繼 2005 年「薇薇安．魏斯伍德（Vivienne Westwood）的時尚生涯」、2010 年「幻羽舞影－高堤耶與蕭畢諾（Jean-Paul Gaultier）舞台服裝展」後，台北市立美術館暌違12 年再度與英國維多利亞與亞伯特博物館（簡稱 V&A）合作，呈現其策劃的英國知名時尚設計師瑪莉官（Mary Quant）回顧展。藉由回顧瑪莉官職業生涯及其 1955 年至 1975 年間的代表作品，反映出 60、70 年代自由奔放的時代精神。展覽涵蓋超過 120 件服飾、時尚玩偶、化妝品、照片及時尚雜誌等原件，更展出其 14 歲時於素描本上手繪的洋裝， 完整呈現瑪莉官如何創造並定義往後數個世代的時尚風格。 瑪莉官與其丈夫兼商業夥伴亞歷山大．普倫凱特．格林，1960年。Courtesy of Terence Pepper Collection. ©John Cowa n Archive 展覽以「時尚革命者」定名，強調瑪莉官對於時尚及 1960、70 年代流行文化精神的重要影響，曾公開表示「時尚的要義在於為每個人提供潮服」，她不僅翻轉時尚的定義、挑戰巴黎高級訂製服的主導地位，也為戰後的女性確立新定位。 1950 年代女性開始大量投入職場彌補勞動力缺口，瑪莉官為各式職業女性設計適合工作、方便活動的剪裁，其作品中更時常將男性服裝元素、布料納入女性服飾中；她自身也以代言大使之姿穿著自己的設計，並趁勢運用當時消費與媒體的爆炸性增長，帶動了迷你裙、褲襪、背心裙等風潮，成為當時的創意領航者以及全球職業女性的楷模。 英國模特兒、歌手及演員崔姬穿著背心和短褲套裝，1966年。©Photograph Terence Donovan, courtesy Terence Donovan Archive. The Sunday Times, 23 October 1966 　　 展場設計 展出生涯 20 年精華 展覽設計以 V&A 的規劃為基礎，因應空間及各博物館屬性些微調整、發想，在北美館，展覽入口便設計成瑪莉官 1955 年開立於倫敦國王街的第一間實驗性服飾店「芭札爾Bazaar」的立面，邀請觀眾一同進入奔放的 1960 年代，搖滾樂、舞蹈、咖啡廳等文化興起，戰後年輕世代期望擺脫戰前的拘謹束縛，發展出自由、狂放不羈的時代精神，英國倫敦成為當時世界時尚流行之都，有「搖擺倫敦」之稱。 展覽入口模仿瑪莉官第一間實驗性服飾店「芭札爾Bazaar」的店面。 第一區主要介紹品牌的誕生，展出其早期創作，展現時尚如何從端莊賢淑的名媛訂製服飾進入後期更大膽、方便活動的設計，她常化用如領帶、西裝布料等過往男性專屬的服飾語彙，誇大演繹成輕鬆有趣的女裝，藉由時尚反諷階級與性別規則，並且由於年輕女性開始擁有自己的工作及收入，儘管要價不菲，仍舊風靡了自貴族、菁英至一般職場女性等各個階級。 第二展區則是品牌快速上升時期，瑪莉官進一步解放女性身體元素，除了男裝外，也翻轉了英國維多利亞時代的復古元素、並首度嘗試將 PVC 材質運用至服裝上，使其作品皆具有創新、顛覆的元素，受到英國媒體追捧，成為時尚新星。 1963-67「激進派」品牌線。 而隨著旅遊運輸革新帶來的蓬勃國際交流以及大眾傳媒的普及，瑪莉官的設計服飾也迅速風靡世界各地。第三區呈現她從英國開始，征服歐陸、並橫跨大西洋向美國時尚產業推廣其設計的時期。同時亦學習美國品牌量產的技術及商業模式，發展較平價的「激進派（Ginger group）」品牌線，以美國運動服飾單品為參考，採用「深紫」、「橙紅」和「灰褐」等少見色系提供無限混搭可能性，以有趣、前衛且較低價位的衣著改變時尚走向。   摩登風尚的終極 瑪莉官對於時尚的眼光也不僅侷限於服裝，她擴大品牌版圖，開始多角化經營，像是開發各式穿搭配件如顏色特異的褲襪、塑膠模製鞋、PVC 材質的包包等，以至於和玩具產業攜手創造黛西娃娃及迷你版瑪莉官服飾、家居飾品設計，以及經過多年研究後推出的美妝產品系列。利用高明的市場策略和高能見度的包裝設計，使瑪莉官成為最早也是最多元的生活風格品牌之一。 黛西娃娃身著迷你版瑪莉官服飾。 流行文化的發展與時代背景息息相關，經過 1950 年代的戰後復甦期，1960 年代經濟高度發展，音樂、時尚、藝術等各文化領域皆蓬勃發展，但進入 1970 年後半，經濟開始停滯，失業率及物價通膨逐年攀升，社會充滿不確定性。 到了 70 年代末，瑪莉官將品牌重心移往日本，逐漸淡出歐洲時尚精品圈，但對於許多歐洲女性而言，瑪莉官的時裝仍是她們少女歲月裡色彩最鮮明、狂熱奔放的一塊，V&A 在規劃英國首展時，便透過舉辦社群媒體活動，公開徵求瑪莉官時裝的影像記憶與個人故事，獲得眾多女性的響應，展覽中許多服飾、配件與照片，即是她們慨然捐贈或出借的珍藏。 