感覺封閉。 利用磅數足的窗簾滿足場景轉換的需求，藉此取得開放與隱私之間的平衡。   設計公司總是念舊且喜新，選材上延續空間既有脈絡和語彙，沿用現場原有的松木夾板與黑鐵，並配搭上同色系的胡桃色地毯、胡桃木地板；亦置入設計師喜愛的綠色系建材，如辦公桌面的毛氈綠板材及墨綠色簾子等，讓室內調性更為活潑有朝氣。 工作上需接觸大量材料，這些物品辦公室成為最獨特的背景。   設計公司總是零碎而繁瑣，設計師一一盤點所需機能，例如集線器、走線槽、出線孔、主機架、置物鉤、面紙盒等，並以一套辦公桌的模組系統架起了6位同事的日常；考量到日後組織結構的變化性，設計師先預留了7至14人的工作面積，現階段設定為休閒區，彈性預留辦公室的可變性。 設計師盤點所需機能，將其整合於辦公桌系統中。   談及室內的燈光布局，設計師說道，每天工作皆會接觸大量材料，因此燈光的演色性和色溫十分重要，辦公區域主要設定Ra90/3000k，會議區則為Ra97/4000k，藉由光源差異無形表現場域分界，企圖令同仁在輕鬆的環境中工作、在專業的場合裡進行會議。 會議區。以Ra97/4000k的光源設定，突顯場域的專業度。   這個辦公室裡頭的一切雖然細碎、繁複卻充滿秩序，是「有序生活製作所」最真實的模樣。 有序生活製作所 設 計 者」有序生活製作所 攝 影 者」林科呈 面    積」30坪   有序生活製作所成立於2023年5月，設計重點關注於生活細節與構造本質，以此衍生各種尺度的構成秩序與空間樣貌，同時重視當代設計方法與工作方法的演進、積累與優化，以專業、計畫、信任，建立設計的行業價值。     資料及圖片提供」有序生活製作所 採訪」陳映蓁

由JOSUIa策劃的選品展《Bilberry Fields Forever野生藍莓的孤獨不寂寞》，正式宣告芬蘭實木家具品牌NIKARI進駐台灣，並聯手燈具品牌KIMU柒木，共同於大稻埕的百年街屋中舉辦體驗展。   《Bilberry Fields Forever野生藍莓的孤獨不寂寞》展場空間。 芬蘭品牌NIKARI以高品質手工實木家具聞名，品牌主張「運用在地木材製作精緻家具」。JOSUIa複合式選品主理人黃柏菁表示，展覽靈感源自在芬蘭生活的經驗，當地的自然、光線、生機、氣息，予人撫慰心靈的安定感，後來因緣際會認識了芬蘭品牌NIKARI，親身感受其家具線條、自然質地與人體工學考量的細膩度，讓人在使用當下身心都享受了寧靜與滿足，決定引進這個動人品牌。   《Bilberry Fields Forever野生藍莓的孤獨不寂寞》展場空間。 《Bilberry Fields Forever野生藍莓的孤獨不寂寞》體驗展的靈感來源取自1967年披頭四樂團（The Beatles）發行的經典單曲⟨StrawberryFieldsForever⟩，當時年亦適逢木藝大師Kari Virtanen在芬蘭創立NIKARI，芬蘭森林隨處可見的野生藍莓一如NIKARI作品散發的自然純淨，並呼應披頭四樂團「草莓地」所象徵的兒時家園與成年人的心靈歸屬，因而以此作為展名。   《Bilberry Fields Forever野生藍莓的孤獨不寂寞》展場空間。 正如北歐予人遠離世俗紛擾、寧靜悠然的氣息，展場擇址於台北市大稻埕建於1919年的百年街屋空間，並與燈具品牌KIMU柒木共同建構悠然情境。現場精選展品包括NIKARI經典之作「December Chair」與年度新品、KIMU柒木的「紙牛奶燈」與「扇變屏風」獨家配色款。   《Bilberry Fields Forever野生藍莓的孤獨不寂寞》展場空間。 