魏郁珊 淬山設計總監 2019年創立淬山設計。反覆探討空間的比例線條，置入細膩的色彩元素與肌理質調，在加減之間尋求完美平衡，形塑舒適清新的氛圍。設計之本，唯有不斷淬鍊，基石便能成山。 請簡述自己。 我的作品沒有特定風格，十分講究「客製化」，致力將客戶的喜好或是想像化為現實。如何適切拿捏各風格所需的元素？我認為多觀察、多增廣見聞都是很好的方法，現今世代無論由書籍、網路汲取新知，或是出國遊歷拓展視野已非難事，客戶所描繪的空間畫面一定也跟他的生命經驗息息相關，因此，多管齊下的體驗生活是設計者很重要的課題。   我的個性比較瞻前顧後，一同共事的夥伴就格外關鍵，目前雖然沒有員工，但有跟平面設計師、軟裝設計師、施工相關廠商合作、共同組成團隊，各司其職發揮所長，同時創造無限的可能性，我覺得這樣的設計能量最為強大。   展望自己的35歲？ 現階段希望穩穩地在設計業界走下去，不求公司一飛沖天，但求默默耕耘，期待日後有機會能進軍國際，承接國外的委託案，嘗試更多有趣的挑戰。台灣市場的空間類型雖然多元豐富，但在現實基地條件方面依舊有著諸多限制，如果有機會踏足不同國度的文化民情並留下自己的設計軌跡，相信會是我的設計里程碑。     展望35歲，期許自己穩紮穩打、站穩腳步，並積累設計能量，做出國際化視野與質量的作品。   與《室內interior》的緣分從何開始？ 求學時期我就對設計行業很有興趣，在逢甲大學就讀室內設計系時，同儕都會經由《室內interior》了解當時台灣厲害的設計前輩們所提出的見解，並觀摩設計圈的流行趨勢，甚至也會翻閱雜誌尋找憧憬的設計公司，作為就業的參考。   《室內interior》和日本節目《全能住宅改造王》算是我走上室內設計師這條路的啟蒙者，前者增長並豐厚了我對設計的思維，後者最令我觸動的環節，即為節目中的職人時常將委託者舊家看似不堪用的樑柱、建材保留下來，並藉另一種形式賦予它們新生，不僅留下曾經的記憶，也實踐了「重新再利用」的理念；這部分對我有著深遠的影響，時至今日永續環保材料的應用亦是我關注且探索的課題。 第一次在《室內interior》發表的作品《TIMELESS》。當時正處於探尋自我、慌張無法定義屬於自己風格的階段，與此案客戶聊天，客戶堅定地說：「就是因為你沒有既定的風格，才能擁有無限的可能」。每一次的案子都能帶來成長。（詳見《室內interior》348期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內interior》最具鑑別度的部分在於，雜誌對於風格和元素呈現的接納及包容度十分廣闊，不同流派的作品都有機會被報導刊登。   另一方面，媒體有其社會責任，對於觀念的推廣必須扮演推進的角色，並替圈內圈外的雙方搭建起溝通橋樑；設計的存在終歸是為了解決問題，現今大眾必須面對自然能源匱乏的現實，如何運用最少的有限資源改善人類的居住品質，同時保有地球永續的可能，我認為是室內設計界目前亟需關切的議題，也鼓勵《室內interior》能在這個面向提供更深入的資訊。   至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 每個作品都是生命歷程的印證與成長，在《室內interior》發表的第一個案子《TIMELESS》，它見證了我在探尋設計定位時的徬徨。從事藝術相關行業的客戶，洞察了我作品中的多元性，給予我很大的鼓勵，讓我知道就算沒有特定風格也沒關係，因為這樣就有著不被侷限的無限可能。   另一個餐酒館作品《Curious. Taiwan》則融合了複雜的語彙及樣態，並以「中西合璧」的邏輯擘劃空間氛圍，西方畫家的壁紙與壁布被用於燈籠表層，艷麗大膽的色彩在光源襯托下呈現一抹新式東方的氣息。客戶的豐富閱歷大大拓展了我的眼界。 至今在《室內interior》發表的最特別作品《Curious. Taiwan》。此作著重於將未嘗試過且複雜的元素與材料在空間中兼容，並符合品牌空間意象概念。設計師認為這是最大的挑戰，也很開心達成目標。（詳見《室內interior》352期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 如前述所提，我對風格美學雖沒有特定的喜好或習慣，但每個案子一以貫之的精神就是「整合」，該如何巧妙安排諸多元素是我非常注重的環節；與客戶的溝通則是一場靈魂的拷問，要懂得協助他們爬梳真正的需求，並在合理範圍內做出取捨，藉此打造與個性契合的專屬境地。針對住宅設計，我重視情感交流和互動，因此公共空間面積通常會較私領域來得寬闊；商業空間的部分，則會奠基並延續品牌的核心價值，考量商空翻新率高，材料選擇較為多元，有鑑於此，我會盡量使用環保材構築場域架構，以期達成永續願景。     您對未來的期許？ 現今講求跨界合作，我期許自己能更積極的向外尋找更多可能，工作技能只是個工具，重要的是腦袋裡的知識要如何活用、突破僵化制式的思維，構建具故事性的空間。和不同領域的佼佼者進行切磋交流的過程，因大家思考模式相異，很有可能互不理解甚或產生衝突，但我認為優秀的設計者要能夠針對各種情境做出對應，梳理並統整各個面向的專業，這也是我日後欲發展的方向。   環保建材是未來的必定趨勢，在設計上我會盡量說服客戶選用，雖然我的力量微小，但如果能透過設計作品將這些理念傳遞出去，觸及懷有同樣價值觀念的人們，就有機會使永續材料更加普及化。環保材質範疇博大精深，對於製程、特性的鑽研我亦需持續學習，期望能與更多優秀的台灣材料商共同前進，優化業界生態也替地球資源盡一份心力。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 期待《室內interior》能持續呈現內容的多元性，帶領設計師和讀者們擴展新的視野，一同構畫更精彩的生活想像。同時也希望《室內interior》在空間與建材議題推廣能有更多元的著墨，成為設計的「卓見」，呈現更多不同的設計面向與視野。   《室內interior》多元的包容性是我最喜愛的特色，交織出設計與生活的全新想像和視野。   資料及圖片提供」淬山設計 採訪」陳映蓁

