完整走過整個文博會，你會發覺跟過往有些許不同，而這或許來自策展人林昆穎的「混種」背景，接觸過音樂、哲學、空間設計、科技藝術等多元領域，以世大運聖火裝置、台灣燈會「聆聽花開的聲音」等大型多媒體創作術為人熟知，並在去年擔任白晝之夜藝術總監，林昆穎以「編導」概念想像整體展覽，「我會思考演員是誰？主題是什麼？故事要怎麼說？」   文博會總策展人林昆穎。圖片提供」豪華朗機工   方法論的集合 在這座名為「數據廟」的大型舞台上，他讓建築師與科技互動人才一起探究花蓮的石頭；找劇團導演與商業空間設計師一起把展館蓋成戲台的後台；工藝館則將未來科技製造師與媒體人搭配，透過不同文化領域的人一起討論、共識、最終創作，是整個策展過程中最困難的部分，也是最有趣的部份，林昆穎提到，文博會有一個隱藏的主題，就是各種「方法論」的集合。 方法論即研究方法的理論，相比討論如何解決單一事件的方法，方法論更注重「為什麼」要這樣解決的邏輯、原則，而每種方法論都來自不同的專業背景，如何將其統整，就需要大量的「共識」。透過今年的文博會，林昆穎希望推行「先共識再創造」，了解自身所擁有的事物，討論、找出方法後再去創造，因為創造會耗費資源與能源，但討論不會，在快速改變的台灣，「共識」反而成為隨時都不能擱置的重要考量。 2020 年台灣燈會「聆聽花開－永晝心」。圖片提供」豪華朗機工   回顧文博會 10 年，從最早期的純商展形式到 2017 年因應文化部轉型下加入文化策展，出現議題式、跨領域的展覽內容，然而文化與商業各自發展，卻看似無法融合，林昆穎說明，文化的邏輯能夠提出命題，關懷我們所身處的環境，而商業的方法則具有號召力與表達性，當兩者交互作用，才能提供觀眾／消費者更多途徑，現在商業與文化者做事的方法涇渭分明，各自有各自的山頭，是否能達到互有所用，是林昆穎的理想。 因此今年提出「商策互用、商策合一」的訴求， 在文化概念展區放入商業流程，圖像授權與設計品牌展區分別策劃不同展覽，使三大展區互相佐證，呈現更具整體性的文博會。 2019 年台南藝術節「府城流水席」舞台照。圖片提供」豪華朗機工   變動的台灣 談起「相信律」的策展緣起，林昆穎分享道，來自他對於人性某一面的不了解。他觀察到，台灣社會有一股「變動」的力量，或許受到海洋民族的特性影響，也或許來自島嶼豐富的地貌與生態，人民生活型態講求快速與短暫，包容力強、能夠隨機應變，如同一部「混種」的引擎，塑造出多種文化交雜融合的社會風貌，並在最快的時間內找出成功的方法，使得早期經濟起飛時能順利轉入加工、代工導向的社會，林昆穎認為，這樣的「變動」特性引領台灣擁有今日的成就，也是台灣最珍貴的特質。 然而，此種氛圍也令人擔憂，因為講求快速，人們常會忘記或忽略一些細節，「差不多就好」是台灣人普遍擁有的心態，所以食安、工安問題層出不窮。他提到，很多台灣人都會羨慕日本的職人文化，但我們捫心自問，是否重視每一個簽名承諾的瞬間？是否能夠日復一日確實每一次練習？ 2017 年世大運聖火裝置。圖片提供」豪華朗機工   此次的「相信律」便是一次對於思考邏輯的整理，林昆穎承認，內容策劃或多或少帶有一絲說教的意味，但台灣已經等不及慢慢的啟發，而是需要「即刻開悟」，展覽期待大眾能在後果發生前提早想像，如果每次下決定時都能依據「簽名、評論、實現與分享」四個象限審慎思考，結果就能有所改變，他相信「只要一半的參觀者接受當下每個選擇的『相信』都會影響未來，那麼輿論就會擴大其影響力，我們的社會就能不一樣」。   為了使不同年齡層、背景的觀眾都理解展覽主軸，主題館內運用大量日常行為、景物，帶領觀展者進入你我生活的既視感中，並創造出展覽的既定流程與循環性，最後則是表演與沉浸式空間。其中表演更佔有特殊地位，林昆穎強調，相比無機的輸出物或展品，表演是由人來傳遞訊息，因此本次主題館中可以見到大量啟發式的表演，從入場參拜大廳的默劇、脫口秀，到共創神殿的 7 組表演者，人們可以輕鬆地觀察，也能深度思考，並走到外側的展牆，細細閱讀其上的文字與邏輯圖表，依照策展者給予的提示理出自我的思考脈絡。   外環的理性論述，探討相信的4個象限。圖片提供」台灣設計研究院   成為自己的資料庫 「這是最好的時代，也是最壞的時代」19 世紀英國文豪狄更斯寫於小說《雙城記》開頭的話語，用以形容今日依然精準無比。受到新冠肺炎疫情影響，文博會去年在開展前一個月宣布暫緩舉辦，儘管過程歷經波折，總策展人林昆穎卻認為，這是一個非常好的機會，「疫情的一年我們更向內探求，不做誇張的國際對話，而是將自身整理好再對外。」 在本次策展中可見到濃厚的內省氛圍，他舉例主題館「相信律」藉由討論與反思看待台灣目前的文化、人情味是否有改變的可能；地方總論館「北回朝聖路」則是由土地生長而出的自信，這條台灣的朝聖路串聯起花蓮、嘉義兩地，引申出台灣自豪的飲食文化，透過本次文博會的觸發，林昆穎希望將台灣的文化整理出一種樣態，可以告訴世界「我們有什麼」。 內環表演者呈現出感性現場。 圖片提供」台灣設計研究院 主題「數據廟」，將每個人的生活、行為、方法都化成數據，這不僅是一個短暫如煙花的口號，更是林昆穎平日貫徹的邏輯，也是他鼓勵創意人才必須具備的能力，隨時整理、歸納生命經驗，將自身視作資料庫。如果缺乏整理，所有的親身體驗只會是一段記憶，無法成為工具。他也分享自己整理「資料」的方式－「反覆問自己為什麼？」，從生活過程中練習判斷的方法，一一展開每個決定背後的原因，去研究自己的思考邏輯，「相信律」中的四個象限便是他歸納出的方法論之一。林昆穎相信，透過整理，從個人到品牌、企業、土地都能夠成為資料庫，下一次進行文化創造時便能夠從中汲取，作為推進島嶼未來的力量。 華山主題館－相信律。圖片提供」台灣設計研究院  