展覽以1967年作為靈感延伸至空間、家具、聲音、美食與文學，建構出五感體驗的完整情境，觀眾能閱讀獨立書店「詩生活」的選書，聆聽詩集裡夾帶的JOSUIa選歌書籤；或是置身於角落空間或穿梭幽然小徑，感受空氣裡淡淡的木香，浸於詩意的光線層次裡，在散步、停駐之中打開感官，選擇喜愛的位置感受家具質地，閱讀詩集、聆聽選曲，享受與自我對話的美好。鍾情北歐寧靜優雅氣息的追隨者，不妨把握與NIKARI的近距相遇的機會，細味來自北歐的木藝詩境。   KIMU柒木新品牛奶燈，融會了東西之美。 芬蘭品牌NIKARI由木藝大師KariVirtanen於1967年創立，品牌主張「運用在地木材製作精緻家具」。 NIKARIXKIMU芬蘭品牌體驗展《Bilberry Fields Forever野生藍莓的孤獨不寂寞》 日期」2023.11.11（六）－2023.11.19（日） 時間」每日11:00-19:00 地點」台北市大同區迪化街一段142號2樓（Olympus Plaza Taipei大稻埕旗艦店）    資料及圖片提供」JOSUIa複合式選品 採訪」Sumile  

雲林最大場策展活動「The MEGA Yunlin雲林厚工學」將於2023年11月18日至12月3日在北港1911好庫文化產業園區登場！北港1911好庫文化產業園區前身為北港糖廠，自2005年關廠沉寂18年後，以文化資產身分再次重生，更透過「雲西文化觀光遊憩廊帶營造計畫」，展現軟硬體再造活化成果。 雲林厚工學主視覺。   雲林是台灣的農業大縣，在傳統產業、宗教文化及其相關連帶之工藝成就，經過長時間淬鍊、積累，進而薈萃出多元文化與在地元素，醞釀出現雲林獨有的風情。本展將完整論述雲林縣在台灣多種產業的重要發展性，及所挾帶之在地文化、族群、信仰等多元價值及特色資產，期待激盪出更多新舊交融的風采，成為各種社會創新實驗與實踐的潛力基地。 以傳承、創新、融合探究雲林在地文化與風采。   展名的MEGA諧音「眉角」，象徵著雲林的巨大能量，職人們精心對待每一個小眉角，造就出豐裕的雲林厚工學，從「傳承」、「創新」與「融合」的脈絡中規劃了九大主題展覽，以五大學策展內容講述厚工學的極致，邀請大眾一起探究雲林蘊藏的無限美好，體會每一個眉角所淬煉出的力量。 展場布置。   農業學：在餐桌上與雲林相遇 雲林農業至今已有百年的發展，農業產值為全台最高。空間中展示雲林特色農作，呈現農作土地造景意象，並於動線中介紹雲林每一鄉代表的特色農產品。而「輸送帶」造型平台的數位投影帶出各式農產特點故事，一路至數位餐桌，象徵從產地到餐桌的概念。 農業學展區。   神工學：開箱傳統宗教工藝藝術 將展間分為廟宇裡的工藝及藝陣中的工藝。透過藝師們平時使用的材料、工具、成品與影音資料和策展團隊整理出的知識，讓民眾感受傳統工藝之美，也能從中感受每項工藝藝術的「厚工」。 神工學展區。   共享學：共創共享雲林美好 展場以好物分享及看見雲林在地產業及技藝的發展特色切入，透過展示的物件及作品看見背後的職人精神，發掘從青年返鄉傳承家業、留鄉為這片土地創造更多價值或從外地移居雲林創業的故事，並拍攝訪談影片深入介紹職人與雲林的關係。 共享學展區。   觀光學：探索雲林風土人情 展區內容分為三大主題「與海」、「與人」、「與山」，分別介紹西部靠海、中部平原、東部倚山的自然風光與人文景致。空間設計則分為三個部分：在入口及出口處以大面積的造景帶領觀眾走進雲林的海與山，空中造景垂吊當地的物種，如烏魚、黑面琵鷺、八色鳥等，表現雲林的生態；展場中間以三座環形展示牆結合展台介紹人文：宗教、糖鐵、特色建築。