繼四月初，紅點產品設計大獎公佈得獎名單後；緊接著，在八月份宣布了紅點品牌暨傳達設計大獎的結果，紅點設計獎不僅是全球高知名度且備受注目的設計大獎之一，對於設計師來說更是一種高度的肯定與榮耀。紅點設計獎是德國北萊茵威斯伐倫邦設計中心自1950年代創立的產品選拔機制，包含「紅點產品設計大獎（Red Dot Award: Product Design）」、「紅點品牌暨傳達設計大獎（Red Dot Award: Brands & Communication Design）」，以及「紅點設計概念大獎（Red Dot Award: Design Concept）」3項設計競賽。 在為期數天的評估過程中，評審達到一致的共識，從今年投稿與獲獎的作品中，可以發現「數位解決方案」、「品牌」以及「社會責任」這三大特徵，不僅影響設計，同時也是作品獲得成功的原因之一。 第一，「數位解決方案」是近年各產業都十分關注的議題，隨著科技的發展，許多公司與企業嘗試跳脫傳統思維，利用「數位解決方案」作為新的設計方法，紅點品牌暨傳達設計大獎也在今年將「數位解決方案」加入參賽類別之中；第二，「品牌化」成為流行趨勢，市場上的品牌不僅眾多也越來越多元，當品牌化成為趨勢，對於設計者來說，如何創立一個能獲得認同並與其他品牌有所區隔的的當代品牌更是一大挑戰；最後，也是近年各項國際比賽不斷強調的，設計不再只注重美感，它還必須負擔「責任」，如何透過設計解決大眾所面臨的問題，並進而鼓勵大眾改變思維，是設計所要達到的另一境界。 紅點設計獎每年皆收到來自世界各地上千件參賽作品，如此激烈的競爭之下，台灣作品仍獲得十分亮眼的成績。2021紅點產品設計大獎中，台灣共有114件作品榮獲紅點獎，其中馳綠XpreSole Panto雨靴、Porsche Design Acer Book RS筆記型電腦、Philips B1D5000顯示器以及板橋布查花園幼兒園榮獲紅點最佳設計獎；而八月揭曉的2021紅點品牌暨傳達設計大獎，共有105件紅點獎與2021臺灣文博會《花蓮縣館—據說考古隊》、《2020桃園文創博覽會—走桃花》、《STEADY POWER 穩定日常》線形藝術展、《田馥甄 一一》音樂錄影帶、《來嗑光，和＿作用》藝術力便當以及4件青年組作品，共9件作品獲得紅點最佳設計獎。 本期《室內》將介紹5件來自台灣的紅點最佳設計獎（Best of the Best）作品。而2021年所有品牌暨傳達設計獲獎作品將會在11月12日起在紅點官方網站進行線上展覽（https://www.red-dot.org），請大家共同關注與參與。 板橋布查花園幼兒園／三角創意 兒童看待世界的視角與成人不同，他們透過玩耍來發掘世界。空間以溫潤的木材以及潔淨的白色為主，明亮清晰的氛圍讓兒童能盡情發揮想像力，考量兒童作為空間的主要使用者，除了加入洞穴造型和圓弧玻璃窗等弧形元素溫潤視覺，並選用柔軟且富有彈性的地板，提供更安全的活動空間。其中廁所明亮通透且低矮隔間的開放式設計，打破傳統廁所的格局，體現設計者對於「安全」的重視。 《STEADY POWER 穩定日常》線形藝術展／大亞電線電纜、INCEPTION 啟藝 大亞集團65週年《 STEADY POWER 穩定日常》線形藝術展，以「穩定日常」為題，訴說大亞電線電纜雖隱身於鋼筋水泥下，但傳遞的電力支撐著人們的日常生活。邀請金工藝術家李昕，用電纜纜芯的銅線為材料創作，透過大眾生活的6個日常場景：粥攤、燈塔、火車、餐桌、廟宇、大樹，打造6座藝術裝置，搭配燈光情境、語音導覽，營造出如同沉浸式劇場的氛圍，觸發參觀者的記憶並產生聯繫。 《2020桃園文創博覽會—走桃花》／桃園市政府、格式設計 桃園是全台第一個舉辦在地文創博覽會的城市，以每兩年舉辦一次的形式進行。《2020桃園文創博覽會—走桃花》選擇在富含歷史記憶、具多元文化的中壢馬祖新村舉辦，將這個獨特的文化遺址透過設計翻轉大眾印象。「走」在閩南語中有「跑」的意涵，團隊以「走桃花」作為活動名稱與宣傳語，將眷村空間打造成當代文化的桃林，展現出桃園不停向前邁進的推動力。   2021臺灣文博會《花蓮縣館—據說考古隊》／花蓮縣政府、偶然設計 《花蓮縣館—據說考古隊》是2021臺灣文博會的地方展館之一，為了展現花蓮最靈性的一面，設計團隊進行了一年的實地田野調查，收集了花蓮的聲音、植物、香氣、石頭和故事。從地面升起的巨型石頭裝置，是利用上千片廢棄的大理石板材堆疊而成，由布農族的石板屋延伸成板塊量體，展示出花蓮的特質。展覽邀請參觀者成為傳奇考古隊的一員，一同進入並探索花蓮最獨特的風景。 《來嗑光，和＿作》藝術力便當／新北市政府農業局、朱銘美術館 《來嗑光，和＿作》藝術力便當是2020年朱銘美術館與新北市農業局聯手為《來嗑光，和＿作》藝術展演推出的宣傳商品。跳脫傳統藝文活動利用廣告、海報等的宣傳行銷手法，從大眾每天關心的話題「食物」為發想，將宣傳資料、夏日造訪金山必備的毛巾、野餐墊等，化為在地食材造型，組成趣味又吸睛的便當，並在辦公大樓的便當自動販賣機限量開賣，一份不能吃但卻很實用的便當，成功造成話題。 ​資料及圖片提供」Red Dot Design Award  編輯」歐陽青昀

由香港室內設計協會主辦、香港特別行政區政府「創意香港」為主要贊助機構的首屆「香港室內設計周」已於日前圓滿落幕，從8月1 日至22日舉辦一連串活動，除了是香港室內設計界首個且規模最大的活動，同時也邀請大眾一同參與，希望藉此提升大眾對於室內設計產業的關注。《室內》雜誌專訪香港室內設計協會會長潘鴻彬，與讀者分享此次的活動規劃、內容與亮點，以及同時身為PANORAMA泛納設計集團創始人的他，對於未來的展望和設計理念。  關永權設計師與梁志天設計師。 潘鴻彬表示，設計周的規劃始於2019年，因觀察到其他產業常舉辦時尚周、博覽會等活動來向大眾展示成績與交流，然而香港的室內設計雖然活躍於國際，但卻沒有正式且公開的活動能與大眾對話，因此有了設計周的發想。然而因新冠疫情的影響，原規劃在2020年進行的設計周，在多方考慮下，選擇延期至2021年舉辦。香港室內設計周作為產業的首個大型活動，備受各界關注，活動的主旨是希望表揚香港室內設計大師的成就、新一代室內設計專才的才華，更重要的是與大眾分享香港室內設計行業的最新發展。  香港室內設計周活動現場，規劃五大主題展區展出。 為了增加大眾的參與度，設計周正式登場前，即透過由公民提名及投票的「我最喜愛的香港室內空間」展開。潘鴻彬說到，在疫情的非常時期，因為不能出國，反而藉此機會讓大眾回頭欣賞香港本地的設計，從百貨商場、酒店旅館、書店、辦公室到藝文展演空間，從使用者的角度發掘鮮為人知的空間故事，最後獲選的10個空間作品也在展覽中展出。