「瑪莉官：時尚革命者」北美館展出現場。 身處一個爭取兩性平權之風勢不可擋的年代，瑪莉官以俐落不羈的迷你裙與長褲等，賦予女性果敢、獨立的自我風格；並以其投身工作、勇於冒險的行事作風，以身作則地實踐她對女性角色的理想與抱負。 瑪莉官與其商業夥伴預見視覺品牌及市場行銷在未來將佔有的優勢，在設計和零售上破舊立新、匠心獨具的眼光及作法，至今仍深刻影響著倫敦在設計與傳播領域中創新時尚教育的不敗聲譽，對於塑造英國今日在全球的時尚地位功不可沒；而她將時尚視為傳達新態度、想法與改變的管道，致力於創造兼顧平價與精緻，且令人穿起來感到快樂、自主、無所拘束的服飾，以此扭轉既定規則並探試各種性別角色和認同，更從而預示到未來世代享有的機會與自由。 「瑪莉官：時尚革命者」北美館展出現場。   瑪莉官：時尚革命者 | 英國倫敦維多利亞與亞伯特博物館—世界巡迴展 日期」2022 年 5 月 28 日至 8 月 28 日 地點」台北市立美術館 地下樓D、E、F展覽室 資料與圖片提供」台北市立美術館 撰文」林慧慈

你是否曾經想過，生活中使用後的水，都到哪裡去了呢？ 其實這些水，都跟著污水下水道進入處理廠，經過多重處理程序後，再生、放流、循環，並回歸生活，如此往復，便是全台76座公共污水處理廠終日不懈的任務。  為了讓大眾更加理解水、污水與日常之間的緊密連結，台灣首座污水處理廠的美學策展「NEXT WATER science gallery 流動的科學，不思議的水」於桃園文青水園水資源回收中心盛大展開。  以文青水園建築的「莫比斯環」循環概念，由阿蕉繪製的展覽視覺，透過設計開啟對於污水處理的認知。 期待透過美學導入，在一座運行中的「活著的工廠」裡，轉譯理性的污水處理專業，拉近與民眾的距離。 打開門，走進未見過的污水處理廠 透過美學導入，讓污水處理的專業形象，與民眾更為親近且容易理解。 本計畫由桃園市水務局委託許哲瑜、郭中元擔任展覽策展人，在不影響污水處理廠維運、也不刻意轉化污水處理廠原本面貌的前提下，運用廠區現地，搭配多媒體、燈光、動畫與可體驗的污水處理裝置，以全年齡民眾為客群，也特別針對小朋友設計展覽遊程，希望不只是一處展覽，也能是一座充滿共感體驗的公民教育基地。 透過美學導入，讓污水處理的專業形象，與民眾更為親近且容易理解。   用設計，打造一場有趣的工廠體驗 展場整體以Science Gallery為概念，在廠區隨處可見的長廊中，透過燈光的變化、多媒體互動展演及動畫的資訊展演，讓污水處理廠予人的生硬、理性、過度專業等印象，演繹出不同的樣貌。 在不影響廠區運作的前提，利用燈光、動畫與多媒體等方式，打造在「活著的工廠」中的觀展體驗。 透過設計，將台灣水知識版圖、水與日常關係、污水處理過程，以簡單易讀的方式呈現，再藉由豐富的燈光布局，令人彷彿置身於科幻世界，直接感受、理解廠區內各式大型機具在污水處理中，所扮演的角色。 在不影響廠區運作的前提，利用燈光、動畫與多媒體等方式，打造在「活著的工廠」中的觀展體驗。   亦邀請了知名插畫家「阿蕉」，以廠內隨處可見的各色水管為靈感，打造三座展覽專屬領航員，從中引領動線，觀者得以感受廠區魅力；同時，因應水科學的教育必須，展場也以「科普基地」為設計主軸，讓小朋友也能自在遊逛，甚至在最後還能親手做實驗，了解污水淨化的科學原理。 在不影響廠區運作的前提，利用燈光、動畫與多媒體等方式，打造在「活著的工廠」中的觀展體驗。   期望開啟大眾對水資源議題的認同和參與 策展團隊期待透過這個全台首座污水處理廠的美學策展，呼應文青水園取用「莫比斯環」循環不息概念的建築外觀，創造多元且完整的環境教育基地以及市民生活空間。 取用污水處理過程中的污泥，燒製為盆器置入植物，搭配水處理後可澆灌的再生放流水，作為展覽實驗性紀念物。 有鑑於展場為營運中的污水處理廠，為維護觀展品質跟安全，本展採預約報名制，自6月6日起每周一、三、五下午2點、3點各2場次，每場次限額30人，即日起開放網站預約。 特別規劃展覽手冊及學習單，希望透過展覽，建立民眾與公共建設間的相互理解。   Next Water science gallery 流動的科學，不思議的水 日期」2022年12月31日前，每周一、三、五下午2點、3點各2場次 地點」文青水園水資源回收中心（桃園市龜山區文青路383號） 預約」請至官網   資料及圖片提供」樸實創意 編輯」陳映蓁

