當居家與戶外的界線逐漸模糊，家具是否仍只能被侷限在單一場景中使用？以「生活 × 藝術 × 自然」為核心立場的BLACK Design，選擇從生活現場出發，重新思考家具在當代日常中的位置。品牌由高山攝影團隊發起，長時間行走於山林和城市間，將星空下的野營經驗、自然節奏與結構觀察，轉化為貼近生活的設計語言。 榮獲金點設計獎標章的BD Chair《夜曲》，從露營經驗延伸至日常，將戶外用品的設計語彙帶入家居中，模糊傳統家具在功能和美感的界線。   在設計思維上，BLACK Design關注生活型態的變化，透過極簡、模組化及多功能性的策略，讓產品能在不同場域中自由切換，可移動、可折疊、可擴充，實現室內與室外無縫連結的理念。   而材料選擇一向是品牌重要的一環，強調在地化、永續與質感並重，木材保留其溫潤特性，同時作為碳儲存體，配合永續林木管理，回應對環境的責任；金屬結構選用可再生鋁材，兼顧輕量化與穩定性。異材質的組合不僅滿足功能需求，也在視覺跟觸覺上形成立體層次，讓自然元素潛移默化走入日常。製造方式則採通用規格螺絲與模組化概念，使安裝和後續維護更加便利，同時減少不必要的客製加工。從防滑腳套、支撐結構到預留的掛勾孔位，每一處細節皆來自對使用情境的長期觀察，打造實用及安全的產品。 折疊收納與輕量化設計強化使用彈性跟靈活度。   不被定型的家具設計 此次BLACK Design共兩個作品榮獲金點設計獎肯定，分別是BD Chair《夜曲》以及BD Table monotospace《星空桌》，正是品牌設計立場的具體實踐。兩款皆為台灣在地製造，結合木材與可再生鋁材，《夜曲》椅面及椅背角度依人體工學反覆調整，熱塑一體成型的椅構弧桿提供舒適坐感；後桿造型取自樂曲節奏的起伏，透過異材質混搭為理性結構注入流動感，輕量化與折疊收納設計使其無論置於室內或帶至戶外使用都能融入情境，詮釋家具在不同場域中的多重角色。 《夜曲》結合木材與可再生鋁材，金屬結構加強承重，通用規格的螺絲則提升組裝及維護便利性。   家具不再受限於單一用途，而是能隨使用者節奏自由切換至室內或戶外。 《星空桌》則以「可轉換的生活家具」為主軸，採用專利桌腳結構，透過滑動式支撐系統確保展開與收納的穩定。四邊模組化設計可依需求延伸尺度，擴充的桌面融合台灣竹藤編文化意象，飾以水流紋理呈現天然美感；同時預留了配件掛勾孔位，回應戶外的多功能使用需求。 BD Table monotospace《星空桌》採用木質與鋁質的交織搭配，強化異材質間的搭配層次。   BLACK Design所關注的，並非讓作品僅止於機能層面的回應，而是成為能長時間陪伴日常的存在。藉由木材溫潤的觸感、材質間的細緻搭配，以及造型線條所形塑的律動，讓產品在使用過程中傳遞出放鬆愉悅的感受，更重要的是，設計團隊期望家具能隨情境靈活轉換，不受單一功能所限制，逐步累積情感記憶，讓家具成為人與物之間安定而親近的關係。 不論是露營使用或是日常家居情境皆可適切因應。   可多面向擴充模組配件，依據需求或狀態調整。 構築可持續的風景 對品牌而言，獲得金點設計獎不僅是對作品的肯定，更是對發展理念的認可。這份榮譽讓團隊確信，將生活、藝術感知跟自然經驗融入設計的用心能被看見，也具備延續的價值；這股力量也成為推動前行的動力，鼓舞他們在未來更大膽地探索家具的多元形式，同時思考傳統工藝和當代設計之間更細緻而適切的對話。保持對事物的敏銳度，期望在穩健的步伐中，將這份設計信念帶往更寬廣的舞台，讓作品在不同日常狀態中被感受、被記住，成為長久安心的陪伴。   BLACK Design / 賴彥岐 BLACK Design由高山攝影團隊發起，以「生活 × 藝術 × 自然」為核心，從星空下野營的情境，將自然體驗轉化為設計語言。團隊以木材為筆觸、結構為畫布，融合極簡工藝與模組化設計，讓美感成為功能的一部分，每件作品都誕生於生活現場、行走山林的過程，是觀察與實驗的旅程，旨在打造貼近生活、契合需求的設計。負責人賴彥岐擁有美術背景，結合西畫靈魂與工業設計邏輯，將藝術能量注入家具與產品，使每件作品都是可使用的藝術品。     資料及圖片提供」BLACK Design 採訪」陳映蓁

當家具不再只是靜置於空間的物件，而是隨著生活節奏被使用、移動，設計便開始展現更貼近人心的樣貌。本期金點設計獎系列報導精選三組台灣設計團隊的獲獎作品，從跨越室內與戶外邊界的使用想像、石材零廢料的思維，到低碳材料的實踐應用，勾勒設計在永續及日常之間的多重嘗試。   這些作品顯示出設計回應的不只是機能層面的需求，更是生活方式的轉變。透過不張揚的造型、材料本質的探究、結構尺度與情感經驗的細膩拿捏，家具得以成為連結空間與人的媒介。設計自此化為一種溫和卻具行動力的行為，關注環境議題之餘，也映證台灣設計在當代語境下，持續向生活靠近的姿態。     重構居家與戶外的使用關係 BLACK Design 不被場景定義的家具   讓每一次切割都具意義 若然設計 從石材開始的提問   台灣低碳材料家具 梳理材料、工藝與永續的連結  

