「間（MA）」，是一種日本的獨有美學，透過對於「留白」和「虛無」的概念，解構對空間的認知，在有限的現實空間中探究無限的可能性，而「間」的觀念，對於藝術形態的形成與構造影響深厚，在思想與現實的多維度碰撞中，創作者與觀者對於自身與現實的認知也在不斷更新。     展覽主視覺。     也趣藝廊於2025年9月的展覽《間 ま MA》迎來三位日本藝術家——栗棟美里(Misato KURIMUNE)、大﨑のぶゆき(Nobuyuki OSAKI)、安田知司(Tomoshi YASUDA)的共同展出，三人各有擅場，透過獨特的藝術視角、邀請觀者進入「間」的領域。在這場展覽中，「眼見為憑」的思想不再如呼吸般理所當然，看似靜止的藝術作品，在觀者的腳步移動間彷彿也活出自己的生命動態；一如日文「間」，並非單指一段空白、一個空間，而是一個語境、包羅萬象的變化，喚醒觀眾對日常的好奇心，從「理所當然」的縫隙間，再一次看到生活內蘊的無數驚奇。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #02_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2024年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #03_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm_Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     薛丁格的照片   栗棟美里 (Misato KURIMUNE，b.1988) 以最初拍攝的照片奠定構圖基礎，巧妙融合光柵、複合媒材與人工智慧等多樣技法，讓平面的圖像呈現多樣化的材質質感，以此拼貼探尋美、存在、時間和生命的本質，靈感取自互聯網，參考當代以「觀看」建立人際關係的行為本質進行分析，建立創作概念。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #04_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #05_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     她的作品邀請觀者移動腳步，觀察作品中隨著觀看角度不同而忽隱忽現的人物，開啟一場關於「觀看」與「存在」的哲學探索。透過視線範圍內的存在與否，延伸探討人們對數位影像與現實的直覺認知，更鼓勵觀者主動反思美與生命的定義，在這個資訊過載的時代，她試圖釐清影像與虛構的邊界，展現出技術與概念的雙重深度，反映當代藝術與媒體融合的現象。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Images_Portrait #07_Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 35.5 x 20.4 cm, Framed Size 36.5 x 21.4 x 2.5 cm, 2021年。     對栗棟美里來說，「真正美麗的事物是什麼？關於所有存在和時間的本質，以及作為人類在這個維度中生活的探索又該如何衡量？」這些是她不斷叩問自身的議題，同時也是她希望大眾可以一起思考的部分，生命與世間萬物存在的有限性、以及希望盡可能在有限之內延長所有美好事物的私欲，促使她以持續探索藝術為目標而創作。     栗棟美里Misato KURIMUNE, You may be in this world. Or you may not be. Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 95.6 x 54 cm, Framed Size 98.8 x 57.2 x 2.95 cm, 2020年。     當代認知的畫質   安田知司 (Tomoshi YASUDA，b.1985) 的作品以細膩而理性的筆法將影像像素化，再以傳統繪畫的方式逐格填色重建畫面，觀看體驗宛如拼圖，當觀者在遠觀與近視間來回移動，自遠處望來看似具象的畫面，在近距離觀察時卻又模糊為一片片抽象色塊，就像觀看影片時恣意調整畫質，在現實中體會到虛擬的動態感。