整體展場規劃扣合三橫三縱四角觀光系統意象，讓觀者了解各地特色。 觀光學展區。   未來學：建構智慧安居的雲林 未來學以樹作為意象，展區的樹根據內容生長成不同的型態，以「生產」、「生態」、「生活」三大主題涵蓋全面向的雲林生活，了解雲林在「智慧經濟」、「低碳永續」、「安全健康」、「共融發展」等四大主軸，除了思考解決當下的問題，同時也追求創造一個最適合人們宜居的城市。 未來學展區。   資料及圖片提供」The MEGA Yunlin雲林厚工學 編輯」陳映蓁

Piero Fornasetti，被全球譽為義大利最具影響力的藝術和設計權威。他對多樣的藝術領域—無論是繪畫、雕塑或室內設計均有深入的涉獵和卓越表現，累積了超過上萬件的傳世之作。 義大利頂級品牌Fornasetti擁有完整的家居系列品項。   其中，他對歌劇女伶Lina Cavalier的詮釋，更成為Fornasetti品牌的經典代表，這系列的作品流露出他源源不絕的創作靈感和非凡藝術觸覺；此外，Fornasetti的作品也深受古典建築、自然界如蝴蝶、花卉、魚群、動物和太陽星系等元素啟發，使其成為了品牌的特色和獨特的繪畫主題。 Fornasetti的經典代表－歌劇女伶Lina Cavalier。   Club Designer帶來Fornasetti經典展品 而台灣精品指標選物店Club Designer不僅是一間選品店，更是探索全球設計之美的傳道者，團隊持續尋找和引進最獨特和最新的品牌及產品，體現其卓越的品味和先見之明。 Fornasetti作品展現非凡的藝術質感。   作為義大利頂級品牌Fornasetti在台灣的獨家代理，Club Designer近期盛大開展《A Genuine Conversation玩味交流盛宴》的義式下午茶藝術展，展出Fornasetti Profumi今年發表的三款香氛系列：「Architettura」、「Farfalle e Balaustra」和「Peccato Originale」；此三系列彰顯了Fornasetti獨特的藝術風格，巧妙地將裝飾藝術與香氛融為一體。全新香氛的調配靈感源於Fornasetti家族庭院內的水果植物，以此調配出三款充滿地中海氛圍的香氣，引領人們進入一場超脫於時間與現實的沉浸式香氣之旅。 全新香氛系列「Architettura」。 全新香氛系列「Farfalle e Balaustra」。 全新香氛系列「Peccato Originale」。 此外，現場亦展示Club Designer多年收藏的畫作、家具，以及知名的亞當瓷盤套組。這套瓷盤組共12件，是Piero Fornasetti於1950年代所設計的品項，瓷盤用轉印圖像呈現經典的亞當形象。 經典亞當瓷盤套組。 Fornasetti更將精湛且多樣的藝術手法轉化為各種家飾物件，例如桌椅、櫥櫃等，每件作品都在米蘭的工坊手工限量製作，從細緻的雕刻到精緻的上色，在在突顯無可比擬的藝術品質和珍貴感。 以手工絲網印刷和細膩彩繪打造的紅唇餐椅。   Club Designer期待能將Fornasetti完整的家飾系列介紹給每一位眼光獨到的藏家，讓藝術和生活完美融合。     資料及圖片提供」Club Designer 編輯」陳映蓁