由文化部所主辦的 2021 臺灣文博會已於日前圓滿落幕，總策展顧問龔書章、總策展人林昆穎，號召眾多設計藝術專業人士共同策劃，以「SUPERMICROS 數據廟－匯聚相信的力量」為題，闡述台灣是一座由微小相信所匯聚的島嶼，主張共識創造，集結科技與文化的能量，向世界展現屬於台灣的自信。今年為文博會 10 周年（去年因疫情停辦），從最初的純商展模式，歷經轉型引入策展、跨領域合作，漸漸挹注了豐富的文化內涵，參觀人次成長約 5 倍、交易產值則增長 4 倍；而媒體作為數據資料庫的一環，今年《室內》雜誌持續與台灣設計研究院合作，透過文字及影片，詳實記錄下文博會的精彩點滴。   華山主題館－相信律（圖片提供：華麗邏輯，攝影：汪正翔）   今年的文博會突破以往型態，以「商策合一、科技近用、文化經濟、想像未來」為實踐脈絡，集結文化策展、設計品牌、IP 圖像授權等內容，期以跨域思考和智慧科技導入為目標，建構多元的文化創意產業生態系。年度主題為「Supermicros 數據廟－匯聚相信的力量」，試圖從自然環境、人文生態、產業科技中梳理出文化的多樣性，藉此召喚台灣創新科技力和多元故事力，打造一場參與式文化祭。 文化概念展區－華山 1914 文創園區「數據廟」以相信的力量創造熱情共論的文化現場，主題館「相信律」以虛實交錯的動態沉浸體驗打造出一座相信的共創神殿，強調每個時代都有著集體共識，每個決定都是累積文化的證明，並透過動態表演、虛擬參拜等互動體驗，解析習以為常的生活流程，再以理性的知識和感性的經驗調配出相信的配方；工藝館「微物集會」重新定義工藝，並找尋當代生活的最佳解方；「議題廚房」則透過即時參與，帶來食物飲品的跨文化體驗。另一亮點則是以 23.5 度北回歸線串起台灣風土文化的地方展群，地方總論館「北回朝聖路」列舉了台灣 17 處特色端點，重啟「向內的路」，更進一步以北回歸線串起敘述踏實職人精神的嘉義縣館，以及充滿著奇幻山水的花蓮縣館。   位於松菸的主題企劃展區「Package」，探討後疫情時代台灣零售市場的變化。   而設計品牌展區－松山文創園區以「匯聚宮」為題，關注未來品牌觀點，由資訊圖表設計團隊「Re-lab」與產業數據資料庫「未來流通研究所」共同企劃的主題展區「Package」，主要探討後疫情時代台灣零售市場的變化，述說這是個品牌、商品、貨運、數據都需要包裝的時代，且你我都已置身其中共識創造；展館規劃成 6 個區域，包含「風格潮流」、「回歸生活」、「日常對話」、「產地文化」等類別。而圖像授權展區－花博爭艷館則聚集了新世代語彙的角色、插畫、數位娛樂等原創智財，每個 IP 都是信仰，發展新世代的創新經濟模式；首次策劃的策展區「萬神殿」，由策展人王宗欣、張嘉倫共同操刀，以圖像應用的可能性為主軸，邀請大眾一齊探究 IP 發展的新契機。 花博爭艷館的圖像授權展區。   主題館：相信律 延伸自年度主題「匯聚相信的力量」，本次主題館以「相信律」為主題，策展人林昆穎藉由 4 個展廳探討相信的法則，觀眾可透過聊天機器人（chatbot）在參觀過程中的問答累積數據得出屬於自己的「相信配方」，打造虛實互動的沉浸體驗，完成一趟數位參拜之旅。 參拜大廳，默劇表演將日常生活演繹為儀式。 入口處為參拜大廳，由一隻巨大的眼睛組成，搭配一位默劇表演者安靜且緩慢地反覆日常生活的行為，藉此提出質疑，看似微不足道的日常小事是否會因為專注重複而成為重要儀式？親眼所見就能相信嗎？沿著動線往後，雷射光縱橫交錯形塑出來的科幻舞台即是「相信神殿」，觀眾可以在此欣賞一場既虛擬又真實的脫口秀，由多組脫口秀演員藉由臉部辨識科技化身「相信大神」，即時與觀眾互動，內容圍繞台灣人自豪的人情味及「相信的比例」，林昆穎認為，人們相信事物的方法是由理性的知識、證據與感性的經驗組成，配比出自我獨特的法則。抱持著前兩廳提出的疑問，走入最大的一廳。 相信神殿，藉由脫口秀表演傳達「相信的比例」。   相信的瞬間 「共創神殿」核心是一個大型燈光裝置，滿滿的燈光下環繞著人一輩子坐過的椅子，從嬰兒座椅、學校課桌椅、辦公椅到老後的搖椅、輪椅等，象徵人的生老病死循環，並透過每半小時一次的表演控制整個展場的循環性。展場方形的空間象徵廟埕，中央的燈則是廟前的燈籠，4 個角落分別安排 4 個「相信的瞬間」：簽名、評論、實現與分享，每個舞台都由雙面構成，內環由 7 個表演團隊透過馬戲、舞蹈、講談等不同形式輪流展演感性現場，外環則是理性的啟示，透過邏輯分析相信的不同象限。 共創神殿中心，由人一輩子坐過的椅子象徵生老病死。 林昆穎以簽名的過程代表承諾；評論則由科學至感性區分為度量衡、考試、比賽與輿論等不同的標準；實現則談論重複的力量，藉由日常練習累積成就感；最後則提出分享的 3 種方法：均分、分配及各取所需，即循環經濟概念。途中機器人將不停詢問觀者問題，令人深思「願望」背後的變因與邏輯。 累積足夠的數據後抵達最終的「光明神殿」，林昆穎將光明燈的概念轉譯為科技裝置，憑機器人給予的 QRcode 在圓環狀的燈帶中點亮屬於自己的一盞燈，並得到屬於自己的「相信配方」，籤詩上除了統計出每個人「相信」中知識與經驗的比例，更提示相關的「信物」，將商業與策展結合，完成一次關於相信的參拜儀式。 透過 chatbot 推算出個人的相信配方。 資料及圖片提供」台灣設計研究院、豪華朗機工 企劃、採訪」室內雜誌編輯部