自二十世紀以來，展覽演變成展示藝術品的核心場域，對空間的強烈意識，也成為書法家創作的重要特質。展名「當巨浪襲來」由此而來，不僅是空間之巨，也是視線之巨，探討藝術家如何以書法創作回應高聳白牆，展現來自不同文化背景的觀看視角。本次邀請卜玆、李茂成、和田浩志、於同生等四位藝術家參展，以尺幅、書體、風格、內容、字數、色彩、材質等變化，為傳統書法譜出新意，折射出當代書法藝術的萬千面貌。   展間純粹白淨的背牆，將每幅書法作品完美烘托，令人賞心悅目。 一則縮影：從文人書齋到藝術家工作室 卜玆以猶如「車手掣彎、戰機劃空」的速度振筆疾書，筆法兼容唐代、晚明草書及清代篆書，成就別樹一幟的自我狂草書風。卜玆於1980年代屢獲獎賽肯定，而後矢志成為專職書法家。他數度搬遷創作空間，從空軍眷舍、三合院到挑高的工業區，作品與之相輔相成。   卜玆，《悠悠盡日閑》2010-2011，水墨／紙本。 本次展出7件作品，其中2000年的《金剛般若波羅蜜經》，以每字不到0.2平方公分的小楷寫就，反映書寫時戒慎修持的心神。後期的《風》則典出明人徐渭詩，全幅採濃重飽滿的大字狂草書成，行筆每二到三字即重新沾墨，維持由漲墨至濕筆的節奏，宛如大風陣陣吹拂，令人遙想風起雲湧的意象。蘇軾云：「大字難於結密而無間，小字難於寬綽而有餘」，卜玆大字密實如織錦，小字則疏朗若浮雲，以從容不迫的自信回應經典難題。   卜玆利用小楷將每字行距控制在0.2平方公分以內，感受藝術家凝神靜氣的心緒。 兩畝方田：從唐人詩句到宋畫名蹟 李茂成受到清代崇碑風氣影響，將隸書和魏碑的渾厚融入草書創作，著重於對生命的探索。《星垂平野闊》取自杜甫詩句，全幅用筆圓轉且不露鋒芒，結構多做扁方，單字濃淡對比鮮明，由濕到乾、由快入慢，周而復始，猶如在沙灘上作字，起始為浪所浸潤，隨著退潮消散，又在浪起後重獲新生。   （左）《星垂平野闊》，（右）《谿山行旅》，在臨摹古人詩作，將探索生命的精神融入作品，引人入勝。 《谿山行旅》取自台北故宮所藏北宋范寬名畫，李茂成在青年時期曾臨摹此作，畫風亦為之影響。近年興之所至，揮就「谿山行旅」四字，「谿」、「行」二字拖長且連綿的用筆，狀如瀑布及林道，引領觀者進入心中丘壑，產生可行、可游的想像。   三維線條：以線質召喚生命 和田浩志生於日本福岡，在京都成長，自五歲開始習書。受到日本書法先鋒井上有一等人影響，近年致力於少字數創作。有別於墨象派前衛書家，和田浩志保留了文字的可識性，並期盼以充滿力量的線條觸動人心。   和田浩志，《乃_14》2023，水墨／紙本。 本展精選12件單一字數作品，所書內容多源於自然萬象，反應出和田浩志的人生觀，以及立足於日本經典文化，對生命的思考與期望。《夢_16》尤其特殊，在書成後，刻意揉捏紙張並重新展開，使既有線條和非預期墨痕如奇蹟般地融合，據此成為完美的藝術品。藉有意無意之間、剛柔並濟的創作手法，開啟與西方抽象藝術對話的契機。   四度空間：英文字母的漢化變形記 於同生取法魏碑的雄渾，近年來於台灣各大書法獎賽頻獲首獎。有感於日本書法圖像化的趨勢迄今已逾百年，且持續主導台灣當代書藝，於同生力求突破字義與畫面的直接關聯，將文字載體代換為英文，並保留漢字書法的用筆及線質。   於同生，《墨舞 NO.2》2024，水墨／紙本。 本次展出五件作品，其中《閃閃動人》以原作及數位微噴輸出參展，不僅透過色彩衝擊視覺，也是以當代製作版畫的觀念，回應法書複製的經典傳統。新作「墨舞」系列一反過往英譯中的思維模式，改採概念命名，作品中可見墨線曲折迴旋，字勢欹側欲穿紙面，彰顯出跳脫文字桎梏，轉而重視線條與空間共奏的意圖。   展覽空間明亮乾淨，漫步其中欣賞四位藝術家的獨特風格，在多樣創作中沉澱心緒，體會每刻安寧。 2011-2013年間卜玆沉浸在大字狂草創作之際，李茂成亦如發狂似地埋首於書法創作；2017年和田浩志決意面向國際時，於同生亦轉身投入英文書藝。他們透過對深厚傳統的奠基，潛心創作，開闢對書法藝術的全新想望。   當巨浪襲來 時間」2024年9月28日至11月2日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店）   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

台北當代藝術館（以下簡稱當代館）於近期推出「Beta+」及「熱影像」兩展，由邱杰森與莫珊嵐、陳韋綸兩組策展人以新世代觀點，展現現在進行式的當代藝術。位於一樓展區及戶外廣場的「Beta+」，主要探討當代社會資訊的短暫性和有效性議題，有別於傳統的靜態展覽，作品如同有機體般，在展間不斷變化與重組；二樓展區「熱影像」以網路世界中的影像環境為背景，探討被塑造的想像世界，如何影響人們對於社會的認知價值。   「Beta展區」數位新媒界 展覽「Beta+」以數位技術和新媒體為背景，聚焦當今社會瞬息萬變的科技與視覺文化，展覽匯集了來自蒙古、法國、新加坡和台灣的孟克波洛兒．干波爾德 Munkhbolor Ganbold（蒙古）、林育正、瑪莉．哈維爾 Marie Havel（法國）、克萊蒙．菲利普 Clément Philippe（法國）、超級浪、黃萱、楊子強（新加坡）、鄧雯馨、鍾興賦等九組藝術家，以多樣媒材與創作手法，展現當代空間、環境與視覺文化的多重面向。   視覺文化與身份的探索 超級浪 Hyper Wave《游離的引線》Dissociated Fuses 。 在當代館廣場上，超級浪的大型裝置作品《游離的引線》矗立其中，以潛水艇作為媒介，重構台北湖的歷史景觀，探討自然、歷史與科技之間的交錯​，進入潛艦內部，從監看螢幕觀看，當海平面上升後，台北城被淹沒的預示情景。   鍾興賦 Chung Hsing-Fu《有一天是一天》Surviving Day by Day。 鍾興賦《有一天是一天》以行為表演結合錄像裝置，探討身體與日常生活中的衝突與游離，從個體經驗出發，反思資本主義社會中的身體與身份問題。   黃萱 Huang Xuan《靜物》Still life。 黃萱《靜物》是一場關於抑制動作和音量的表演，藝術家試圖以最安靜的方式放置物品，強調動作的約束與自我控制。   動態創作與即時性呈現 楊子強 Yeo Chee Kiong《電子傳送門之貳號專案：朱銘 2024》Teleporting Project #02_ Ju Ming 2024。 楊子強《電子傳送門之貳號專案：朱銘 2024》以3D列印技術重現已故雕塑大師朱銘的頭像，透過逐層堆疊的像素模塊，展示數位雕塑在虛實間的跨越與重構。 林育正 Lin Yu-Cheng《箱構 3.0：巴斯卡箱 _ 演算之所 I》BOX-OLOGY 3.0：Pascal Box _ Calculate in space I。   林育正《箱構3.0：巴斯卡箱 / 演算之所 I》以鷹架搭建空間，各式箱子與物件在展間不斷變化陳列，像是一個舞台讓物件本身自行表述，嘗試從自身記憶編寫出屬於自己的解讀及故事。   孟克波洛兒．干波爾德 Munkhbolor Ganbold《Possibility》。 孟克波洛兒・干波爾德的《Possibility》融入蒙古傳統貼花工藝技法、撕裂舊作的碎片，結合來台期間所拾獲的物件和材料進行創作，從重組中，透過物件位置的移動形成新的排列，產生不同意義與功能。   瑪莉．哈維爾 Marie Havel《擲骰子壁畫》On a Roll of the Dice。 瑪莉．哈維爾（Marie Havel）《擲骰子壁畫》以互動遊戲為基礎，透過擲骰子獲得的指令共創壁畫，決定作品的即時發展。