緊接著藉由「開放日」活動，帶領大眾走進平日不易開放參觀的場所，包含表演/視覺藝術場地—藝穗會、義大利設計藝術畫廊—Novalis Contemporary Art Design Gallery、設計工作室—元新建城、電影院—iSQUARE 英皇戲院、品牌陳列室—亞細亞瓷磚概念店，在業內人士的講解下，透過親身體驗，感受設計師別出心裁的設計，進行一場室內設計的藝術之旅。  香港室內設計周活動現場，規劃五大主題展區展出。 最後設計周的壓軸則是在香港會議展覽中心舉行的博覽會、論壇以及工作坊。從8月20至22日，為期三天的活動，共有5場論壇、8場工作坊以及內容豐富的展覽。除了展出由公民投票出的10個「我最喜愛的香港室內空間」，還特別設置傳奇展區向梁志天、林偉而、伍仲匡、顏學添、關永權以及張智強等香港的室內設計大師致敬；「全球室內設計大獎—香港作品展」展出在國際評選中屢獲殊榮的香港設計師，表揚他們的成就和才華；而「創新提案—作品徵集展」（Creative Collection）展區，則介紹以當代生活、社區、學習以及為健康生活而設計的新趨勢。展區和展品之間，透過具關聯性的香港空間故事串聯，彷彿一趟走遍香港天南地北、橫跨傳統與現代的時空之旅。 香港室內設計協會會長潘鴻彬。 論壇一共邀請了25位講者。潘鴻彬表示，因為邀請的學者、設計師不僅來自香港、日本、澳洲、荷蘭等國內外各地且人數眾多，加上緊迫的籌備時間，對於主辦方來說是一大挑戰。5場論壇透過現場以及視訊的方式，分別以「室內設計教育學」、「東方設計匯聚」及「重點會議：酒店零售設計」等議題開講，與參與者分享他們的設計視野，演繹設計的無限可能。 展覽現場。 潘鴻彬作為PANORAMA泛納設計集團的創始人也談及自己的設計理念，公司以書店、商場、酒店等各式商業複合式空間設計活躍，而他們始終秉持「以設計來說故事」的概念。以近期公司榮獲紅點設計獎best of best的《覓居酒店》為例，酒店以「竹子林」的名字作為概念開啟故事，為了做出市場區隔，他們選擇使用在地的竹子為建材，讓它不僅是一個精品酒店項目，更是一個宣揚文化的媒介。他提到，每個案子對於團隊來說都是一次經驗、一個挑戰，希望不斷跳脫傳統，為設計注入更多的「人文」元素。而感知全球化的趨勢，潘鴻彬發覺因資訊發達，各國的設計元素與風格日漸相似，雖然有好有壞，但當作品太過相似就模糊了辨識度。他期許，香港的室內設計能找回自我的文化認同，透過歷史、文化差異等的元素，做出屬於自己的設計。 開放日—英皇戲院參訪。 首屆香港設計周盛大展開也圓滿落幕，然而今年只是個開端，香港室內設計協會希望它可以變成一個持續性的活動，透過業界之間、跨界甚至是與民眾的互動，提升香港室內設計的水平。設計周結束後，協會將專注於亞太區室內設計大獎項目，潘鴻彬表示，今年是香港室內設計協會創辦30週年，目前正積極規劃明年第30屆的亞太區室內設計大獎，作為一個歷史悠久的獎項，不管是在分類、評選系統甚至是對於空間的定義，將因應環境的改變重新調整與規劃，同時除了頒獎典禮，如何透過推廣與行銷活動，延續獎項的效應，讓獎項更具意義也是他們希望努力的方向。 ​資料及圖片提供」香港室內設計周、香港室內設計協會 採訪」歐陽青昀

當浪漫的春天離去，熱情的夏季到來，人們的心境似乎也隨著季節的轉換而起伏。夏天，除了學生們迎接期待已久的假期，也是世界各地的旅遊旺季，而英國倫敦海德公園內的蛇形藝廊也在這熱情高漲的夏季裡，展開一年一度的藝術盛事—夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）。 展亭外觀。© Counterspace Photo: Iwan Baan 「蛇形藝廊」是位於英國倫敦海德公園內，肯辛頓花園蛇形湖畔的一座美術館，自2000年的夏季開始，藝廊每年會邀請享譽國際的設計團隊，在藝廊前打造一座為期三個月的臨時建築展館，被稱為蛇形藝廊夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）。2021年，此計畫邁入第20個年頭，今年邀請來自南非Counterspace事務所的建築師Sumayya Vally負責操刀設計，而她也是計畫實施以來受邀最年輕的建築師之一。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 來自南非的女性設計師Sumayya Vally Counterspace事務所是由Sumayya Vally、Sarah de Villiers與Amina Kaskar三位生於1990年的女性建築師，在2015年共同成立的建築工作室，他們的作品不僅關注包容性、他者與未來，設計靈感更是來自他們的所在地—南非最大的城市約翰內斯堡（Johannesburg），期望將非洲大陸的歷史文化透過藝術、建築、設計等多元形式展現。年僅30初頭的Sumayya Vally，透過獨特的設計思維與視角，不僅被視為新生代建築師中的明日之星，更被紐約《時代雜誌》選為2021 TIME 100 NEXT。 設計師 Sumayya Vally。Photographed by Justice Mukheli in Johannesburg, 2020. © Counterspace 在南非學習建築設計的Sumayya Vally，長期關注身份、社區、歸屬感等社會議題，在設計上，她不斷跳脫西方的傳統思維，將南非獨有的文化語彙注入於作品之中；從她過往的實踐至2021年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion），不難發現她的創作皆是圍繞著不同的歷史、族群以及對各樣聲音的觀察和發聲。Sumayya Vally提及，她大部分的靈感來自於約翰內斯堡的精神、面臨的挑戰和機會；她的童年常待在由祖父經營位於約翰內斯堡市中心的店裡，她清晰的記得，她小時候遊走在城市街道時，觀察到各式場所、活動以及文化勢力的那股激動和震撼。所以，當她被邀請作為此次展亭計畫的設計師時，她就希望能藉由這個機會，向其他和她一樣擁有不同文化脈絡的人們展示，他們能為世界帶來不同的面貌。 “ 建築所扮演的角色，是吸收、反射並轉化我們在世界上的定位。 ” 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 靈感發想：倫敦移民文化與跨文化 因新冠疫情的影響，2020年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）延期至2021年舉辦；然而，這一年的停歇卻也讓Sumayya Vally有了更多的時間以及空間反思展館設計對於大眾的意義。 