這兩年最大的感觸，應該是待在家的時間變多了！而在居家生活中，器皿則乘載了每個人投入生活的樣態，中島GLAb策展人許哲瑜、郭中元特別邀請日本陶藝家大谷哲也（Tetsuya Otani）的作品跨海來台，策劃《返白。一器一皿》大谷哲也個展，以回歸日常，實踐生活美學為概念，在台中維摩舍展出。 展覽現場。 大谷哲也的器皿造型簡約，歸依生活的本質，予人靜謐感受，所有的創作皆以「當下生活中想要使用的器皿」為初衷，讓器皿緊密貼合著日常，成為純粹踏實的存在。「我創作的靈感來自於日常生活之中，如果我的日常沒有整頓好，勢必將會影響我的創作。假設我的早午餐都是去便利商店購買，那麼創作出來的作品魅力，想必也會減半吧？！」大谷哲也曾如此說道。 展覽現場。  從作品中透析創作者的理性與感性 「好好在生活中」也是大谷哲也對於學徒的要求。在創作之前，好好整頓生活，也因如此，觀者能從白磁系列創作中，發現陶藝家同時保有理性和感性的世界觀，雖然沒有多餘設計、沒有上亮面釉，純粹的質白無華，讓作品能夠自然而然且不著痕跡地融入生活之中，同時維持著系列的一致性，體現他理性的一面。   展覽現場。 作品皆由轆轤手工拉製而成，在不間斷旋轉的轉盤上，找到垂直中心的軸線進行施力，將陶土塑造而出，以轆轤作為創作方式，則為感性的展現。如同大谷哲也日日反覆的生活，轆轤早已成為他身體的一部分，就像音樂家與樂器合而為一一樣。  創作中的大谷哲也。 大谷哲也在每一次的創作中，只要腦中浮現任何畫面，他便能不假思索地像呼吸般自然的做出它的形狀，對他而言，創作並不是「在工作」，而是「看起來像在工作的樣子」，做自己喜歡的事，他認為非常幸福。 展覽現場。 展覽現場。  讓器皿進入你我生活 雖然因為疫情關係，大谷哲也無法親自來到台灣參與展出，不過，他也為這次展覽留下了話語：「希望大家可以將本次展覽的所有創作，作為一個整體視角，而非特定觀看某個物件，綜觀來察覺整體氛圍與呈現。在這個視角之下，我展現了我的世界觀，以及我想傳遞的美學意識。另外，我所創作的作品，皆是從日常生活中獲得靈感而誕生的器皿，如果您將作品帶回家中，希望您可以在日常生活中使用它們。」 展覽現場。  透過特寫，感受作品細膩與璞真。 同時，本展也特別邀請食物設計師陳小曼一同創作攝影企劃，傳達日常生活器皿的實用之美。   《返白。一器一皿》 日期」2022年5月6日至6月5日 開放時間」平日13:00-18:00、假日09:00-18:00（周一、周二休館） 地點」維摩舍（台中市大里區永隆路153號B1&3F）   資料及圖片提供」中島GLAb 編輯」陳映蓁

義大利喀什米爾高級品牌Loro Piana在紡織品領域的傳承已有六代之久，是頂級織品知名品牌之一，其旗下的Loro Piana Interiors部門以獨樹一幟的風格詮釋裝潢用材，為豪宅內裝提供有別尋常的選項。繼品牌在米蘭Palazzo Cortile della Seta設立新總部後，Loro Piana Interiors精品店亦於日前揭幕，讓大眾可親身體會織品的卓越質感與運用魅力。   品牌總部設立於米蘭莫斯科瓦大道（Moscova）33號，一座華美的Cortile della Seta宮殿式建築中，過往曾是存放絲綢卷和進行交易的場所，而今作為Loro Piana總部，共規劃了辦公區和Loro Piana Interiors精品店。 精品店1樓以拱形櫥窗、大門揭示了空間內部的典雅精緻，室內邀請知名設計師Vincent Van Duysen操刀，整體風格一如他重視簡約、優雅與質感的美學，採用柔雅設色定立古典調性，同時融合了洗鍊線條、富有層次的光線、現代風格與中性色彩等要素，相襯織品質地、地板和家飾的出眾質感。     精品店一如畫廊般保有餘裕的空間感受，讓人能專注於細賞與觸摸織品質地，像是頂級喀什米爾、絲綢、駱馬毛和羊毛等精緻材質，具體體會這些面料運用所帶來的奢寵感受。 店內也展示豐富的家飾產品，包含Ginza系列、Delight Chairs，如Sarto Chair等數款經典之作與最新原創設計，並開闢出一座獨立個室，讓室內設計師與企業客戶能預約在此討論，深入材料選配的構思與比較。 在Vincent Van Duysen操刀的雅致空間與Loro Piana頂級面料交織裡，共同營造出細膩且經典不墜的氣息，讓訪客走入立體的Loro Piana世界，沉浸於獨特的感官享受。 資料及圖片提供」Loro Piana 編輯」Sumile  