  「被自然環抱」是建築環境的客觀描述，「與自然共生」是思考建築與環境的態度。在義大利因佩里亞海灣上的一座別墅中，嘗試重現利古裡亞梯田所展現的，人造地景與自然環境和諧相融的底蘊。 依據永續原則設計與建造的別墅，獲得多項國際獎項肯定，其天然石材幕牆面向海洋，迎接海風與飛鳥，室內點綴實木材質，彷彿造出了小小的林地，與四週環繞的地中海樹林相映，歡迎光和生活停駐。與自然共生的基底步步紮實，最後一步將走向建構美好舒適生活不可或缺的細節——家具。 Flexform以標誌性的柔軟、寬敞沙發墊聞名全球，受到四季、希爾頓、凱悅、BULGARI Hotels and Resorts等頂級飯店品牌青睞，在這座別墅中，Flexform以家具為顏料，繪出一幅休閒優雅、超越時空和時尚的生活風景。   與自然一同呼吸 Flexform不僅將沙發、扶手椅、茶几、沙發凳、桌子和椅子視為家具，更是一個居家生態系統，它們之間的和諧對話與舒適自在的生活息息相關，尤其當半戶外空間對享受生活的重要性已不亞於室內空間時，Flexform致力於提供更全面的產品設計。   Atlante戶外座椅系列在組合上提供了極大的自由度，能夠跟隨需求靈活變化各種搭配，而Antonio Cittorio設計的Carlotta扶手椅則讓嚴謹簡約的鋼結構和優雅的編織相遇。兩者遠看是風景的一部分，一旦坐上它們，忍不住將全身心交付，盡情享受大自然的恩賜。   身心的避風港灣 光乘著海風進入客廳，鑲木壁爐旁的區域擺放Asolo座椅系統穩定空間的重心，而一對由高超工藝技術製成的Tessa扶手椅，則增添具時間痕跡的詩意氛圍。其中，比例大方而均衡的Asolo沙發以剪裁和結構細節標誌出輕鬆優雅的空間個性。   沙發中更延續了Flexform的基因，對使用的羽絨填充物格外要求，只選用榮獲國家認證 (Assopiuma Gold Certified) 的鵝絨，其柔軟緻密的體感使Flexform的沙發享有「全球最舒適的沙發」的美譽。不但舒適，Asolo沙發更是一款多面性的沙發，其調性能夠融入任何環境，在這座海灣上的別墅中，它也宛如一道使匆忙腳步得以停歇的海岸，成為心緒的避風港。   溫度與愛的聚會之地 相較客廳的閒適自在，廚房是一個開放而歡樂的空間，為了讓人在輕鬆溫暖的氛圍中準備飯菜和用餐，廚房櫃檯配有First Steps吧凳，而Pico餐桌則由舒適的Joyce填充軟椅包圍，在無法戶外用餐的季節，此處將吸引家中在各自空間活動的人們，聚會出屬於家的溫度。   Pico餐桌的腿部線條細長，這使其視覺上輕盈且充滿活力。桌腳由鋁合金壓鑄而成，圓角桌面則由不同類型的大理石或鑲貼條紋核桃木或歐洲白蠟木製成。多樣尺寸提供高度個性化的可能。而Joyce餐椅特殊的金屬結構與餐桌合奏出相襯的旋律，其線條使其在設計感與經典之間達到了完美的平衡。   沒有句點的美好故事 人們共同的故鄉，就是夢鄉，別墅中的臥室以Gregory床搭配Piuma床頭櫃以及Guscio扶手椅打造最適合入夢的空間。床頭寬大豐滿的軟墊設計確保舒適的支撐，收納櫃結合造型的嚴謹與木材的豐富表現力，簡潔洗練，一日煩憂將在此消弭無蹤。   Flexform以不被時光淘洗褪色的設計，賦予生活永恆的鮮活色彩，無論我們是身在海灣上的別墅，或是世界任何一處，將與好設計一起完滿沒有句點的美好故事。 資料及圖片提供」Flexform   撰文」Yueh-han Yang      

「塩田千春：顫動的靈魂」由日本東京森美術館（Mori Art Museum）館長片岡真實（Mami Kataoka）策劃，為國際知名藝術家塩田千春（Shiota Chiharu）創作生涯至今最大型且全面性的展覽，包含數件大型裝置，另有雕塑、行為藝術錄像、攝影、素描以及舞台設計及其相關圖稿等，邀請觀眾細細體驗藝術家 25 年來超過 100 件觸動人心的創作。 塩田千春《不確定的旅程》。攝影」林冠名 不在中的存在 塩田的作品以具現無形的回憶、焦慮、幻夢、寂靜而著稱，她探詢普世問題如身分認同、界線、與存在等，觸動觀者深層的情感，使來自世界各地的人皆為之著迷。本次展覽以她最為人所知，無數細線纏繞空間或物件的大型裝置為節點，企圖牽引觀者穿越無以名狀的雜緒念想，在她織羅出的維度中展開身心靈的旅程。 展覽由一艘艘懸吊半空中、以白線細密纏繞的船列所組成的《去向何方？》（Where are we going?, 2017/2021）揭開序幕，導引觀者踏上探索的路途；《不確定的旅程》（Uncertain Journey, 2016/2021）則以滿佈 300 平方公尺空間、糾纏交織的紅線表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態，映照出藝術家內心世界；《靜默中》（In Silence, 2002/2021）來自於藝術家童年記憶中一場大火後棄置現場的焦黑鋼琴，千絲萬縷的黑線串起寂靜卻清晰的記憶與感受；《集聚─找尋目的地》（Accumulation—Searching for the Destination, 2014/2021），以紅線懸置空中、層疊遞進的大量行李箱，遙想人們懷抱著什麼生活想望而遠走他方？  塩田千春《去向何方？》。攝影」林冠名 此展覽可說是塩田長期藝術生涯所探索命題「不在中的存在」（presence in absence）之縮影，她不斷使那些不具物理存在，卻在在引動生命的事物和能量無所遁形，展覽副標「顫動的靈魂」即直指藝術家所希冀傳達，這份難以言喻卻洶湧的感受。塩田的作品與本質、普世概念的深刻連結，及其引發共鳴的特性，提供一股探問這個世界的重要力量，伴隨我們在生命旅程中找到自己的解答。   創作與生命經驗連結 展覽伊始呈現塩田一路走來的創作生涯，透過紀錄照片及影片，追溯她如何橫跨繪畫、行為與裝置藝術，進而發展成多方位的創作者。在澳洲大學作交換學生期間，她首次用身體投入行為表演創作《成為畫》（Becoming Painting, 1994），用畫布裹住身體並淋上紅色的瓷漆，自講究技巧的窠臼中獲得解放。行為藝術／裝置作品《從DNA到DNA》（From DNA to DNA, 1994）是她首度用線嘗試跳脫二維空間的創作，則為使她感到蛻變重生的轉捩點。 塩田千春《集聚—找尋目的地》。攝影」林冠名 塩田前往德國學習後，進一步嘗試身體表演的多種表現形式，行為藝術表演《嘗試．回家》（Try and Go Home, 1997）中，她赤身爬上斜坡面掘出的洞穴，滾落再爬上去，同時懷想遠方的故鄉，將無法回家的困境與自身不確定的存在，投射到作品中；《浴室》（Bathroom, 1999）是她第一件採用錄像呈現的行為藝術作品，藉由浴缸中滿是污泥的身體，表達「即便清洗也無法抹去的皮膚記憶」。 