特別的是，作品直至展覽結束才算完成，畫作的未完成狀態呼應了周遭持續變動的建構過程。   當代空間的重塑與演化 克萊蒙．菲利普 Clément Philippe《混凝土賽利昂》Concrete-Xérion 。 克萊蒙・菲利普的《混凝土賽利昂》以現地創作的形式，利用混凝土、硫酸銅與電線等工業材料，將當代建築中的隱藏元素可視化，揭示其背後結構與力量。   鄧雯馨 Teng Wen-Hsin《數位藻礁》Algal Reef。 鄧雯馨《數位藻礁》源於桃園大潭藻礁保護串連活動，藝術家以程式編碼將真實的海洋風景轉化為虛擬空間的資訊海，將錄像投射在不鏽鋼球上，旨在喚醒人們對在地意識與生態保育議題的關注。   「熱影像展區」虛實交錯的網路世界 根據統計，每日約有近四億張影像被上傳至社群平台，隨時間不斷增長的數據驅動技術，顯現了當代社會進入超出預期的狂熱狀態。陳韋綸以過往策展實踐與影像研究為基礎，試著將「網路」作為理解影像作品的框架，匯集九組國內外藝術家與團隊參與展出，一同探討影像媒介的轉變與變異、當代影像敘事的多重樣貌以及數位資本主義與網路文化的關聯。   影像媒介的轉變與變異 丹尼爾・卡諾加 Daniel Canogar《Chyron》。 西班牙藝術家丹尼爾・卡諾加（Daniel Canogar）的作品《Chyron》，以透過即時生成的演算技術，使全球新聞字幕成為不斷更新訊息的編織網，在不同意識形態下，展現新聞生態的脆弱與不穩定性。   李勇志 Lee Yung-Chih《環保稽查員》系列 Recycling Bin Series 。 曾從事環保稽查員工作的李勇志，將稽查過程中所記錄的回收物影像投影在帆布上，在令人感到熟悉又奇幻的斑斕景致中，探討幻象的表面與物體本質不變之間的關係。   莊培鑫 Chuang Pei-Xin《你有感覺到熱熱的嗎？》Do you feel any heat 。 莊培鑫在《你有感覺到熱熱的嗎？》作品中，運用3D掃描技術，將物質表面轉換為數位檔案，透過結合結晶與礦物的雕塑物，思考礦物所帶有且不可見的能量，是否能透過數位模式被再次生產。   當代敘事的多重樣貌 致穎 Musquiqui Chihying《雕塑品》The Sculpture。 致穎《雕塑品》在實驗紀錄片中，融合表演與影像敘事，以中國北京國家博物館近年所成立的非洲雕塑收藏品影像，探討具權威性的博物館，如何展示與詮釋來自異地的文化遺產，以揭示在博物館幽暗陰影中難以窺見的藏品面貌。   吳梓安 Wu Tzu-An《日常日長（或一次自拍）》Quousque eadem (or a self-portrait)。 吳梓安《日常日長（或一次自拍）》以翻拍超八攝影機和十六釐米膠卷、如日記電影的實驗影像中，思辨電影傳統與自我建構的敘事差異，以自我記憶的拼貼，呈現個體如何在數位時代中重塑自身的認同。   許哲豪 Hsu Zhe-Hao《系統無法辨識 “蟲新路一段”》Error { debug again and again. }。 許哲豪《系統無法辨識“蟲新路一段”》以西元兩千年前夕因系統錯誤，而增生的千禧蟲（Y2K bug）事件為背景，透過迷因般的影像敘事手法，詼諧詮釋交錯於網路與現實世界中的全球性網路災難場景，暗示虛擬與物質世界難以被分離。   網路文化與數位資本主義 吳宜曄 Wu I-Yeh《Generative Data》。 吳宜曄《Generative Data》以學習模型的演算技術，將社群平台無限推播的圖文，重新進行數據提取與分析，試圖藉由作品提供一種方法，以理解個體與數據、演算法、監控資本主義與行為剩餘間的關係。   李亦凡 Li Yi-Fan《important_message.mp4》。 李亦凡《important_message.mp4》從一系列的網路陰謀論出發，探究在當代網路科技發展下，人們無法確定資訊的真偽，抑或是在爆炸性訊息的餵養中感到恐懼的生命狀態。   馬修・格里芬 Matthew Griffin《The Outernet》。 來自澳洲的藝術家馬修・格里芬（Matthew Griffin）《The Outernet》則是化為如言語失控的觀眾，將新聞主播轉為因其話語而啞口無言的觀眾，並以黑色幽默的手法，批判社群媒體對個體的數位侵擾，與監控資本主義對隱私的侵蝕及自由的威脅。    為配合此次展覽，當代館藝術商店推出限定MoCA藝術香氛片，融合「Beta+」及「熱影像」主視覺設計，調和帶有濃郁大地氣息的廣藿香，揉以青茶與杉林的清爽空氣，散發獨特的草本泥土香味和佛手柑的回甘茶香，與盛大的展覽相呼應，不禁引人駐足、一探究竟，感受數位時代下帶給人們的震撼和嶄新視野。   「Beta+」＆「熱影像」 時間」2024年9月28日至12月29日 地點」台北當代藝術館主題策劃展區2F   資料及圖片提供」台北當代藝術館 編輯」林靖諺

由台北市都市更新處主辦的「2024台北老屋新生大獎」，日前於南港瓶蓋工廠舉行頒獎典禮，宣布「評審團大獎」3件最具代表性作品、10件傑出作品「BEST 10」及1件「整建維護特別獎」，推廣老屋活化的魅力及改造後的新想像。 主視覺。   台北市都市更新處表示，建築乘載使用者、場所本身的回憶，老屋不僅保存了城市歷史及文化，更顯現其包容與開放性；本屆老屋新生委會員主席李清志則提到，獎項推動至今感受到城市的改變，老建築的保存不僅關注於硬體空間，更應該注入新生命、多元的經營手法，讓老舊街區綻放過去的榮耀。   評審團大獎名單 今年獲得評審團大獎表揚的3件作品，分別在不同向度具有突破性及社會影響力。作品背後的價值跟故事更可讓人感受老屋帶來的感動，同時充分體現老屋新生的無限可能。    AKA café  AKA在日語是赤色的赤—「紅磚」及「紅瓦」是多數人對大稻埕的第一印象。AKA不僅是一間咖啡廳，也是酒吧、香道、花道、茶道的體驗空間。老屋曾是富商郭烏隆的豪宅，AKA團隊希望能夠重現以前的繁華景象，將百年前發生於這座宅邸內的故事以更精緻隆重的形式呈現。    市定古蹟北一女中光復樓－一座流動的博物館  北一女中光復樓建築特色為平面曲尺形，外觀簡潔線條強調水平線特徵，屬於台灣早期現代主義風格建築，於1933年竣工。這座三層鋼筋混凝土建築至今仍用作教室、行政及教師辦公室，是台灣校園古蹟中難得由校友會自主啟動古蹟修復再利用計畫的研究。   設計團隊「何黛雯林雅萍建築師事務所」以古蹟調查研究知識系統、古蹟修復設計整備工程呈現教育推廣的共伴共創，期待喚回更多參與者、校園師生與校友們的生活記憶與情感。    玉成戲院錄音室  玉成戲院1978年開幕，因2001年納莉颱風造成了大淹水，戲院損失慘重而長期歇業荒廢。來自美國的錄音與混音師Andy Baker一直在尋找合適空間打造自己的錄音室，廢棄的玉成戲院完美符合他心目中理想錄音室的樣貌；2016年起即展開了自行改建戲院為錄音室的浩大工程。   