金合利於1937年創建製刀廠，設址於金城吳厝，透過千錘百鍊的程序，轉化為承載日常的器物。2026年更正式跨越海峽，於台北松菸開啟品牌新篇。   打鐵照片。金合利鋼刀提供。 歲月鍛造的職人場景 這不只是一間門市的誕生，更是一場關於「淬鍊」的深度對話。由3+2 Design Studio操刀，空間設計高度轉化金門的在地意象，步入店內彷彿踏入一座靜謐的「防空洞」，烏黑的岩洞天花營造出神祕的庇護感。在幽微的空間中，牆上一道如熔岩般的「炙熱光芒」破繭而出，象徵著在艱難歲月中不滅的職人靈魂。 金合利鋼刀於台北開設全新店面，由3+2 Design Studio負責整體空間擘劃。   岩洞天花塑造神祕感，牆上的光芒則破繭而出，暗喻職人靈魂。 入口右側是一座極具戰地感設計的櫃檯，由數百片砲彈鋼片精準切割、層層堆疊而成，形塑出如海浪般起伏的視覺語彙。它不僅呼應著金門的自然背景，更示意時間和工藝的深度累積，每一片鋼材都是歲月的截面。 砲彈鋼片層層堆疊的櫃檯，將戰地記憶轉化為流動的視覺表情。   入口左側則為一條時光長廊，透過影像紀錄與整齊羅列的鍛造工具，參觀者能親眼見證砲彈化為利器的過程，並在歷史照片的流轉中，閱讀品牌走過半世紀的耕耘與回憶。 時光長廊透過影像與鍛造工具展示，完整呈現砲彈轉化為刀具的歷程。   鋼鐵淬鍊 隨著歷史的鋪陳沿階而上，兩側大面櫥窗展示著針對不同生活需求而生的系列刀具。展示區中央特別規劃由紅磚堆疊而成的特製座椅，巧妙連接金門傳統閩南建築的溫潤色澤，可在此感受紅磚的「暖」與金屬的「冷」交織而成的視覺淬鍊；盡頭則設有現代化中島廚房，提供刀具與料理的實地體驗，未來更預計結合直播與大眾分享烹飪美學。 兩側櫥窗展示各式刀具。座椅由紅磚堆疊而成，呼應金門傳統閩南建築的意象，也和金屬的冷冽產生對比。   地下一樓的「防空藝廊」將成為跨界藝術的孵化器。首檔檔期特別攜手知名品牌「大古鑄鐵 / TAKU IRONWARE」，運用鑄造螺旋槳錘鍊出的精密鑄造技術，發展一系列鑄鐵壺、鑄鐵鍋產品，連袂展演「鋼與鐵」的極致工藝。 「防空藝廊」是跨界藝術的展演舞台。     資料及圖片提供」金合利鋼刀、3+2 Design Studio 編輯」陳映蓁

機場是出境與入境、離開與回家之間的站點，桃園國際機場第三航廈北登機廊廳的公共藝術計畫《國境之門．島嶼寓言》，由跨域藝術家卓彥廷博士攜手其所創立的YEN TING CHO Studio共同創作，以數位藝術為媒介，連結在地文化和機場流動的空間特性。 〈圓漾盛舞〉由繽紛的色彩與渦卷紋的同心圓組成，創造出「動態」的視線流轉。 作品涵蓋「未來」、「科技」、「多元包容」、「峰迴路轉」、「平安觀」、「海陸相連」、「家」等七大主題，總長近300公尺，將桃園機場第三航廈北登機廊廳候機區化為藝術展廳，促使旅客在行進間得以自不同距離與角度中反覆閱讀台灣各面向的豐富文化。 〈科技島嶼〉運用藍、綠、靛、紫等冷色階，傳達理性與未來感交織的科技美學。 每件作品在可以各自獨立欣賞的同時，又彼此交織、共構「台灣」此一母題，透過抽象紋理和圖樣觸發觀者自身與在地互動的過往經驗或特定印象，引導旅客思考身分、歸屬與移動之間的關係。 以藝術迎向世界 因應每年成長的旅客人數，桃園機場啟動第三航廈的興建計畫，以東亞樞紐機場為目標，針對客容量、使用機能和美觀視覺等各方面進行優化，比如在主建築屋頂優雅的曲面造型即融入台灣的山脈與海洋，結合獨特的自然律動；以及增設空中聯絡橋串連主體航廈、北登機廊廳與南登機廊廳三個區域，便利轉乘，此外，第三航廈的北登機廊廳從第二航廈的D10登機門延伸配合登機門，採用玻璃景觀空橋設計，引入自然光營造明亮的候機空間。 〈飛翔幻境〉象徵台灣的多元文化，承載群眾希望，群起而飛。 YEN TING CHO Studio的創作以人機共創技術為核心，使用結合舞者動作捕捉、數據運算與數位影像技術，透過科技與人文的協作，將文化素材轉譯為不對稱且不重複的圖像結構，呈現半抽象的色彩和幾何語彙。本次展出的創作結合候機場的牆面，隨機場的日夜交替、光影變化作品展現的色彩表情，不僅和諧融入機場富有未來感的大膽用色和結構，同時也在精神上與建築外觀反映的台灣地貌相互對話。 七大敘事主題 作品以田野調查為基礎，將島嶼開放、先進與迎賓意象結合演算法，將之具象化為視覺圖景，展現科技島嶼所凝聚的「藝術、美學、人文創造力」，依序為來賓呈現〈圓漾盛舞〉、〈科技島嶼〉、〈飛翔幻境〉、〈山樂天光〉、〈流金光譜〉、〈縱橫波影〉和〈天際浮影〉等七件作品。 〈山樂天光〉將原住民音樂轉譯為山巒起伏的地形語彙，形塑出流動的視覺節奏。 以〈圓漾盛舞〉為起點，通過圓形視覺元素，點燃關於煙火、蕨類和圓桌等熱鬧圓滿的聯想，遠觀如百花綻放，傳遞熱情的歡迎。