入口處以大量紙燈、竹編屋頂和花藝大致向來賓即將進入的空間內部基礎色調。 源自日本的傲鰻，素以遵從關西傳統烤鰻技法的鰻魚飯傲視群倫，從創立之初始終堅持嚴選食材與極致呈現，品牌在北京建立的分店延伸此項精神，建立與之相配的空間，讓食客在品嘗珍饈的同時，可以沉浸感受孕育出如此絕味的風土民情。   燈造型細部。 設計師追溯關西的文化發源地，以京都為發想，汲取其神社、佛閣、庭院和繪畫等等諸多意象，結合對傲鰻的理解，從空間結構、建材運用到場景塑造，恰如其分的融合美食、文化與設計，以物質將傲鰻的品牌精神具體化。 設計師應用建材原生的紋理，並以由下往上的打光低調呈現，呼應傲鰻以傳統手法呈現食材原味的精神。 這間坐落在北京國貿CBD的餐廳以竹林為屏障，隔絕車水馬龍的喧囂，營造一個與外界暫時斷聯的場域，在屋內沉靜的光影間，炙烤引人垂涎的食物香氣，待人送入口腔；在味覺、觸覺和視覺多方交錯的美感中，帶領饕客跨越時空的藩籬，品嘗去蕪存菁的京都風味。 溫和安定的色調和大多取材自然的建材中，唯一的金屬裝置和粉白的插花，以質感和顏色形成顯眼但不突兀的視覺重心。   人工造景和自然環境的結合 設計師參考日本傳統建築理念「Teioku ichinyo 庭屋一如」的概念，將日式庭院的形式解構，化用在建築中。 在散坐區的榻榻米地板除了以線條與牆面做出活潑的參差對應，也與其他被劃分為「街道」的走道形成鮮明對比。 甫一入內，大堂宛如煙火般盛大的粉白櫻花盆景，與正上方懸掛的金色裝置互相呼應，成為整體色調偏暗的開闊空間中最為醒目的視覺焦點。此裝置以層層遞進、規模由大至小的方形金屬板組成倒掛的金字塔狀，以線條和燈光抽象描摹倒映在粼粼水光中的金閣寺，強調現代性的簡潔輪廓，佐以來自京都傳統的鍛金工藝，由自然紋理賦予古樸質地。 料理台邊的食具既是點綴，也記錄傲鰻製作食物的歷史，讓人在用餐時不禁神往新鮮食材蛻變為精緻料理的過程。 整體參照京都阡陌交錯的街巷格局，以規劃交通路線的思路串聯包廂和散座各自相異的用餐目的，在開放或隱蔽的不同場地間安排張弛有度的節奏，環繞料理台，走道寬度被精細控制在一人穿行自在、二人並肩擁擠的尺度之內。 不時出現在轉角或包廂內的綠植，和用料厚實考究的花器互相呼應，將人為的設計與大自然的清新感結合，於角落無聲帶動對日式庭園的聯想。 不時穿插的綠植和沈穩的陶瓷花器，結合人為設計的巧思和自然生長的特點，將熙來攘往的過客融入造景當中。 室外的植物藉由室外的自然光將樹影打在包廂中作為窗戶的杜邦紙上，有如水墨畫一般的風骨，和室內的綠植造景對照，別有一番意趣。 「紙」元素的多元化應用柔化了牆面對環境的切割，燈光與透過紙窗進入室內的自然光相溶，在有限空間內暈染生機和呼吸感，而大廳裡恰到好處的壁紙流露傳統紋飾風情，為整體氛圍更添人文氣息。 「紙」元素柔化了空間氛圍。 聯繫古今的文化符號轉譯 雕塑是以素雅穩重為審美基準的整體空間的角落意趣——五隻達摩不倒翁在走道盡頭堆疊成一方端景，作為日本最為受歡迎的吉祥物形象，達摩的憨態可掬和酒醉般顛倒的不規整形態，在走道嚴肅平整的框架裡輕巧地點亮來賓的笑容。 現代化的入口門框搭配拉門的結構，在節省空間的同時運用傳統建築的符號。 由藝術家為包廂量身打造的雕塑以童趣悄悄融入水墨般端嚴的畫面，讓人們跳脫高級料理餐廳帶來的拘束，回歸樸實的日常用餐。 料理台在作為隔板的玻璃前加上垂直向的木格柵裝飾，緩和了不同區域的材質過渡。 在空間裝飾方面，傲鰻沒有直接對日式傳統民居建築進行照本宣科的挪用，陣列式的門頭和內部垂直向的木格柵在在凸顯設計師化繁為簡的功力。 佈置簡潔的包廂呈現茶室般嫻雅的氛圍，讓身心一同隨之放空、放鬆。 用現代的設計語言解讀日式美學傳統，並非單純有樣學樣，而是深入觀察文化象徵的核心本質，才能取其精粹、加以在地化應用，構成精神上的新境界。 資料及圖片提供」FUNUN LAB設計研究室 撰文」江瑜