展亭外觀。© Counterspace Photo: Iwan Baan 展亭的設計是依據在過去和現在的倫敦城市裡，用來作為聚會、組織、和具有歸屬感的地點。展亭的造型輪廓是將多個地點的建築元素，透過抽象化、相加、疊加、切割而成的結果，將倫敦的形狀轉化爲展亭的結構重新組合再現於海德公園內。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan Sumayya Vally以布里克斯頓（Brixton）、霍克斯頓（Hoxton）、哈克尼倫敦自治市（Hackney）、哈姆雷特塔倫敦自治市（Tower Hamlets）、埃奇威爾路（Edgware Road）、巴金-達根罕倫敦自治市（Barking and Dagenham）、佩克漢（Peckham）以及諾丁丘（Notting Hill）等，這些對於倫敦移民和跨文化極為重要的社區鄰里中的市場、餐廳、工作室、書店、當地文化機構的建築為參考。例如，市內最早建造的Fazl清真寺以及東倫敦清真寺、哈克尼倫敦自治市的Centerprise合作書店、Dalston Lane的The Four Aces Club、Mangrove餐廳、諾丁丘嘉年華會等，Sumayya Vally希望擷取這些歷史精神並透過設計與其致敬。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 展亭是由再生鋼、軟木和覆蓋微水泥的木材建造而成，並參考倫敦建築在光線下的變化，選用不同質地以及色相的粉和棕色色調呈現。Sumayya Vally期望它不僅是一個展館建築、一個藝文活動，而是她為倫敦市民打造的一個新聚會場所。 延伸至展館外的結構裝置 擺放在德普特福德（Deptford）The Albany藝術中心的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 2021年的夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion）也首次踏出蛇形藝廊，將展亭建築部份結構的小型裝置擺放在四個激發展館設計的地點，以表彰它們對於社區的貢獻和支持，分別是芬斯伯里公園（Finsbury Park）內英國首間黑人出版商與書販的New Beacon Books、諾丁丘（Notting Hill）的文化藝術／娛樂場地The Tabernacle、德普特福德（Deptford）的藝術中心The Albany以及Valence圖書館內的Becontree Forever Arts and Culture Hub。 擺放在Valence圖書館內的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 擺放在芬斯伯里公園（Finsbury Park）內New Beacon Books的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 擺放在諾丁丘（Notting Hill）文化藝術／娛樂場地The Tabernacle的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 2021年的倫敦蛇形藝廊夏季戶外展亭（Serpentine Pavilion），已於6月11日盛大開展，並開放至10月17日，期望在疫情下為世界和倫敦市民帶來一些慰藉和希望。 2021 倫敦蛇形藝廊 Serpentine Pavilion 展期」2021年6月11日至10月17日 10：00～18：00 網站」https://www.serpentinegalleries.org 資料及圖片提供」Serpentine Galleries  撰文」歐陽青昀

《環城 The Circle》比鄰瑞士蘇黎世機場（Zurich Airport），其宏偉而醒目的環形外觀是瑞士最大的建築之一。日本建築設計師山本理顯，打破以往建築設計的傳統框架，將這個多元服務空間打造成一個具有城市系統的圓環，並藉由象徵和諧與完美的圓形設計，來體現瑞士在建築與規劃方面的嚴謹。   環城鄰近蘇黎世機場，擁有便捷的交通系統；同時坐擁大片Butzenbühl 綠地，與周圍環境和諧共存。 建築群由小巷及廣場交錯而成，蜿蜒的公共通道串聯大大小小的廣場，並連接鄰近的機場和Butzenbühl綠地，使建築的各個單位能有系統地與環境集結成一個整體，構成一座小城鎮。 環城巨大且醒目的圓形外觀以密閉的幕牆系統覆蓋，此項目不僅作為蘇黎世的城市新標記，並發展出一套城市系統。 在交通層面，環城坐擁優越的地理位置，擁有便捷的交通系統；而在服務方面，此項目著重於商務與生活品質，涵蓋精品、餐廳、會議廳和頂級酒店等多元空間。這些內涵的組成，不僅讓大眾看見環城在城市中的重要性，也透過建築讓蘇黎世與世界建立深刻的連結，成為蘇黎世的鮮明標記。   建築上方的屋頂花園和露臺為環城的第五立面，地面以石板鋪設，欄杆則為玻璃設計。 小城街景的實現 此項目在施工、建築結構與建材尺寸等方面皆根據建築方格網(building square grid )布設，以確保整體規劃的準確性。再加上建築構思運用連貫性概念串連，使複雜的城市結構與建築脈絡能具有更加彈性且統一的規劃。   此項目主要以蜿蜒的小巷和廣場規劃出城市街景，通透的雙層玻璃帷幕設計讓室內空間能與戶外進行對話，以及優化室內採光，地板則使用石板鋪設讓環城的形象更加具體。 環城的大門入口設置在面朝機場的地面層，穿越階梯、斜坡或電梯後，則可通往建築前方的Butzenbühl綠地。小巷與廣場在環城中肩負靈魂角色，它們貫穿了此項目的所有區域，作為遊客行經的主要路徑。環城裡，地面和立面皆選用高品質建材，並藉由簡潔的樣貌讓各租戶的店面在呈現品牌特色的同時，也能與建築本身的設計和諧呼應。 環城的整體基礎結構皆為縝密而和諧的系統，連貫性設計也讓建築功能更加具有彈性和統一性。 在小巷與廣場的交滙處，地面採用小型的方形石板順著蜿蜒道路而鋪設；廣場中央則鋪設大型的天然石板，與周圍的小型石板連接，並且示意場域轉換。小巷內的梯座坡度一致，踏階延續小巷地板的特色，採用天然石板順應步寬與步長而鋪設。整齊劃一的石板設計，沿途林立的商店群像，高度起伏的動線變化，讓遊客恍若走在小城街景上。 廣場中心的地板以大面方形石板鋪設。 面面俱到的微城市規劃 建築的玻璃圍幕是環城的一大特色，團隊採用瑞士創新的密閉幕牆系統（Closed Cavity Facade, CCF），運用雙層玻璃幕牆包覆環城的所有子區域，不僅能達到優化室內採光、無阻通風的效果，亦使建築群能夠與周遭環境對話，映現出周遭風光。 