眾所期待的台北當代藝術博覽會，將於 5 月 20 日至 22 日於台北世貿中心一館正式回歸！本屆台北當代延續對本地貢獻的使命，積極面向台灣藝術市場，同時也前瞻時局變化，開拓創新、實踐跨域，與 62 間精選的國際頂尖畫廊，共同思考在旅行限制下的展示方法，將來自 200 位藝術家、1000 件世界最傑出的當代藝術作品，帶到台灣觀眾面前。 2020 台北當代展場照。   台北當代因應近年線上線下、虛實整合的探索等趨勢，迎向未來並持續轉化，與此同時，並不自限於藝博會的體裁，而是作為一個平台去思考、回應新時代的迫切議題。台北當代聯合創辦人與聯合總監任天晉（Magnus Renfrew）認為：「因應全球局勢的轉變，本屆展會打開許多嶄新面向和思考，亞洲的藝術市場正在重新調整步伐，而台灣正扮演著關鍵的角色。」   三大展區帶來 62 間國際藝廊 儘管新冠疫情未歇，本屆展會的國際畫廊參展比例仍超過 6 成，而畫廊的代理陣容，更可見到國際化與本地化雙向互融的趨勢：國際畫廊代理台灣藝術家，如香港馬凌畫廊及法國 LIUSA WANG 畫廊；或本地畫廊代理國際知名的藝術家，如亞洲藝術中心及 DOPENESS ART LAB 等。足見台北當代的成立與經營，推動並見證了以亞洲為中心的前瞻策略逐漸成形，成為助益畫廊與藝術家雙向成長的國際平台。 Thao Nguyen Phan〈 First Rain〉。圖片提供：Galerie Zink   來自全球的 62 間參展畫廊將分別於三大展區展覽。當代網域（Galleries）呈獻具國際規模的頂級畫廊，為有深厚收藏實力的本地藏家，提供藝術市場的藍籌股作品。新生維度（Edge）聚焦 7 間新興畫廊及與亞洲文化脈絡連結的藝術作品，帶來新穎的前端視野，包括首度參展的 BANGKOK CITYCITY GALLERY、Gallery COMMON、Galerie Julien Cadet、333 畫廊等。 微型單元（Solo）則主打展示年輕藝術家或中生代藝術家個展，完整且深入了解其創作內涵與風格，共有 16 間畫廊，包含專營攝影作品的絕版影像館，將帶來陳榮輝首次於台灣展出的攝影作品；Carl Kostyál 畫廊帶來 Felix Treadwell 特為本屆展會創作的全新系列畫作；Woaw Gallery 展出 Charlie Roberts 具超現實神秘氛圍的當代生活創作等等。 Mak2〈Pandemic Love 4〉© Mak2，圖片提供：de Sarthe   整合虛實潮流 提供完整參與體驗 因應市場與時局，台北當代此次挾著近兩年深化整合線上線下展會的經驗而來，同時呈現實體展會無可取代的優勢與數位藝術交易的熱潮。全新規劃的線上單元「藝動區塊」（Launch Stage）NFT專區，回應方興未艾的數位藝術收藏風潮及市場需求，將與三大國際知名 NFT 平台：Feral File、Art Blocks、Outland，以及新興的本地平台 SOYL 合作，展示單一藝術家在該領域最具獨特性的計畫，包括生成式、互動式藝術，形式實驗與批判性論述等。 本屆亦延續 2020 年創設的「Taipei Connections」數位平台計畫，著重跨國、跨領域、跨文化的連結與交匯，替品味卓越的藏家廣泛展示來自世界各地的當代藝術，希望在實體展會回歸的同時，更融合數位平台不受地理限制的優勢，實現更多元而周到的收藏服務。 Kazuhito Kawai〈未來日記〉。圖片由 Kazuhito Kawai 及 KOTARO NUKAGA 提供。   攜手各領域領袖 場內外共襄精彩藝術計畫 在展會現場方面，公共藝術展區「實境計畫」（Node）挑戰空間限制，展示藝術家的大型作品，今年將由双方藝廊、TKG+與御書房藝廊，分別帶來徐瑞憲、邱承宏、郝經芳與王令杰，共 3 組藝術家令人驚艷的裝置藝術大作。「台北開放平台」（Taipei Platform）由台北當代的合作夥伴共同策劃，包括：走路草農藝團、花開、SOYL 所有、朋丁、鳳嬌催化室等，於展會期間陸續舉辦 11 場工作坊，包括實驗性的表演活動以及讀者互動等項目。 「點閱沙龍」（Salon）計畫則由各家參展畫廊推出價格低於 8,000 美元的精選推薦作品，觀眾可一次瀏覽不同輩份、地區、媒材的當代藝術傑作，期待以親切的收藏價格及展出形式，吸引、培育更多年輕及新進藏家。 （左）Mariko Mori〈Divine Stone V〉，圖片提供：SCAI The Bathhouse 攝影：Nobutada Omote. （右）安塞姆 · 雷爾〈無題〉，圖片提供： SPURS 畫廊。 