塩田的藝術實踐始終與其自身生命經驗緊密扣合，捕捉身體感知與心理狀態的隱微牽動，以其細膩感性的體察遊走於創作媒材的邊界。移居德國第三年，她以「皮膚」作為自我身分認同的象徵，而後在部分作品中她將衣物比擬為第二層皮膚，如本次展出的《時空的反射》（Reflection of Space and Time, 2018），以密密麻麻的黑線將白色洋裝與其鏡中的反射重重包覆；《內與外》（Inside Outside, 2008/2021）則以建築工地拾得的廢棄窗戶堆疊出一道牆，反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變，同時呼應她將牆、門窗視為第三層皮膚的隱喻。 塩田千春《內與外》。攝影」林冠名 當塩田在 2017 年著手準備本展首站時得知癌症復發，此期間更加關注靈魂與身體、生與死的命題。《外在化的身體》（Out of My Body, 2019/2021）以紅色網狀牛皮連結攤放的手腳青銅鑄模，藉此與身體對話，表達身心碎裂的束縛感。錄像作品《關於靈魂》（About the Soul, 2019）中，藝術家詢問一群德國學童：「靈魂是什麼？靈魂在哪裡？是什麼顏色？動物是否有靈魂？人死後靈魂是否會消逝？」等問題，召喚我們思索存在的奧義。 除了視覺藝術創作，塩田亦跨界表演藝術，陸續為 9 部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計，展覽中分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。對她來說，舞台空間與展示作品的美術館是截然不同的語境框架，她特別重視表演者與舞台上裝置彼此的積極關係，例如，2011 年在布魯塞爾皇家鑄幣局劇院推出歌劇《松風》首演，她用黑網在舞台上築起一件跨距達 14 米，高度 10 米的巨型裝置，舞者們在網上或橫或縱地交錯攀爬。這類舞台設計作品匯聚了導演、表演者、編舞家的多重觀點，為其創作注入更多可能性。   藝術家簡介   塩田成長於大阪府岸和田市，現居柏林。於京都精華大學美術學院就學期間主修油畫，並於雕塑系擔任村岡三郎（Muraoka Saburo，1928-2013）的助手，期間以交換學生身分前往澳洲國立大學藝術學院（Australian National University School of Art）就讀時，開始創作裝置與行為藝術。受到波蘭纖維藝術家瑪格達蓮娜．阿巴卡諾維奇（Magdalena Abakanowicz，1930-2017）啟發，塩田在 1996 年前往歐洲發展，並先後師從行為藝術先驅瑪莉娜．阿布拉莫維奇（Marina Abramovic，1946-），以及德國藝術家瑞貝卡．霍恩（Rebecca Horn，1944-）。此後，塩田活躍於各大美術館及畫廊，也參與許多國際展覽如雪梨雙年展（2016）、基輔雙年展（2012）和橫濱三年展（2001）等，更是 2015 年第 56 屆威尼斯雙年展日本館的代表藝術家，至今總共參與了 300 場以上的展演活動。    塩田千春：顫動的靈魂 時間」2021 年 5 月 1 日至 8 月 29 日 地點」台北市立美術館 1A、1B 展間 資料及圖片提供」台北市立美術館

「2021 台灣設計展」4 月 28 日宣布將於 10 月 1 日至 17 日在嘉義市登場，以嘉義文創園區、製材所及嘉義舊監獄為 3 大展區，並串連嘉義美術館、嘉義火車站、嘉義願景館、車庫園區等，展場位於嘉義市的「文化新絲路」上，過去是嘉義阿里山林業產業發展的交通要道，本次將以台灣設計展作為設計導入之金鑰，開啟嘉義城市設計能量，重新演繹這條文化絲路。此外，今年將首次結合百年歷史的阿里山林鐵本線作為交通接駁，讓民眾體會不一樣的設計展，歡迎民眾前往參觀，感受嘉義設計加值後的城市魅力。   嘉義文創園區   引燃嘉義熱情 台灣設計展今年將邁入第 19 年，是第一次在嘉義市舉辦，展區涵蓋文化部、交通部、法務部，以及農委會轄管的場域空間。另一個亮點是展場將首度有接駁火車串聯，以百年歷史的阿里山林鐵本線從嘉義火車站出發到北門車站，讓民眾用過去林業運輸的方式參觀設計展。 本次台灣設計展，經濟部也啟動了設計歸故里方案，號召嘉義市在地創意人士與其他領域專家共創，例如出生於嘉義市的知名媒體人王偉忠，奇想創造創辦人謝榮雅等，期許以嘉義在地化的角度，共同打造屬於嘉義最在地的設計展。相信藉由這次策展，讓更多居住嘉義或出身嘉義而在外打拼的創意人、設計師，再次引燃對故鄉的熱情。 嘉義製材所 車庫園區 嘉義舊監獄 展現設計風土人物 為展現嘉義地方產業的設計能量，經濟部自 2020 年起與嘉義市政府聯手推動設計輔導，以台灣設計研究院為平台，帶領跨設計領域的 D-Team 夥伴，從美學、設計創新、品牌包裝、產品開發、場域活動到企業永續經營策略等面向協助企業，相關輔導成果都將於 2021 台灣設計展呈現。 例如嘉義市百年糕餅店「新台灣餅舖」開發的「嘉」餅，融合阿里山日出、噴水圓環、火雞肉飯及七虎少棒等嘉義意象於餅中，讓好滋味與好風景可如影隨形；又如協助台灣花磚博物館空間改造、品牌識別及開發 3D 花磚商品，讓花磚有新的應用、老房子更有時尚感；以及嘉友電子開發專為手機直播、影片創作的無線麥克風，讓使用者可輕鬆加入直播主行列；還有，輔導勤億蛋品、統百食品等企業之品牌與包裝設計優化。另外，今年台灣設計展也會打造嘉義市環保示範夜市，讓民眾白天看展覽、晚上品味有設計感的夜市。「2021 台灣設計展」在嘉義，將展現中央與地方資源整合成果，呈現用設計點亮嘉義文化新絲路的新面貌！ 嘉義地方產業設計輔導結果，將於台灣設計展展出。 2021 台灣設計展 時間」2021 年 10 月 1 日至 17日 地點」嘉義文創園區、製材所及嘉義舊監獄等3大展區，並串聯嘉義美術館、嘉義火車站、嘉義願景館、車庫園區、嘉義博物館、檜意森活村、嘉義公園等。 經濟部林全能次長、嘉義市政府黃敏惠市長於 4 月 28 日共同召開簽約記者會。 資料及圖片提供」台灣設計研究院