租賃區域的店面設計皆交由租戶設計，讓店家各自展現品牌特色。 此項目的立面設計主要分為兩個範圍，一個是面朝綠地的垂直立面，包含山坡、小巷和廣場；另一個是面向交通系統的外突立面。垂直立面的部份呈現建築的高度，同時發展出結構可能的深度，突顯出建築量體的邊緣。外突的立面線條則圍覆著建築朝向機場的環形區域，構築出建築雄偉的姿態。 會議中心的大型會議廳採用對稱式設計，豐富了空間的層次感。 遊客在環城內可體驗２種空間型態：「城市規模 Urban scale」與「人文尺度 Human scale」。就「城市規模 Urban scale」而言，山坡及環側皆屬於此一範圍，建築表面均採用雙層玻璃幕牆設計，並將擁有高光澤度的鋁板覆蓋在上方作為護欄，以提高外牆的隔熱和防曬效果。 Butzenbühl 綠地為環城的項目之一，蘊含森林、草地和濕地等自然景觀。 在「人文尺度 Human scale」部分，則以小巷決定環境，垂直通道、玻璃電梯、入口大廳，以及不屬於品牌商家的租賃區域，皆按照城市規模的標準立面和密閉幕牆系統的規則作規劃。由於品牌商家是人文尺度的重要組成元素，並且佔據了環城大部分的空間，因此設計團隊精選高品質的建材來建構形象與外觀，租賃空間則交由租戶自行完成，令商店百花齊放，並呈特色。在這些涵蓋人文尺度的空間中，採用玻璃屋頂與城市規模的立面形成連結，完整了整體項目。   會議中心與綠地 會議中心的大型會議廳是環城不可或缺的重要元素，其恢宏的格局總共可容納1,500人，透過落地摺疊門可將空間彈性區劃出3間獨立小型個室。會議中心大廳以潔白的梯形結構作為空間特色，它採用預製的坡形白色混凝土組建而成，而裝設上方的玻璃屋頂能引入自然光線，兼具視覺美感同時提升室內採光。另外，在傾斜處與隔間牆之間的壁龕巧妙地隱藏了機械設備工程，使空間更形簡潔俐落。 Butzenbühl 綠地的地板同樣以天然石塊鋪設。 除了環城本身雄偉的建築外觀，旁鄰的Butzenbühl綠地也是此項目的特色環節之一，綠地不僅平衡當代建築與環境景觀的關係，同時也吸引民眾親近自然，共同體驗明媚的自然景觀。Butzenbühl綠地的地面延續著環城市的小巷與廣場設計，同樣採用天然石塊鋪設。此外，設計團隊為Butzenbühl的濕地規劃施作與水面齊平的步道，讓民眾近距離感受公園裡寧靜的水景風光。 自行車車道位於環城外側與公路的邊界牆之間，幕牆以鋁製擴張金屬板製成。 設計師簡介 山本理顯（Riken Yamamoto） 日本建築師，1968年畢業於日本大學理工學部建築學科，1971年取得東京藝術大學院建築博士學位，並於同年在東京大學生産技術研究所繼續學習。1973年創立山本理顯設計工場。 圖片提供與版權」Riken Yamamoto & Field Shop 撰文」紀奕安

2021 第四屆「台灣光環境獎」於 7 月底公布複選入圍名單，近年大眾熟知的公共建築與地景，如台南美術館二館、台南月津港、屏東縣民公園等皆可見於名單之中，另外亦有金普頓大安酒店、高雄銀座聚場等商業空間入圍。   主辦單位中強光電文化藝術基金會表示，今年報名作品相當精彩，涵蓋地標、歷史建築、博物館、景觀設計、公共藝術、設施與空間等多面向的公共文化設施。入圍之 20 件光環境作品將進入複選會議，經評審再次討論評選後選出決選名單，決選名單將於 9 月公告，並於 11 月份舉辦頒獎典禮公布最終得獎者。   編按：為閱讀順暢，以下將 20 件作品簡單區分為古蹟及老舊建物再利用、公共藝術、室內照明、戶外照明等 4 類。實際入圍名單以光環境獎官網為準。    古蹟及老舊建物再利用  HEITO 1909 屏東縣民公園 / 衍生工程顧問有限公司 屏東製糖工場創建於 1909 年， 1994 年紙漿廠因故關閉，於殺蛇溪沿岸遺留了近 80 公頃的閒置荒地。設計師在錯綜複雜的地坑結構中，以燈光作為戲劇性的空間引導，每扇「門」都是一個歷史可能，糖廠不同時代的舊貌被重建出來，引導的「門」以滲出的光源在不同轉角呈現過去的空間。水池區則以勾勒外型的炫光為主，描繪出過去歷史故事。設計保留工業地景及遺構，營造綠水公園及水岸生活圈，亦運用保存、活化、再運用的觀念完成地域建築的實踐。   台灣基督長老教會濟南教會新宣教中心暨主日學教室古蹟修復 / 張哲夫建築師事務所  基地位於中山南路及濟南路口的市定古蹟濟南教會，於 1916 年竣工落成，隨著歲月侵蝕而逐漸不敷使用。照明設計傳遞出信仰特質，光以柔和姿態從新建的牧師館的立面十字架透出，映照在一旁的市定古蹟主禮拜堂。3000K 色溫呈現內部紅色磚牆，提供了溫暖的邀請。原主日學室建築內，訂製仿舊的吊頂漫射燈，映襯出不同時期的空間語彙及樣式。藏於溝槽的上照線型燈，將上方木作天花照亮，溫潤光澤落於鋼構桁架上，創造材質間的對話。   消失的地景—再造軍事碉堡成為影視基地 / 力口建築   此計畫為雲林縣政府新聞處推動的縣內老舊建築空間再利用，基地是兩座二戰期間所建造的軍事碉堡。VR 體驗區以兩側地面點狀光源暗示人們於指定位置就坐，光源上照突顯頂部弧形，將整體環境形塑出科技及神秘感。而 MR 空間讓人們席地倚坐在兩側，運用椅背帶狀光源洗牆強化整體空間感，將動畫投射在拱型天花板，善用碉堡建築成為新的影像平台。廣場的金屬鏤空的資訊立牌，白天透過天光將字烙印在地面，夜晚透過燈帶讓文字發光，讓資訊立牌成為乘載光的器皿。   國立台灣博物館—鐵道部廳舍室內公區照明設計 / 沁弦國際設計有限公司   此案為台灣總督府交通局鐵道部 6 棟國定古蹟建築群，整體照明設計概念以「織理」將新與舊的元素相互交織，呼應室內空間形式語彙，將車站與鐵軌的概念轉化以現代、抽象、簡潔的幾何元素。由照明所引導的中心視覺以 1 樓入口古典吊燈與 2 樓圓形幾何吊燈為主要基調，向外延伸南北翼對稱的長廊，以點與線寓意鐵道與站點的關係。2 樓演講廳亦是頗具新舊融合特色的空間，座位區以線形軌道燈做點狀直接照明，沿梯形漸層而上之處，則以圓筒吊燈接續，後方空間設計刻意保留天花開口，可觀見廳舍古蹟屋頂木構造。   20、21、22、23 號倉庫展示規劃案—金工再現與複寫 / 楊宗維建築師事務所   基地位置位於宜蘭縣五結鄉中興文化創意產業園區，設計將歷史遺構結合燈光設計，定義出空間特性，並再現歷史遺構工業之美，燈光設計規劃重點為三大部分：1. 上方屋頂鋼構架再現：各倉庫上方安排 H 型鋼吊燈，採上下反打照明方式。2. 柱列工業美感再現：在每組鋼鉚接結構柱內部藏有燈光，使其效果如立體雕刻。3. 柱列展示箱體再現：柱列外部各規劃有90*90cm 的玻璃展示箱圍塑。  　　　 