黃鈴芳 馥閣設計集團創辦人暨設計長 設計經歷20年，2009年創立馥閣設計。曾獲德國iF金質獎、德國紅點獎、日本Good Design Award、台灣TID金獎、金點設計獎、義大利A'國際設計大獎賽、中國築巢獎、金堂獎、現代裝飾傳媒大獎等眾多知名設計獎項。 擅長以細膩的心思挑戰並創造空間尺度，被譽為台灣最具國際設計能力的女性設計師之一。對於設計總有天馬行空的想法，設計初衷是讓每個人每天都能接觸到自己喜歡的空間，喜歡自己在生活中的模樣，主張好的設計應該要隱形於空間中，讓使用者自然地感受，體驗無形的設計能量。 擅長以細膩的心思挑戰並創造空間尺度，被譽為臺灣最具國際設計能力的女性設計師之一。對於設計總有天馬行空的想法，設計初衷是讓每個人每天都能接觸到自己喜歡的空間，喜歡自己在生活中的模樣，主張好的設計應該要隱形於空間中，讓使用者自然地感受，體驗無形的設計能量。     請簡述自己。 我是一位從事室內設計的職業婦女，對設計的想法、過程、靈感，都來自生活裡的積累，我會將自己的經歷與感受反饋到設計裡，更細膩的照顧使用者的需求。我在學生時期就希望日後從事設計行業，即使求學過程中依循家人的期待來規劃，但我未曾放棄對空間設計的憧憬，入社會後也從不同領域的工作裡，更加篤定自己對設計領域的熱情，決心成為一位室內設計師。     回顧自己的35歲？ 我在35歲時從事設計工作大約已經累積十年，當時開始受到媒體關注，作品參賽獲獎，處於事業的上升期，同時也正值孩子們的幼兒園時期。   因為職業婦女身分，一方面要在事業上衝刺，一方面要照顧小孩，更需要效率的運用時間，我白天在辦公室工作，下班後就將工作場地轉移到公園，當時有許多設計方案都是在公園陪孩子玩耍的過程中構思完成。   我自己有很多作品的靈感都來自陪伴孩子的當下，許多設計理念根基於自己人生不同階段的經歷與感想，以此延伸創作，為業主提出更適切的方案，提前為他們設想五年內可能的空間需求。   當時的公司案量和同事人員增長快速，對我而言工作與家庭的平衡十分重要，但我不曾覺得難熬，甚至感到快樂，有很多有趣的想法都是在陪伴孩子的過程裡浮現，特別是住宅的設計，我想像著，這麼小的空間如果以孩子的視角去看，如何在微妙的高低差之間做變化，讓它變得有趣。   在住宅設計上，大部分是女性屋主主導討論，我能感同身受她們對工作和家務時間分配的擔憂，我在自己的生活裡摸索，怎麼樣的空間規劃，能幫助人打理工作和家務都更有效率，並將它應用在設計裡。     35歲時從事設計工作大概已經有了十年，事業和孩子都正值成長期，忙碌且快樂，許多有趣的創意就是在陪伴孩子的過程中浮現的。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 從誠品書店開始閱讀《室內interior》。書架上的《室內interior》是非常醒目的，因為版面乾淨、簡約，反而脫穎而出，閱讀之後，我覺得這本雜誌就像是一部武功秘笈，裡面介紹的平面、動線和背後的設計思路，讓我有很大的進益。在2019年，我的作品終於被選錄在《室內interior》裡。     第一次在《室內interior》發表的作品《神秘學者之家》。星座專家私宅，為其創造不同視野與對話、提供靈活空間使用，能在家工作，也能在家生活。（詳見《室內interior》311期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 我覺得《室內interior》像是一部教科書，累積了台灣35年設計脈絡的重要資產，是一個主流審美的呈現，《室內interior》不曾偏向單一風格，也很擅長發掘新的美學，然後將它介紹給大眾。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 《自由綠洲》是我個人設計的轉折。以前做住宅常聚焦在解決需求、建立美感與使用機能，雖然都是以人為本，但相對而言更多是停留在比較表象的層次，很少去探尋思想與故事內涵。通常客戶只提出一些基本、機能性的要求，如果想達到空間的獨特性，就必須深探那些業主未曾直言的感受。《自由綠洲》觸發我們開始深入感受屋主的個人特質，在過程裡將屋主的旅行與人生經歷融入空間，發掘其中的故事與想像性。   在空間規劃上，我一直很喜歡環形動線。總在不同的空間裡，運用小區域環形動線設計，希望從中挖掘這樣的鋪陳會對居住者的生活產生什麼效果。而《自由綠洲》是首次以全室為範圍，完整地讓整個家都成為這個環中的一部分，空間領域的變化性與環形動線的自由感，是我認為它最特別的地方。     至今在《室內interior》發表的最特別作品《自由綠洲》。以獨立且彈性的生活畫面進行空間重塑，建立極大自由回字動線，「沙漠綠洲」概念呼應屋主經歷，整體純粹自然。（詳見《室內interior》349期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 無形的設計，我希望每個人生活的空間都是自己喜歡的模樣，是不刻意的，比如說坐下的位置、看見的遠方，是被安排好但平時不會注意到的驚喜，讓人有種會心一笑的感覺。無形的設計給予人輕鬆舒適的感受，自然而然地會意到空間的細節，以住宅來說，一個設計的完成，可能會與屋主相伴十年二十年，如果設計做得過於喧嘩，業主恐怕無法在裡面安身享受。     您對未來的期許？ 我希望可以持續創作，身為設計師我認為自己不該深陷在管理工作裡，希望今後能減輕管理層面的工作量，投入更多時間在設計上，不偏離我當初熱愛設計的初衷。   我清楚自己想做什麼，也想朝向跨領域挑戰，我覺得室內設計很有趣的部分就是可以拓展設計的範圍，將創意實現在空間、產品、服裝上，也希望能挑戰更多不同類型的項目，嘗試跨領域的合作，讓自己持續的學習與成長。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 我覺得35歲是一個從空白到精華的時間點，過去的35年，《室內interior》與台灣的設計產業共同走過，同步變得成熟，未來也希望可以同步一起迎接往後未知的挑戰。     希望未來的35年，《室內interior》能繼續與我們同步一起迎接未知的挑戰。     資料及圖片提供」馥閣設計、拾卓設計 採訪」室內雜誌編輯部、江瑜