隨後由〈科技島嶼〉接棒，造型簡化晶圓的形體與光澤感，結合新竹「風城」意象，將科技轉化為如風般流動、輕盈而不可或缺的日常隱喻，源自對台灣作為科技島嶼發展的省思，呈現對「人文科技」與內在的探索。 〈山樂天光〉形塑出台灣山林多變的風貌與層疊光影。 乘著輕盈的科技之風，吹向下一個作品〈飛翔幻境〉，桃園機場周邊濕地為候鳥過境的棲息地，將千鳥圖像轉化飛機飛入雲霧之間的概念，象徵台灣的多元文化與移民匯集地的包容與多樣性。來到承載一切的起源，〈山樂天光〉描繪山徑間視角轉換的過程，將原住民音樂轉譯為山巒起伏的地形語彙，形塑出流動的視覺節奏，當柔和陽光灑落出境廊廳，旅人彷彿行走、置身於台灣的金色山脈之中。 〈流金光譜〉表現出台灣多元、融合之美，體現自身認同的肯定和祝福世界環境平安的韌性特質。 〈流金光譜〉吸收前作的金色陽光，導向芸芸眾生敬天愛人的信仰，宛如於天地之間仰望星空、抑或流動的時間長河，挹注世人追求「平安觀」情懷與環境共鳴的情感共融。回顧台灣海島特徵，〈縱橫波影〉深入台灣海洋、海港與重工業的變遷關係，直線與曲線交錯，軟硬兼具；直線波光震動，曲線顯海水的流動與韌性，斜線隱喻海與陸交錯相連。 〈縱橫波影〉整體表現海島出海拓疆的力量，在自然與科技力量之間前行。 〈天際浮影〉作為系列作品的終曲，描繪歸途返家、飛行降落前俯瞰台灣城市的瞬間；畫面近景為山巔夜色，中景展現都市燈火，遠景則以若隱若現的天際線收尾。作品融合數位技法與水墨橫軸視野，構築出島嶼敘事的廣闊空間，展現與世界互動的多重視覺可能。展出作品均採用雙關與轉譯手法，表現出面向未來嶼繽紛綻放的情緒錯綜，豐富國境之門承先啟後的精神內涵。 〈天際浮影〉近景為山巔夜色，中景展現都市燈火，遠景則以若隱若現的天際線收尾。 由展示走向日常 《國境之門．島嶼寓言》作為機場的常駐展覽，選用耐久材質因應機場高度流動和大幅日曬的空間特色和機能，以全幅尺度回應建築與動線，透過細節密度與層次變化，讓旅客不論是行走或坐臥皆可觀看作品，與此同時，現場大幅玻璃牆面以其剔透和倒映圖景的特質，帶來更多元的欣賞角度。 〈島嶼寓言〉精梳羊毛圍巾系列的成品之一，〈天際浮影〉，透過不同媒材和尺度，延伸設計者想要傳達的島嶼記憶。 經由YEN TING CHO Studio持續進行藝術創作與生活體驗之間的實驗，長期累積的策展思維與數位技術能力，成為跨媒介實踐的關鍵。2026年工作室推出〈島嶼寓言〉精梳羊毛圍巾系列，復刻展中的圖案與紋樣，轉譯至另一種生活尺度的形式，將公共說書由機場場域延展至日常生活，讓島嶼故事化為可被攜帶的記憶，與大眾的日常共織，進行更遼闊的傳述。 資料及圖片提供」YEN TING CHO Studio 編輯」江瑜

當設計靈感與精湛工藝交匯，一場跨越地域的美學盛宴便在香港璀璨綻放。第33屆APIDA亞太區室內設計大獎頒獎晚宴，於近期在香港會議展覽中心隆重落幕，以「創意綻放，匠心聚港」為題，匯聚設計界菁英，共同見證亞太區室內設計的豐碩成果與前瞻視野。 第33屆APIDA亞太區室內設計大獎主視覺圖。 星光匯聚 慶賀年度榮耀 晚宴在逾200位業界大師、學界代表及媒體夥伴的參與下展開。由香港室內設計協會（HKIDA）主辦的亞太區室內設計大獎（APIDA），歷經33年積澱，已成為極具公信力的指標性獎項。其評審團匯聚本地及國際設計翹楚，使每座獎盃皆代表對創意、功能與匠心的最高肯定。當晚，大會頒發共13個設計組別的金、銀、銅、卓越獎、優異獎及評審團特別獎，並設品牌組別獎項，表揚推動設計實踐的優秀夥伴。 獲獎者大合照。 香港室內設計協會（HKIDA）會長楊蘇蘇指出，本屆參賽作品來源廣泛，涵蓋香港、中國內地、台灣、日本、韓國、新加坡至印度等地區，充分體現此獎作為區域設計平台的凝聚力。她強調，此獎項不僅是競技擂台，更是引領室內設計流行趨勢的重要風向標。 創意交融 見證設計深度 頒獎典禮的高潮，落在壓軸頒發的金獎－如恩設計研究室的《引庭 | 大連文化創意園區》。此案作為適應性改造典範，其設計深植於場地隱秘內斂的地理位置與城市肌理之中。設計團隊巧妙在舊有空間裡注入新生命，讓園區承載起瀕臨遺忘卻極具價值的城市記憶。此作超越了單純的美學呈現，更讓觀者感受到設計所具有的活化歷史、連結情感的深厚力量，完美詮釋「匠心」與「創意」的融合。 啟動與慶祝儀式。以充滿活力的姿態，表現嶄新階段的開始，凝聚各方期待與祝願。 除了設計獎項，大會亦頒發「最佳品牌大獎」予巧筑定制、東翹有限公司、SieMatic Hong Kong & Macau及健林牆紙，表彰其對產業的卓越支持。另外，大會特設品牌示範攤位，結合雞尾酒交流環節，讓來自世界各地的設計師與品牌代表能深入互動，探討材料創新與工藝技術的未來可能。 「最佳品牌大獎」品牌特設攤位，吸引設計界人士互相交流。 香港室內設計協會（HKIDA）自1991年成立以來，始終致力提升業界專業水準，透過表揚傑出設計、推動創作革新，將室內設計的價值推廣至社會大眾，並積極進行研究教育、舉辦賽事，與教育界、商界及公共機構建立緊密合作，本屆的圓滿成功，正是這些努力的具體展現。而步入第33個年頭的亞太區室內設計大獎（APIDA），其初衷始終如一：表揚傑出的設計專案與設計師，促進亞太區室內設計專業水準的全面提升。 no.10, NOMURA Co., Ltd.《tokeru》獲得評審團特別獎。 隨著獎項逐一頒發，晚宴在熱烈祝賀與交流中步入尾聲。這場盛會不僅是對過去一年優秀設計成果的檢閱，更象徵著亞太區設計社群持續向前、共創未來的堅定步伐。在設計之光粲然綻放之際，映照出充滿無限可能的明日圖景。 資料及圖片提供」香港室內設計協會HKIDA 編輯」林靖諺