除展會現場活動外，台北當代長期推廣的「藝術解密」（Decoding）計畫，由台北當代聯合總監岳鴻飛（Robin Peckham）擔任主要講者，續為超過 50 間全台菁英企業與文化機構提供獨家藝術收藏課程，包括金馬賓館、遠雄建設、台灣室內設計專技協會等，展會也將延續此股知識動能，吸引全新客層與新世代藏家走進當代藝術收藏的領域。 此外，每年台北重點之一的「思想串流論壇」（Ideas Forum），本屆以「知識作為逃生出口（Escape into Understanding）」為題，攜手文學、音樂、哲學與各界權威，如小說家紀大偉、《Wild Blue Media》作者Melody Jue、藝術家Ashley Bickerton、鄭淑麗、鐵木爾．斯琴（Timur Si-Qin）等，交織探討藝術、生態、人文等多元領域議題。詳細場次資訊將於 5 月上旬公布於官網。  2020 台北當代展場照。 主辦單位表示，觀眾與參展者的健康與安全是會展的優先考量，因此，今年台北當代將實施分流入場與限量票券，早鳥門票優惠最後倒數，只到 5 月 15 日，購票請至官網或 ACCUPASS 活動通。活動詳情請見台北當代藝術博覽會官網。 資料及圖片提供」台北當代藝術博覽會 編輯」林慧慈

FENDI Casa在米蘭市中心斯卡拉廣場開設首間旗艦店。這座旗艦店毗鄰米蘭重要地標斯卡拉歌劇院，位在街口的一座典雅建築之中，外觀有13扇挑高的拱形窗口呈Ｌ形序列，將室內景致如精美櫥窗般對外呈現。   FENDI以優雅、工藝、創新、奢華與獨特風格錨定品牌形象，FENDI Casa代表著義大利頂級的手工精品家具，將每件作品視為藝術創作，強調低調奢華與精緻質感，重視家具的生命力與文化傳承。旗艦店亦忠實投射出上述精神，店內空間融合品牌精緻、奢華特色，同時利用虛實、光影、材料之間的對比，優雅別致的細節與質感精緻的家具、家飾相互輝映，整體並俱著摩登、典雅氣息。   店內擁有兩個樓層，規劃起居、用餐、寢室與戶外等主題空間，豐富的家具、家飾混搭陳列，將FENDI品牌的純正、獨特與工藝等價值觀在每個主題場景中展露無遺，讓人近距離欣賞名家設計的家居產品；像是由Marcel Wanders設計的Five沙發和扶手椅、由Atelier Oï設計的Arches桌、Thierry Lemaire 設計的Parsifal沙發和扶手椅，搭配Toan Nguyen設計的Marrakesh桌子和Cristina Celestino設計的Vittoria餐具櫃。新款 Ford 餐桌搭配Doyle椅子，同樣由Toan Nguyen設計的Sandia沙發和扶手椅，加上由 Chiara Andreatti 設計的Astuccio Canes邊桌。睡眠主題區地面鋪設大理石，陳列著Marcel Wanders工作室設計的Landscape床組、由 Atelier Oï設計的Vanitoso梳妝台。在起居區中，則有Thierry Lemaire設計的Grand Plie'沙發和扶手椅，與Toan Nguyen設計的Tarsia茶几。舒適的閱讀區演示著Dimorestudio設計的Roma沙發床於空間實境的效果。全新戶外家具區域陳列著由 Piero Lissoni設計的Sagano系列。   同時，FENDI Casa也將Peter Mabeo及其同名設計工作室合作，在2021年底邁阿密設計展（Design Miami）發表的KOMPA系列的六件「Gallery Pieces」，佈置於精品店入口與櫥窗，展現連繫著過往今來的傳承精神。像是Chichira櫥櫃、efo和Loma凳子，Foro和Shiya椅，以及旗艦店入口陳列的 Madua椅，每件均擁有獨立編號並於波札那手工製作，載負著歷史與工藝意義，為櫥窗與室內風景增添動人溫度。   備受大眾喜愛的FENDI家飾亦散見於旗艦店內，包括點綴FENDI品牌經典黃色的新款Yellow Sign地毯，以及飾有品牌中經典FENDI Pequin條紋圖案的Tiles地毯，或是時尚大帝Karl Lagerfeld設計的Karligraphy logo圖案—Big Karl地毯。品牌將這座米蘭之家視為重要里程碑，未來將極積在國際重要城市拓點，提供戀家的人士走入FENDI Casa的世界，實境感受品牌迷人的家居美學。 資料及圖片提供」FENDI Casa 編輯」Sumile  