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.054ppi, 118(friends), Oil on panel, wooden frame, 41 x 53 cm, 2023年。     安田知司的創作彷彿無聲地詢問：一幅畫的本質，究竟是畫布上由顏料構成的「畫面」，還是承載圖像的「畫布」這個媒介？透過解構手法，他再「觀畫」的行為過程中注入新的意識，不僅重新定義了視覺的組成，也隱約暗示當代社會在消費與認知機制之間的模糊邊界，讓觀眾重新思考創作的概念和價值。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.149ppi, 126(lady), Oil on canvas, 33.3 x 24.2 cm, 2025年。     安田知司Tomoshi YASUDA_Sequence color, 26(parent), Oil on acrylic board, wooden frame, Framed Size 86.8 x 69.6 x 6 cm, 2025年。     記憶暫留   大﨑のぶゆき (Nobuyuki OSAKI，b.1975) 以錄像、影像處理與裝置為主要的創作形式，嫻熟運用編輯、解構與延展手法處理錄像素材，使觀者身處於影像與現實、存在與遺忘之間的模糊地帶。他的作品與傳統攝影以清晰為美觀的標準相異，專注於捕捉宛如視覺暫留的影像，呈現彷彿「未完成地出現」，或「正在消失中」的狀態，讓影像成為時間的容器。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Portraits (Buenos Aires｜Portraits of Japanese immigrants) A_LCD screen, TV stand, video, audio of the interview...and others_Installation_2019_ed. 3+A.P 2 .     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Untitled album photo (Couple, Beach, 38E) 1_C-print, 120 x 80 cm, 2019, ed. 3+A.P 2 .     對大崎宣之而言，創作的核心並非完成單一件繪畫或錄像作品，而是透過其極度勞力密集的創作方法，去捕捉並視覺化那些不可見、不可觸及的流動瞬間，透過一幀幀畫面的延續，他的作品細膩且充滿詩意，搭建起一座綿延的橋樑、展開關於時間與記憶的深度冥想。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Sandial (-34°) 25-02_Paper, photographs, UV filtering acrylic cut at 34°, frame(glass), Framed Size 39.5 x 30.5 cm, 2025年。   資料及圖片提供」也趣藝廊 編輯」江瑜

位於台中市西區藝術文化氣息濃厚的「草悟道」的亞米藝術，自科博館園區、綠園道延伸至國美館，儼然成為中部藝文界的藝術聚落，以推動華人現當代藝術的發展為職志，提供一個讓創作者和欣賞者可以彼此互動的平台，積極挖掘台灣本土年輕藝術新銳，如藝術家蔡佑承的雕塑展——煉境。     《馬兒都知道》，陶、金箔，43 x 17 x 21cm（含底座高52cm），2025年。     本展內容囊括藝術家多年心血、在陶藝與鐵雕間的深刻探索，在不同的主題間穿梭，變化的不只是心境，同時也反映在不同時期的作品中。蔡佑承從陶土的柔軟與可塑性出發，透過指腹的感知賦予泥塑生命力，並在鑽研陶藝的過程中，觸類旁通了對於新的創作媒材的興趣。     《想象》，鐵、陶、瓷、金箔、複合媒材、特殊塗料，66.5 x 86 x 25cm，2025年。     《靈犀》，陶、金箔，43 x 19 x 25cm（含底座高48cm），2025年。     