一年一度備受關注的金點設計獎（Golden Pin Design Award）經過複、決審，共429件來自台灣、中國大陸、香港、泰國、日本、新加坡、波蘭、馬來西亞、菲律賓、澳洲、美國與德國等13地的作品脫穎而出，榮獲金點設計獎標章肯定；日前更揭曉了22件「金點設計獎年度最佳設計獎」、3件「金點設計獎年度特別獎」及 3件「金點概念設計獎年度最佳設計獎」得主。《室內interior》作為金點設計獎官方媒體合作夥伴，將帶來連續三期的深度報導。   位在台北市的華山1914文化創意產業園區，相信大家一定不陌生，那你知道華山的周圍，藏著一座歷史悠長的建築嗎？它正是現今的「臺灣文學糧倉」。原先作為糧食局臺北事務所的辦公室與倉儲空間，1999年停止使用後，國立臺灣歷史博物館籌備處、國立傳統藝術中心臺灣音樂館曾陸續進駐，並於2016年登錄為歷史建築；2018年由國立臺灣文學館接手管理，經過長達六年的研究與修復，2025年正式以「臺灣文學糧倉」之名重新開放，蛻變為文學跨域與創作育成的基地。 負責修復臺灣文學糧倉的許維蓉建築師團隊重新規劃入口動線，透過黑色鋼材量體錨定指引，也與原有磚造立面映襯出層次。   榮獲金點設計獎肯定的臺灣文學糧倉修復案，由「城隅設計｜許維蓉建築師事務所」負責操刀，在許維蓉建築師眼中，這是一場橫跨多年的深度對話，從爬梳基地歷史脈絡的「調查研究報告書」，到文資委員重點審查的「因應計畫」與後續「修復過程紀錄」，團隊就像遊戲裡破關的挑戰者，以無比的耐心及柔韌，細心修復建物的滄桑，使其在不失歷史底蘊的前提下，重新拾起新生的絢光。   由文本出發 在談建築之前，許維蓉先談「閱讀」。   她並非一開始就走在典型的建築師路徑上。求學時期從空間設計出發，研究所期間甚至短暫進入戲劇領域學習，這段看似岔出的經驗，卻成為她日後面對建築時的思考根基。戲劇教會她的不是表演技巧，而是一種理解文本的方式：如何閱讀、解構鋪陳並掌握節奏，而非急著形塑形式。她形容自己的設計過程，往往像是在閱讀一份劇本，動筆之前，她必須先梳理這個空間的故事起源，又希望走向哪裡；對她而言，創作是在既有文本之中找出延續下去的線索，也因此，建築更像一場敘事，空間不只是被使用，更需要被停留、被理解，這樣的觀點促使她在面對歷史建築修復時，展現出不同於單純風格導向的細膩感知。 在南北翼之間的凹入空間置入低彩度的語彙，重塑具功能性的入口大廳。   獨立開業的契機，發生在她自荷蘭返台後，留學期間所接觸的歐洲建築文化，讓她對「基地」與「環境」的關係有了更深的體悟，建築不被視為單一物件，而是城市結構中的一環，必須回應周遭尺度和紋理，這些養分成為她執業的重要基礎。許維蓉並未急著替自己建立鮮明的設計標誌，甚至坦言至今也還在尋求內心遵循的「中心性」到底為何，相較於宏大的論述，她更在意的是「恰如其分」，每個案子都是新的任務，面對不同的期待、預算、法規和現實需求，建築師的角色並非凌駕於所有人之上，而是應該在不同立場間協調跟整合，並在能力所及的範圍內提出最合適的解答。 在南北翼之間的凹入空間置入低彩度的語彙，重塑具功能性的入口大廳。   建築與人的關係 那麼，所謂「好的建築」，又該具備什麼條件？許維蓉說道，相較於形式與風格，她更重視建築是否承載了足夠的理解和尊重。建築並不是一次完成的結果，而是一層層堆疊而成的狀態，這些層次來自於設計者對基地、對既有環境、對使用者，乃至於對時間本身所投注的敬意。這樣的敬意，代表著放慢速度、願意傾聽的態度，當設計者真正了解空間的來由與限制，所做出的每一個判斷，無論是保留、調整或是新增，都會自然帶著分寸，給出恰到好處的回應。   也正是在這樣的前提下，她特別在意建築是否能為人帶來內心的平靜，平靜並非意指空無一物的極簡，而是一種不被干擾的心境──人在其中不需要費力領會設計者的企圖，也不會被過度的表象牽引注意力，能夠安心地停留、呼吸，同時安放思緒。