新生的玉成戲院錄音室保留了舊戲院的售票口、古董放映機和佈告欄，錄音室也以戲院原有的金廳和銀廳命名；歷史空間再利用更賦予了錄音室獨特的空間形式與音場效果。   BEST 10名單  BEATA  「BEATA」一詞是拉丁文「最快樂幸福的人」之意，隱藏在山坡上的校內食堂，是陽明交通大學師生們的補給站，空間使用多年已略顯老舊、動線規劃不符需求，校方希望此處能多元化延伸，並與校園周遭紋理及動線串連。   設計團隊「許志維建築師事務所」透過縝密的開窗比例，讓風景跟大樹成為空間襯景，並於三樓規劃「人良閣」，配置設備齊全的共享廚房以及可供各式講演活動的人文講堂。    boven雜誌圖書館  boven雜誌圖書館收藏眾多創意與設計美學相關的外文雜誌，期待打造一個激發靈感的場所。基地位於台北市東區地下室，是無對外窗的密閉室內空間，建築師引用陶淵明「桃花源記」概念，藉由製造一個又一個「懸念」，透過動線引導進入場域的過程，刻意讓入館者的視野先縮小，經過轉折後再放大視野，就像走進桃花源，讓人不自覺驚呼原來裡面別有洞天。    老布莊的共生  原先的訂製西服公司搬遷，改由戶外裝備品牌進駐，經營管理單位Kawas第一家實體店落腳於迪化街的老布莊，早年布市的繁華盛況顯現在室內裝修材料上，華麗的大理石從地板延伸至牆面，退縮無落柱的騎樓則提供了進出貨的臨時動線。設計團隊「力口建築」盡量保留地坪與牆面石材，實木架以最小構件輕觸固定於牆上，石材背景交疊展示牆成為新舊融合立面，並將舊布尺轉化為入口門把。    杉遍野．隨野家  「隨野家 . 生活」為關渡平原農業區的友善放牧養雞場，設計團隊「曲墨建築師事務所」在實地體驗農場的務農生活後，在設計上以同樣的友善與永續自然態度做出回應：利用台灣疏伐木柳杉的末段為主材，將其應用於食農教育空間的改造上，且杉木切割後的餘料細分能製作成不同尺度的小家具，最後剩餘的小碎木便成了農場土地最佳的天然乾燥墊料，整根杉木末段均無一絲浪費的永續應用。   也應用總監郭恩愷多年來所建立的可逆式工法，採螺絲與螺栓鎖固打造一處自然農場，其可恢復性與可擴充性的設計，只要將這些樹材固定的螺絲退去，便可恢復到杉木狀態。    河神的丸子  原典創思團隊以展覽選物空間，承接多元的創意發揮，社群串連的多樣性，期盼打造一個貼近社區需求的公民客廳。這座60年老屋曾是台北市府員工宿舍，歷經歲月變遷閒置多年未使用。團隊接手後秉持著「修舊如舊，卻帶新意」理念，在結構加固的基礎上，保留了原有的兩層樓前庭後院、大樹、磁磚、磨石子樓梯、浴缸、木窗等特色元素。改造過程則以布置和簡單裝修的方式，導入創意主題和特色觀點，賦予老屋新生。    沿岸3.0  設計團隊「沿岸有限公司」承租了擁有許多故事與居民生活痕跡記憶的雙層空間，打造成自身辦工場域。攜手擅長運用原始材料的「一日一土建築空間計畫」，透過實木、金屬、水泥等材料構建內部，亦使用金屬、青磚等元素搭配訂製鐵件收納櫃。門口的大片金屬落地窗設計，讓白天陽光灑落反光的倒影意外成為自然屏障，空間充滿低調、溫暖、剛硬、明亮等豐富感受。    城市舞台  「城市舞台」是台北市藝文活動及劇場驗出的重要場所，設計團隊「莫國箴建築師事務所」期待透過建築設計方式抓住、留下並再現經典的黃金歲月。整修標的分為「城市舞台」及「藝文大樓」兩棟建築物，除劇場演出設備整體更新外，設計者更在意的是建築物外觀在都市環境中的自明性。以簡潔幾何造型的矩形量體凸出於原建築外觀，並以格狀金屬板／擴張網拼貼紋路呈現舞台的「走位」概念，將內部劇場空間立體化轉譯至建物外牆，改變視覺焦點，成為八德路／敦化北路體育園區中的文化新亮點。    昭和浪漫洗濯屋  「昭和浪漫洗濯屋」作為霜淇淋專賣店，店名結合建物前身洗衣店「洗濯屋」用途。建物為面寬窄身的房子，設計團隊在改裝期間深感老屋魅力，於是在狹長空間中隔出小小的座位區，一樓呈現戰後蓬勃發展的昭和時代氛圍；二樓情境則設定為戰前的昭和時期。    森³ sunsun-museum  基地是常見的老公寓民宅，經由打開立面，向室內迎入公園的綠，重新梳整空間的內外關係，作為老屋新生的第一步。森³ sunsun-museum思索如何藉由設計帶來更多維度的啟發，讓城市人們重新產生對於生活的嚮往，遂透過實體空間的營運，試圖匯聚視覺、空間、時尚、選品、展策等跨領域能量，在繁忙城市中打造「設計 x 藝術 x 美學」新場域。    萬座曉劇場  萬座曉劇場原為台北製糖所B棟倉庫，為日治時期的蔗糖製造工廠，後由台北市政府指定為市定古蹟。命名以「萬」代表萬華，「座」即取自日本「劇場」之意，更象徵糖廍從日治時期至今的歷史意義，其中「萬座」更是許下未來萬人入座之劇場發展目標，期待萬座曉劇場成為台灣表演藝術的門戶。   整建維護特別獎  重生（恩寓公寓 電梯增建及外牆整新） 建築物由屋主長輩自行興建，第二及第三代家庭成員決議進行整建維護，除延長建築物的生命週期，也及早因應未來老年化生活的準備。除了新增電梯，也增加外牆拉皮與部分的結構補強等項目，電梯外牆部分選用深棕色的德國皮紋氧化鋁合金板，輔以開窗，無論白天黑夜都成為該社區地標之一，同時建物整體選用淺色系塗料，使電梯外觀成為重點，並於西側新增開窗，使樓梯間重獲採光。   資料及圖片提供」台北老屋新生大獎 編輯」陳映蓁

藍騎士藝術Bluerider ART台北．敦仁展間，近期推出藝術家「威利・希伯：巴洛克珍珠」（Willi Siber : Baroque Pearls）個展，展出牆上裝置、雕塑等多達十數件新作。以大自然為靈感，將觸動希伯感官的上施瓦本巴洛克教堂輝煌，如同跳脫常規、飽滿渾圓的「巴洛克珍珠」，以不規則形狀傳遞真善美寓意，表現其對自然與生命的歌頌，承載著巴洛克的華麗，為物體注入感性靈魂，在形變與材料轉換中，帶領觀者進入如聖樂般洗滌心靈的震撼。   《Wood wall object》，2020/2021，木材、鉻瓷釉。   希伯長期以抽象裝置創作聞名。作品承襲德國南部上施瓦本地區巴洛克藝術與文化的風貌，受大自然風景的滋養，將巴洛克華麗的色彩與律動以及對大自然的全心感動，融合轉化為抽象作品。藝術家表示其作品始終是自由且獨立的物體，不需要敘事性地解釋。基於物質的可塑性，著重於對形狀、色彩、質地的探索，試圖顛覆觀者的視覺認知。   《Tafelobjekt》，2023，琺瑯、纖維板。   展出焦點之一大型4米三聯幅作品《板面物體》（Tafelobjekt），以光滑表面強化木質纖維板的有機圓弧體，漸變的光線反射，隨觀眾移動帶來如四季變幻的起伏畫面，趣味感十足。另外二張黑、白新作，對稱凹凸、陰陽調和，如同珍珠般的觸感挑動神經。   《Stehende》，2023，烤漆、鉻瓷釉。   