義大利菲諾港（Portofino）是個資源豐富的小漁港，在丘陵與海之間整齊排列色彩鮮明的房屋；鎮內散落多座歷史遺跡；各式精品、畫廊和餐廳遍布大街小巷；獨特的地理環境亦可潛水、健行及欣賞海灘景色，迷人的小鎮風光吸引各地人潮搭乘遊艇前來享受奢華的度假之旅。 菲諾港位在義大利西北側，早期為漁村，自1950年開始轉型為現今的渡假勝地。色彩繽紛的房屋與周遭絡繹不絕的船隻為港口帶來活力。 而Belmond Splendido Mare 酒店（Splendido Mare, A Belmond Hotel, Portofino）就坐落於這個風光旖旎的小鎮，法國Festen建築設計事務所全面翻新Splendido Mare，設計融合現代元素與當地特色，充分展現出菲諾港雋永經典的美感，這是全球奢侈品巨頭LVMH集團收購後首家改造升級的酒店。   Belmond Splendido Mare酒店坐落於菲諾港，經過法國Festen建築設計事務所全面翻新，將充分展現當地風情和創新設計，讓入住者能周遭環境及歷史建立深刻連結。 展現漁村繽紛活力的色彩 菲諾港擁有美麗的海景，過去主要靠漁業為生，Festen將酒店設計與周邊的環境歷史連結，匯集小鎮的航海元素裝潢室內空間。Belmond Splendido Mare酒店共有14間客房和套房，房內設計巧妙結合傳統義大利漁船和帆船的裝飾風格，選用本地手工塗刷的天然原木營造樸實愜意的氣息。 酒店內的室內裝潢融入航海元素，多選用當地手工塗刷的天然原木打造。床頭櫃上設有航海羅盤，呼應設計主題。 床頭板上有不同的繩索圖案，由法國著名紡織設計師Véronique de Soultrait精細的手工編織而成。仔細觀察玻璃器皿、陶器和客房鑰匙，可發現Belmond Splendido Mare酒店的標誌—航海繩結。 床頭板由法國著名紡織設計師Véronique de Soultrait手工編織，附有繩索的圖樣。 前往餐廳，地面鋪砌的7,000塊和紅色地磚皆由利古里亞的工匠製成，呈現海浪起伏波動的意象。整體設計的主題統一，各種元素的組合搭配讓人仿如置身漁船，準備展開航海之旅。   白牆搭配原木的簡約設計，流露舒適自然的度假氛圍。 斑斕的色彩不僅點綴義地大利西北側的利古里亞海岸，為沿岸住宅注入鮮活氣息；Festen選用漁村內建築的傳統色彩：琥珀色、陶土紅色和海綠色，妝點酒店的拱門和天花板，柔和的色調搭配展現港灣的熱情與和諧。鎮上的聖喬治教堂（Chiesa di San Giorgio）始建於12世紀，為羅馬式建築風格；而酒店內的木地板設計則向聖喬治教堂致敬。 酒店內的拱門和天花板漆上漁村內傳統的色彩，展現地中海的熱情與和諧之美。 向當地人文歷史致敬 1950年菲諾港正值產業轉型，觀光業取代小鎮歷史悠久的傳統漁業；同年，義大利設計產業在全球大放異彩。酒店內擺設1950年代摩登復古的義大利家具，向菲諾港與義大利設計在這個時代的發展獻上敬意。 Paolo Buffa 和Gio Ponti打造的果木扶椅，重現50年代座椅的經典風格。 每間客房均陳設各式古董擺飾，Paolo Buffa 和Gio Ponti共同打造的果木扶手椅，流線型設計與幾何圖形充分展現50年代座椅的經典風格；Ulrich Guglielmo設計的核桃木座椅，既樸實簡約又不失俏皮感；Oscar Torlasco的檯燈底座線條流暢，搭配典雅的燈罩及柔和的顏色，營造出懷舊溫暖的氛圍。 Ulrich Guglielmo設計的核桃木座椅。 其中一間套房以活耀於50年代的美國傳奇影星愛娃嘉德納（Ava Gardner）為設計靈感，1954年拍攝《赤足天使》（The Barefoot Contessa）的期間，愛娃曾是Belmond Splendido Mare酒店的常客。 Oscar Torlasco設計的檯燈優雅時尚，溫暖的色調營造復古風格。 為了讓前來住宿的賓客能充分感受當地風情，客房名稱與航海文化相關，以自然風光與船隻的名稱及結構命名；酒店裝潢擺飾的各個細節皆與當地人文歷史交融，家具與素材均使用當地的手工精品，在復古元素和當代設計的交織下，為空間帶來層次與趣味性。 Festen現代元素與復古設計結合， 浴室選用卡拉拉大理石裝潢，搭配牆面橘色與白色相間的磁磚，增加視覺上的豐富性。 別致設計　重啟熱情 隨著酒店裝潢翻新，Festen亦邀請深受Vogue與LVMH集團青睞的新銳設計師Arthur Arbesser為酒店設計新制服。Arbesser出身於維也納，其設計風格深受文化傳承與歷史城市的建築啟發，他的作品以大膽的設計聞名，善用色彩組合、錯位幾何圖形與繪畫格調印花布等元素。   Arthur Arbesser為米蘭的新銳設計師，其設計風格大膽獨創，備受全球時尚界矚目。 Arbesser保留50年代簡約優雅的的時裝風格，並加入幾何印花與航海等元素，為Belmond Splendido Mare酒店的新制服注入當地風情，展現隨性而精緻的美感。   Arthur為Belmond Splendido Mare酒店設計的新制服，結合復古元素與當地特色，展現優雅大方的美感。 雖然受到新冠肺炎（COVID19）疫情影響，重新開幕日從原本的2021年4月延至2021年5月1日，Belmond Splendido Mare酒店接待國際旅人的熱情絲毫未減，並期望入住的賓客能自在地徜徉在自然風光與別致設計中，盡情享受度假之旅。 Belmond Splendido Mare酒店預計於2021年5月1日重新開幕。 圖片提供」Petrie PR 攝影師」Stuart Cantor 撰文」紀奕安