近年，全球因極端氣候變遷的影響，使得永續議題日益受到重視；人們開始認識循環經濟、響應理念，並投入產業供應鏈，企圖為地球及未來生活的環境帶來改變。 台灣設計研究院（TDRI）於2018年開始，以《你在圈內嗎？》為題發起展覽，鏈結消費者、設計師、製造商三方，開啟大眾從基礎環保概念進入循環經濟與循環設計的契機；2020年，《下十年》則以一年中人類將地球可再生資源用盡的「地球超載日」出發，講述在循環設計的思維下如何確保資源與消耗間的平衡。 2022年，由經濟部工業局主辦、台灣設計研究院執行、竹工凡木設計研究室進行策展的《the SPIRAL 轉不轉 — 循環設計展》，是歷年來展期最長、循環設計案例及展品最多的循環展。總共邀集67家廠商、245項展品參展，包含國內35家廠商、163項展品，國際有來自泰國、德國、日本、丹麥，共計32家廠商、82項展品參展。 以《the SPIRAL》為靈感，意指物質、能量、意識等在時間軸上不斷地轉動、前進並延伸，以此規劃四大展區。  展區1：「SPOT 看見現況」 透過「大聲光電」—藝術家姚仲涵、曾睿彬所帶來的沉浸式藝術展演。參觀者會被塵霧包圍，感受當前環境惡化的現況；更以作品《倒數時光》不斷跳動倒數的時、分、秒顯現出「2030」沉沒倒數與「crisis」字樣。希望透過聲光體驗激起參觀者的危機感，反思解決環境問題的急迫性與重要性。  展區2：「ECHO提出作為」 推出循環設計產物，模擬人們熟悉的生活與辦公空間到戶外市集空間，讓參觀者實際感受身處循環商品下的情境，了解循環生活呈現的精緻與美好；同時號召民眾能以消費展開行動，進而讓所有循環力同時運轉起來，達到越在地越國際，越轉動越循環的使命與願景。  展區3：「ECHO開拓可能」 藉由埃森哲5種循環商業模型（Five Circular Business Models by Accenture）整合廠商、「疫情特區」與「設計師專區」，透過展示呈現設計的創新流程、設計戰略等未來設計，讓商業端與設計端能有媒合轉動的循環化機會。 展場帶來臺灣設計師與地方產業、學術機構共同研發從廢料再製的新材質以及運用在多元的生活型消費產品，宣導循環設計另一個很重要的發展方向—以租代買，循環設計不僅改變使用者的認知與行為，使用產品服務系統來增加的服務價值也是另一種永續發展機制。 疫情專區展出包含小智研發的MAC Ward快速模組化防疫醫院計畫、芒菓丹的廢晶圓板再生防疫隔板等，也代表藉由設計的創新介入已鏈結台灣各領域跨產業鏈，為循環經濟創造更多循環化機會。  展區4：「360°鏈結國際」 串聯丹麥、德國、日本、泰國等政府及民間組織，從解決國際環境議題發展至相對應國際政策與民間組織提供的對策辦法。 以彩天科技提供最新元宇宙的透明屏幕帶來台灣美好的海陸空影像，以及「循環共享餐桌計畫」的主廚推薦和名人分享菜單；策展團隊還以「循環菜單」統合臺灣在地循環設計產物，來與國際夥伴對話交流，展現越在地越國際，越轉動越循環的精神及樣貌。 落實循環理念 展區選用「洛陽紙櫃」的循環製品「蜂巢紙」建構輕隔間與展牆、展台到桌椅物件等，「鳳嬌催化室」把不可能再造的製紙淤泥化為可能的「泥不老紙」印刷，不僅減少展場施作的資源耗費，輕量模組化的特性也大幅降低運送之中的碳排放，落實從展場本身、每個尺度的選擇都體現循環。 資料及圖片提供」 台灣設計研究院 編輯」歐陽青昀

曲家瑞說：「以前我把畫畫想的太偉大、太神聖，心裡有很多大故事、大劇場，當我明瞭很多事情後，現在畫畫就像是日常。」 曲家瑞，現任實踐大學媒體傳達設計學系所副教授，生於1965年台北市，1981年到紐約讀高中，描繪「吸塵器」的畫作獲得紐約州高中素描組冠軍，老師認為她有天分，隔年又以彩色的抽象畫作破例獲得高中AP美術素描組最高成績。之後，曲家瑞取得美國古柏聯盟學院（Cooper Union）藝術系學士（1988）、哥倫比亞大學藝術研究所碩士（1990），1997年返台，迄今身兼大學老師、作家、藝術家、策展人等多重角色。 不同於2019年，曲家瑞在「誠品生活蘇州」舉辦「曲家瑞，你哪位？」個展，展出30年來逾百幅畫作、利用3000個玩偶縫製的巨型玩具毯等的作品。此次的展覽，她將目光轉移到真實人物身上，從小品靜物到巨幅人物，她用壓克力顏料及碳筆，畫出自己對身邊人與物的觀察。 曲家瑞在紐約讀高中時奠定繪畫的基礎，即使日後身兼數職，畫畫仍令她感到療癒。這幾年專注在肖像畫，她認為：「東方藝術家畫東方人物的肖像不多，我想，總要有人記錄這時代的人吧！」 以當時3歲半的姪子為主角的《翰翰》是這系列的第一幅畫作，天真的臉龐透露出早熟的氣息；接著，她又以甫動完手術的80歲母親為主角畫下《母親蘭》，母親身上的花襯衫是父親送的禮物，上頭爭豔般盛開的花草圖案對照母親的病容，形成強烈對比；《元元》則是畫下妹妹窩在蜷曲棉被堆裡看手機或自拍的模樣，「她已經50歲了，活的還像個高中生，看不出經歷過許多心酸起伏，我希望能像她這樣自在豁達。」 