知名的鋼材雕塑系列《站立》（Stehende）與《木質牆面裝置》（Wood Wall Object）覆蓋著源於巴洛克的華麗色澤，鮮明的亮面烤漆，彷若大自然般靈巧生動。 藝術所擁有的多重樣貌 在長達45年的創作歷程中，威利・希伯始終圍繞著材質、形狀、色彩與光線不斷探索。希伯對形式性的研究，推翻傳統框架，將幾何形狀、線條與顏色共構成對「美」與內心感知的詮釋。延續對形狀與色彩間的交互，創作出形體間的矛盾感，嘗試混淆熟悉的感知，形成希伯獨特的藝術語言。 《Color blocks》 ，2024，合成樹脂、木材。   創作早期以繪畫為主，之後因繼承父業木材廠，逐漸對雕塑及立體裝置產生興趣，1980年後漸以木質材料為主要創作媒介。希伯曾表示：「我的創作源於改變。」木頭的生硬質感在弧線刨塑下，轉化為帶有韻律的圓弧形狀，創造意想不到的外觀形式。   《Sculpture》，2023，鋼、纖維板。   希伯從木材、鋼到纖維板，嘗試著一切可能性的突破。著名的鋼材雕塑系列中，扭曲的金屬由硬化鋼組成，這類材質即便在極端的承重負載下也不輕易斷裂，經希伯之手，呈現玩趣如吸管彎曲的輕盈。看似簡約，卻是一系列複雜的精密工藝與上色掌控，無縫焊接的物質性與明亮色彩起到相互作用，顛覆觀者對金屬輕重的認知趣味。   《Sculpture》，2022，鋼、鉻瓷釉。 此次展覽呈現希伯一系列特別創作，貫徹對於材質的優雅轉化，將巴洛克戲劇風格及大自然風貌，幻化為令人驚歎的抽象作品。 威利・希伯：巴洛克珍珠 時間」2024年9月7日至11月10日 地點」Bluerider ART 台北．敦仁   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺  

游雅清 游雅清設計空間 主持設計師 作品《陽光禮讚》獲得2012年TID Award 居住空間類 | 複層TID獎作品《立樺建設忠孝無極》獲得2020德國iF Design Award、義大利A'design Award、德國Iconic Award 游雅清的設計趨向均來自於生命的覺察與關注，為每個不同的室內空間，揉和延展出更精彩而獨特的空間性格。作品強調彰顯空間的人文氣質，使設計不只是純粹的視覺或裝置藝術，而能因應不同的空間特質，與人產生對話，且重視使用者的細膩感受，精心規劃映托空間、風格獨具的構圖。     請簡述自己。 人會隨年齡經歷有所轉變，在不同情境也會浮現各種面向。身為設計師，我性格中自信、直率果斷的特質，使我面對工作裡大小決策能迅速判斷、精準呈現於空間作品。然而私下的我對人對事溫和隨興，兩相對照，是明顯有所切換的。因此我認為毋須對現階段的「自己」下定論，替自我保留彈性，自然不會對他人評價過於患得患失。     回顧自己的35歲？ 我在倫敦求學時攻讀視覺藝術，已立定志向進事務所，希望累積建築、室內設計的實務能力。回台灣後積極投履歷、進入了「竹間建築事務所」跟隨簡學義老師工作學習，累積非常扎實的設計思考與實踐方法。   幾年過去，35歲那年適逢我創業第三年，幸運承蒙建設公司青睞，接連承接兩個頗具規模的公設設計案，無論量體、建材應用或創意發揮，皆讓當時的我獲得突破的能量。那時的我正努力追尋嶄新的設計策略，同時對空間裡的曲線、弧面感到興趣，便試著應用於這兩個案子，並完整地執行至工程尾聲。當時自己的熱切及設計活力，仍歷歷在目，無論學習或創造能量，都是充滿爆發性的一年。     35歲的我不停地追尋嶄新的樣貌和手法，或許稍顯稚嫩，但有充滿爆發力的熱情。     與《室內 interior》的緣分從何開始？ 在英國讀書時即有閱讀《室內 interior》的習慣，回國後剛入事務所上班時，記得簡老師有座書庫存放琳瑯滿目的建築書籍，而唯一一本空間設計雜誌就是《室內 interior》，且依每期出版順序陳列，是我每月必讀的雜誌。   2012年，我在台南設計的自宅《陽光禮讚》榮獲TID Award，首度登上《室內 interior》，難忘當時替自己雀躍和驕傲的心情。不過如今回頭檢視，該案恰逢35、36 歲獨當一面、設計能量爆發的年紀，創作亟欲突顯創意及個人理想，假如交給現在的我，其實不一定會追求完美、卻會更和諧。   例如當時我利用許多錯層、高低差連接空間，並以光影作為視覺軸心、表現空間的生命力；以視覺張力來看確實達成目標，但更上一層去體現空間的生命力、情感柔軟度的抽象感受，尚有著力空間，也是多年後再回顧才有的設計體會。   第一次在《室內interior》發表的作品《陽光禮讚》。著重思考日光與空間、生活與鄉里的關係，以竹籬概念平衡引光與隱私，靜靜紀錄時光。（詳見《室內interior》232期）     您認為《室內 interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內 interior》是設計圈的標竿，對我們五六年級生而言，登上這個媒體正如獲得TID Award 一樣具備公信力及困難，一年裡有個案子能刊載在《室內 interior》就很開心，至今仍懷著這般情懷在看待這本雜誌，可以說《室內 interior》是陪伴我們這些設計師一起成長的平台。     至今在《室內 interior》發表的最特別作品？ 最特別的首個作品是《陽光禮讚》，又因為是個人私宅，入選《室內 interior》刊載給予我鼓勵，無論設計能量或個人情感，皆錨定了一個生命階段的理想。   第二重要的作品是同樣在台南的《夕日細語》，它甚至獲選為《室內 interior》326期的封面，對我而言皆是重要而榮耀的作品記錄。   至今在《室內interior》發表的最特別作品《夕日細語》。以珊瑚橘基底的底色增添溫度，明晰光影軌跡，納入室內造型，讓空間與日昇日落無聲對話。（詳見《室內interior》326期）     您所主張並實踐的空間精神/ 美學？ 早期設計時，我會努力說服業主接受我的創意，急著替設計概念爭取更多表現空間。但年紀漸長、人生狀態和課題不停滾動更迭，我轉而希望在主觀創意及使用者理想間取得平衡，並將折衷拿捏視為這份工作給我的個人課題。   因為設計，我總在不斷打磨執念的過程找尋更全面的提問與解答，換個角度想，這是人生中極美好的事。   前陣子聽聞甘泰來老師可愛且率性說：「就隨順吧⋯⋯」我認為那也是現階段自己的設計軸心和生活哲學，隨順我心不是期盼完美，而是各方狀態的和諧圓滿，不隨波亦不勉強。以此態度注入設計，我希望作品不僅實踐某種表面狀態，還能帶入生命深度與廣度，持續透過作品傳達這份心境。     您對未來的期許？ 無論是年少的熱血勇敢，現在的內斂沉穩，都在作品裡留下思想軌跡。我將持續在設計道路上應對人生的問題，從中淬煉並勉勵自己不斷精進。我認為工作與處世皆然，隨順因緣、由衷感到平穩自在，自然能表現在設計與空間氛圍，何時何地皆流動而敞亮。     《室內 interior》已經35 歲，請給我們鼓勵與話語。 在台灣，《室內interior》是以客觀、專業角度去審視設計作品的媒體，多年來記載無數優秀的設計作品、傳承美學視野，無論從前或當前環境，能成長到35 歲皆是不容易的一件事，尤其持續地輸出紙本，更顯珍貴。也感謝雜誌團隊們的付出，不忘初衷，維持設計產業裡眾人仰望的紙本媒體價值，無論未來雜誌經營方向會隨時代變化如何調整、多元化，我都給予深深的祝福，願《室內interior》的視野觀點能持續流傳。     謝謝雜誌團隊因應時代的努力，或許日後方向會更多元，但我認為《室內interior》紙本的價值不會因此被抹煞。     資料及圖片提供」游雅清空間設計 採訪」室內雜誌編輯部、江瑜