卓思齊 洛川設計事務所 主理人 洛川設計事務所是由卓思齊設計師創立，著力於住宅、商業空間及建築設計。擅長將使用者的性格融入空間，並在電影、小說、音樂或日常生活中找尋靈感，提出務實與浪漫平衡的最佳方案，為每座空間打造專屬美學。     請簡述自己。 我是一個追求簡單的人，生活的方方面面都盡量簡單化，也希望能從工作中找出有條有理的處世方法。我覺得自己也是個很愛玩的人，想要專注於工作，同時也希望平衡自己想要的刺激、資訊吸收和旅行，我把工作視為生活的一部分，一直在思考怎麼做才能讓工作變得有趣，能把它轉化成具有學習養分的遊戲，與自己的旅行、閱讀經驗相交融。我喜歡有溫度的空間，希望設計能更貼近使用者的需求，讓空間予人豐富的感知，甚至觸碰到心靈層面。     回顧自己的35歲？ 我大約30歲左右從上海回台灣創業，早期的工作經驗讓我累積了許多能量和創意，我一直在尋找一個表達的出口，闡述自己的設計理想和風格，這是促成我想獨立創業的原因。經營事務所後，才發現自己還有那麼多不足，意識到自己的渺小，也因為好奇心旺盛努力吸收新知，同時學習如何在麵包和理想之間達成平衡點。   35歲的我像個停不下來的小孩，沉浸在工作中不停探索設計的形式、設計風格，忙著思考事務所的運作、如何在理想和商業之間取得平衡？如何深入理解客戶的需求，用理想的空間詮釋給予答案。我也不斷精進自己在設計上的能力，大量的旅行、觀摩大師的作品，這些充實經驗，如今回憶起來，都是人生中美好的過程和印記。     35歲的我生活充實得好似在燃燒生命，如今回憶起來，都是人生中美好的過程和印記。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 在學期間，曾經有同學暑假時在事務所實習，他接觸到的案子登上了《室內interior》，因此將當期雜誌帶到學校和大家分享，我至今仍記得看到設計團隊裡羅列同學姓名時的衝擊！為此下定決心，將來某一天，自己的作品和名字也要登上《室內interior》。   因為學生時代的憧憬，我在第一個獨立設計案完成後就迫不及待地投稿，也希望能藉此驗證自己的能力，第一次登上《室內interior》是在2014 年，正是我35歲的時候，剛從上海回來兩三年，《生活畫布》的特殊性除了登上了《室內interior》，也是我在設計生涯奠定設計風格和基礎的立足點。被選錄的心情格外雀躍，當年的雜誌至今還在我的書架上珍藏著。     第一次在《室內interior》發表的作品《生活畫布》。這座白色三層住宅自頂樓天井引入自然光與雨水，讓居住者感受日出日落及四季流轉的變化，釋放設計師對「清澈、簡單、與環境對話」的追求，奠定事務所設計風格的基調。（詳見《室內interior》252期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內interior》完整且忠實地記錄了台灣設計業界這35年的發展，裡面收錄的作品無一不是當代最嶄新、最有品味的空間創作，我覺得《室內interior》對全台的設計師而言是很棒的見證者，另一方面，它也提供設計師一個發揮自己、表達自己創作思想的一個優秀舞台。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 鑒於我第一個被收錄的作品是在我35歲那年，我選擇2024年8月刊收錄的作品《藝芸詩光》做為最特別的那個，因為它同時見證了我的45歲和《室內interior》的35歲，這份巧合的紀念意義十分特殊。     至今在《室內interior》發表的最特別作品《藝芸詩光》。在住宅的木質調性中結合屋主的生活理念與軟裝品味，臥室裡留白的畫作讓空間自然流露適得其所的空靈感。（詳見《室內interior》371期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 我從事設計工作的初衷是不斷探索可能性，維持簡潔美學，並且照顧使用者在空間裡的感官享受，不隨波逐流，表達自己對設計的「純淨」的追求。   我一直期許自己能實踐一種極簡、清澈的設計與生活美學，讓空間的外顯與內涵都能滿足居住者，這可能體現在我在作品裡的細節，比如，對簡潔材料的運用、或者喜歡空間上帶有一種視覺的穿透性，透過一些空間的壓縮、天花板的高低層次、地坪的起伏⋯⋯等技巧塑造空間的層次倫理，甚至給予生活儀式感。   在創業初期，我曾一度偏重設計感，力求讓人一眼驚艷，可是經過十年磨練，我理解到除了視覺美學，業主可能更重視生活溫度，與家人共享美好生活的理想。在不知不覺間，我的設計變得更加圓滑、更尊重生活的細節，更重視使用者的感受與感官細膩的照顧，收斂了設計上的表現衝動。   隨著閱歷漸豐，我慢慢體認到設計與人生經歷之間的聯繫。回顧35歲時在《室內interior》發表的第一個作品，可以看出當時強調設計感且氛圍冷峻的創作偏好，而在這十年間經歷了婚姻、孩子出生，透過孩子意識到自己與家人的連結，這些體悟都慢慢帶入設計，作品中反映出包容和圓滑的內涵。縱然風格相異，審視十年來的變化，我依然慶幸自己沒有背離初衷，未曾向商業化或流行妥協，作品在在驗證了我對設計的堅持、對簡潔美學不變的追求。     您對未來的期許？ 我期許自己在前進的道路上堅守初衷，持續精進自己在設計上的深度和能力。期許自己對設計的風格和理解，能滿足使用者的實質需求、舒適度和美感。除了肉眼可見的美學，我更重視形而上的精神內涵，也期待作品能更上一層樓，像類似文學、戲劇或是藝術般滋養使用者心靈，表達手法可能是透過材質、氣味、情境或是動線進程，讓人在空間體感與親觸裡感受內涵。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 非常感謝《室內interior》，它不只記錄台灣設計界這35年來的變化和發展，同時也見證了我35歲的起點，記錄我一路走來的成長歷練。如今我邁入45歲，很榮幸見證了《室內interior》的35周年，希望我們可以一起迎接下一個《室內interior》的50歲、60歲甚至70歲。     《室內interior》不只記錄台灣設計界這35年來的變化和發展，同時也見證了我35歲的起點，記錄我一路走來的成長和歷練。     資料及圖片提供」洛川設計 採訪」室內雜誌編輯部、江瑜

朱怡芬Celia Chu Celia Chu Design & Associates (元璽國際企業) 負責人暨設計師 Celia Chu Design同名設計公司的靈魂人物和夢想領航員，擅長以精緻複雜、層次豐富的手法，優雅打造各式當代酒店和高級住宅設計案。憑藉對藝術與設計的熱情，以獨到的表現技巧結合實用功能和設計靈感，為所經手設計案提供全方位的切入視角。因此，所完成的作品皆極為精緻和個性化，透過重新詮釋多元文化和背景元素，創造出獨特的設計風格。     請簡述自己。 我自認為個性有很多缺點，但是在工作和設計上，我會將這些缺點轉化為助力。比如，我是個善變的人，喜歡挑戰多元的項目，設計風格也從不定型。因為是個懶惰的人，在工作上非常重視效率與精準。我是個很愛作夢的人，這種特質豐富了我的創造力。   我很喜歡旅遊，透過不同項目讓我走訪許多國家，在異地認識新朋友，與業主、藝術家、專案人員、廠家的交流都開拓了我的視野。我不是一個脾氣特別好的人，這讓我在創作上能有更好的堅持，因為溝通過程裡每個人的立場不同，個性與堅持反而有利於完整作品的呈現。     回顧自己的35歲？ 35歲時的我對設計充滿想像力與熱情，有很強的爆發力，無畏挑戰，喜歡挑選遙遠異地的項目，以及挑戰未曾嘗試過的案型。   當時充滿活力，對未知的事物充滿好奇，對陌生的地方和國家都感興趣，透過設計工作認識各國文化，用旅遊經歷去滋養設計創意，這些歷練都讓現今的我擁有拓展項目的選擇權。   當時我會單純從設計師的角度去創作，從中體會純粹的、有趣的故事，但相對來說也可能受限於個人角度，在觀察市場上顯得不夠全面。逐漸的，我開始變得更圓熟，學習理解業主在商業角度的考量，也會觀察別人看到設計方案的反應，除了維持作品的純粹性，也藉由他人的回饋客觀審視自己的創作。     