銀座聚場 / 一起設計規劃顧問有限公司   本案坐落於高雄鹽埕「國際商場」，原稱作「高雄銀座」，落成於 1936 年，為高雄第一座大型百貨街，因商圈轉移而逐漸沒落、荒廢。照明設計延續環境氛圍，以低度且散佈的光源點綴空間。除了修復商街的舊燈具外，部分光源以藍染織布包覆，或採用減光紙讓環境更為柔和。而老木窗與鋼管扶手，也變身成為燈光的容器。此外，考量建築後方因緊鄰房屋而終年陰暗，亦將照明設於後巷，讓光線穿透玻璃散射進來為室內補光。有燈就有人，「銀座聚場」為自己點燈，也為沒落的商街擦亮改變的可能。    公共藝術  拾光 / 禹禹藝術工作室   作品〈拾光〉為 2021 月津港燈節參展作品之一，使用 LED 暖黃光源由內部投光，置身其中宛如被巨大能量包覆，在外部光源從縫隙透出微微光線，產生內外反差的視覺。作品左右高度落差的設計產生一條光痕，在月津港河岸另一側步道行走，宛若一條指引，沿著弧度透出的光散發著能量。水面的倒影完整了環境與作品之間的對話。   魯班塔 / 偶得設計有限公司   本作為藝術家范承宗的作品，以具千年歷史的三軸組合積木「魯班鎖」為創作基礎，透過運算產生下方密集上方逐漸空透，由實到虛和緩漸變的9米高塔形雕塑。照明同樣創造「反差」性質，白天的光由外而內，抬頭能看見結構與自然融合的特殊漸層；夜晚是裡面出去的光，像是一道火焰，是另一個受到燈光照射產生的漸層，透過燈光營造作品視覺印象在白天與夜晚的「反差」。   Shadow in Motion / noiz   在全新開幕的台南市美術館，noiz 和原研哉共同設計此裝置藝術，環繞著橢圓形樓梯，銜接起地下停車空間和地面。作品由三列的薄帶鋁板組成，每片板緩緩旋轉，同時連續排列，它的獨特性造就每板都成爲能調節光的反射方向和亮度的光學裝置。透過各百葉板間的週期錯位，以及當天天氣、到訪時間和到訪者的移動，演繹出獨特的視覺效果。    室內照明  金普頓大安酒店 / 原碩照明設計有限公司   在充滿色彩與藝術畫作的空間中，別出心裁的燈具設計也化身為空間的主角之一，有的巧妙的將特色材質表現，有的則是以暈光的造型桌燈、吊燈等樣態，成為空間中畫龍點睛的亮點。對比大堂採用柔和的散射光照亮迎賓，客房的照明旨在營造輕鬆感，同時通過對比的光線凸顯房內特有的設計材料和空間感，形成豪華的住宿體驗。   高科技外商辦公室 / 柏成設計有限公司   有別於傳統辦公室的燈光設計，此案改變以往光源皆由上而下的想法，將部分燈具光源轉換為壁面出光，帶出各空間獨特調性，並配合面材元素不同調整燈光呈現，例如木紋區域配上放鬆及愉悅的燈感，以及會議室內使用較為明亮的燈感。此外，燈光環境皆使用節能節約制，透過燈控系統調節不同時刻所呈現的氛圍，以及配合戶外日光照射的強弱，建立舒適的辦公環境，並達到永續發展。   台灣歷史博物館常設展廳整體展示環境提升計畫 / 偶得設計有限公司   位於國立台灣歷史博物館的「斯土斯民－台灣的故事」常設展，設計團隊實際走察後，發覺館方所困擾的展廳內太暗、看不清楚等問題，並非單純因照度不足，而是來自建築大面玻璃窗引入的強烈背景光。執行團隊以「降低前景與背景的視覺對比」為主要照明策略，採取 3 個照明手段：1. 在玻璃窗上裝貼減光膜降低輝度。2. 利用均質照明提升空間基礎照明。3. 配合展覽陳設，透過近或遠的窄角度投光，拉高重點照明；並透過電腦模擬，規劃出各種天候條件下各展區的調控比例，得到進一步的照明節能成果。    戶外照明  蘭陽博物館戶外環境友善照明改善行動計畫 / 宜蘭縣立蘭陽博物館   蘭陽博物館於 2015 年著手進行戶外環境友善照明改善，前後歷經 4 年時間，分別邀請台灣大學生物系楊恩誠教授協助進行跨年度夜間昆蟲調查、大公照明設計顧問有限公司指導與建議照明配置、億光電子呂立夫處長協助 LED 單一光譜之燈源調整。今蘭陽博物館建築外牆照明採用單一波長 590nm LED 50W 25 度燈泡。並依照季節不同調整點燈時間，點燈時間以不超過日落後一小時為原則，確保友善環境且營造舒適的夜間照明。   月津港水域景觀改善計畫 / 沁弦國際設計有限公司   本案以視覺友善為原則，從整體設計概念到燈具運用皆以減少過大的明暗對比造成訪客視覺上刺激與不適，將眩光控制最佳化。全面使用 LED 光源，免除紅外線及紫外線波長干擾，部分區域大面積採低尺度燈具，降低散射於空氣中的光害，並使用雙迴路時段燈控，僅保留向下照明至天亮，平衡夜間生態與安全環境。以整體光環境設計結合藝術創作氛圍，將此處水陸交錯之特性發揮到極致。   豐泰文教綠園區 / 九典聯合建築師事務所   本案豐泰文教基金會為一公益性質之機構，其設立宗旨希望以自然、永續與生態的方式，輔導在地農民耕作技術與提升生產價值。設計概念試圖創造出如花窗般同時可隔絕日曬又兼具採光的建築外殼，光源配置規畫於各樓層地板磚牆內退處，採 3000K 線性 LED 管狀戶外光源，光源以上投方式與牆體的凹凸、鏤空、虛實產生漸層光影變化效果，著重於建築外殼設計與光環境之對話。   屏東縣立圖書館總館 / 張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 本案藉由增建一座形式獨特的透明圖書館大廳，彌補既有建築匱乏的流動性與開放性。設計改變建築的軸向，使原本面向公園內部的圖書館，轉向九十度直接面對城市，重新與市民日常生活連結；在建築層面，新大廳以新增的正面性將圖書館的機能展現於城市之前，也把立面前方一排老樟樹的身影經由戶外廊道的中介引入室內，打破既有建築封閉沉重的氛圍。   台南市美術館二館 / 台南市美術館（行政法人）   南美館二館由日本建築師坂茂及台灣建築師石昭永合作設計完成，別具特色的大型五角碎形屋頂，隨著日照角度的改變與日照強度的變化，呈現陽光揮灑在牆上的光影。主體建築亦搭配建築師選用的低色溫燈光，營造出典雅宏偉的氣勢。透過上層投光照明，五角造型鋼骨結構演繹出虛實變化的線條律動美感；中、下層外牆垂直錯位的塊面投光，則創造出明暗層疊及光影變換。入口階梯、椅下空間、步道欄杆及扶手樓梯等處則安裝的低色溫線性燈，提供民眾溫暖又安全的引導照明，更為館區整體景觀營造出光帶不規律縱橫交錯的照明美感。   橫山書法藝術館—光影石見 / 羅伊真照明設計有限公司   位於桃園市大園區的橫山書法藝術館，乃以公園爲「硯台」、陂塘爲「墨池」的意象規畫園區，是國內第一座官方設立、以書法藝術為主題的美術館。照明氛圍的營造，在光影明暗層次之間，以及點、線、面，進而至區塊的布局。外觀上，以連續性的燈光加以延續，以五方篆印建築量體之語彙爲體，輔以植栽綠樹以及室內泛光。本計畫運用細膩的燈光布局及層次，藉由「光」，作為空間與書法藝術的串聯，營造出有別白天景觀之詩意空間氛圍，形塑人文與自然共享、共存的友善光環境。   