陳連武 城市設計 設計總監 德國iF設計獎、德國red dot紅點設計大獎、日本G-mark Good Design Award、美國 IDEA傑出工業設計獎 出生藝術世家，父親為東方畫會創始人之一陳道明先生。畢業於台北淡江大學建築系，並以第一名的成績保送研究所。後赴美國紐約一年進修經歷，養成其獨樹一格的設計風貌。於1999年成立城市設計，定位為專業的室內設計司，提倡『後風格主義』，主張設計不該被風格所侷限，而是挑戰曾經的創意，顛覆已發展的形式與思維，注重將設計概念的完整且流暢地體現於空間中。     請簡述自己。 我是一個很幸運的人，從小就知道想往設計領域發展，擁有這份天賦並運用它幫助別人，認為這是自己來到世界的使命。我把設計當作是面對真實世界和真實自我的途徑，透過設計試圖更了解自己，也更認識世界；對我而言，設計也像是人生的課題，或者是一場修煉，這個修煉至今持續進行，未來會走往哪個方向我不確定，只能說我非常感謝，也會繼續努力。     回顧自己的35歲？ 我的35歲適逢千禧年，1999年台灣發生921大地震，我深刻認識到人生無常，間接促成我毅然前往紐約再深造，把身處異國的自己當成一塊海綿，竭力吸收不同文化的養分，更新對設計的理解。紐約多元融合的文化，讓我深刻的意識到不該困守於狹隘認知，在異國時我接納了形形色色的風土民情養分，觸動我想挖掘自身多樣面貌的企圖，這都要歸功於當年出行的決定。至今，我依然希望能一直保持35歲時的精神，放開心胸，多看、多體驗。     35歲的我決定到異國充電，把自己當成一塊海綿，竭力吸收不同文化的養分，去了解外面的世界和更新對設計的理解。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 在我讀研究所時，當時的室內設計類雜誌較傾向裝潢，並不是那麼強調設計與空間的關係。但是在《室內interior》出現後，它讓我驚訝，覺得建築人也應該讀這本雜誌，它點出了室內和戶外、和建築之間的關係，以及設計與空間的關係。後來，自己投入室內設計領域後，想讓作品登上《室內interior》的企圖也在我的心底萌發。   作品第一次登上《室內interior》是在1996 年，它給予我很大的肯定。在完工後業主特意寫給我一封感謝函，信裡有一句話說得很好：「原來，設計師也是創造幸福感的工程師。」   這是多麼大的鼓勵！我一直把它當成座右銘，這是一份非常溫暖的動力，讓我覺得自己能透過設計給予別人幸福感，這封信促成了我的使命感，對我而言，美的本質應該要能讓人碰觸到幸福，如果人們能夠透過我的設計，從日常中感受到美好，甚至產生幸福感，那才是我身為設計師一直在追求的目標；要貫徹它其實並不容易，在學院裡我們學習到各種關於美的標準，如何拋開過去訓練的認知，把為他人建構「幸福」作為重心，是我「修煉」的一部份，同時也是我對設計的反思。   第一次在《室內interior》發表的作品《空間尺度和分際》。在重新規劃布局後，搭配玻璃材質連貫空間，將美景引入業主與家人共進晚餐的天倫之樂。（詳見《室內interior》51期）   您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 這35年來市場變得更多元，《室內interior》也面臨了需要明晰自身定位的問題。我發覺《室內interior》走向一個有趣的方向，借用電影《美國情人夢》的橋段比喻說明，有個配角拿著一部攝影機，對著一個空中飄舞的塑膠袋聚焦拍攝了三分鐘，即便沒有一句台詞，這個過程也讓人感覺到難以描摹的美感，這份美需要一個人來掌鏡、挑選，最後呈現在觀眾眼前，要如何切割、放大，這個過程是很重要的。   《室內interior》就是這個掌鏡人，從空間切入作為出發點，是一個很棒的開始，但是你們並不自滿於此，還與時俱進地發展出更多元的面貌，這點也使我聯想到自己的美學。   美不是只有一種風格，它有各種層次和面向，以前的我對《室內interior》會存在一種固定印象，認定你們只會刊登某種風格的作品，但是如今的《室內interior》讓我放下這份成見，我會想先投稿，讓你們看看我的作品，再來交流彼此的想法，從中開啟另外一個審美角度的鏡頭，看到更多不同方向的思考。   我期許台灣設計界能呈現百花齊放的狀態，每位設計師的主張都如此不同，作品五花八門，當一個平台能夠像《室內interior》這般，用相對客觀的角度和不帶刻板印象的視角去呈現作品時，才是一個真實的台灣設計呈現。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 《湖濱散記—獻給父親》是我和父親的聯合創作。空間裡的藝術作品是我父親的畫，我父親在2017年逝世，作品的刊登則在2018年，在我心裡，這個作品是獻給父親的致意。   空間規劃裡，要揀選哪些畫作、對應哪些家具和設計，都是我與父親對話的一種方式，透過這樣的思考，讓我理解了藝術的存在不應該被侷限在美術館，它也能融入生活，透過空間做到更好的表述。   至今在《室內interior》發表的最特別作品《湖濱散記—獻給父親》。取用梭羅《湖濱散記》華爾登湖及木房子的意象，凝鑄於空間，將其父陳道明八幅抽象畫作自藝廊攜入生活場域，詮釋畫作與空間的雙聯展。（詳見《室內interior》294期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 有了孩子之後，我對設計和生活有了不同解讀，已經超越對美的追求。對現在的我而言，有一件事情是能夠超越美的，那就是愛。   當你將關愛之情投注於設計，對業主的關懷會讓你看到空間不同的可能性，就好像以前我會希望行李箱保持乾淨純美的狀態，但是當我發現自己的孩子在上面貼滿心愛的貼紙時，我會捨不得撕下來，也在那一剎那從對美的堅持進一步跨入對愛的包容。   每個住宅空間都承載著家庭成員的互動與情感，我必須在這當中投入關愛之心，才能把各方面都料理完全，用更寬廣的視角與更柔軟的心態去看待，才能讓使用者在空間裡感受幸福。