35歲的我內心充滿自由，透過四處旅行來吸收養分，雖然不夠圓熟，但有更多的可能性。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 我在第一份工作就認識《室內interior》，當時業界有很多設計刊物，《室內interior》脫穎而出的最大特點就是收錄作品的原創性以及內容質感，這也是我從入行以來就持續關注的原因。   第一次正式與《室內interior》的合作是2010 年時在日本福岡君悅酒店設計的《White Rose Chapel》（白玫瑰教堂）發表，那是我創作至今最浪漫的作品，故事性和純粹性都極為鮮明，如果讓我選最想在《室內interior》發表哪一個作品，它絕對是我的首選。     第一次在《室內interior》發表的作品《White Rose Chapel》。白玫瑰教堂位於購物中心和酒店之間，設計師及其團隊成功將一條普通通道轉化為一個滿佈白玫瑰的婚禮聖地。（詳見《室內interior》204期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內interior》最大的意義是提供了一個很好的舞台，讓有理想、願意做原創設計的人們有優秀的發表空間，對於喜歡講故事、談論創作背景的設計師來說，也是一個很好的發聲管道。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 每個作品都曾經給予我不同的設計體驗，讓我交到許多朋友，若要選出最特別，我會說是最具挑戰性的《曼谷Rosewood Hotel》，推進這個項目的不只有我，還有其他優秀的設計師，我們各自負責不同城市，就是為了重新定位Rosewood品牌的DNA。   Rosewood品牌作為全球知名的奢華五星級酒店，有強烈的自我個性，更偏向lifestyle的特色，對我而言都是嶄新的挑戰。因為酒店是新建築，從打地基時我們就參與了項目，從第一天到完成，總共歷經八年時間，如何讓八年前提出的設計，在八年後依然能打動市場，甚至要確定這個設計方案對未來二十年的消費者都有足夠的說服力，是另一項重大考驗。     至今在《室內interior》發表的最特別作品《Rosewood Bangkok》。曼谷瑰麗酒店的室內設計確實展現了永恆的美學，巧妙地將泰國傳統文化元素與現代創新相結合。（詳見《室內interior》314期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 完全不變的精神就是「說故事」。我喜歡利用空間來涵蓋的國家、城市、品牌和文化等等不同元素，建構我想訴說的內涵。我一直以來都是以說故事的方式來創作空間，裝飾手法可以有很多變化，但是唯有故事才能讓空間的靈魂和獨特性被鮮明點出。說故事有許多方法，我最喜歡採用沉浸式體驗，先在項目當地生活一段時間，理解在地環境條件、接觸真實的人事物，捕捉不一樣的創作靈感。   我喜歡為每個項目量身打造，發掘出它的獨特性。從最簡單的部分來說，我可能會從當地的歷史元素入手，也可能從客戶的家族故事切入，有時也可能單純是我到當地時遇到的第一個人，因為和對方的互動所產生的感觸。把這些感動聯繫起來，編織出故事性的聯想，再帶入空間創作裡，訴說一個溫暖的故事。   我也希望能透過空間體感傳達出情境觀。我認為適度留白能給予人想像空間，希望來訪者每次都能發現不一樣的小角落或細節，豐富他對這個空間的記憶和想像。藝術是我作品裡的重要元素，尤其是飯店設計，我喜歡從當地的庶民生活裡發掘傳統手工藝或藝術家，再與空間設計結合詮釋，形塑出新的特色。     您對未來的期許？ 我希望今後能在環保議題上有更好的貢獻，老實說現在我們在推動上仍然有些難處，投資方常會因為經濟或大環境的條件所限，捨棄成本較高的環保材選項。我更期許的是在未來，無論是業主、設計師到廠家，大家都能將環保視為理所當然的必要考量，讓這件事變得更容易一些、甚至稀鬆平常。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 我覺得《室內interior》一直是個支持原創作品的好雜誌，希望你們能堅持下去，讓喜歡說故事的設計者有機會發表更多作品，啟發更多年輕的設計師。     《室內interior》是支持原創作品的好雜誌，希望能堅持下去。     資料及圖片提供」Celia Chu Design & Associates 採訪」室內雜誌編輯部、江瑜

王俊宏 森境設計創辦人 1999年創立王俊宏室內設計，2012年成立森境設計，堅持設計源自於生活的態度，不僅追求藝術形式表現、講究極致工藝，更透過客觀視角，化解空間難題，集眾人之力，朝美學境界與獨創性前進，讓設計從拔尖之「木」，匯頂級之「材」，創極上之「森」。持續追求設計、工藝、藝術與生活的進化，讓空間設計，不只是設計。     請簡述自己。 「人無信而不利」是我人生的座右銘，我覺得誠信非常重要，如果工作跟生活中沒有「信任」作為一個錨定點，人就會像浮萍一樣，沒有根，就此隨波逐流。設計工作也是如此，設計師經手的案子規模可能從一間小住宅到一座社區，業主基於信任將空間交託給我們，我們也該誠懇地把所有工作確實完成，再交付予甲方。   我平時是較偏向感性的人，雖然整體而言還是有一顆熱忱的心，有著去衝刺、去探索的欲望，但是在工作上，身為領導者必須理性，不能任意而為，決策理應顧及團隊員工，確保公司流暢運作，擔起應負的責任。     回顧自己的35歲？ 35歲我還在摸索自己的道路。我34歲成家，35歲第一個孩子誕生，身為一位住宅設計師，我對家的定義在那時才進一步產生更深刻的體認，人生的拼圖也大致有了比較清晰的輪廓。當時在衝刺事業，其實錯過了很多孩子成長的瞬間，但孩子的存在始終帶給我充足的溫暖和前進的動力。他的出生對我的設計思考產生很大的影響，開啟了另一個設計緯度，我意識到人與空間的關係，不能僅僅依循當下年歲的主觀解讀，而是應該擴大同理，思索從0到80歲不同身分的多元視角。   相較於年輕時候總是充滿熱情、想用自己的設計征服所有人，成家後自己所經歷人生的蛻變，讓設計開始轉向「形隨機能」，體認到設計不是用炫技手法去征服他人，而是思考使用者的真實需求，同理各種類型的業主。     35歲的我還在摸索自己的道路，因為孩子出生，我對家的定義才進一步產生更深刻的體認，人生拼圖也在那時候才大致有了一個比較清晰的輪廓。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 我早年在俱意設計馬昌國先生的公司工作，經常在馬先生的桌上看到《室內 interior》雜誌，也開始追溯公司收藏的期刊，閱讀各期《室內interior》內容，閱讀雜誌收錄的前輩大師作品，我對登琨豔的印象特別深刻。當年他在事業高峰期放下一切，轉換跑道到上海重新開始，這段經歷激起了我的憧憬，也埋下一顆種子，在日後促使我前往上海、踏足更多城市。   第一次在《室內interior》發表的作品《珍藏》。以貝殼意象呼應維納斯的誕生，設計靈感源於藝術與美，打造出如珍珠般閃耀的設計，開啟無盡想像的都市秘境。