一棟好的建築並不止於初次造訪時的驚艷，更是在光影、尺度和細節間，讓人感受到被細心對待的痕跡；平靜並非附加價值，應是建築存在的核心意義之一，成為長時間陪伴人的存在。                                                                                                                                                                         新舊並置的設計思考 真正引她走向歷史建築領域的，是一次偶然的邀請。朋友在執行台中某日式宿舍的調研報告時，詢問她是否有興趣一同參與，在這個過程中，她意識到舊建物的保存與再利用，其實和閱讀文本高度相似，必須先清晰曾經歷過的人事物，新的介入才不會顯得突兀；設計不是抹去過往，而是建立在理解之上的延續，這樣的觀念，成為她接下「臺灣文學糧倉」修復案的重要關鍵。 布局上需滿足館舍的行政與營運需求。門板以原有車棚回收的木構件製成，賦予舊材新生。   許維蓉第一次造訪時，是在前身作為民族音樂資料館使用的時期，當時由陳瑞憲設計師操刀的空間簡潔當代又不失沉穩，與對街華山文創園區的活躍形成鮮明對比，讓她深刻體會到，台北這座城市中仍存著許多未被察覺的有趣場域。後來，當此處被公告為歷史建築、開始尋找修復團隊時，她再次回到現場，長時間未被使用的建物迅速老化，雜草叢生、金屬廊道鏽蝕、屋架漏水，空氣中瀰漫著潮濕與頹圮的氣味。在調研階段，團隊仔細檢視建築結構，爬上屋架觸摸每一根木樑，建築本體為加強磚造及大跨距木桁架，呈現日治時期的標準建造模式；其間可見修補痕跡與林務局印記，顯示材料的再利用歷史，這些細節成為知曉建築生命史的線索。 入口、樓梯與電梯等關鍵節點藉由內斂的鋼材和玻璃營造明確的新舊對話，同時提升空間的可讀性。   入口、樓梯與電梯等關鍵節點藉由內斂的鋼材和玻璃營造明確的新舊對話，同時提升空間的可讀性。 修復的精神並非將建築還原至某個單一時點，而是維持其歷史形制，讓時間的層次能夠被閱讀，主要結構依原比例和邏輯修復，必要之處進行材料替換與加固；相對地，新加入的元素則以低調、克制的方式介入，避免與舊構造混淆。入口空間的重新定義，是最具象徵性的一步，原本模糊不清的動線，在改造後以一座黑色鋼構量體作為入口門廳，尺度及高度上回應既有立面，但刻意以脫開手法使新舊界線被明確辨識，也保留必要緩衝。同樣的策略亦見於玻璃電梯的設置，鋼材與玻璃交織出輕盈透明的質感，精準地嵌於建築後方，和原有厚實的磚牆形成對照，透明與封閉、輕與重、當代與歷史間的張力相互並置，形塑豐富的感官體驗。  新增的電梯輕盈透明，精準嵌入於建築後方，避免破壞整體風貌。   當文學在空間中演繹 室內則以低彩度語彙貫穿新設物件，黑色鐵件、窗框成為引導動線的存在，卻不搶奪舊有結構的視覺重心。窗型設計呼應糧食局時期可向外開啟的型態，材料則採用當代技術以提升環境控制和使用舒適度，在保存及實用之間取得平衡。 設計上充分尊重倉庫原貌，整體修復策略以簡約色調降低干擾，讓詩意和記憶之間適切銜接。   由於使用單位在設計進場前便已明確，團隊在規劃時便已同步思考公共性和行政機能，因此，臺灣文學糧倉的再利用，不僅止於空間修復，更是一個「文學如何詮釋」的提問。 二樓空間完整保留原始大跨距木桁架結構，使建構邏輯和時間痕跡被清楚閱讀，成為安靜而有力的存在。 不同於以往靜態閱讀為主的展示形式，這裡被重新構想為一座以文學為核心的平台，透過動態展演、音樂或跨域合作，讓文本轉化為可被感知的經驗。這樣的想像，也在完工時迎來具象的瞬間，拍攝照片當天，兩位舞者在空間中以身體演繹文學的動態感，跳躍時肢體線條與木桁架幾乎平行，那一刻令許維蓉為之動容──建築不再只是被觀看的對象，而是成為承載行動和感受的場所。 木構架更新修復處皆依原有比例細緻重建，以確保真實性。   在時光中續寫 歷時六年的案子，是公司第一個從調研、設計到完工全程參與的歷史建築修復計畫，能獲得金點設計獎的肯定，對團隊來說是一份重要的鼓勵，也是回望來時路的驗證。在這段再生的過程中，許維蓉將建築視為一段續寫的篇章，讓這座曾為放糧的倉庫，成為裝載文學日常的場域，並在時間的縱深之中，找到得以安放自身的所在。建築重新回到生活之中，成為人們願意反覆進出、停駐的載體，也正是在這樣的持續使用和細微積累裡，臺灣文學糧倉得以在過去與此刻之間，慢慢生成屬於自己的節奏，靜靜地書寫下去。 夜色映照下，歷史牆面與當代構造形成虛實對比，光線輕柔地描繪出建築在不同時間下的狀態。     城隅設計｜許維蓉建築師事務所 / 許維蓉 連結各領域資源人才，藉由建築規劃設計、空間與藝術策展、文化資產保存修復等方式與城市環境互動。創意源自對環境脈絡的深刻體會，空間品質的落實必然來自專業謹慎的堅持態度──團隊相信貼近人的需求是空間介入的核心，而無論哪一種尺度的空間介入，真誠地理解與落實，都將形塑在這片土地上共同生活的模樣。       資料及圖片提供」城隅設計｜許維蓉建築師事務所 採訪」陳映蓁