我不太刻劃風格，更樂意用「後風格」來定義自己，「後」這個字，可以解釋為在風格之後，也可以是反風格的意思。我希望自己的作品能貼合業主的需求與期待，呈現獨一無二的靈魂。     您對未來的期許？ 導演李安曾經說過，風格是一種心魔。如果你執意要表現出某種特定風格，它反而會限制你的發展。反觀創作這件事，如果我執著於表現自己，它反而會侷限了設計能量，我希望未來能在持續變化裡嘗試更多挑戰，湧現更多創作能量，並且從中獲得樂趣。   我認為心態保持快樂有益於創作，我不認同堅守苦行僧般的嚴肅情緒，即使面對挑戰也會抱持與業主一同「遊戲」的愉悅心態，讓彼此激發創意的火花，用開放心態理解對方生活，明晰出「家」的形貌。   我發現，縱然業主對居家懷抱不同期望，他們的共同點都是期待「精緻」，這份「精緻」正是「城市設計」的專業體現，「精緻」是設計、機能、美學、溝通、服務的總合，我期許團隊能不斷打磨、提升，一同交流、學習，踏實且認真地對待每一天。     《室內interior》已經35 歲，請給我們鼓勵與話語。 媒體需要考量很多面向，比如市場定位和觀眾喜好，但是如果顧慮這些，就會在創作時絆手絆腳，我覺得《室內interior》很勇敢的地方在於，能放下來自市場與流行的束縛，專注思考要為讀者呈現什麼樣的美學內涵與設計內容，請繼續保持這份純粹。同時，也希望今後能透過《室內interior》將台灣的作品推廣出去，讓更多人看到台灣設計的多元與精彩。     《室內interior》一直專心思考要為讀者呈現什麼樣的美學與設計，請保持下去。 資料及圖片提供」城市設計  採訪」室內雜誌編輯部、江瑜

方俊傑 形構設計Morpho-Design 總監 陽明交大建築研究所 兼任助理教授 形構設計以型態/構造為主軸，為使用者創造空間的獨特性及專屬性，慣於打破既有空間框架，強調型態置入空間後的設計探索，構成美學與生活啟發，藉由當代技術到構造型式的運用全面整合空間機能、使用行為、實務建構、落實效率，以達數位工匠之設計精神，貫徹空間機能的適任性、製造技術的工藝性、當代科技的智慧性與形態建構的藝術性。   請簡述自己。 我不擅長表達，但是談到專業領域就能滔滔不絕，抗壓力很高、組織能力也不錯，意志堅定。   上大學前曾經歷過一次重考，考上建築系，因為覺得自己入學的機會得之不易，就學期間十分刻苦，幾乎不太回宿舍，從大一到大五都是處在高強度的學習狀態，自覺這樣持續加強學習，壓縮休息時間能提升吸收知識的效率，這種態度也影響了日後投入職場的自己。     回顧自己的35歲？ 35歲正是一頭熱的時候，約莫是留學回台的第六年、也是「形構」創立的第六年，我們做了一些關於型態的探討工作，特別聚焦在數位設計和數位製造這一塊，為此成立了DMO，也就是Design & Make Organization 組織。   這個組織包含我跟我哥總共五名成員，匯集了成員的瘋狂想法，我們想創立一所學校，專注於傳授與研討數位設計和數位製造，學校是提供養成的園地，但是人們進入職場後，很多業界的工具或技術其實已經邁向下一個階段，身在職場中的人卻沒有進一步學習的管道，我們的課程就是專門為實務的、製造的，理性的、非常設計層面的人所規劃。   我們想在DMO 辦展覽、挖掘台灣優秀的製造廠商，再把他們介紹給所有設計師。將這個組織定義為一個體制外的、設計製造的、跟空間相關專業的學校。在組織成立的第一年，甚至將所有的活動集結成冊，直接出書﹔所以說35 歲那一年，感覺是很瘋狂的。   DMO 的活動在前幾年逐漸緩下來，停止於疫情期間，它的階段性任務已完成，恰好「形構」原址也在疫情時租約到期，就搬過來承租DMO原本的聚點。DMO 和「形構」在本質上很相似，公司裡能看到很多奇奇怪怪像實驗品的物件，也因為有這些累積過程，才有機會在《室內interior》開闢專欄，分享有關特殊製造的知識。     35歲對我而言是很瘋狂的一年，特別聚焦在數位設計和數位製造，和同好一起成立了DMO。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 我印象中大約是就學時期，去書店找設計相關資訊時就留意到，在2010 年從英國學成返台加入「形構」後，開始接觸室內設計工作，對《室內interior》也投入了更多關注。   第一個投稿刊登的作品是牙醫診所，當年的台灣診所開始重視美學，尤其牙醫和醫美，因為診所偏向商業空間，需要吸睛，所以讓我們有機會實驗將特殊型態介入空間，我們在每一個作品都盡可能嘗試置入一個特殊型態的研究，展現空間型態的概念變革。這段累積也讓我們開始接觸到很多加工產業，開始建立知識體系，甚至將它運用在住宅設計。   第一次在《室內interior》發表的作品《潔品牙醫》。異質型態開始置入看診空間，在不同區域對感官帶來的擾動，是我們開始嘗試型態構成重要的開端。（詳見《室內interior》203期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內interior》就是「室內」一詞的代言者。《室內interior》是一部活歷史，完整記載台灣空間設計領域的演變，想看歷史、演變過程或台灣不同時期流行的風格走向，我覺得閱讀35 年來累積的《室內interior》，就差不多能整理出台灣空間設計史的大致脈絡了。   至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 如果一定要舉出「形構」最具特色的內容，最直接的投射應是曲面的木樁和曲面的金屬板實作，它很直接地反應了型態構成，以及「形構」 努力的方向。   過去做牙醫診所設計，作品裡都有完整的曲面來因應人的使用。到後期，我們開始嘗試表層型態以外的可能，越來越重視單元構造，尤其住宅設計上，使用了木筒、木樁的連續曲面的數位切削，這些作品可能讓大家印象比較深刻， 也是對「形構」最精準的定位。   至今在《室內interior》發表的最特別作品《誠泰大院》。首次將型態與數位加工及材質特性徹底整合邁向型態構造構成的更深入研究，型態構成的韻律感，真實的擾動空間的感知。（詳見《室內interior》279期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 型態構成。在台灣，大家很怕談型態，我覺得某種程度是因為在校期間老師會一再重複提醒不要形式操作，在這種氛圍下大家不太願意只談型態，我們有點反骨，我們就是直接談型態構成，覺得型態是一個人感知空間最直接的點。   型態的構成有非常多樣的狀態，假設我們談的型態是表皮，構造構成就是內在的骨骼，就像人體，我們看得到表皮，但看不到皮下的構成；構成可以讓人看到一個型態發展的韻律、趨勢，跟整個姿態，所以我們非常重視構造。這是我 們很重視、也是不變的精神。     您對未來的期許？ 保持樂觀。