新竹市體育館雨庇及館前廣場之增生 / 工二建築   雨庇構造外推的立面及雨庇，彌補原本縱深及採光不足的大廳，提供民眾足夠的容留緩衝與交誼空間。設計從兩種厚度的鋼板開始，製成 60 度 V 型斷面樑及四片一組的平行四邊形面狀單元，進而編織成一個重複的構造系統，同時完成結構系統、雨水導水及造型等任務。而單元的秩序，具有構造評估及施工製造的高度效益，標準型鋼斷面對併製成內崁照明的柱，將頂部構造托住，同時也界定了平台空間的活動層次，傳統的柱、樑、板等建築元素，在此產生曖昧並相互合作的關係。   台灣大學醫學院附設癌醫中心醫院 / 潘冀聯合建築師事務所   「借用層次豐富的光源為黑白電影上色」，是本案設計核心，「以人為本」的療癒性環境理念，由環境照亮使用者心理的黑暗角落。為了將自然光線帶入建築物的內部，並有效引導醫院門診的人潮動線，設計團隊創造了兩個主要的室內大型挑空空間，分別是「希望光塔」與「翠微生活街」。人造光則隱身在建築細部之中，整體的色溫採用暖橘色，與立面的材料相呼應。室內則區分為以情境為主的公共空間及以功能為主的醫療空間，分別給予不同的色溫與燈具照明型式，兼顧病患與家屬的心理與醫療照護的安全需求。 編輯」林慧慈 資料及圖片提供」中強光電文化藝術基金會

7月初的台北街頭，出現了一間令人眼睛為之一亮的新地標。由全台灣最大的咖啡原物料供應商－源友企業，成立的品牌「CAFE!N」，特地邀請曾設計全球知名咖啡品牌「％ARABICA嵐山店」的設計師Elson與其團隊MIZUIRO Design水色設計回台操刀全新旗艦門市，企圖引領台灣咖啡場域的新浪潮。《室內》雜誌隔海專訪設計師Elson，與讀者分享他的設計理念，以及他對美好生活的想像藍圖。   MIZUIRO Design水色設計   / 林正斌Elson 黃詩茹Lucy MIZUIRO =ミズイロ=水色。水清無色，純淨透明，「水色」是形容水的狀態：凝結、融化、蒸發，自然的存在於生活環境中，環境的變化讓水有了循環、讓水有了生命，雙方共生共存。MIZUIRO的設計期望如同「水」的本質，風格簡潔清晰、造型多變卻有內涵；概念自然流露卻不矯揉造作，讓設計能在不同的空間之中因應環境而變化，發展出自己最適合的型態。 CAFE!N旗艦店選址於三角窗，是經營商業空間的絕佳地點。 喝咖啡，儼然已成為時下社會一種新的生活方式，它是一種體驗、一種享受。城市中隨處可見的咖啡小店，不僅豐富了街邊景象，透過舌尖品飲來自世界各地的咖啡風味，也是現代人在忙碌工作之餘的心靈綠洲。而咖啡生豆的質地越硬，代表品質越好，這也是「CAFE!N」品牌命名的靈感來源，藉由母公司堅強的咖啡「硬實力」，提供消費者美味的味覺饗宴，設計師Elson表示，由於本案為品牌的旗艦門市，在設計發想上，他注入一個全新的概念：「CAFE!N × L!FE」，希望透過生活感的塑造，讓門市與消費者的互動更為密切且多元。   格局再造與店面角色的再定義 Elson認為，1樓的空間是拉近消費者距離的第一線，也是店員最容易與之產生互動的地方，但原有基地的1樓卻保留著通往2樓的巨大樓梯，不僅佔掉了絕大部分的面積，也因為建物本身並非方正造型，導致在規劃服務機能時，必須浪費掉許多畸零空間，在與業主溝通後，儘管需要增加不少預算，業主依舊支持設計師重新規劃樓梯細節；且為了不壓縮店員操作動線的餘裕，Elson嘗試將吧台外推至門面，讓店員們在服務時的專業形象，成為門面視覺的一部分。   為提供店員流暢的作業動線，設計師重新整理1樓布局。 Elson表示，此次旗艦店重新定義了CAFE!N與城市的關係，他反其道而行，跳脫傳統商業空間張揚、引人注目的調性，而是賦予店面安靜、簡單、低調的個性，企圖弱化其於城市中的存在感，把「有」留給環境，店面則呈現「無」的角色，因此設計師取消過往設計中常見的黑色、木質色等，改將白色放大，藉此讓城市與店內所上演的故事，有著更具張力的感受。 牆面以白色紙漿代替壁紙，增加紋理和材料的變化。 此外，搭配著空間中的細節，如用油漆滾筒塗刷的白色LOGO浮牆，牆面以白色紙漿代替壁紙，呈現出的紋理和質地皆有微小的差異，也讓空間縱然低調，卻擁有多種層次。除了沉靜內斂的形象外，Elson更主張旗艦店必須更貼近消費者，硬體之外更需要加入「人」的豐富情感，大家都能找到與環境互動、對談的方式，並了解隱藏其中的設計意涵，讓處處充滿著生活的體驗感！   手作溫度豐厚了空間生命力 生活感，是CAFE!N旗艦店十分重要的環節，設計師由此延伸出材質設定，「手作」是不可或缺的部分。如同生活，滿盈著質感也具有變化；如同生活，完美之中總伴隨著些微不完美；如同生活，需要用心體驗才能感受深層的美好，Elson特地選擇由職人手藝鏝抹出的地坪水泥粉光、一層層塗抹而成的立體LOGO油漆、由外帶杯架（環保紙漿）相疊製成的立體驚嘆號，又或是串接上下樓層的紙漿牆面，這些無法復刻出相同模樣的語彙，正是設計師希望呈現的生活痕跡。 由職人層層塗抹而成的立體Logo牆面，讓空間多了手作的質感。 CAFE!N旗艦店基地位在三角窗邊，無論是由內而外，抑或是由外至內，都有著良好的視野，是絕佳的開業場所，為了不破壞周遭環境，以及維持設計本身的簡約概念，立面未做過於顯眼的裝飾，而是於室內創造猶如招牌般的「標的物」，立體驚嘆號便應運而生。 以外帶杯架製成的立體驚嘆號，不僅是品牌的識別，也成為空間中引人注目的焦點。 設計師解釋道，驚嘆號不只是裝置藝術，除了與人產生互動外，也應為環境著想，遂利用環保紙漿形塑，達到環保永續的目的；而符號的凹凸造型，在製作時需經過層層疊砌方能穩固結合，並突顯出堆疊後的細節，也因為選擇回收材料，再製時難免會有厚薄不一的現象，但Elson認為這樣的效果更加真實地表現出「生活中些微不完美」的設計理念。   為確保空間的通透性，在家具的配置上，設計師以「減低數量、簡化空間、視覺活潑」等三大面向作為主軸，藉由減少單張桌椅，讓整體布局較為簡化，也能更直接的表現設計力道；利用薄板製作的金屬家具佐以簡易的折角設計，除可穩固結構外，亦使輕盈感受貫穿其中。 有機式的座位安排，帶來更多元的配置彈性。 設計團隊從不同層次、造型、家具著手，以提供多元視覺角度供消費者體驗，人與人、人與空間之間的互動，可以讓店面的氛圍更為活絡；再者，所有商業行為的構成中，消耗及浪費必定會發生，面對這種無可避免的難題，Elson也期望可以從每次的設計中，一步一步尋找到適宜的解決方式，就好似由回收材製成巨型立體驚嘆號裝置，便是設計師和品牌對於環保的實踐。 由1樓向上仰望樓梯與立體裝置藝術品。   資料及圖片提供」MIZUIRO Design水色設計 採訪」陳映蓁