深耕精品家具與生活藝術的易雅居，認為藝術不是束之高閣的藏物，而是浸潤日常的潤心之泉。創辦人易英謨（Angela Yi）董事長汲取東西生活美學，堅持「Living with Art」的核心精神，為不同世代演示藝術化的雅致生活，讓易雅居成為美學的交流載體。 易雅居創辦人易英謨（Angela Yi）董事長。 臻藏 從精品家具到藝術收藏 回顧易雅居與藝術的不解之緣，必須從品牌底蘊談起。Angela說到，易雅居從精品家具立基，發展至策劃全屋美學，進而成為藝術與家居風格整合顧問的發展，是一段精彩有趣且唯心而行的選擇。易雅居創立至今已累積40年底蘊，服務的客群多為擁有國際視野與文化深度的企業主與收藏家，因長年跨域、行旅全球的生活型態，不僅視野開闊、品味洗練，敏銳的感官經驗更擅長從世界脈動萃取養份，凝練出個人的審美哲學。 易雅居館藏Ivan Navarro和Antony Gormley作品。 而這群主顧客正是易雅居長久服務的好友，彼此對於生活美學的高度默契，反應其居家風格策劃時，需求漸漸從單純的家具選購，發展為全屋美學整合，期望將自身的藝術收藏與審美哲學融入其中。 再者，也因為Angela本身就是藝術收藏愛好者，三十多年來持續累積收藏、拓展視野，深刻體會收藏家對藏品融入生活空間的想望，這份理解轉化為她與客戶的溝通默契，也推展易雅居服務更為全面，跨足家居藝術顧問，成為藝術生活整合規劃的專家，讓每座家居都能將藝術融入其中，成為「Living with Art」的實踐。 2023 年舉辦佳士得當代藝術講座。 Living with Art 易雅居與藝術的連結正是源於收藏，Angela擁有豐富的收藏經驗，談到藝術收藏考量最重視的往往不是投資目的，「喜歡和共鳴」才是真正的關鍵點。從個人的收藏興趣，透過藝術同好的交流，逐漸豐厚自己的觀點，開啟在易雅居策展的契機。2013 年《森山大道—野犬記憶》個人攝影展，當攝影作品融入易雅居空間，與精品家具、空間實境產生強烈的化學反應，野性與精緻的對話，藝術與空間、家具共構的生命力，改變了原本的場境氛圍，獲得許多回響，振奮了易雅居日後觸及居家空間藝術的信心。 參訪米蘭設計週，舉辦趨勢分析講座。 服務品味獨到的高端客戶，向來極具挑戰，這些藏家多半嫻熟歐美文化底蘊，且善於將國際視角內化為判斷的基礎，眼光銳利且精準。Angela觀察，當代藏家對藝術的態度已經從單純收藏轉向生活共融，不再將藝術束之高閣，而是讓作品成為居住空間、精神品味與思考脈絡的一部分。他們的鑑賞眼界寬闊，無論是古典藝術的深度、潮流文化的活力與跨界創新的張力一一在收藏中並俱，藝術收藏不再只是身份或財力的象徵，而是內在情感的延伸，反映自身的生活態度。 各種workshop充實團隊知識。 因此，居家美學藝術的整合，不僅考驗著易雅居團隊的選物與混搭功力，也是居住者個人特質的顯化，所以在溝通過程中，理解與共鳴更加重要，細心聆聽與觀察，綜觀空間條件，提出合理且能觸動人心的提案，才能精準對焦客戶需求。像是，面對投資目的的客戶，須關注國際拍賣、收藏市場的動態，乃至如何展示收藏品，給予有價值的建議；純粹以喜愛作為出發點的藏家，則更偏重情感、記憶或生命感懷的共鳴。 策展 從獨樂到眾享 日前舉辦的《藏家之眼，私人美學的公共對話》正是易雅居藝術美學整合的具體展現。Angela與國際資深策展人曾文泉（Rudy Tseng）經常一同旅行、看展，適逢「2025台灣藝術設計週」城市組織轉型，倆人希望合作一場國際化的在地策展，邀請12位具有財經背景、收藏豐厚的藏家，提供一件代表自身收藏起源的作品，再以這些作品融入易雅居現有場域，呈現 Living with Art 的精神。 海外家居美學專案，與國外團隊選品討論。 集結12位藏家的收藏，是團隊的一大挑戰，多位藏家的行程長期遊走於海外各地，用完善提案打動對方，執行過程的保險、物流、確認擺設位置等繁複程序，無不投注許多時間來回溝通，終而讓藏家安心託付作品，參與盛會。開幕當天藏家們出席活動，看到自己的收藏品在易雅居空間裡被演繹，也親賞其他與會收藏家的藝寶，無不給予高度肯定。 同時，展覽也如同「台北藝術週」期間的衛星展場，由接駁巴士一車一車載來藝術愛好者，大家在這裡彼此交流，欣賞難得一見的私人收藏，像是在參加一場別致的藝術聚會，展現了私人美學與公共對話的能量。 其中，室內建築師楊岸收藏的林明弘《無題》紅龍，是一件充滿玩味的作品，它多彩與個性化的外表，亦表達其藝品本質，讓人重新思考「何謂藝術」，成為展覽中最具趣味的亮點。Angela談到，希望透過展覽傳遞「藝術是生活的一部分」，藝術不是高冷而遙遠的，它可以存在於生活的每個角落，構築你喜歡的情境，是收藏者熟悉且溫暖的友伴，讓人回到家看到它，即能感受到撫慰。 文化交流載體 累積精品家具、藝術收藏、空間美學整合的經驗，易雅居除了對於「藝術家居」的定義自有一套心得，Angela也期許今後品牌能作為文化交流的載體，透過專業策展、精準選品與深度對話，與藏家一同拓展視野、深化美感經驗，用藝術作為連結世界與個人生命的優雅橋樑。 