突破自我的媒材跨界   在台灣藝壇，鐵雕創作屬於相對少見的表現形式，相較於其他媒材，鐵雕不僅需投入大量體力與時間，更須仰賴高度專業的技術與設備支援，種種條件疊加的門檻及當中的辛勞，成就鐵雕作品的難能可貴，也使其在當代藝術中獨有一份特殊地位，不僅因為這個領域展現出藝術家對創作的執著與堅持，同時也為觀者帶來截然不同的感官體驗與思維觸動。     《千年之愛》，砂岩，37(H) x 30 x 26cm，2013年。     《內煉之境》，陶，28.5(H) x 23 x 16cm，2023年。     創作鐵雕，從來不只是浪漫的造型與對藝術的想像，在創作過程中，大部分時間更像是一場與金屬、火焰、重量與時間的搏鬥，鐵材的剛硬與冷峻，讓創作者每每在試圖塑形和調整自己的構思時，皆須觀測環境與用材的狀態、調整自身的手法，從切割、鍛敲、焊接到打磨，每一環節都蘊含極高的挑戰性與複雜性，與蔡佑承過往創作陶藝作品的經驗截然不同。     《心願之蛙》陶，37(H) x 30 x 20cm，2023年。     《共鳴之棲》陶，39(H) x 43 x 33cm，2015年。     隨著鍛造金屬閃爍刺激性的光與熱，也許只是雕塑過程中的一小部分，卻是無數次試驗與失敗的凝縮，新的挑戰同時也讓蔡佑承發掘新的創作方向與成就感，隨著技術成熟，他更進一步地嘗試結合陶藝與鐵雕，探索複合媒材的可能性，最終成功融合兩種材質的特性，並呈於作品中，訴說新的故事。每一道焊縫都是藝術家與金屬之間的對話，藉由傾聽鐵的回應，感受熱度、速度、角度是否契合；稍有不慎，整件作品就可能因此失去平衡或結構強度。這不僅是勞力的挑戰，更是技術與藝術判斷力的總和。     《回首之棲》陶，62(H) x 29 x 27cm，2023年。     《初心未寂》，陶、銅複合媒材，63(H) x 40 x 36cm，2025年。     反覆鍛造成材的創作理念   蔡佑承將佛法融入創作，透過作品傳達對生命的尊重與對自然的敬意，在他的作品中可見動物的形象、人性化的表情、手工質感的溫度，加上複合型用材，反映出對傳統與現代平衡的追求，以及對內心情感與思考的細膩刻畫。鐵雕不像泥土那樣柔軟可塑，也不如木材那般溫潤易切，它冷硬、沉重、易碎裂，在焊接時還需面對高溫閃光、火花飛濺，但正是在這樣的環境中，才能鍛造出堅韌的意志，透過熾熱情感為鋼鐵塑形、為冰冷金屬注入生命。     《應牛而行》，瓷、鐵、複合媒材、特殊塗料，52x53x37cm，2025年。     鐵雕源自於工藝，結合工匠的智慧和藝術家敏銳善感的心智，透過焊接的火花，燃燒創作者不屈不撓的執著。無論是陶藝還是鐵雕，蔡佑承的作品皆蘊含溫暖與和諧的力量，讓觀者在欣賞的過程中，體會心靈深處的平靜與慰藉，他的創作旅程是技藝與精神層面的雙重成長，引領觀眾見證一位藝術家在傳統與創新中不斷突破自我的歷程。     《觀行》，鐵件、木底座，108(H) x 46 x 20 cm，含底座高197cm，2025年。 資料及圖片提供」亞米藝術 編輯」江瑜

台語「耍（sńg）」意指玩、遊戲，「物仔（mih-á）」則意為小東西，結合解釋即是可供戲耍、遊戲的小物件，提到偶戲，人們的重點往往聚焦於仿造人形所創作的人偶，然而一齣戲劇不僅只是由「人」的對白組成，還有許多小小物件的參與，提示觀眾時間、地點與事件的等種種元素，才能將故事完整演繹。 展覽主視覺。     2025適逢台北偶戲館20周年，館長藉童年扮家家酒的記憶為引言，讓觀眾透過遊戲般與物件互動的方式，挖掘物件自身的特性，在觀察、擺放、排列的過程中，延伸展出敘事情節。     展場照。     展場照。     物件劇場的多元可能   「物件劇場」此一概念源於歐洲，首次在台灣舉辦主題展覽，結合偶戲館的歷史與陳列，以此為出發點，引導台灣民眾走進物件劇場的世界。看似如偶劇般，同樣是透過物件演繹故事，但又不同於將物體擬人化的表現手法，引導觀眾的注意力回到物件本身，結合觀眾的觀察與想像力，串連自己在物件上發現的蛛絲馬跡、觸發自身的情感記憶，意會劇作者想表達的內涵。     德國柏林當代物件劇團「復古未來主義Retrofuturisten」，《Million Mils》演出劇照。