身在設計產業裡，大家都知道很辛苦，對這個行業的甘苦談，我能想到的就是一直熬夜加班。   這是我們選擇的路，一個專案要怎麼完成是個人的選擇，是否在精力耗盡的情況下還要加班熬夜來完善工作，也是個人的決定。促使我們投入的，是設計師內心不想放過自己的執著，想讓這樣的心態一直處於「熱情」而非「負擔」，關鍵就是保持樂觀。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 個人覺得很有意思的是，35歲對設計師來說正是報名新銳設計獎的最後年限，與已經35歲的《室內interior》類比，人的35歲大概要扣掉前面18年的養成過程，才能說自己開始成熟了，可以為自己負責、下決定，但《室內interior》在誕生的那一刻就必須很成熟，他得是一個大人，對讀者才有足夠的說服力，走過35年的時光，我覺得此時的《室內interior》應是呈現一個老頑童的狀態。   希望你們持續的成熟、專業，同時依然保持赤子之心的創造力和純粹。     希望《室內interior》持續的成熟、專業，同時依然保持赤子之心的創造力和純粹。     資料及圖片提供」形構設計 採訪」室內編輯部、江瑜

何俊宏 紐約Pratt Institute室內設計碩士、丹麥DIS建築及設計課程研究、紐約Gene Kaufman Architect P.C.設計師、香港商穆氏設計規劃有限公司設計師，2005年於台 北成立創研空間設計。   創=開創力 / 創造力，研=研究力 / 思考力；創＋研，為理性與感性的結合，左腦與右腦的並用，有生活的實用，有心靈的感觸，用心思考、熱情創造，希望用設計團隊對空間的看法與詮釋，提供給客戶不同的空間體驗與感受。從潛藏於基地與人物的時空背景理出脈絡，去詮釋、表述設計的獨特與專屬；不僅是美學感官的外顯訴求，更強調符合本質文化的內在精神，蘊含著對於當下生活浪潮的反思。     請簡述自己。 我是位室內設計師，我想，從事這個行業的人，應該都需要擁有理性與感性並存的思維，因為我們得感性的幫業主思考空間故事、理性地實踐設計理想並控制預算，情感與邏輯兩方面必須獲得平衡。對我而言，心靈跟質感的契合，一直都是我所追尋的方向，我不會刻意去浸淫於美的議題中，但藉由旅行、閱讀或生活中不經意的觀察，都是我汲取靈感的途徑。     回顧自己的35歲？ 35歲時是我的創業初期，之所以決定創業，是因為我領悟到一個人的力量是有限的，我需要借助團隊的專業去觸及更多不同的設計面向，當時不論是設計方向或公司的營運流程，都還在摸索的階段。回頭望向那時的我，雖然不至於青澀，但作品的確比較稚嫩、小清新一些，不過設計的純度很高，十分專注於細節的操作，這些經驗的累積造就了現在的我。     35歲的階段是創立公司的初期，當時的創作風格較為清新而純粹，對細節要求亦一步步探索；這些經驗累積成就了現在的我，使我更有餘裕去面對所有的委託。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 《室內interior》創立35週年，我應該30年前就知道這本雜誌了，大學時期經常透過《室內interior》閱覽前輩大師們的精彩之作，對我來說是每個月必讀的刊物，這個閱讀的習慣從求學時期一直延續到現在，彷彿是設計界聖經一般的存在。第一次以「創研空間設計」的名義登上《室內interior》，大約是在2006年，我記得當時非常開心創業後的作品能被雜誌收錄。 第一次在《室內interior》發表的作品《關於生活的第一音節》。2006年完成的案子，剛好是設計師35歲時的作品。第一次操刀獨棟住宅，從室內到庭院到外觀，回首再看依然可以感受到當時對設計的熱情。（詳見《室內interior》157期）   您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 市面上設計雜誌百家爭鳴，我個人覺得《室內interior》不論是在專業度或整體內容的投入程度，都是最深入的一本。《室內interior》的選案標準是有一定的高度在，因此作品能被編輯團隊收錄刊登，對設計師而言都是很大的肯定；雖然雜誌的定位可能比較偏向服務專業人士，但我相信業界內的設計師朋友們，對《室內interior》的評價應該都跟我差不多。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 其實能被《室內interior》選錄刊登的作品，對我來說都是一種肯定，每個案子我和團隊同仁都非常認真對待，也仰賴客戶端的配合，最終才能成就出完整的面貌。我印象十分深刻的其中一個作品，就屬280期報導的《A'tolan阿都蘭》，它不是以設計案的形式發表，而是編輯利用特別企劃的方式做了十分深入的分享及剖析。這個案子有別於傳統室內設計的邏輯，特別講究空間與環境、自然之間的關係，是公司成立以來獲得諸多迴響、國內外獎項的作品，可說是一個重要的里程碑。 至今在《室內interior》發表的最特別作品《A'tolan阿都蘭》。10年後另一個獨棟私宅，非常規的案子，坐擁更大的基地與更廣闊的景致。設計心態也更成熟，能夠靜靜梳爬出10年來設計的脈絡及軌跡。（詳見《室內interior》280期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 每個案子都有不同的特色和條件，以《A'tolan阿都蘭》這個案子為例，我會希望從基地和時空背景去梳理出空間脈絡，或是由業主個性、喜好中探尋值得切入的要點，就像是從蛛絲馬跡中找到線索，並透過符合當代美學的設計語彙和元素做出回應，賦予每個空間最適合的詮釋。   設計這份工作可以比擬成一場遊戲，會遭遇很多挑戰，如何思考、尋找線索，進而提出解方，好似一個個等待破解的關卡，我覺得跟業主溝通、與同仁相互激盪，到最終成果的展現，這些過程都是設計的醍醐味，我也從中獲得了極大的滿足。     您對未來的期許？ 公司發展日益穩定，同仁各司其職，共同分擔工作，讓我能投注更多心力和時間好好發想設計概念；也期許自己能以更輕鬆、有餘裕的心境來面對各種設計委託，團隊能繼續產出優秀的作品，並獲得更多肯定。當然也希望能持續在《室內interior》或其他國際媒體刊登我們的案子，讓更多人認識創研空間設計。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 《室內interior》在設計師族群的定位，始終都是業界的標竿，同時也是精神食糧，我希望《室內interior》可以一直維持在這樣的高度，讓設計師們有可以遵循的方向，且能不間斷地提供我們展現的舞台。     《室內interior》可說是設計師的精神食糧，期許雜誌能一直維持這樣的境界，提供我們表現的舞台。     資料及圖片提供」創研空間設計有限公司 採訪」陳映蓁