《藏家之眼》葡眾全球企業曾美菁執行長藏品，藝術家雙人組Christo & Jeanne-Claude 作品《包裹新橋》與《包裹凱旋門》-巴黎計劃。 立基於「Living with Art」的核心精神，易雅居亦積極與新世代共同成長，一起探索各種可能。Angela指出，新世代藏家多半成長於國際環境，長期旅居海外、留學背景居多，審美與品味不拘一格，近年易雅居也隨著客戶家族的腳步，拓展更多的海外專案，從服務客戶在台灣的住所，延伸到家族在海外的第二、第三處居所。在落地執行上，會與當地設計師、建築師合作，由易雅居主導空間美感、藝術展示與軟裝配置，在在考驗執行效率與協調能力，這也是團隊的強項。 《藏家之眼》恆成紙業鄭宗杰董事長藏品，黃麗音作品《櫻桃杏仁派風聖代》。 在公司的發展上，易雅居透過教育訓練與團隊養成讓團隊持續成長。易雅居每週都有內部教育訓練，包括美學課程、國際新品分享與海外觀展交流。同時也持續地參與國際重要藝術活動、參訪米蘭設計週，讓團隊成員不斷開拓眼界，並將趨勢帶回台灣與本地設計師、建築師、客戶共享，扮演交流載體的角色。對Angela而言，想傳承的，不只是企業文化，也是一種生活態度，透過知識分享與行動展現，帶領更多人重視生活美學、理解藝術美好，懷抱藝思的生活，就是「Living with Art」的理想實踐。 資料及圖片提供」易雅居 採訪」室內雜誌編輯部

當代展覽百花齊放，不同類型的特展推陳出新，但是對於如何欣賞一場展覽的精妙所在，和選擇適合自己審美趣味的展覽？想必這是長存於許多人內心的疑問。 《策展的姿態：來自大英博物館的田野調查筆記》 作者陳欣婷以專業策展人的身分，揭開「策展人」這個職業角色的神秘面紗，當她站在歷史與現代的門前，不只是守候藝術，更是替民眾敲開那扇門的人。 剖析自身職涯的觀察與經驗，結合策展人的職業思維，讓讀者感受到藝術的殿堂不再那麼冷硬難解，透過本書由淺入深、跨進內行人的門道之內。以大英博物館作為田野調查的第一現場，透過《晚清百態》、《特洛伊：傳說與事實》等特展的具體案例呈現，訪談、剖析與反思該館策展人在當代展覽策略中的實踐方式。  策展人，作為展覽的構思與實踐者，其任務不止將物件陳列於觀者眼前，他們以知識為經、以關懷為緯，織就一張連結  博物館與人心的文化之網。—陳欣婷  本書並非展覽研究或設計的操作手冊，而是企圖撥開「策展」之名背後的迷霧，讓讀者看懂一種365行之外、卻參與在當下時代精神書寫的姿態，回望整體田野歷程中的發現，以自身的角度結合書中介紹的知識，重理策展之於當代的文化意涵。策展不只是展示、拼裝、擺放，而是一種展現知識的行動策略，經由策展人的理性與審美，架構出有意義的脈絡、隱含觀點的敘事，賦予每一件展品獨特的血與肉，藉此對世界提出新的視角與理解。 1753年創立時即免費開放的大英博物館。 精彩內容搶先看 策展的姿態 陳欣婷。 策展人「Curator」一詞，源自14世紀的拉丁語「Curare」， 原意為「照亮靈魂與精神」，最早是指照顧未成年者或精神病人。直到20世紀後期，「Curator」才被用於展覽策劃者，在博物館有館長的意思。 曾任歷史博物館與台北市立美術館近20年的館長黃光男先生曾說：「策展人的專業素養，是展覽成敗之關鍵所在。不僅應追求展覽品質與水準，亦須理解成本概念，在經費與成效之間取得平衡。展覽之理念應服務於大眾，而非高牆之內自語；展覽應真誠，使觀者成為主角，如此方能發揮其最大效能。」 經常被錯過的大英博物館95號展廳中的汝窯專屬櫃。 2011年，我移居倫敦。當時，大家對「策展人」一詞非常陌生。曾幾何時，當我於2020年疫情之年返台，卻赫然發現「策展人」已儼然成為一門顯學，人人談策展，人人想當策展人，好像帶著巴黎時尚光環的職業，說它Fancy也不為過。但究其真正對工作內容的理解，依舊相當模稜兩可，一知半解。 「策展人」這三個字，聽來是時尚的新興行業，其實骨子裡是舊詞新用。若從歷史往回望，當年這種「照顧」，從中世紀涵蓋監護未成年或是精神異常者的醫護人員，體現了對個體身心的關懷與守護。 博物館不再被限制於宗教儀式或特定階層之審美領域，不同文化語境中呈現，進入更廣泛的公共視野。 到近代，「照顧」已轉向藝術作品或文化遺產等物件。策展人，猶如穿行於文明長廊的引燈者，在博物館、美術館、圖書館的靜默空間裡徘徊，是替藝術說話、成為藝術與學術價值的代言人。其職務是對展覽核心價值提出旗幟鮮明的觀點，並以其學術理論為基礎。 在當代，策展人透過展覽策劃，連結藝術作品與觀眾，啟發思考與共鳴。這種角色的轉變，反映了在不同歷史時期，策展人所承擔的社會責任與權力結構的變化，展現了美學與社會結構在時代變遷中的動態關係。但其職責始終圍繞著「照料」與「守護」，只不過，其對象與方式隨時代變遷而有所不同，而是聚焦於「物件、觀眾、觀點或語境」。 資料及圖片提供」時報文化出版企業股份有限公司 編輯」江瑜