圖片來源©Retrofuturisten     匯聚國內外創作者，包含來自法國、比利時、德國、美國、西班牙、捷克等八個國家重要的物件劇場劇團參與展出，不僅有幾名歐洲物件劇場的早期先驅、當代中堅份子，還有台灣的代表性劇團。如被定義為「物件劇場的先行者」，來自匈牙利，長居義大利的表演藝術家、導演與劇作家，尤拉・莫爾納Gyula Molnár / Giulio Molnár。其經典之作《Small Suicides》由三段獨立短劇組成，全程無語言、無角色，卻以最簡潔的物件和動作，精準傳遞了深刻的孤寂。     TAMTAM物件劇場（TAMTAM Objektentheater），《鏽釘與其他英雄》，以撿拾物為主角的詩意劇場作品。     克里斯蒂安・卡里尼翁（Christian Carrignon）與凱蒂・德維爾（Katy Deville）夫婦於1979年所成立的法國廚房劇團，將影視語言應用於劇場，取用平日觸手可及的物件，如蔬果和餐具，強調與觀眾共享製作過程，調整藝術濾鏡所造成的距離，調度來自日常的創作材料，呈現一種親密的敘事形式，探問個人與社會的連結。     中央車站劇團（Cie Gare Centrale），創作強調物件本身即為舞台主角。透過別墅模型、新婚人偶和玩具跑車等物件陳列，組成故事情節。     此外，在台灣擁有豐富物件演出經驗的飛人集社劇團，與當代物件創作的囝仔人劇團亦一同參與展出，特別邀請高重黎藝術家參與展覽，呼應「物件」承繼來自20世紀視覺藝術「現成物（ready-made）」概念；自杜象（Marcel Duchamp）首次將日常物件轉化為藝術作品，延伸至普普藝術（Pop Art）、貧窮藝術（arte povera）、觀念藝術（Conceptual Art）等藝術形式，改變物件只是工具的思維，進一步用於傳遞概念、結構與意義，透過來自不同時期和不同國家的創作在本展中呈現的樣貌，清晰映照出物件劇場的演變與發展。     尤拉・莫爾納(Gyula Molnár / Giulio Molnár) ，《Small Suicides》，創作於1980年代，是物件劇場發展中的經典之作。     物件、道具、工具，本身即是積累人群長期使用並不斷優化的結果，自造型、材質，使用目的與使用過程所留下的痕跡，自誕生之初就與環境互動不斷，即便自身無法開口講述，物件主體即是一段無言訴說的故事。物件劇場著重透過普通的物品作為角色，以劇場手法突出物件的本質，在故事的推進中，促使觀眾觀看物件的方式產生新的視角和理解。     飛人集社劇團，持續以「小而專精」的策略，深耕偶戲與物件劇場，透過策展、群聚、跨界交流，成為推動台灣當代偶戲與物件表演發展的重要推手。     笨手劇團（La Compagnie les Maladroits），透過「拾撿、組合與拼裝」開創創作風格，並強調「遊戲精神」作為持續創作的方法論。     隨時更新的展陳內容   步入展覽空間，就像踏入一本劇作者的創作筆記，每個角落的展品都是一個劇團的精心呈現，透過物件、影片和臨時的文字註解，拼貼出創作的過程和表演片段。     奧利戈爾與微觀劇場 (Oligor y Microscopía )，出於對小而脆弱的物件知喜愛，揉合視覺藝術，重構記憶畫面，以物件與文獻共構獨特劇場。     在近11個月的展期中，結合展覽內容策劃了一系列讓觀眾與創作者可以共同參與的公眾活動，搭配台北偶戲館首創「Taipei Puppet Fest」8月表演節目與多元創作延伸，包含表演、工作坊、新書發表等，不僅延伸展覽物件的敘事，同時也在劇團表演期間，增減展間呈現的物件，讓觀眾一同沉浸式感受劇團活動的過程中變化的思路、觀看一場表演自設計到登台的過程。     達法劇團（Dafa Theater），以物見與肢體劇場，推出包容多元文化的實驗性創作，在現場作品中，透過玩具士兵的童趣意味傳遞對戰爭的反思。     本展旨在探尋「物件劇場」各種可能的面貌與發展脈絡，而是回到創作現場，從創作者與其使用媒材之間的關係出發，探索物件如何成為情感與敘事的核心。對於台灣的民眾，這是一種全新的概念，不僅止於一次性的娛樂，同時也在輕鬆的氛圍中，解構觀眾看待物品的慣性，從平淡無奇的日常中，挖掘全新的驚喜。   資料及圖片提供」台北偶戲館 採訪」江瑜