葡萄牙建築大師阿爾瓦羅 ‧ 西薩（Álvaro Siza） 作品以簡潔細歛的建築語彙、精巧光影運用，以及親合地貌環境、文化的設計核心，成為公認的經典，曾獲 1992 年普立茲克建築獎、2002年金獅獎及 2012 年金獅終生成就獎，對許多建築專業人士而言，西薩作品巡禮更是一生必訪的行程。1933 年出生於葡萄牙北部，西薩對於雕塑藝術充滿濃厚興趣，在一次巴塞隆納之旅中受到高第建築作品感動，最終選擇就讀波多大學建築系，開始他的建築之路。 阿爾瓦羅 ‧ 西薩（Álvaro Siza） 西薩的建築風格在 1963 年完成的第一件葡萄牙海邊茶屋作品即稍顯端倪，建築隱身礁石之中，隨著坡度緩緩向下延伸，空間注重採光及室內外連結，並將當地傳統建築材料及工法融合空間之中。這些手法在後續作品中愈加純熟並精煉，以機能為前提，剔除不必要的裝飾，使每一個形狀、細節都有其原由，普立茲克建築獎評審評語中便盛讚西薩「每個線條與彎曲的設置都來自充分的技巧與把握」。   儘管早已舉世聞名，西薩的建築卻在近 20 年才首度踏入亞洲，2009  年在台玻集團總裁暨台豐高爾夫俱樂部董事長林伯實與徐莉玲夫妻親自遠赴葡萄牙力邀下，與長年合作夥伴卡洛斯 ‧ 卡斯達內拉（Carlos Castanheira）到訪台灣，為成立 40 餘年的台豐高爾夫俱樂部重新擘畫「西薩會所」、「嘉卿會所」，以及台玻創辨人林玉嘉、林蔡卿卿夫妻位於新北金山區的私人紀念墓園，更預計近年於球場內新增茶屋、警衛室等設施，使球場整體成為一件完整的西薩建築，為台灣蒐藏更多國際建築大師作品。本次《室內interior》雜誌與台豐高爾夫俱樂部、學學課程合作，實地拜訪已完成的兩座會所，並參與學學舉辦的 Álvaro Siza 建築巡旅課程，深入紀錄西薩近年於台灣完成的作品。 西薩會所 西薩會所位於入口車道旁，外觀為清水模材質。 於 2014 年與何侯設計合作完成西薩會所，主要作為一般會員接待、更衣休憩、咖啡廳、工作區域使用。建築鄰近入口，西薩特意在動線起始處設置四層樓高如城堡般的量體，清水模外觀在第一眼即給予觀者強烈印象，後續沿車道設置一道 60 米長的厚實清水模牆面，作為情緒沉澱、轉換空間，引導參訪者動線，車輛可以停放至 B3 停車場，人行則經過轉彎處抵達入口階梯。何侯設計的侯貞夙建築師說明，會館外觀偏向理性，西薩便於門口轉角點綴植栽添入生意，並親自設計入口形象藝術品，量體形狀與對側設計選物店呼應，達到視覺平衡，特殊的古銅色鍍釉手工磁磚映照藍天與中央樹木，抽象弧線呈現高爾夫球打擊時飛越的樣貌，成為台豐高爾夫俱樂部的企業識別標誌。  觀景輕食廳面朝練習場，訪客可透過玻璃與球友互動。 轉個彎抵達會館入口，也是西薩的作品特色，透過身體動作提醒參訪者空間的轉換。接待處的實牆與低天花板加強大廳落地窗與挑高的開放感，深灰色石材傳遞沉穩氛圍，並將地坪材質延伸至壁面，俐落地分割出上下半部。所有桌椅、櫃體、燈具皆出自西薩之手，呈現整齊的水平層次。此外，光線亦為西薩相當在乎的細節，除了大面開窗引入自然光源外，均以間接照明為主，少有筒燈、崁燈等設置，並將空調出風口隱藏於天花四邊的縫槽內，維持天花板純淨。 動線自大廳處區分為二，會員下樓至B1的更衣室換裝準備，訪客或親友可至一旁的觀景輕食廳等待、享用餐點。大面落地窗使用台玻製的複層玻璃，中央真空設計可阻絕熱能，留下明亮日光與綠地美景。身處西薩作品中，每一步都有不同風景，侯貞夙建築師分享，西薩發想設計時會先做出多種尺度的等比例模型，方便觀察室內空間，以立體方式發想設計，使他能精準掌握動線、端景、光影的變化，構築出一件件令人傾服的經典。 西薩會所接待大廳，家具皆為西薩親自設計。 嘉卿會所 2020 年 10 月新啟用的嘉卿會所，與廖嘉舜建築師團隊合作，會所主要服務尊榮會員，將接待大廳、宴會廳與露天廣場、超跑俱樂部、Albatross 西餐廳等主要空間和停車場、更衣間、廚房等機能空間做出垂直區劃，安排不同人員的複雜動線。外觀使用白色塗料，連接地面處則使用灰色石材，呈現整齊視覺水平。建築倚果嶺邊緣向外生長，自球場可見三層樓的龐大建築，另一面則為一層樓溫順地匍匐大地。建築造型突顯西薩以機能為主的設計風格，由四個量體連接而成，藉由不同角度、動線的巧妙安排，創造一幅幅自然美景，以及數個可供駐足欣賞風景的廊道與平台。 嘉卿會所外觀使用白色塗料，銜接地面處則為深灰色。   入口處為高爾夫球車出發站，以球場常見的鳥類飛翔形象作為靈感。進入室內，設計主軸與西薩會所相同，線條簡潔乾淨，透過落地窗大量引入日光及果嶺風景，強調室內與環境的互動，石材地坪及木質家具則選擇暖色系材質呈現輕盈視覺。接待處連接餐廳，西薩特別在此設置酒窖，長盒狀的空間除方便工作動線外，上方脫開設計型塑量體感，避免切割空間。宴會廳則刻意壓低牆緣天花，框畫出窗外景觀，並襯托出中央紅毯的重要性。 西薩對於結構的巧妙安排更令人驚嘆，或許來自他對於雕塑的熱愛，空間中許多結構的運用都突破人們的認知，如提供超跑會員展示愛車的超跑俱樂部，僅靠一根 150 米的大樑便撐起寬大的平頂，形成完全無柱的空間。樓梯也呈現如雕塑般的美感，轉彎處特別挖空的設計讓光線自然地流入，保留在行走間仍能望見窗外美景的巧思。身處 B1 特別能感受西薩對於採光的純熟運用，接待處透過嘉卿會館特有的兩座半室外水池借光，停車場則以露天的車道入口及中央採光井引入風與日光，完全感受不到地下會有的悶熱陰暗。 扶手上下保留縫隙，使光線與視覺不受隔擋。   西薩作品從不以華美著稱，卻能呈現出講究且高雅的氣質，廖嘉舜建築師提到，西薩非常注重每個細節，小至窗緣防水用的矽利康，仍要求必須隱藏在玻璃下方，避免年久發黃時破壞整體美感。此外，西薩從不刻意極簡，而是尊重構造與事物本質，應當存在便不額外修飾，亦不設置多餘之物，使建築依靠結構、材質、細節傳頌真實之美，一如西薩的名言，也是他一直以來的堅持：「設計師並不發明事物，他們只是轉化真實。」   嘉卿會所尊榮會員接待大廳及 Albatross 西餐廳。 資料及圖片提供」台豐高爾夫俱樂部、學學課程 撰文」林慧慈