另外，《光宗》、《三角》、《小P》等分別是以便利商店店長、友人、學生為主角，喜歡觀察人的曲家瑞，不一味追求肖像的外在寫實，而是藉由仔細描繪主角身體和服飾的特徵，傳達人的精神與心境狀態，「把一般人最不平常的樣子畫出來。」 除此之外，主角臉上的膚色也由多種顏色構成，「人臉上的光一直在改變，我沒有辦法給一個絕對的顏色，也喜歡這種不確定性和流動感，像是留住生命的時間。」這樣的靈感，來自於幾年前她陪母親出國旅行，從手機鏡頭中意外看見自己臉上的陽光「好漂亮」，「那種又黃又橘的亮光一直在我心裡，因此，當我畫人物的時候，可能就在搜尋他們臉上的那道光。」 150x110公分是曲家瑞許多肖像畫的尺幅，因為她認為這是觀看肖像最舒適的尺寸，而且也最容易和畫中人物產生連結，都像是認識、或身邊再平凡不過的人。這次展出的兩幅自畫像，一幅是宣洩式地畫出面無表情的自己，另一幅則是穿著內衣和沾滿顏料的長褲的自己。自畫像對曲家瑞來說「像是一個『段落』，畫到某個階段必須回顧自己、調整狀態後再出來。」不過她也自承，「每幅畫都是一場抗衡，那個未知引領我一直向前。我不能讓畫作跟我一樣興奮，它們要平靜點。」 曲家瑞個展 時間」2022年5月4日至5月28日 地點」誠品畫廊∣台灣110台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店） 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」歐陽青昀

以「成都方所」書店聞名，朱志康是設計師、是藝術家，更是一名書店創辦人，曾以家具作品獲得iF與紅點設計獎，並參與 2016、2017 年威尼斯雙年展官方平行展、2022 年屏東落山風藝術季等，更是大獲好評的 2019 台灣設計展「超級南」空間統籌，如此多元的身分來自同樣多變的職涯。本期《室內 interior》專訪朱志康設計師，了解其從國畫到空間設計的選擇心境、對於設計的核心精神，並分享諸多精彩作品的背後故事。 上篇：朱志康 奇蹟從「不可能」誕生 將原有結構柱體以水泥包覆，打造神聖氛圍。 成都方所書店：空間會走出自己的命運 介紹朱志康的代表作品，不得不提曾獲選 14 間「全球最美書店」之一的「成都方所」，自 2015 年完工並獲得多座國際大獎肯定，引領中國複合式書店設計風潮，至今開業 7 年，許多書店更迭淘汰頻繁，方所卻仍然在成都具有一席之地，有許多人將之視為經典。事後回想，朱志康談道：「空間會走出它自己的命運」，儘管施工時遇到許多超出想像的突發狀況，甚至開幕前需要整個設計團隊進入現場協助，還擔心成品會不符預期，結果居然大受好評，讓追求完美的他體會，很多事情做就對了，不必過於擔憂，每件作品都有自己的命運。   詢問朱志康認為「成都方所」相較現在如百花齊放的書店，有何與眾不同的魅力？他也有點摸不著頭緒，「或許因為我們並不是為了『被看見』才做設計。」 以特殊鑄銅材質包覆手扶梯，打造「豁然開朗」的視覺。 他解釋，設計一開始單純是為了解決尺度過於巨大的挑高地下空間，位於千年歷史的大慈寺旁，以此連想到將書藏於洞穴內的「藏經閣」，洞穴內以大切面的水泥包覆空間兩排原有柱體，建構出宗教般的視覺比例，跳脫一般書店配置，閣樓的藏書櫃與穿梭書與書中間的空橋，在「不能增建夾層、隔間」的條件下，完美地滿足了書店的機能需求。此外，空間設計上運用許多壓縮後釋放的手法，如入口的電扶梯即以鑄銅包覆，像是進入山洞前的神祕隧道，透過「豁然開朗」的體驗，加深看到主殿時的感動。   近年許多「網紅」書店將「吸引人潮進入書店」視為首要，但拍照、打卡後的下一步是什麼？為什麼成都方所可以令人「進入後逛到不想離開」？儘管自己因為閱讀障礙而不喜歡讀書，朱志康卻十分喜愛逛書店，在設計書店時，他會將自己視為消費者，去思考如何做出自己會覺得舒適、想一直逛的空間，因此在真正下筆繪圖時，所有空間格局、動線皆已在腦裡設想好。他認為，舒適美觀的空間固然可以吸引客群，但最重要的是要讓顧客對此心有所感，享受書店所給予的閱讀氛圍體驗。 兒童區，以圓弧造型打造親民尺度。   Jolab佐研院：信任與誠實，成就美的殿堂 與提提研面膜創辦人李昆霖在朋友介紹下認識，兩人一見如故，第一次會議便談妥了佐研院的規劃構想，而也是因為他與朱志康內心皆有喜歡「挑戰」的特質，才有獲獎無數的「佐研院」誕生。建築外立面高聳，潔白的外觀有如美術館，內部為 2 層樓的 8 米挑高空間，除了作為研發、生產基地，也需滿足對外展示、參訪等需求。 Jolab 佐研院坐落於高雄，為研發、生產美顏保養品的工廠。