藝術來源於生活，透過藝術創作所反映的型態不僅限於作者的個人狀態和情懷，同時也在不同展演形式中紀錄其誕生的時代背景，以供觀者欣賞深思。 許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     臺北市立美術館（北美館）秉持推動台灣當代藝術的保存、研究、發展和推動的宗旨，建立藝術與社會大眾多元交流的管道，回應數位時代，啟動全新平台——「北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open」。     許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     於夏秋之際，本計畫前後推出線下與線上兩檔展覽：「沉沒的聲音」（The Sound of Sinking）與「消失的反動」（Vanishing Acts），經由虛擬載體，以記憶畫面和人工重構的記錄為探討主題，聚焦「消失與挖掘」的概念，面對數位時代資訊流動與記憶重構的解讀，期待與數位科技結合、拓展展覽的場域和定義，打破不同社群的壁壘，促進跨領域創作和藝術發展的多元可能性。     許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     線下展覽：「沉沒的聲音」（The Sound of Sinking）   「沉沒的聲音」取材澎湖周邊海域的沉船為創作靈感，對比軍事防護巡洋船艦的「廣丙艦」，以及二戰時期被日本政府徵用為運輸船的「滿星丸」與「山藤丸」等不同時期和不同區域的沉船研究，並與國立清華大學水下考古學暨水下文化資產研究中心合作，藉由水下拍攝與聲音採集技術，重構虛實交錯的歷史現場。     線下計畫「沉沒的聲音」水下考古資料場景照，20世紀初銅製圓形窗框，出土自山藤丸沉船的船艙圓窗構件。     藝術家許家維醞釀三年，於首展中梳理三件沉船水下考古文物及研究資料，如1930年代出土自滿星丸，印有山下汽船商標之青花瓷；19世紀末出土自廣丙艦沉船的子彈；20世紀初出土自山藤丸沉船的船艙圓窗構件。邀請觀眾進入一場多人連線的MR混合實境，將文字與圖片資訊化為親身體驗，展開橫跨時空的視覺與聲響航程。     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     除了配合展覽空間敘事節奏，可見影像裝置播放包含潛水員定期監看「山藤丸」的水下作業過程、澎湖耆老葉成仁即興吟唱褒歌〈討海歌〉的演出，以及表演者潛入海中演奏自製螺旋槳樂器等等片段，天花不定時閃爍的聲納水箱，以及香港作曲家許德彰協作編制的實驗聲響環繞，讓觀眾化身為5位虛擬角色，如清朝水師、二戰日本海軍軍官、兩個早期潛水員、清代傳說生物海和尚，搭乘虛擬船艦穿梭於三艘沉船的故事背景。     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     線下計畫「沉沒的聲音」音效裝置。     線上展覽：「消失的反動」（Vanishing Acts）   緊接其後的展覽由墨西哥籍策展人、數位藝術與文化研究者多琳．理奧斯（Doreen A. Ríos）策劃，邀請費德里科・佩雷斯・維洛羅（Federico Pérez Villoro）、徐容、安娜・里德勒（Anna Ridler）與奧莉亞・黎亞莉娜（Olia Lialina）等四組國內外藝術家，推出全新委託創作。透過數位平台，展示當代藝術如何介入資訊流動、社群關係與歷史意識，透過作品拋出提問：「我們能否在由策略性不穩定、崩解與抽離所開啟的灰色地帶中，找到與科技共處的另一種關係？」     線上展覽「消失的反動」，策展人納多琳．理奧斯（Doreen A. Ríos）開幕致詞（線上影像截圖）。     策展人多琳．理奧斯長期關注當代藝術中的科技技術不服從、戰術媒體和新物質性，針對AI、5G、物聯網⋯⋯等科技技術的快速發展對社會的影響，通過虛擬媒介所建構的人際關係，同樣影響了人類對情感的認知、催生新的美學，藝術的存在，於此既是賞心悅目的作品，同時也是回應時代的鏡子，引導觀眾一同探討人與技術之間的關係，反思網路媒介中「物質、記憶、幽靈、脆弱性」等問題意識。     