（詳見《室內interior》319期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 年輕時候資訊得來不易，買的每本《室內interior》都會反覆翻閱，直至封面受損都樂此不疲，很珍惜閱讀的每一頁內容。現今訊息流通的速度快速，資訊的氾濫反而容易讓人產生一種「迷航」的錯覺。   對我來說，《室內interior》在空間美學這個板塊，一直扮演著一位引路者，不管是建築、人文、藝術還是空間，都報導著最前沿的設計題材，深挖最動人的設計故事，我覺得《室內interior》就像一個導航系統，引導讀者前行的方向，也讓所有人都能從中找到屬於自己的遠方。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 《慢步》。這個作品完成於新冠疫情期間，當時我往返於兩岸工作，時常平均三天就移動到另一座城市，最北可達烏魯木齊，最南到海南島和香港，有時在飯店醒來，我會忘記自己身在何處。長期把時間耗在通勤上，缺乏整理內在思考的餘裕，對很多事開始依賴直覺反應，我覺得這漸漸背離了我從事設計的初衷。蔣勳對「忙」字的見解彷彿象徵我十年間的工作狀態，為了事業到處奔走、不斷產出，但是「忙」這個字拆開，就是一顆心的消亡，「心都死了，還談什麼創作呢？」。   新冠疫情期間的隔離，讓我紮實地慢了下來，隔離期間沒有雜事，規律的日出而作、日落而息，人的步調和心態因此靜了下來，體會到「慢」的感受，開始湧現豐富的創作靈感。作品名《慢步》，「慢」是時間，「步」是空間，因為在被封閉時格外嚮往開闊的地方，所以在設計中融入四十米的環形竹林。   過去為了讓公司茁壯，工作模式與心力都聚焦在追求「量」，在每個城市的停留都是為了工作，高壓生活令我沒有心力去沉澱或思考，因為疫情，我的心態改變了，不再追求「量」的累積，而是更期待「質」的深入和挖掘可能性。   至今在《室內interior》發表的最特別作品《慢步》。慢，才能體會時間的流逝；步，才能悠遊於空間的自在，以竹為核心，創造自然環繞的空間，讓人體悟空間之美。（詳見《室內interior》362期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 室內設計是一份專業的服務諮詢工作，所謂「食君之祿，擔君之憂」，應該放下個人情緒、站在專業角度思考業主需求，妥善完成工作，而不是汲營於自我主張的表現。秉持誠信至上的精神，誠實地面對所有一切然後付諸行動，真誠地服務甲方。   設計究竟是在成就誰？是設計師自己還是客戶？這把誠實的尺應該錨記在哪裡？我認為，設計者應該更誠實地面對自己，設計是客製化的服務，不是以參賽為目的的創作，因為最終居住在空間裡的人是業主，空間裡的生活是屬於他的，設計師的思考重心應是如何完善業主的夢想，成為他築成理想的助攻手。     您對未來的期許？ 室內設計產業的運行邏輯有兩個板塊，一是知識庫，一是方法論。知識庫源自每個人積累的知識量，越多越好；至於方法論，每個公司各有主張，我想更深入這個領域，盡可能輸出一些自己的實務心得，引發他人的共感，也希望能透過《室內interior》這樣優秀的平台分享給更多人。把自己的感受和經驗整理為方法論，進行分享和傳承，即便是錯誤經驗也可以作為他人借鏡，從中吸取到更深刻的教訓，我想釋出這樣的資訊，分享給更多對這個行業感興趣的人，這是我未來想做的事情。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 祝福《室內interior》35歲生日快樂。一篇篇報導、一則則專訪，每一頁都記錄著35年來的設計脈絡，《室內interior》是設計師展示作品及思考的平台，也是靈感汲取的來源，祝願《室內interior》能繼續引領業界，邁入下一個35年的里程碑。     《室內interior》一篇篇報導、一則則專訪，每一頁都記錄著35年來的設計脈絡，既是設計師展現的平台，也是靈感汲取的來源。     資料及圖片提供」森境設計 採訪」室內雜誌編輯部、江瑜

沈志忠 沈志忠1998年畢業於倫敦藝術大學雀爾喜學院，返台後陸續創辦建構線設計有限公司與沈志忠聯合設計有限公司，並擔任負責人與設計總監職務。其設計理念是透過建構的「線性張力」探索空間本質，挖掘空間與空間相互的恆定關係。 執業以降，國內外獲獎無數，歷年來囊括涵蓋亞洲及歐美等指標性設計金獎獎項，同時受邀出席兩岸演講邀請，不勝枚舉。   請簡述自己。 成為室內設計師的契機，起源於幼時家中有請建築師畫圖，當時看到圖面覺得非常有意思，這個記憶也於無形間引領我走上這條路。我認為自己是設計產業中不善社交的「獨行俠」，也拜個性所賜，我能完全將所有的時間和精力投注在設計中，浸淫於藝術和美學之中。   一直以來我的夢想都是希望自己的設計可以被更多人看見，這股強大的動力讓我遭遇困難或瓶頸時，反而會不斷鑽研，探尋自己認可的結果或方案。我的座右銘是：「當你不如意的時候就向後看」，因為是真心喜愛設計這個工作，過程中的所有挫折都能夠自我治癒。     回顧自己的35歲？ 35歲算是我設計職涯剛起步的時期，我從倫敦藝術大學畢業回台後，致力發展「空間藝術化，藝術機能化」的概念，不過當時設計界的風氣著重於風格化發展，因此得不到認同，令我頗為苦惱；我一直在思考如何跟業主溝通，怎樣將實用機能藉由藝術角度進行詮釋或美化，透過不斷的演練、實戰經驗逐漸總結出屬於自身的脈絡及流程。   35歲這個階段還有一件影響我深遠的事情，就是兒子的出生。兒子出生前我是個非常理想化的人，可以不計成本、甚至自掏腰包，只為呈現符合內心標準的作品；但兒子出生後，我開始慢慢收斂自己的藝術家特質，必須更務實地思考設計之外的面向，藉此達到一個適切的平衡。     35歲是我的職涯初期，透過多重的試煉和經驗累積，逐漸找到合適的設計脈絡。同時，也因為孩子的出生，我必須拿捏好理想和務實之間的平衡。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 在我年輕時，《室內interior》扮演著導師的角色，替我指點出學習的方向，在資訊還不是如此充足的年代，我每個月都很期待閱讀《室內interior》，因為雜誌收錄了許多前輩的作品，編輯團隊的文字亦精闢闡述了設計見解和思維，這些精彩案例都是我成長的養分。也因為雜誌的高度和專業的定位，不論是過去或現在，我都十分期盼公司作品能登上《室內interior》，這算是鞭策我不停前進的驅動力。 第一次在《室內interior》發表的作品《放懷翱東西》。「透」反映出虛、實，當空間的媒介轉換為穿透性的材質，他們已從獨立空間的物件，躍升為整體空間的物件，同時被閱讀著。（詳見《室內interior》232期）   您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內interior》在每個時代節點都為台灣設計界定下了一個高度，同時提供所有設計者一個理解、閱讀趨勢的管道。我認為《室內interior》最大的價值在於，對年輕世代而言，雜誌扮演著指導的角色；對中生代設計者而言，雜誌是我們追尋的目標，清晰承載著台灣室內設計發展史的演進，也忠實記錄了每位設計者的樣貌與印記，是非常重要且珍貴的存在。