在法新社從事新聞攝影三十餘年的資深記者葉陶軒，在人生低谷時期接觸到空拍攝影，藉由居高臨下的空拍機視角，輔以鷹眼的轉譯，視覺落點與地表之間霎時拉開無比遙遠的距離，將尋常風景化為奧妙圖騰。他的拍攝足跡遍布全台，以精準的構圖語言，捕捉台灣地景的獨特韻味與文化線索，並展現跨越語言與地域的視覺共鳴，幾何般的線條、迷幻的色塊和神奇的質地，讓人眼界大開。 《垂景：葉陶軒空拍攝影集》。 書名出自東漢辭賦家王延壽《魯靈光殿賦》內文：「中坐垂景，頫視流星」，描繪自高處俯視之景，既捕捉壯闊，也揭示視野所帶來的精神高度。將其語意和葉陶軒的空拍攝影美學相互連結，透過空拍機以九十度垂直捕捉下方地景，這樣的視角讓構圖上完全壓縮地貌垂直向度的高低起伏，即便拍攝到人類活動，也凝縮成如棋子或積木般的迷你元素，提供畫龍點睛的生動點綴。 "空拍為我的眼睛裝上翅膀，捕捉到的大地之美難以想像。"—葉陶軒  《垂景》是葉陶軒的心靈報告，透過垂直景觀，將熟悉地貌陌生化，轉化為秩序與偶然、自然與人造，幾何韻律和自然肌理彼此牽引並置，打開生命的無窮可能性。對他而言，從高空望下，是一種回返生命的視覺練習，將經驗轉化為形狀，將時間折疊為光影的紋理。在此，目之所及，心未必同見，觀看不再只是再現，而是一種分析與重組，建立一場關於「如何觀看」的自我提問。 八仙水上樂園 / 新北市，這盤彷彿義大利麵的景象，其實是荒廢的「八仙樂園」，曾是北部最大的水上遊樂園，每逢夏季總吸引無數人潮。2015年因粉塵爆炸事故遭勒令關閉，自此靜止於時間裡。 這部攝影集的出發點並非著眼於台灣外在的永恆山色，也並非鼓吹山野的刻板想像，而是試圖透過攝影，探索那些潛藏於島嶼之中、在時代推移下持續消逝或更新的自然風景與土地面貌。以攝影為媒介挖掘、傳遞所見，紀錄那些不斷消逝的自然景觀或增建的人造視野，葉陶軒在作品中意圖分享的事物，從來不只是展現技巧或呈現風景，而是以飛行之眼書寫台灣的自然、感受土地的呼吸，以及在地居民與這塊島嶼之間深層的聯繫。 雨傘岩 / 台東，原本想拍人和游泳圈在水中的畫面，但當空拍機就位，泳者已經拿著救生圈上岸。位置與沙灘和水紋形成另一種動感的畫面，非預期的影像往往更引人注目。 《莊子．則陽》講述一篇寓言，以兩個蝸牛觸角上的小人國彼此爭鬥的故事，告訴讀者不要拘泥於當下的苦惱，放眼無窮無盡的天地，為一時一地一人所困的糾結，也就相對不值一提。閱讀《垂景：葉陶軒空拍攝影集》，就是如此心情，每一幀空拍影像都宛如一幅抽象畫，翻閱間就是一趟平飛在空中的視覺之旅，熟悉的地景因角度的轉換展現出萬千風貌，也讓觀者從中挖掘無窮的想像和故事。 東澳灣 / 宜蘭縣，看起來像繾綣的黑紗，又或是披散的髮絲，其實是粉鳥林漁港附近外籍漁工在整理漁網。當他發現天上的空拍機時，非常開心地抬頭揮手打招呼。 精彩內容搶先看 作者自序 出版這本書，源於一段特別的經歷。 我自1989年起便一直在法新社（AFP）擔任攝影記者的職務。2017年歲末，我的人生莫名陷入了低谷。沒來由的恐懼、慌亂、懷疑與不安，幾乎無時無刻不籠罩著我，嚴重時甚至無法思考，連選擇喝咖啡還是水這樣的小事都無法決定。這種精神上的紊亂持續了近五年，我對自我價值的質疑從未停止，對攝影的熱情也逐漸消退。然而，生活還是要繼續，我只能在混亂中努力維持熟悉的工作模式，盡力完成公司交代的任務。 事後回想，媒體工作很多時候需要聚焦於弱勢、人權、災難與戰爭等相對負面的新聞，這樣的新聞屬性也決定了我大部分的拍攝內容。直到知道自己病了，才發現身心靈因長年工作上接觸太多負能量場域，身體已不堪負荷，結果發生了恐慌與焦慮。 幸運的是，法新社充分理解攝影記者長期採訪重大災難新聞時可能面臨的各種身心挑戰，並透過派員支援的方式協助我，讓我在工作中能安心接受治療。儘管恐慌如影隨形，讓我一度感到絕望，但攝影主管Vincent Amalvy安排我前往香港接受空拍機操作訓練，並鼓勵我重拾對攝影的熱情。期間，更令人暖心的是過去在現場一起工作的同業給予我莫大的支持，陪著我爬山、健走鍛鍊身體，用泡湯、美食⋯⋯協助我釋放壓力，並幫忙代班工作。這一切至今都還歷歷在目。 2019年2月，是我人生的重要轉折點，那是我第一次接觸空拍機。當我手握遙控器，撥動搖桿，看到攝影機在高空中上下左右移動，將全新的視角呈現在眼前時，心中充滿震撼與激動，當下便下定決心要學會這項技能。從事新聞攝影工作三十餘年，這是我第一次有這樣親身體驗的機會。以往在媒體或影片中看到的空拍畫面，總覺得是別人的故事，直到自己掌握遙控器後，才深刻體會到世界竟然可以如此在掌握之中。 空拍對我來說，就像是為我打開影像新視窗的按鈕，更是探尋生命意義的探測儀。在生病期間，專注於空拍讓我逐步克服內心的恐懼與不安，隨著一次次飛行練習，深深被遼闊而充滿生命力的地景所吸引，漸漸讓我感受到平靜與專注，並在心靈上得到了救贖。 資料及圖片提供」大塊文化 編輯」江瑜