放眼藝術未來發展   北美館副館長蔣雨芳表示:「『北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open』所持續實驗與推動的，不僅是展示形式的創新，而是透過實驗性創作，思考數位趨勢如何生成觀念、重構關係與形塑公共性，拓展觀眾對藝術、網路與時空關係的想像，進一步回應文化機構於數位轉型時代可發揮的影響力。」     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     藉由線下與線上、挖掘沉船的歷史，以及欣賞數位藝術展陳，挑戰對於藝術的認知和慣性，觸發五感與作品的互動，更進一步滲透觀眾的思維，探索真實與虛無的邊界，在快速變動且逐步改變的數位環境中，重新思考文化存續對當代社會的定義與價值。     2025北美館開放網絡計畫，線下計畫「沉沒的聲音」主視覺。     2025北美館開放網絡計畫，線上展覽「消失的反動」主視覺。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

「2025香港室內設計周」於6月19日在香港西九文化區正式揭幕。本屆重點活動之一為「Urban Reflection展覽」，匯集十組香港知名室內設計師與家具製造商的合作作品，早前於義大利米蘭設計展廣受好評，如今載譽歸來，向當地觀眾展示香港設計的獨特魅力。 「Urban Reflection展覽」現場。 十組作品展現香港城市精神 「Urban Reflection 展覽」以香港獨特的城市景觀為靈感，探索高密度生活與摩天大樓交織下的光影互動，參展作品涵蓋家具與燈飾，不僅反映都市活力，更體現設計師對文化傳承與可持續發展的思考。 《時代椅子》Gud Gud Studio / Stepan Angus Gudev。 參展設計組合包括：凝態建築設計有限公司與瑆源設計有限公司聯手打造的《四葉・合聚》；Bean Buro與達藝家具有限公司的《Stoneflow Sofa》；Studio RYTE與Ricardo Lighting Co. Ltd合作的《柔竹燈》；P A L Design Group與西德寶富麗（遠東）有限公司創作的《蛋形搖椅》；Gud Gud Studio與弦制作（國際）有限公司帶來的《時代椅子》；一持工作室與radd合作的《乙巳》。 《Moon Series》Craft of Both / Christina Standaloft, Jay Jordan。 Craft of Both與MADE聯名的《Moon Series》；林子康設計有限公司與廿一由八的作品《O.N.N.O. COFFEE TABLE & O.N.N.O. DESK》；瑆珀設計有限公司（瑆集團）與健林牆紙的《It's Caffeine》；Bill's Design Limited與 CycleCore Limited的《叮叮》。這些作品不僅融合中西文化元素，更運用再生紗線、回收電車玻璃等環保材質，展現香港設計師對可持續發展的重視。 《It's Caffeine》瑆珀設計有限公司（瑆集團）/ 梁家耀 莫詩韻。 除大型展覽的盛會，亦在M+博物館大台階舉行的設計論壇，邀集參展設計師分享創作理念與米蘭參展經驗。論壇深入探討香港室內設計如何透過國際合作，呈現獨特的都市文化特色，並促進業界交流與創新思維。「2025香港室內設計周」透過「Urban Reflection 展覽」，不僅展示設計師的創意與工藝，更向世界證明香港作為國際設計樞紐的地位。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 編輯」林靖諺

2025年盛夏，倫敦肯辛頓花園迎來一場跨越文化與時空的建築對話。孟加拉建築師Marina Tabassum以獨特的建築語言，為蛇形藝廊展亭（Serpentine Pavilion）二十五週年創作了《時光膠囊》，這不僅是一座臨時建築，更是一封寫給未來的立體書信，邀請人們在光影流轉間思考永恆與瞬息間的關係。 建築師精心布局，使展亭的南北軸線與南館遙相呼應，構成完美的視覺對位。 Marina Tabassum的設計哲學始終圍繞「切題的建築」展開，擅長將現代建築設計，巧妙融入當地文化。