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 公司作品《行墨鑄境》被選為《室內interior》368期的封面，對我個人而言是非常大的肯定跟鼓舞。直到現在我依舊親力親為在做設計，期許自己能以最純粹的初心，真誠地替業主打造他們的專屬境地。每個案子我們都盡心盡力地完成，能得到雜誌的青睞真的是件令我很開心的事情，也讓我激勵自己要不斷保有創新的能量或有所突破，努力開創更多設計可能性，並以更成熟的思維實踐理念。 至今在《室內interior》發表的最特別作品《行墨鑄境》。本案的設計以「墨鑄」為主軸，追求並呈現墨水般深邃而多層次空間；在動線規劃上，設計師細膩地將公私領域劃分，保有彼此的獨立性。（詳見《室內interior》368期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 我一直維持著從一而終的心境，以熱忱的態度跟極高的自我要求確保設計的純粹跟自身理想。美學這件事情是需要不斷耕耘的，現在我們所運用的材質、空間語彙、格局思考等，都是這20年多來我所歸納出的論述；設計師必須因應基地條件以及業主生活需求提出適合的方案，有鑑於此，形式、材料、工法皆勢必要能解決問題，並做出良好的整合。   另一方面，設計除了突顯「美」之外，更需回歸本質，專注於人與他們的生活，因此跟業主的溝通也是非常重要的環節，有助於使設計的力量真正走入日常，而非僅停留於表層的風格型態。透過對談，我們梳理了龐雜的資訊，去蕪存菁，訂出最為合適的策略，並依此邏輯選擇契合的材質與表現手法，構築空間樣態。     您對未來的期許？ 相信設計從業者對自己都有很大的期許跟很強烈的目標，就我而言，現階段最大的願景是希望團隊可以在穩定中求突破。身為設計師與經營者雙重身分，我自知肩上責任重大，如何在創意跟管理兩方面取得協調，真的非常困難；再加上我本身的藝術家性格，管理者該具備的理性與果斷，是我必須不斷學習的課題。   最近我也在思考，工作之餘該如何安排自己的生活？我十分喜愛大自然，時常到花蓮「閉關」，赤腳踩著地、聞著大地的味道、聽海吹風，享受身心的淨化，反璞歸真回到最原始的狀態；我也開始登山、打太極拳，嘗試在工作之餘放慢自己的腳步。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 保持初心是最重要的，我從事設計行業約20年，依舊把自己想像成新鮮人，用滿腔熱忱揮灑創意；正如同《室內interior》這35年來一直扮演著教育跟推廣的角色，對業界有莫大的幫助，期許《室內interior》繼續維持這樣的高度和做法，指引並陪伴設計者們前行。     期許《室內interior》保有初心，以教育和推廣的定位伴隨設計師們前進。   資料及圖片提供」沈志忠聯合設計 採訪」陳映蓁

魏郁珊 淬山設計總監 2019年創立淬山設計。反覆探討空間的比例線條，置入細膩的色彩元素與肌理質調，在加減之間尋求完美平衡，形塑舒適清新的氛圍。設計之本，唯有不斷淬鍊，基石便能成山。 請簡述自己。 我的作品沒有特定風格，十分講究「客製化」，致力將客戶的喜好或是想像化為現實。如何適切拿捏各風格所需的元素？我認為多觀察、多增廣見聞都是很好的方法，現今世代無論由書籍、網路汲取新知，或是出國遊歷拓展視野已非難事，客戶所描繪的空間畫面一定也跟他的生命經驗息息相關，因此，多管齊下的體驗生活是設計者很重要的課題。   我的個性比較瞻前顧後，一同共事的夥伴就格外關鍵，目前雖然沒有員工，但有跟平面設計師、軟裝設計師、施工相關廠商合作、共同組成團隊，各司其職發揮所長，同時創造無限的可能性，我覺得這樣的設計能量最為強大。   展望自己的35歲？ 現階段希望穩穩地在設計業界走下去，不求公司一飛沖天，但求默默耕耘，期待日後有機會能進軍國際，承接國外的委託案，嘗試更多有趣的挑戰。台灣市場的空間類型雖然多元豐富，但在現實基地條件方面依舊有著諸多限制，如果有機會踏足不同國度的文化民情並留下自己的設計軌跡，相信會是我的設計里程碑。     展望35歲，期許自己穩紮穩打、站穩腳步，並積累設計能量，做出國際化視野與質量的作品。   與《室內interior》的緣分從何開始？ 求學時期我就對設計行業很有興趣，在逢甲大學就讀室內設計系時，同儕都會經由《室內interior》了解當時台灣厲害的設計前輩們所提出的見解，並觀摩設計圈的流行趨勢，甚至也會翻閱雜誌尋找憧憬的設計公司，作為就業的參考。   《室內interior》和日本節目《全能住宅改造王》算是我走上室內設計師這條路的啟蒙者，前者增長並豐厚了我對設計的思維，後者最令我觸動的環節，即為節目中的職人時常將委託者舊家看似不堪用的樑柱、建材保留下來，並藉另一種形式賦予它們新生，不僅留下曾經的記憶，也實踐了「重新再利用」的理念；這部分對我有著深遠的影響，時至今日永續環保材料的應用亦是我關注且探索的課題。 第一次在《室內interior》發表的作品《TIMELESS》。當時正處於探尋自我、慌張無法定義屬於自己風格的階段，與此案客戶聊天，客戶堅定地說：「就是因為你沒有既定的風格，才能擁有無限的可能」。每一次的案子都能帶來成長。（詳見《室內interior》348期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內interior》最具鑑別度的部分在於，雜誌對於風格和元素呈現的接納及包容度十分廣闊，不同流派的作品都有機會被報導刊登。   另一方面，媒體有其社會責任，對於觀念的推廣必須扮演推進的角色，並替圈內圈外的雙方搭建起溝通橋樑；設計的存在終歸是為了解決問題，現今大眾必須面對自然能源匱乏的現實，如何運用最少的有限資源改善人類的居住品質，同時保有地球永續的可能，我認為是室內設計界目前亟需關切的議題，也鼓勵《室內interior》能在這個面向提供更深入的資訊。   至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 每個作品都是生命歷程的印證與成長，在《室內interior》發表的第一個案子《TIMELESS》，它見證了我在探尋設計定位時的徬徨。從事藝術相關行業的客戶，洞察了我作品中的多元性，給予我很大的鼓勵，讓我知道就算沒有特定風格也沒關係，因為這樣就有著不被侷限的無限可能。   另一個餐酒館作品《Curious. Taiwan》則融合了複雜的語彙及樣態，並以「中西合璧」的邏輯擘劃空間氛圍，西方畫家的壁紙與壁布被用於燈籠表層，艷麗大膽的色彩在光源襯托下呈現一抹新式東方的氣息。客戶的豐富閱歷大大拓展了我的眼界。 至今在《室內interior》發表的最特別作品《Curious. Taiwan》。此作著重於將未嘗試過且複雜的元素與材料在空間中兼容，並符合品牌空間意象概念。設計師認為這是最大的挑戰，也很開心達成目標。