Kardinal Nikolaus Cusanus 學院坐落於義大利南蒂羅爾省的布雷薩諾內，校名取自 15 世紀聖羅馬帝國的神學家—庫薩的尼各老，委由義大利 MoDusArchitects 建築事務所運用精細的設計策略，為這座學院進行整修及增建。  主樓 Haupthaus 的東側。 布雷薩諾內為義大利北部最古老的城鎮，到處皆可看見中世紀建築。原先由義大利知名建築師 Othmar Barth 所設計的 Cusanus 學院，用磚塊與水泥赤裸展現於建築立面，佇立在充滿歷史氣息的古鎮中顯得格外新穎，它也是首座受到義大利波爾察諾省歷史保護委員會保護的現代建築，同時被認為是 Othmar Barth 的代表作。 Paul Norz Haus 與 Haupthaus 的東南側，Haupthaus 的建築結構由3個四方形組成，構成梯形。 MoDusArchitects 團隊承接此一極具挑戰性的任務，在大量研究該項目的相關文件後，謹慎地拿捏建材、構造與技術之間的平衡，讓研討會場地與住宿規劃能延續學院經典語彙，打破今昔疆界。 Haupthaus 的南面，外觀露骨的水泥與磚牆，在充滿歷史氣息的古鎮中，顯得格外大膽新穎。   Cusanus 學院由 3 棟大樓組成，分別是 Paul Norz Haus、Mühlhaus 與 Haupthaus。Haupthaus 為主樓，其建築結構融合幾何元素，由 3 個朝南敞開的四方形所組成，構成醒目的梯形外觀。大樓內部連結悠長通道，從結構、表面、開口與格局，都呼應著簡潔素雅的建築語彙。 位在夾層樓的會議室面向 Haupthaus 的大廳敞開，內部為挑高的穹頂空間。 在新的改造中，MoDusArchitects 強調學院與城市環境的融合，以秩序性的建築群與公眾空間，為校園與社區建立連結，在不破壞學院建築原貌的條件下，保留原有的混凝土框架結構、磚牆、鋪石，同時運用自然光照及素簡建材，維繫它莊嚴和諧的美感。 主樓新設的南北軸線，串聯 Haupthaus 的大門入口與食堂。   位在 Haupthaus 1 樓的會議室作為改造核心，MoDusArchitect 將 1 樓的建築軸線改為南北軸，化解空間的位處建築角落的態勢，同時讓 Haupthaus 的大門入口能與食堂相連。悠長的連接通道則引加入許多新元素，例如：咖啡廳、兩側入口處、休閒座區以及研討室，寬敞的走廊不僅是動線要道，也體現此設計方案的目標：在尊重建築構造的邏輯下，營造更加友善的校園環境。 Haupthaus 的大廳內部的悠長通道。   此外，新方案也整合原有的附屬建築與新增的地下空間，在兩者之間強化垂直連結。Haupthaus 的半地下層原為俱樂部，改造為研討室並且比鄰增建的大型會議廳，動線路徑的流暢，更加方便各種規模的研討會運用。 研討室位在 Haupthaus 地下半層，且鄰近 MoDusArchitects 增建的大型會議廳。 而會議室位置也順勢界定了天井範圍，將原本曖昧的屋頂平台場域轉化為新公共廣場。臥室主要設置在 Paul Norz Haus、Mühlhaus 與 Haupthaus 的上層，房間共可容納 96 位客人，55 間各式尺度的客房運用色彩進行分區。 研討室內部沿襲會議室的水泥結構，展現簡潔明亮的幾何空間。   改造後的 Cusanus 學院，建築風格承襲了文藝復興時期重視的和諧之美，其精緻的語法結構，在傳統與創新交互碰撞下，仍堅守平衡、幾何、美感與比例等經典元素，讓建築在時光長河裡依然流露著素雅沉靜，同時也展現了不失新穎的美感。 位在 Paul Norz Haus 的其中一間新客房，Paul Norz Haus 的房間區分色為藍色。 圖片提供與版權」MoDusArchitects 攝影師」©Gustav Willeit 撰文」紀奕安

普立茲克建築獎（The Pritzker Architecture Prize）不僅是「全球建築領域的最高榮譽」，也是觀察當今重要議題的入口。2021年3月16日，法國建築師安妮．拉卡頓（Anne Lacaton）與讓-菲力浦．瓦薩爾（Jean-Philippe Vassal）榮獲2021年度普立茲克建築獎。 費雷角之家（法國費雷角，1998年）。攝影」拉卡頓-瓦薩爾建築事務所。 30年以來，拉卡頓與瓦薩爾堅信「建築並不僅僅是建築」，他們尊重原有的建築結構，透過增建及擴建的方式，並細心選用環保與經濟兼具的建材，設計理念重視居民福祉及空間使用的充裕感，致力打造可持續建築。 波爾多住宅（法國波爾多，1999年）。 秉持「永不拆毀」的戒律 瓦薩爾曾前往西非的尼日共和國（République du Niger）從事城市規劃，當時在法國波爾多蒙田大學攻讀城市規劃碩士學位的拉卡頓，經常赴往尼日探望瓦薩爾。尼日位在撒哈拉沙漠的南部區域，為現行最低度開發國家之一，由於當地長期動亂，加上氣候環境惡劣，導致國家資源匱乏。不過，拉卡頓與瓦薩爾卻被當地的沙漠美景、人民慷慨樂觀的態度和充滿詩意的創造力深深吸引，他們也視此國家作為人生中第二個建築學校。 南特國立高等建築學院（法國南特，2009）。 拉卡頓與瓦薩爾在尼日首都尼阿美（Niamey）使用當地的灌木叢來建造一座草棚，展開兩人的第一個合作項目。由於建材具有耐熱耐旱特性，即使在竣工的兩年後，草棚任憑沙漠強風吹襲依然屹立不倒。他們受到尼日人生活態度和當地資源稀缺的啟發，立誓日後建築職涯裡，但凡能挽救的建築絕不拆毀，並且盡力延長其持續性，這也成為他們往後的設計戒律—永不拆毀。 53套低層公寓（法國聖納澤爾，2011年）。 