還記得每回搭乘飛機時雀躍又期待的心情嗎？在抵達旅途目的後，機場便是首個與當地接軌的地點。機場不僅做為與國際連結的樞紐，亦是體現國家的人文風情，為每位踏入機場的旅客帶來深刻的第一印象的重要國門。 「視覺之門」文化藝術展於東京國際機場（羽田機場）與成田國際機場展開，邀請各國旅客共同探索日本文化及歷史魅力。（圖片提供：Takashi Kawashima） 2021年2月9日至9月，日本文化廳於國內7個國際機場和１個港口舉辦文化藝術展，以「CULTURE GATE to JAPAN」為企劃主題，使機場和港口成為旅客初步了解日本文化的入口。每個展區皆邀請現代藝術家及設計師運用裝置藝術或影音媒體的形式，來詮釋日本各個區域的歷史背景與文化特色。即使受到新冠疫情的阻礙，短期內難以實現自由旅行，各地民眾依然可透過官網資訊共同體驗富含日本文化底蘊的藝術饗宴。   視覺之門（Vision Gate） 以凌空視角揭開藝術序幕 保拉·安特那利／紐約現代藝術博物館建築與設計部資深策展人兼MoMA現代藝術博物館R&D部研發長。（圖片提供：Marton Perlaki） 東京國際機場（羽田機場）與成田國際機場在美國資深設計師保拉·安特那利（Paola Antonelli）精心策劃之下，以「視覺之門（Vision Gate）」為主題，於2021年初揭開展覽序幕。保拉·安特那利將自身搭乘飛機和旅遊的經驗融入策展構思，期望透過裝置藝術和影片來呈現搭乘飛機所見的景致—雲層及河川，讓觀展的民眾能擁有深入其境的體驗，同時藉由展示作品來發掘日本文化過去至未來的視覺感官，深入探索這個島國的歷史背景與文化魅力。   裝置藝術 擁擠的雲（Crowd Cloud） 創作者」鈴木有理、細井美裕 2位聲音藝術家鈴木有理和細井美裕攜手合作，共同打造結合視覺與聽覺藝術的裝置。這朵運用68隻高低不一的喇叭構築而成的人造雲朵，收錄並播放旅客在機場迎客大廳與親朋好友對話，使人能夠用心去傾聽日本這個民族的真實聲音。 「擁擠的雲」象徵視覺之門的大門，結合視覺與聽覺藝術，迎接每位抵達機場的旅客。 而在視覺效果的部分，喇叭特別選用「蒔繪（蒔絵）」常用的色彩漆覆外觀，在宣揚日本傳統工藝技術的同時，也與在地的藝術文化連結。藉由現代藝術作品與傳統藝術融合，使人們對於日本歷史演進的概念更加具體化。 鈴木有理／藝術家、設計師及音樂家，同時是五角設計聯盟（Pentagram）的合夥人。 作品設計靈感源自一首名為《歌唱技巧A.I（Vocalism A·I）》的具象音樂作品，是由日本現代知名作曲家武滿徹和詩人谷川俊太郎聯手譜寫出的經典名曲。《擁擠的雲》和《歌唱技巧A.I》這兩個作品皆捕捉到人們周遭無形的情感，細膩地展現言語與聲音的力量。 細井美裕／聲音藝術家。（圖片提供：Ken Hirose） 藝術家認為，語言是文化的一部份，乘載了一個民族的歷史、思想和信仰等多種面向。日語本身便體現了日本含蓄、內斂且謹慎的性格特色，透過言語交流能更進一步地去感受民族的歷史背景與魅力。   多媒體影像 寫實的世代群像   東京主題公園 （Theme Park Tokyo） 創作者」Acky Bright 影片連結」東京主題公園 Acky Bright／插畫家及漫畫家，其作品以傳統的黑白線條聞名。 Acky Bright是一位日本知名插畫家及漫畫家，在「東京主題公園Theme Park Tokyo」這部影片中，他以自身特色的黑白漫畫風格來呈現日本澀谷與原宿的街道景致，全片的表現手法生動活潑，既帶出東京現代科技的發展，也融合傳統的文化元素，讓人耳目一新。 一拍 （Hitoshobu） 創作者」井上純 影片連結」一拍 井上純／其作品將傳統藝術—書法與塗鴉、嘻哈這兩項現代藝術融合，以創造獨特的空間。 影片記錄井上純在掛軸上創作的過程，其作品不僅結合現代塗鴉和傳統書法的技巧，再配合身體的律動，將自身對於「視覺之門」這項主體的觀點，鮮明地灌注在作品之中。 重力花園（Gravity Garden） 創作者」兒玉幸子 影片連結」重力花園 兒玉幸子／擁有物理學科的背景，為首位結合鐵磁流體和藝術創作的藝術家。 擁有物理學背景的藝術家兒玉幸子，運用紅、綠、藍色的螢光鐵磁流體（Fluorescent Ferrofluid），在磁力與重力的作用下，創造出日本的重力花園，同時展現日本的生命力。    TSUGI 創作者」PARTY 影片連結」TSUGI PARTY／一家集結藝術、科學、設計等領域的創意公司。 這項作品涉及氣候變遷和自然生態保護的議題，例如：北極冰因地球暖化，其面積逐漸縮小；森林占地因野火肆虐而逐漸流失。面對環境浩劫，我們該如何應對？PARTY在作品中藉由日本傳統修補技術「金繕修復」，藉由金漆象徵人類的意志修復及環境損失，以喚醒大眾對環境議題的重視，共同去思考並採取行動來改善問題。   滿月之日（Day of a Full Moon） 創作者」茂木モニカ 影片連結」滿月之日 茂木モニカ／藝術家、攝影師及導演。（圖片提供：Monika Mogi） 影片蘊含對日本自然景觀的愛，帶領觀眾一同探索茂木モニカ眼中超凡推俗且神祕莫測的自然環境；同時融入自身對女性強大而獨特的特質的憧憬，紀錄女性的穿著在過去和現在的變化。   古事記 – 天之真名井 創作者」森萬里子 影片連結」古事記 – 天之真名井   森萬里子／當代藝術家。（圖片提供：David Sims） 作品運用電腦產生圖像技術來呈現日本首部文史典籍《古事記》的故事，影片演繹天照大神在須佐之男的十拳劍撒上天之真名井的淨化過程。森萬里子不僅藉由神話故事呈現日本的歷史與傳統文化，亦具有賦予日本生命力的象徵。 圖片提供與版權」Vision Gate 攝影師」Takashi Kawashima 撰文」紀奕安