（詳見《室內interior》352期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 如前述所提，我對風格美學雖沒有特定的喜好或習慣，但每個案子一以貫之的精神就是「整合」，該如何巧妙安排諸多元素是我非常注重的環節；與客戶的溝通則是一場靈魂的拷問，要懂得協助他們爬梳真正的需求，並在合理範圍內做出取捨，藉此打造與個性契合的專屬境地。針對住宅設計，我重視情感交流和互動，因此公共空間面積通常會較私領域來得寬闊；商業空間的部分，則會奠基並延續品牌的核心價值，考量商空翻新率高，材料選擇較為多元，有鑑於此，我會盡量使用環保材構築場域架構，以期達成永續願景。     您對未來的期許？ 現今講求跨界合作，我期許自己能更積極的向外尋找更多可能，工作技能只是個工具，重要的是腦袋裡的知識要如何活用、突破僵化制式的思維，構建具故事性的空間。和不同領域的佼佼者進行切磋交流的過程，因大家思考模式相異，很有可能互不理解甚或產生衝突，但我認為優秀的設計者要能夠針對各種情境做出對應，梳理並統整各個面向的專業，這也是我日後欲發展的方向。   環保建材是未來的必定趨勢，在設計上我會盡量說服客戶選用，雖然我的力量微小，但如果能透過設計作品將這些理念傳遞出去，觸及懷有同樣價值觀念的人們，就有機會使永續材料更加普及化。環保材質範疇博大精深，對於製程、特性的鑽研我亦需持續學習，期望能與更多優秀的台灣材料商共同前進，優化業界生態也替地球資源盡一份心力。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 期待《室內interior》能持續呈現內容的多元性，帶領設計師和讀者們擴展新的視野，一同構畫更精彩的生活想像。同時也希望《室內interior》在空間與建材議題推廣能有更多元的著墨，成為設計的「卓見」，呈現更多不同的設計面向與視野。   《室內interior》多元的包容性是我最喜愛的特色，交織出設計與生活的全新想像和視野。   資料及圖片提供」淬山設計 採訪」陳映蓁

自二十世紀以來，展覽演變成展示藝術品的核心場域，對空間的強烈意識，也成為書法家創作的重要特質。展名「當巨浪襲來」由此而來，不僅是空間之巨，也是視線之巨，探討藝術家如何以書法創作回應高聳白牆，展現來自不同文化背景的觀看視角。本次邀請卜玆、李茂成、和田浩志、於同生等四位藝術家參展，以尺幅、書體、風格、內容、字數、色彩、材質等變化，為傳統書法譜出新意，折射出當代書法藝術的萬千面貌。   展間純粹白淨的背牆，將每幅書法作品完美烘托，令人賞心悅目。 一則縮影：從文人書齋到藝術家工作室 卜玆以猶如「車手掣彎、戰機劃空」的速度振筆疾書，筆法兼容唐代、晚明草書及清代篆書，成就別樹一幟的自我狂草書風。卜玆於1980年代屢獲獎賽肯定，而後矢志成為專職書法家。他數度搬遷創作空間，從空軍眷舍、三合院到挑高的工業區，作品與之相輔相成。   卜玆，《悠悠盡日閑》2010-2011，水墨／紙本。 本次展出7件作品，其中2000年的《金剛般若波羅蜜經》，以每字不到0.2平方公分的小楷寫就，反映書寫時戒慎修持的心神。後期的《風》則典出明人徐渭詩，全幅採濃重飽滿的大字狂草書成，行筆每二到三字即重新沾墨，維持由漲墨至濕筆的節奏，宛如大風陣陣吹拂，令人遙想風起雲湧的意象。蘇軾云：「大字難於結密而無間，小字難於寬綽而有餘」，卜玆大字密實如織錦，小字則疏朗若浮雲，以從容不迫的自信回應經典難題。   卜玆利用小楷將每字行距控制在0.2平方公分以內，感受藝術家凝神靜氣的心緒。 兩畝方田：從唐人詩句到宋畫名蹟 李茂成受到清代崇碑風氣影響，將隸書和魏碑的渾厚融入草書創作，著重於對生命的探索。《星垂平野闊》取自杜甫詩句，全幅用筆圓轉且不露鋒芒，結構多做扁方，單字濃淡對比鮮明，由濕到乾、由快入慢，周而復始，猶如在沙灘上作字，起始為浪所浸潤，隨著退潮消散，又在浪起後重獲新生。   （左）《星垂平野闊》，（右）《谿山行旅》，在臨摹古人詩作，將探索生命的精神融入作品，引人入勝。 《谿山行旅》取自台北故宮所藏北宋范寬名畫，李茂成在青年時期曾臨摹此作，畫風亦為之影響。近年興之所至，揮就「谿山行旅」四字，「谿」、「行」二字拖長且連綿的用筆，狀如瀑布及林道，引領觀者進入心中丘壑，產生可行、可游的想像。   三維線條：以線質召喚生命 和田浩志生於日本福岡，在京都成長，自五歲開始習書。受到日本書法先鋒井上有一等人影響，近年致力於少字數創作。有別於墨象派前衛書家，和田浩志保留了文字的可識性，並期盼以充滿力量的線條觸動人心。   和田浩志，《乃_14》2023，水墨／紙本。 本展精選12件單一字數作品，所書內容多源於自然萬象，反應出和田浩志的人生觀，以及立足於日本經典文化，對生命的思考與期望。《夢_16》尤其特殊，在書成後，刻意揉捏紙張並重新展開，使既有線條和非預期墨痕如奇蹟般地融合，據此成為完美的藝術品。藉有意無意之間、剛柔並濟的創作手法，開啟與西方抽象藝術對話的契機。   四度空間：英文字母的漢化變形記 於同生取法魏碑的雄渾，近年來於台灣各大書法獎賽頻獲首獎。有感於日本書法圖像化的趨勢迄今已逾百年，且持續主導台灣當代書藝，於同生力求突破字義與畫面的直接關聯，將文字載體代換為英文，並保留漢字書法的用筆及線質。   於同生，《墨舞 NO.2》2024，水墨／紙本。 本次展出五件作品，其中《閃閃動人》以原作及數位微噴輸出參展，不僅透過色彩衝擊視覺，也是以當代製作版畫的觀念，回應法書複製的經典傳統。新作「墨舞」系列一反過往英譯中的思維模式，改採概念命名，作品中可見墨線曲折迴旋，字勢欹側欲穿紙面，彰顯出跳脫文字桎梏，轉而重視線條與空間共奏的意圖。   展覽空間明亮乾淨，漫步其中欣賞四位藝術家的獨特風格，在多樣創作中沉澱心緒，體會每刻安寧。 2011-2013年間卜玆沉浸在大字狂草創作之際，李茂成亦如發狂似地埋首於書法創作；2017年和田浩志決意面向國際時，於同生亦轉身投入英文書藝。他們透過對深厚傳統的奠基，潛心創作，開闢對書法藝術的全新想望。   當巨浪襲來 時間」2024年9月28日至11月2日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店）   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