攝影：李國民 在規劃的過程中，朱志康與業主不斷溝通、把原訂提案推倒重來，發覺其內心真正的想望，是要打造一間「外國人也羨慕的工廠」，如果面膜是塑造容貌之美的作品，「我們是不是可以把工廠做成美術館、藝廊？」乍聽瘋狂的想法，卻得到業主的信任與支持。除了外觀運用設計手法放大視覺尺度，內部也以色彩、比例塑造如殿堂般的氛圍，讓空間影響人們的情緒與行為，使進到工廠的員工及參訪者油生崇敬之心，抱持著製作與欣賞藝術品的態度對待手上的產品，成就最完美的專業。 全白外觀打造殿堂神聖感。攝影：李國民   基地位於高雄，炙熱的南部陽光使得建築綠化特別重要，朱志康將其拆解為頂部的空中花園與半室內空間的懸吊式花園，讓陽光經過雙層綠化的綠蔭間照射入無塵室，懸吊式花園空間導入空氣對流降低室內溫度，讓無塵室節約許多空調與燈光上的能源使用。 植物的自然生機亦應證了廠房的潔淨，如果在設備層內的樹都能存活，何況無塵室內的設備及產品。朱志康笑說，自己也是因為這次經驗開始相信植物有靈性，原本開幕前樹已經有點枯黃，大家都覺得它應該活不了，但開幕後在大家的關心下居然越活越好。 半室內空間的懸吊式花園。攝影：李國民   由於室內僅能做兩層樓且樓高 8 米，1 樓研發中心與成果展示區以階梯式的設計做分區，抬高的研發中心下方，規劃作為庫存及運輸的區域。朱志康更靈機一動將無塵室的參訪動線上移，運用挑高空間 4 米深的管道層，做了 60 公分寬的檢修貓道作為參觀通道，使參訪者自上而下觀看，除了避免打擾員工作業，亦能看見最真實的工作狀況。 他分析，「大家都說這是最美工廠，其實不是美，而是最真實的工廠。」員工會因為隨時可能有人來參觀，所以端正自己的姿態，參訪客戶也因看得見每個細處的乾淨整潔，對於品牌專業產生信任。在設計時，朱志康會將自己置入參訪者、員工、老闆三者不同的角色去體驗空間，模擬每個人的心態、與空間的互動關係。   將參訪動線設置於工作區上方，呈現真實樣貌。攝影：李國民 關於佐研院的故事，最著名的即是那簡潔俐落的屋頂，在設計師的堅持下完美還原了設計構想僅數公分厚的線條。縱然所有人都反對將原有屋頂拆掉重蓋，業主仍舊相信他，一同將 99 分的作品推向 100 分的完美，而成品也不負他的信任，獲得了好幾個國際大獎，並受到外國客戶的讚賞。朱志康認為，佐研院的成功，除了感謝業主的信任外，最重要的便是「誠實」，真誠地坦白自己的需求，雙方才能合作，探索出切中核心需求的作品。   擦亮 HCG 工廠：「我們只是擦亮原有的，卻讓所有人找回自信。」 朱志康與 HCG 的緣分，始於台灣設計研究院「 T22設計振興地方產業計畫 」中「打開工廠」的活動，媒合 5 組設計公司與陶瓷產業工廠，藉由設計將民眾帶入實際工廠製造現場。面對偌大的HCG廠房，設研院找來擅長操作大尺度空間的朱志康設計團隊，期待給予這個近百年的台灣知名傳產品牌嶄新面貌。然而匠人們對於品牌的堅持，使提案過程不如預期的順利，他說道：「我們雖然很苦惱，但也還好他們拒絕了之前的提案，讓我們最後做了更重要的事情。」 打亮 102 米長的隧道窯具。攝影：李國民 最後完成的成品令人難以相信，他其實僅點亮了幾盞燈，以「光」點出那些美麗卻未曾被注意到的角落，如半完成品的輸送帶、102米長的隧道窯具、大型吸塵機具等，透過最輕的手法巧妙揭露並轉換他們最熟悉的日常，並「還原」原始的方向指示系統，制定可延續執行的指標設計規範計畫，並以百年前的鐵板噴漆技術，噴上企業代表色的藍色，加強日式工廠的氛圍。   「你必須跳脫設計師的既有框架，去看到空間本質上最美的那一塊」，朱志康說明，像集塵塔隱身於工廠兩棟建築物之間的陰暗角落，平時無人聞問、只想快速經過，但當他們打亮之後，才發現巨大的藍色集塵塔猶如八爪章魚延伸出錯綜複雜的管線，讓老舊的工廠頓時成了賽博龐克電影裡的場景，員工們會來這裡拍照、打卡，連在此工作30餘年的廠長都說出「原來我們工廠這麼漂亮」。 還原百年前的鐵板噴漆工法，打造簡單易懂的方向指示標誌。攝影：李國民   「其實我什麼都沒做，只是擦亮、還原，卻讓工廠從上到下的同仁找回百年產業的自信與認同，這是我覺得最有意義的事。」他提到，許多人會請他改造、裝修老宅，但其實只要經過妥善的整理，老物、老屋都有其自有的歲月之美。 朱志康反省，「設計不能以保護為名，卻行破壞之實」，很多老建築被抽走內涵的人與物，覆蓋上精美的設計手法後，反而失去了原本的韻味，本次HCG工廠透過「不加也不減的設計」，卻保留了工廠本身的美麗，讓空間與其中的人事物，自己講述品牌的百年風華。   藍色的巨型集塵塔宛若賽博龐克場景。攝影：李國民 資料與圖片提供」朱志康空間規劃 採訪」林慧慈