全球熱烈討論的 V&A 重量級大展《蒂姆．沃克：美妙事物》7 月 31 日在奇美博物館登場，不僅可以看見傳奇攝影大師蒂姆．沃克（Tim Walker）的奇幻之作，一展區一世界、充滿氛圍的情境空間同樣令人驚豔，加上聲音效果的巧妙陪襯與沃克優美動人的自述文字，讓人彷彿進入一個超現實的綺麗夢境，堪稱是最魔幻的沉浸式體驗。而今台灣的民眾不用出國就能在台南看到原汁原味、具國際專業水準的超級大展，奇美博物館不惜重本向 V&A 借展，引進時尚攝影大師此生至今最精采的作品展！ 蒂姆．沃克「雲朵9」系列作品，拉迪卡．奈爾、尚特爾．庫爾卡尼與基蘭．肯德拉 時裝：Richard Quinn；伍斯特郡珀肖爾鎮 2018。圖片來源：Tim Walker Studio  　　 傳奇攝影大師攜手百年博物館 蒂姆．沃克 1970 年出生於英格蘭，是當代公認最富創造力的攝影師之一，於 1990 年代嶄露頭角，在專題編輯攝影（editorial photography）領域以獨特的視覺敘事，模糊幻想和真實，創造出超現實、奢華或幽默動人的作品。而提供其豐沛靈感的來源，便是具有近 170 年歷史，館藏超過 230 萬件的維多利亞與亞伯特博物館（Victoria and Albert Museum，簡稱V&A），座落在英國倫敦最壯麗的維多利亞及現代建築群之中，是世界頂尖的藝術及設計博物館。 沃克透露，展覽名稱「美妙事物（Wonderful Things）」源自他在 V&A 尋找創作靈感時，想像著自己如考古學家霍華德．卡特第一次進入埃及圖坦卡門之墓，他引述霍華德著作《圖坦卡門之墓》中所記載的內容：「當我的眼逐漸習慣昏黃的燈光，陵墓內的景象彷彿撥開雲霧一般逐漸明朗，稀奇的動物、雕像及黃金，到處都是黃金反射的光芒......震懾得我一時之間呆住了。我的沉默讓卡那封伯爵再也無法忍受，他焦急地問我：『你有看到什麼嗎？』我只能愣愣地回答：『我看到了，非常美妙的事物。』（Wonderful Things）」 蒂姆．沃克於倫敦 V&A 博物館；莎拉．洛依德攝影，2019。 圖片來源：Tim Walker Studio     怪誕氛圍 打造沉浸式展場 展場主要分為兩大展區，第一展區回顧沃克在 90 年代出道後的職涯重要之作與一部影像節錄作品。此區可以清楚看見其鮮明特色，巨型道具、奇異角色、華麗服裝與浮誇布景，呈現魔幻、詩意、荒誕等強烈風格。且入鏡模特兒皆為國際影星、超模、歌手等名人，民眾欣賞作品的過程中會不時發現熟悉面孔，成為觀展一大樂趣。   第二展區為沃克從 V&A 藏品獲取靈感的系列作品，包含十大單元及一部短片。此區每個單元自成一個奇異世界，例如「光芒」呼應 V&A 16 世紀彩繪玻璃，展示空間好似一座燒毀的教堂；「寶盒」猶如一個逃離現實與追尋自我的所在，展間以粉紅玫瑰壁紙、粉紅樓梯打造為一座藏著祕密的童話天地。「雲朵 9」的創作靈感來自印度畫與西洋棋，場景設計師將拍攝道具「動物公仔」一併展示，更顯奇幻繽紛之感。 ​蒂姆．沃克「寶盒」系列作品；詹姆士．史賓塞； 倫敦 2018。圖片來源：Tim Walker Studio 有別於一般展覽經常以知識教育的方式解說作品，本展說明文字幾乎全出自藝術家之手，他有感而發、娓娓道來自己的心情，包括小時候的記憶、對攝影的想法以及對藝術的感動……文字情感飽滿且饒富意境，彷彿在身邊親自訴說，引領人們一同遨遊在他恣意奔放的心靈世界。此外由於沃克會在拍攝現場播放音樂，培養工作人員的情緒，因此本展也融入「聲音」元素，為不同主題搭配背景音效以增加臨場感。 展覽尾聲則放映沃克的電影《勇敢的小錫兵》，為一齣描述同性愛情故事的芭蕾舞劇。出口處還有一本巨型剪貼簿和鉛筆，提供民眾拍照留念。奇美博物館也自行設計一個向 V&A 與藝術家致敬的互動區「奇幻投影牆」，將奇美的典藏品化為光影，邀請民眾扮演攝影師，拍出創意照片。 蒂姆．沃克「珍藏與維護」系列作品；斯凱爾．伍德、詹姆士．克魯與凱倫．艾爾森；時裝： The Row、安東尼．瓦加雷羅為 Saint Laurent 設計的時裝、Daniela Geraci、Sarah Bruylant、Molly Goddard； 倫敦 2018。圖片來源：Tim Walker Studio    奇美與 V&A 的邂逅 將國際文化資源帶到台灣，一直是奇美博物館努力的目標。2019 年 8 月，時任奇美博物館副館長的郭玲玲女士（現任奇美博物館基金會董事長）至英國倫敦旅行，結識了 V&A 典藏主任 Antonia Boström 與多位館員，雙方理念相投、暢談甚歡，因而再度開啟了合作的討論。在多次討論後，館方對蒂姆．沃克有著高度興趣，展演組同仁也特別親自前往倫敦觀展。經館方確認展覽質量優異後，便決定與 V&A 合作引進該展。 《蒂姆．沃克：美妙事物》2019 年 9 月於倫敦首展，隨即進入世界巡迴，2020 年前往比利時，現今來到台灣，台灣不僅是亞洲首站，更是歐洲以外的第一站。奇美博物館表示，蒂姆．沃克的作品精采絕倫，所關注的面向也極廣，從時尚產業、多元文化、身體性別、環保到消費等議題皆有。期待將此展介紹予台灣大眾，提供與國際同步的文化資源，令觀眾都能如沃克一般，從 V&A 或更多美妙事物中尋得靈感，激發無窮想像力。 Tim Walker 特展第二展區「光芒」 。圖片提供：奇美博物館   展覽資訊 蒂姆．沃克：美妙事物（Tim Walker: Wonderful Things） 日期」2021 年 7 月 31 日至 2022 年 2 月 6 日 地點」奇美博物館特展廳（台南市文華路二段 66 號） 配合防疫，短期內採入館預約制，後續視疫情發展滾動式調整，詳情請見奇美博物館官網。   資料及圖片提供」奇美博物館 編輯」林慧慈

7月初的台北，人流因為疫情少了些，但街頭卻出現一個令人驚豔的新地標－台灣咖啡品牌「CAFE!N硬咖啡」所打造的「CAFE!N台北民權店」。兩層樓的基地由曾設計全球知名咖啡品牌「％ARABICA嵐山店」的團隊MIZUIRO水色設計操刀，設計師Elson表示，他在本次旗艦店的設計發想中，增加了與一般門市不同的新概念：「L!FE」，期望描繪出一股隨性的生活感，讓店面與消費者能有著更適切的融合。   在概念延伸的材質設定上，「手作」是很重要的一個環節，手作的質感充滿著溫度和變化，需要細細體驗才能感受到其中的層次，Elson除了為CAFE!N旗艦門市妝點上好看的面貌外，更期待於其中添加消費者的豐富情感，讓每一位上門的顧客，都能找到與這個空間互動、對話的方式，並了解其中的設計意義；他發揮為空間敘事的特長，構築出店內多處亮點。   亮點1：巨型驚嘆號 垂吊於天井，以外帶紙杯架（環保紙漿）砌形而成的兩公尺巨大立體驚嘆號，是店鋪中最重要的標的物，驚嘆號作為企業的識別形象，不僅藉此與品牌產生連結，亦可強化過路客的印象，無形中達到廣告效益。 亮點2：無死角視野 三角窗邊的基地穿透明亮，沒有過多結構干擾，由內而外都有著良好的視野，能夠盡享城市景觀。 亮點3：有機式座位 有機式階梯座位及開放性桌椅，削弱傳統對號入座的制式感，人與人之間也能保持適當的距離，不論一人獨坐或三兩好友散坐皆十分自在。 亮點4：純白空間與手作溫度 由職人層層塗抹的手作感立體LOGO牆再次突顯出品牌識別，以薄板製作的金屬家具，透過簡易的折角設計達到穩固效果，整體視覺輕盈簡約，交織出空間的層次和張力。 Elson企圖藉由CAFE!N旗艦門市，向消費者傳遞「互動的美好」，期望從互動中，為店面發掘更多有趣的可能性，也創造出新型態的咖啡場域浪潮。 資料及圖片提供」MISUIRO Design水色設計 撰文」陳映蓁