台北當代藝術館（以下簡稱當代館）於近期推出「Beta+」及「熱影像」兩展，由邱杰森與莫珊嵐、陳韋綸兩組策展人以新世代觀點，展現現在進行式的當代藝術。位於一樓展區及戶外廣場的「Beta+」，主要探討當代社會資訊的短暫性和有效性議題，有別於傳統的靜態展覽，作品如同有機體般，在展間不斷變化與重組；二樓展區「熱影像」以網路世界中的影像環境為背景，探討被塑造的想像世界，如何影響人們對於社會的認知價值。   「Beta展區」數位新媒界 展覽「Beta+」以數位技術和新媒體為背景，聚焦當今社會瞬息萬變的科技與視覺文化，展覽匯集了來自蒙古、法國、新加坡和台灣的孟克波洛兒．干波爾德 Munkhbolor Ganbold（蒙古）、林育正、瑪莉．哈維爾 Marie Havel（法國）、克萊蒙．菲利普 Clément Philippe（法國）、超級浪、黃萱、楊子強（新加坡）、鄧雯馨、鍾興賦等九組藝術家，以多樣媒材與創作手法，展現當代空間、環境與視覺文化的多重面向。   視覺文化與身份的探索 超級浪 Hyper Wave《游離的引線》Dissociated Fuses 。 在當代館廣場上，超級浪的大型裝置作品《游離的引線》矗立其中，以潛水艇作為媒介，重構台北湖的歷史景觀，探討自然、歷史與科技之間的交錯​，進入潛艦內部，從監看螢幕觀看，當海平面上升後，台北城被淹沒的預示情景。   鍾興賦 Chung Hsing-Fu《有一天是一天》Surviving Day by Day。 鍾興賦《有一天是一天》以行為表演結合錄像裝置，探討身體與日常生活中的衝突與游離，從個體經驗出發，反思資本主義社會中的身體與身份問題。   黃萱 Huang Xuan《靜物》Still life。 黃萱《靜物》是一場關於抑制動作和音量的表演，藝術家試圖以最安靜的方式放置物品，強調動作的約束與自我控制。   動態創作與即時性呈現 楊子強 Yeo Chee Kiong《電子傳送門之貳號專案：朱銘 2024》Teleporting Project #02_ Ju Ming 2024。 楊子強《電子傳送門之貳號專案：朱銘 2024》以3D列印技術重現已故雕塑大師朱銘的頭像，透過逐層堆疊的像素模塊，展示數位雕塑在虛實間的跨越與重構。 林育正 Lin Yu-Cheng《箱構 3.0：巴斯卡箱 _ 演算之所 I》BOX-OLOGY 3.0：Pascal Box _ Calculate in space I。   林育正《箱構3.0：巴斯卡箱 / 演算之所 I》以鷹架搭建空間，各式箱子與物件在展間不斷變化陳列，像是一個舞台讓物件本身自行表述，嘗試從自身記憶編寫出屬於自己的解讀及故事。   孟克波洛兒．干波爾德 Munkhbolor Ganbold《Possibility》。 孟克波洛兒・干波爾德的《Possibility》融入蒙古傳統貼花工藝技法、撕裂舊作的碎片，結合來台期間所拾獲的物件和材料進行創作，從重組中，透過物件位置的移動形成新的排列，產生不同意義與功能。   瑪莉．哈維爾 Marie Havel《擲骰子壁畫》On a Roll of the Dice。 瑪莉．哈維爾（Marie Havel）《擲骰子壁畫》以互動遊戲為基礎，透過擲骰子獲得的指令共創壁畫，決定作品的即時發展。特別的是，作品直至展覽結束才算完成，畫作的未完成狀態呼應了周遭持續變動的建構過程。   當代空間的重塑與演化 克萊蒙．菲利普 Clément Philippe《混凝土賽利昂》Concrete-Xérion 。 克萊蒙・菲利普的《混凝土賽利昂》以現地創作的形式，利用混凝土、硫酸銅與電線等工業材料，將當代建築中的隱藏元素可視化，揭示其背後結構與力量。   鄧雯馨 Teng Wen-Hsin《數位藻礁》Algal Reef。 鄧雯馨《數位藻礁》源於桃園大潭藻礁保護串連活動，藝術家以程式編碼將真實的海洋風景轉化為虛擬空間的資訊海，將錄像投射在不鏽鋼球上，旨在喚醒人們對在地意識與生態保育議題的關注。   「熱影像展區」虛實交錯的網路世界 根據統計，每日約有近四億張影像被上傳至社群平台，隨時間不斷增長的數據驅動技術，顯現了當代社會進入超出預期的狂熱狀態。陳韋綸以過往策展實踐與影像研究為基礎，試著將「網路」作為理解影像作品的框架，匯集九組國內外藝術家與團隊參與展出，一同探討影像媒介的轉變與變異、當代影像敘事的多重樣貌以及數位資本主義與網路文化的關聯。   影像媒介的轉變與變異 丹尼爾・卡諾加 Daniel Canogar《Chyron》。 西班牙藝術家丹尼爾・卡諾加（Daniel Canogar）的作品《Chyron》，以透過即時生成的演算技術，使全球新聞字幕成為不斷更新訊息的編織網，在不同意識形態下，展現新聞生態的脆弱與不穩定性。   李勇志 Lee Yung-Chih《環保稽查員》系列 Recycling Bin Series 。 曾從事環保稽查員工作的李勇志，將稽查過程中所記錄的回收物影像投影在帆布上，在令人感到熟悉又奇幻的斑斕景致中，探討幻象的表面與物體本質不變之間的關係。   莊培鑫 Chuang Pei-Xin《你有感覺到熱熱的嗎？》Do you feel any heat 。 莊培鑫在《你有感覺到熱熱的嗎？》作品中，運用3D掃描技術，將物質表面轉換為數位檔案，透過結合結晶與礦物的雕塑物，思考礦物所帶有且不可見的能量，是否能透過數位模式被再次生產。   當代敘事的多重樣貌 致穎 Musquiqui Chihying《雕塑品》The Sculpture。 致穎《雕塑品》在實驗紀錄片中，融合表演與影像敘事，以中國北京國家博物館近年所成立的非洲雕塑收藏品影像，探討具權威性的博物館，如何展示與詮釋來自異地的文化遺產，以揭示在博物館幽暗陰影中難以窺見的藏品面貌。   吳梓安 Wu Tzu-An《日常日長（或一次自拍）》Quousque eadem (or a self-portrait)。 吳梓安《日常日長（或一次自拍）》以翻拍超八攝影機和十六釐米膠卷、如日記電影的實驗影像中，思辨電影傳統與自我建構的敘事差異，以自我記憶的拼貼，呈現個體如何在數位時代中重塑自身的認同。   許哲豪 Hsu Zhe-Hao《系統無法辨識 “蟲新路一段”》Error { debug again and again. }。 許哲豪《系統無法辨識“蟲新路一段”》以西元兩千年前夕因系統錯誤，而增生的千禧蟲（Y2K bug）事件為背景，透過迷因般的影像敘事手法，詼諧詮釋交錯於網路與現實世界中的全球性網路災難場景，暗示虛擬與物質世界難以被分離。   網路文化與數位資本主義 吳宜曄 Wu I-Yeh《Generative Data》。 吳宜曄《Generative Data》以學習模型的演算技術，將社群平台無限推播的圖文，重新進行數據提取與分析，試圖藉由作品提供一種方法，以理解個體與數據、演算法、監控資本主義與行為剩餘間的關係。   李亦凡 Li Yi-Fan《important_message.mp4》。 李亦凡《important_message.mp4》從一系列的網路陰謀論出發，探究在當代網路科技發展下，人們無法確定資訊的真偽，抑或是在爆炸性訊息的餵養中感到恐懼的生命狀態。   馬修・格里芬 Matthew Griffin《The Outernet》。 來自澳洲的藝術家馬修・格里芬（Matthew Griffin）《The Outernet》則是化為如言語失控的觀眾，將新聞主播轉為因其話語而啞口無言的觀眾，並以黑色幽默的手法，批判社群媒體對個體的數位侵擾，與監控資本主義對隱私的侵蝕及自由的威脅。    為配合此次展覽，當代館藝術商店推出限定MoCA藝術香氛片，融合「Beta+」及「熱影像」主視覺設計，調和帶有濃郁大地氣息的廣藿香，揉以青茶與杉林的清爽空氣，散發獨特的草本泥土香味和佛手柑的回甘茶香，與盛大的展覽相呼應，不禁引人駐足、一探究竟，感受數位時代下帶給人們的震撼和嶄新視野。   「Beta+」＆「熱影像」 時間」2024年9月28日至12月29日 地點」台北當代藝術館主題策劃展區2F   資料及圖片提供」台北當代藝術館 編輯」林靖諺