透析現有資源　開啟新與舊的對話 縱觀拉卡頓與瓦薩爾作品，一如凱悅基金會主席湯姆士．普里茲克所言「他們的目標就是透過自身工作，展現謙遜的力量，並且實現新與舊之間的對話，以此服務人類生活，拓寬建築疆界。」   大公園 G、Ｈ、Ｉ座大樓 530 套公寓（法國波爾多，2017年）。 拉卡頓與瓦薩爾悉知建築的空間和材料，深入探索原有事物的價值並且善加利用，以改造提升替代拆毀重建，賦予現有資源蛻變重生的機會。同時，他們也將自身的創作熱情和創新觀點注入設計裡，建構出兼具美感與務實的建築，其作品橫跨多元領域，包含：住宅、文化、教育和商業建築。 多功能劇場（法國裡爾，2013年）。 究竟拉卡頓與瓦薩爾是如何運用清晰的邏輯和堅毅的信念來實踐心中的理想？透過以下3項知名作品，讓我們一探兩位建築師以改造取代拆毀，富含細膩人文關懷以及謙遜包容的設計精神。 綠建築實踐 拉達匹住宅 Latapie House（法國弗盧瓦拉克，1993年）  拉達匹住宅改造期間的施工樣貌。 拉卡頓與瓦薩爾皆曾經研究過植物園的溫室，植物脆弱且優美的特質，在光照下的通透之美，不僅擄獲她們的目光，也讀進了兩人的內心。在拉達匹住宅（Latapie House）她們以綠建築思考，利用增設的冬季花園與陽台，在有限的預算裡擴大了居住空間體感，讓居民能夠親近自然同時達到住宅節能目的。 拉卡頓和瓦薩爾應用溫室技術，在房屋背面向東處設置可伸縮的透明聚碳酸酯板，以擴大居民的活動空間，同時達到節約及美觀的效果。透過部分改造建築外觀，使原本單調老舊的社會住宅，翻新為清新明亮的樣貌，為空間增添生氣盎然的氣息。 住宅周遭種植植物，除了有效美化居住環境，也能達到調節室內微氣候的效果。此外，在房屋背面向東處設置可伸縮的透明聚碳酸酯板，拓增住宅的公共空間並且令自然光線穿透入內，使氣流暢通怡人，輕巧地改善了居住品質，也提供居民健康舒適的生活空間。 體貼的人文關懷 普雷特大樓100套公寓 Transformation of 100 Units, Tour Bois le Prêtre（法國巴黎，2011年）  普雷特大樓100套公寓（法國巴黎，2011年） 在二戰結束後，住房需求大幅增加，法國政府在郊區興建大量的社會住宅，普雷特大樓即為其中之一。這座建築始建於1960年初期，是一棟擁有96套公寓的17層大樓，因年久失修，且建築設備急需升級，拉卡頓和瓦薩爾與弗雷德里克．德魯沃聯手為它進行改造。 在靠近陽台處裝設落地窗，不僅可以引入日光，一覽窗外美景；亦可讓室內空間與視覺向外延伸，營造寬敞明亮的居家生活。 在新計劃中，拆除了原有的混凝土外牆，並且裝設多處大片落地窗，讓建築輪廓向外延伸，換來明亮開闊的室內空間，使居住感受更加開放。此外，主張以改造取代全然拆除的作法，不但充分考量了住戶的生活難題，讓住戶無需憂心沉重經濟負擔，得以維持穩定生活，改造後普雷特大樓不僅煥然一新，不再沉舊，也展現了設計者細膩入微的思考與人文關懷。 更自由的空間運用 當代創作展場，東京宮二期 Site for Contemporary Creation, Phase 2, Palais de Tokyo（法國巴黎，2012年）  當代創作展場，東京宮二期（法國巴黎，2012年）。 巴黎東京宮原本是為了1942年的巴黎世界博覽會所建造的博物館，竣工於1937年，2002年起，拉卡頓和瓦薩爾耗費10年時間修復建築內部空間。在新方案裡，博物館的室內面積增加20,000平方公尺，部分是新闢的地下空間。 兩位設計師打破展場模式既有的框架，牆面、鋼桁架及柱子展現建築原有的樣貌，讓空間的使用性更加寬敞自由；同時，明與暗的空間相接，增加了視覺上的豐富性，也增添光影交織的美感。 室內設計跳脫許多當代藝術博物館的常用的純淨白立方型態，反而以大量的未完成空間予以「留白」，增加展場日後使用的靈活性。此外，展場內部不規劃制式的動線引導，因此每個空間都可以提供藝術家、策展人與展覽主題盡情發揮，參觀者也能自由地穿梭在明暗交織的環境裡，沉浸於無限想像的藝術體驗。 地下空間。 除了上述作品，拉卡頓和瓦薩爾的知名作品還包括：費雷角之家（法國費雷角，1998年）；CitéManifeste的14座社會住宅（法國米盧斯，2005年）；波爾多科學技術大學（法國波爾多，2008年）；53套低層公寓（法國聖納澤爾，2011年）；多功能劇場（法國裡爾，2013年），烏爾克-饒勒斯大學的學生宿舍和社會住宅（法國巴黎，2013年）；位於內珀特花園、包含59套公寓的社會住宅開發項目（法國米盧斯，2014至2015年）；以及謝納堡住宅和辦公樓（瑞士日內瓦，2020年），作品展現了兩人對於生態環境變遷、社會困境以及經濟發展的關懷，用開放自由、務實與理想並存的特質實現了建築的民主精神，他們體貼考究、觀察入微、謙遜包容的設計思考不僅深獲肯定，同時對社會帶來影響與貢獻，也對年輕世代的建築師帶來深刻啟發。 設計師簡介 安妮．拉卡頓（Anne Lacaton）　法國建築師、教育家 讓-菲力浦．瓦薩爾（Jean-Philippe Vassal）　法國建築師、學者 安妮．拉卡頓與讓-菲力浦．瓦薩爾相識於法國波爾多國立高等建築與景觀學校，於1987年在巴黎共同成立拉卡頓和瓦薩爾建築事務所（Lacaton & Vassal），並獲得2016年里斯本建築三年展終身成就獎；憑藉法國波爾多大公園G、Ｈ、Ｉ座大樓530套公寓改造項目，榮獲2019年當代建築歐洲聯-密斯．凡．德羅獎。 兩人曾共同在義大利阿爾蓋羅的薩薩里大學、法國東京宮Pavilion Neuize OBC研究室、瑞士聯邦理工學院擔任客座教授，亦聯名出版《自由空間》、《事件。使用自由》、《PLUS：大規模住房開發，一個絕佳案例》和《明天會更好》等作品。 圖片提供與版權」The Pritzker Architecture Prize  攝影」Philippe Ruault   撰文」紀奕安