由台北市都市更新處主辦的「2024台北老屋新生大獎」，日前於南港瓶蓋工廠舉行頒獎典禮，宣布「評審團大獎」3件最具代表性作品、10件傑出作品「BEST 10」及1件「整建維護特別獎」，推廣老屋活化的魅力及改造後的新想像。 主視覺。   台北市都市更新處表示，建築乘載使用者、場所本身的回憶，老屋不僅保存了城市歷史及文化，更顯現其包容與開放性；本屆老屋新生委會員主席李清志則提到，獎項推動至今感受到城市的改變，老建築的保存不僅關注於硬體空間，更應該注入新生命、多元的經營手法，讓老舊街區綻放過去的榮耀。   評審團大獎名單 今年獲得評審團大獎表揚的3件作品，分別在不同向度具有突破性及社會影響力。作品背後的價值跟故事更可讓人感受老屋帶來的感動，同時充分體現老屋新生的無限可能。    AKA café  AKA在日語是赤色的赤—「紅磚」及「紅瓦」是多數人對大稻埕的第一印象。AKA不僅是一間咖啡廳，也是酒吧、香道、花道、茶道的體驗空間。老屋曾是富商郭烏隆的豪宅，AKA團隊希望能夠重現以前的繁華景象，將百年前發生於這座宅邸內的故事以更精緻隆重的形式呈現。    市定古蹟北一女中光復樓－一座流動的博物館  北一女中光復樓建築特色為平面曲尺形，外觀簡潔線條強調水平線特徵，屬於台灣早期現代主義風格建築，於1933年竣工。這座三層鋼筋混凝土建築至今仍用作教室、行政及教師辦公室，是台灣校園古蹟中難得由校友會自主啟動古蹟修復再利用計畫的研究。   設計團隊「何黛雯林雅萍建築師事務所」以古蹟調查研究知識系統、古蹟修復設計整備工程呈現教育推廣的共伴共創，期待喚回更多參與者、校園師生與校友們的生活記憶與情感。    玉成戲院錄音室  玉成戲院1978年開幕，因2001年納莉颱風造成了大淹水，戲院損失慘重而長期歇業荒廢。來自美國的錄音與混音師Andy Baker一直在尋找合適空間打造自己的錄音室，廢棄的玉成戲院完美符合他心目中理想錄音室的樣貌；2016年起即展開了自行改建戲院為錄音室的浩大工程。   新生的玉成戲院錄音室保留了舊戲院的售票口、古董放映機和佈告欄，錄音室也以戲院原有的金廳和銀廳命名；歷史空間再利用更賦予了錄音室獨特的空間形式與音場效果。   BEST 10名單  BEATA  「BEATA」一詞是拉丁文「最快樂幸福的人」之意，隱藏在山坡上的校內食堂，是陽明交通大學師生們的補給站，空間使用多年已略顯老舊、動線規劃不符需求，校方希望此處能多元化延伸，並與校園周遭紋理及動線串連。   設計團隊「許志維建築師事務所」透過縝密的開窗比例，讓風景跟大樹成為空間襯景，並於三樓規劃「人良閣」，配置設備齊全的共享廚房以及可供各式講演活動的人文講堂。    boven雜誌圖書館  boven雜誌圖書館收藏眾多創意與設計美學相關的外文雜誌，期待打造一個激發靈感的場所。基地位於台北市東區地下室，是無對外窗的密閉室內空間，建築師引用陶淵明「桃花源記」概念，藉由製造一個又一個「懸念」，透過動線引導進入場域的過程，刻意讓入館者的視野先縮小，經過轉折後再放大視野，就像走進桃花源，讓人不自覺驚呼原來裡面別有洞天。    老布莊的共生  原先的訂製西服公司搬遷，改由戶外裝備品牌進駐，經營管理單位Kawas第一家實體店落腳於迪化街的老布莊，早年布市的繁華盛況顯現在室內裝修材料上，華麗的大理石從地板延伸至牆面，退縮無落柱的騎樓則提供了進出貨的臨時動線。設計團隊「力口建築」盡量保留地坪與牆面石材，實木架以最小構件輕觸固定於牆上，石材背景交疊展示牆成為新舊融合立面，並將舊布尺轉化為入口門把。    杉遍野．隨野家  「隨野家 . 生活」為關渡平原農業區的友善放牧養雞場，設計團隊「曲墨建築師事務所」在實地體驗農場的務農生活後，在設計上以同樣的友善與永續自然態度做出回應：利用台灣疏伐木柳杉的末段為主材，將其應用於食農教育空間的改造上，且杉木切割後的餘料細分能製作成不同尺度的小家具，最後剩餘的小碎木便成了農場土地最佳的天然乾燥墊料，整根杉木末段均無一絲浪費的永續應用。   也應用總監郭恩愷多年來所建立的可逆式工法，採螺絲與螺栓鎖固打造一處自然農場，其可恢復性與可擴充性的設計，只要將這些樹材固定的螺絲退去，便可恢復到杉木狀態。    河神的丸子  原典創思團隊以展覽選物空間，承接多元的創意發揮，社群串連的多樣性，期盼打造一個貼近社區需求的公民客廳。這座60年老屋曾是台北市府員工宿舍，歷經歲月變遷閒置多年未使用。團隊接手後秉持著「修舊如舊，卻帶新意」理念，在結構加固的基礎上，保留了原有的兩層樓前庭後院、大樹、磁磚、磨石子樓梯、浴缸、木窗等特色元素。改造過程則以布置和簡單裝修的方式，導入創意主題和特色觀點，賦予老屋新生。    沿岸3.0  設計團隊「沿岸有限公司」承租了擁有許多故事與居民生活痕跡記憶的雙層空間，打造成自身辦工場域。攜手擅長運用原始材料的「一日一土建築空間計畫」，透過實木、金屬、水泥等材料構建內部，亦使用金屬、青磚等元素搭配訂製鐵件收納櫃。門口的大片金屬落地窗設計，讓白天陽光灑落反光的倒影意外成為自然屏障，空間充滿低調、溫暖、剛硬、明亮等豐富感受。    城市舞台  「城市舞台」是台北市藝文活動及劇場驗出的重要場所，設計團隊「莫國箴建築師事務所」期待透過建築設計方式抓住、留下並再現經典的黃金歲月。整修標的分為「城市舞台」及「藝文大樓」兩棟建築物，除劇場演出設備整體更新外，設計者更在意的是建築物外觀在都市環境中的自明性。以簡潔幾何造型的矩形量體凸出於原建築外觀，並以格狀金屬板／擴張網拼貼紋路呈現舞台的「走位」概念，將內部劇場空間立體化轉譯至建物外牆，改變視覺焦點，成為八德路／敦化北路體育園區中的文化新亮點。    昭和浪漫洗濯屋  「昭和浪漫洗濯屋」作為霜淇淋專賣店，店名結合建物前身洗衣店「洗濯屋」用途。建物為面寬窄身的房子，設計團隊在改裝期間深感老屋魅力，於是在狹長空間中隔出小小的座位區，一樓呈現戰後蓬勃發展的昭和時代氛圍；二樓情境則設定為戰前的昭和時期。    森³ sunsun-museum  基地是常見的老公寓民宅，經由打開立面，向室內迎入公園的綠，重新梳整空間的內外關係，作為老屋新生的第一步。森³ sunsun-museum思索如何藉由設計帶來更多維度的啟發，讓城市人們重新產生對於生活的嚮往，遂透過實體空間的營運，試圖匯聚視覺、空間、時尚、選品、展策等跨領域能量，在繁忙城市中打造「設計 x 藝術 x 美學」新場域。    萬座曉劇場  萬座曉劇場原為台北製糖所B棟倉庫，為日治時期的蔗糖製造工廠，後由台北市政府指定為市定古蹟。命名以「萬」代表萬華，「座」即取自日本「劇場」之意，更象徵糖廍從日治時期至今的歷史意義，其中「萬座」更是許下未來萬人入座之劇場發展目標，期待萬座曉劇場成為台灣表演藝術的門戶。   整建維護特別獎  重生（恩寓公寓 電梯增建及外牆整新） 建築物由屋主長輩自行興建，第二及第三代家庭成員決議進行整建維護，除延長建築物的生命週期，也及早因應未來老年化生活的準備。除了新增電梯，也增加外牆拉皮與部分的結構補強等項目，電梯外牆部分選用深棕色的德國皮紋氧化鋁合金板，輔以開窗，無論白天黑夜都成為該社區地標之一，同時建物整體選用淺色系塗料，使電梯外觀成為重點，並於西側新增開窗，使樓梯間重獲採光。   資料及圖片提供」台北老屋新生大獎 編輯」陳映蓁