今年利用木材構組四個獨立拱門，描摹出膠囊狀的展亭外觀；外部覆上半透明立面，使陽光如細紗般濾入，在內部空間織就斑駁的光影錦緞。這種對自然光的運用，靈感源自南亞傳統婚禮中的「Shamiana」帳篷，那些由竹結構與織品構成的臨時建築，見證了相聚的喜悅時刻。Marina Tabassum將集體記憶移植至倫敦公園，讓展亭成為容納多元文化的當代「Shamiana」。 動態空間中的知識共構 展亭的南北向延伸軸線與蛇形藝廊南館精確對位，中央環抱一棵半成熟的銀杏樹，其源自侏羅紀時期的活化石樹種，既象徵著時間的韌性，亦隱喻建築師對氣候變遷的思考。隨著展期從夏入秋，銀杏葉片將由翠綠漸變為燦金，為建築增添第四維度的時間層次。展亭結束使命後，這棵見證過無數對話的樹木將被移植回公園，完成一場自然與人文的交錯循環。 展亭中央的銀杏古樹，隨季節變換葉色，以生命韻律為建築增添時光維度。 有別於傳統展亭的靜態形式，Marina Tabassum引入可動態調整的膠囊結構，使空間能隨使用需求轉換配置，在流動間呼應座談、表演等活動，「空間應當成為促進人類交流的催化劑。」另外，展亭內置書架精心選藏關於孟加拉文化、文學與生態的書籍，隱含知識分享所帶來的永續價值。 動態膠囊結構突破傳統展亭框架，讓空間隨活動需求靈活變形，成為人際互動的催化劑。 建築師構想展亭未來遷離後，可轉為向公眾開放的社區圖書館，使這座《時光膠囊》成為真正穿越時空的文化載體。這座展亭延續了歷屆作品的實驗精神，尤其呼應2006年荷蘭建築師Rem Koolhaas的《OMA》環狀展亭，以流動結構展現鮮明的動態特質，此外亦透過銀杏樹與大地的連結，展現Marina Tabassum對人與環境關係的深刻思考，完美體現「實驗不應有止境」的核心理念。 展亭書架精選孟加拉文化典籍，未來將轉化為社區圖書館，讓時光膠囊實現跨世代對話。 《時光膠囊》是2025年夏季倫敦最富活力的文化樞紐，包含「公園之夜（Serpentine Park Nights）」系列演出、詩歌朗誦、家庭工作坊等多元活動。值得關注的是《The Shape of a Circle in the Mind of a Fish》新書發表會，該著作探討超人類意識與生態哲學，恰與展亭的環境關懷形成思想共振，另外亦安排策展人導覽，帶領觀眾深入解讀展亭設計與歷史脈絡。Marina Tabassum特別創作的限量版畫作於開幕週發行，藝術品如同展亭本身，凝結建築師對時間、光影與空間關係的思考。 建築作為社會實踐的延伸 這位2024年《時代》百大影響力人物始終將建築視為社會變革的媒介。Marina Tabassum所創立的非營利組織F.A.C.E專注氣候調適議題，在孟加拉地區推廣可移動模組化住宅「Khudi Bari」。這種社會責任感體現在展亭設計中，從本地採購的木材到可移植的銀杏樹，每個細節都訴說著對永續發展的堅持。 以木構工藝打造四座獨立拱門，勾勒出膠囊般的展亭輪廓。 作為首位完全以木材構築蛇形展亭的建築師，Marina Tabassum突破了材料運用的傳統框架。技術顧問AECOM總監Jon Leach坦言，這個「工程獨特」的作品為團隊帶來意想不到的豐碩收穫。 半透立面篩落斑駁天光，靈感源自南亞「Shamiana」喜帳，以光影織就空間的溫度。 而負責建造的Stage One團隊更讚譽其「強烈的造型結合動態元素」，創造了展亭史上又一里程碑。當陽光穿過木結構，在展亭地面繪製出瞬息萬變的光影圖騰，訪客將切身感受「建築感官與精神的連繫」。這座位於肯辛頓花園的《時光膠囊》，既是建築師獻給倫敦的夏日情書，也是留給未來世代的文化遺產，期待透過設計連結彼此，並在變動時代中尋找恆常價值。 Marina Tabassum Architects（MTA） / Marina Tabassum Marina Tabassum 是國際知名的孟加拉建築師與教育家，以其融合當代設計與地方文化、氣候及歷史的建築理念著稱。她於1995年畢業於孟加拉工程技術大學，並在2009 年創立個人事務所Marina Tabassum Architects（MTA）之前，曾與Kashef Chowdhury共同創辦URBANA建築事務所，參與設計孟加拉獨立紀念碑等國家級項目。現為荷蘭台夫特理工大學教授，曾任教於耶魯大學、哈佛大學設計學院等多所頂尖學府，且獲德國慕尼黑工業大學榮譽博士學位。她的作品屢獲國際獎項，包括2016年阿卡汗建築獎、英國The Soane Medal及法國建築學院金獎等，並於2024年入選《時代》雜誌「全球百大影響力人物」。除了建築實踐，Marina Tabassum積極推動社會公益，主持非營利組織F.A.C.E，為邊緣社群建造模組化住宅（Khudi Bari），並領導公平貿易組織Prokritee，支持孟加拉女性手工藝者。她的作品巡展於慕尼黑、里斯本等地，持續影響全球建築思潮。 資料及圖片提供」Serpentine Pavilion 撰文」林靖諺

勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》由來自奧地利維也納、活躍於概念藝術與空間實驗領域的設計團體 Numen / For Use首度來台展出，以全球巡迴經典〈Net〉與〈String〉系列全新版本，量身打造勤美場域限定的裝置創作，帶來一場體感與結構交織的當代藝術實驗。本次展覽以兩件裝置作品《Net Taichung》與《String Taichung》連動呈現，是團隊迄今最大規模的空間裝置嘗試，參與者可實際穿越、攀爬、匍匐於作品之中，讓身體不再是旁觀的工具，而是觸發空間變化的關鍵。 勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》主視覺。©勤美術館   重拾純粹而好奇的童心 Numen / For Use成立於1998年，由斯帆．瓊克（Sven Jonke）、克里斯托夫．卡茲勒（Christoph Katzler）和尼古拉．拉德利科維奇（Nikola Radeljković）三位工業設計師共同創立，以極簡主義出發再加入實驗與創意，長年致力於探討觀眾、身體、材料與空間之間的詩性關係，並模糊建築、雕塑與舞台之間的界線。團隊的共同創辦人、也是本次策展人卡茲勒對場域與建築結構有敏銳的知覺，延伸勤美術館的建築視覺語言，打造出有彈性、有回應性的空間體驗。 奧地利藝術團隊Numen / For Use。©Numen / For Use，攝影：Aurélie Cenno   勤美璞真文化藝術基金會執行長何承育說明，勤美術館成立的初衷就是希望大家打開想像、用不同角度看事情，期待這檔展覽可以從材料實驗、身體參與到空間互動，打開觀者全新的感官邊界。畢卡索曾言：「我能用很短的時間就畫的像一位大師，卻要用一生去學習畫的像一個兒童」，他認為，這件作品就像一件巨大的包裹，未打開前無法預期其中的內容，但當作品完成、觀眾走入時，即可深刻體驗如孩童般的興奮感，從認識自己的肢體動作、在網中遊走、甚至躺下休息，都是一種與空間重新建立關係的過程。 《Net Taichung》作品外觀。©勤美術館，攝影：楊承   懸浮之網 觸發感知 策展人卡茲勒分享，此次特意讓兩件作品融合成一個連續的感官旅程，得先開啟兩扇門才得以進入其中，考量氣體、氣壓等條件，門片為技術上必須存在的物件，Numen / For Use賦予其更深層的意象，開啟便就如同進入未知的世界，讓觀者在過渡空間轉換心境。先在以兩層繩網構築出懸浮平台的《Net Taichung》裡解放身體；再於《String Taichung》中沉浸視覺，透過解構和重組日常素材，創造全新意義。 觀眾穿梭於《Net Taichung》層層堆疊的空間，成為作品的一部份。©勤美術館，攝影：楊承 要將這麼大型的裝置帶入精準限制的美術館中絕非易事，從外觀看，充氣體彷彿白色浮動有機物般，《Net Taichung》的創作靈感來自勤美術館入口的線條，是個自撐式、可進入的社會雕塑，以充氣裝置呈現的網，是《Net》系列在結構與外觀上的進化版，透過充氣，提供表面足夠張力，進而拉緊內側連接的網織結構，無需其他外力支撐，形成一個柔軟的型態，隨觀眾移動而變化，外膜同時具有攝影學裡「柔光箱」的擴散效果。 三層網狀結構在數個節點交織，產生類似電腦建模的3D線框模型的變形效果，看似數位生成物，但其實整個過程是奠基於團隊對於空間的親身體驗和思考，透過實際的模型不斷實驗和精進，最終才成就這個虛擬感強烈卻又非常具體的作品。 作品《String Taichung》，體驗虛實間的雙重情境。©勤美術館，攝影：楊承   《String Taichung》的靈感則源自勤美術館屋頂的斜線格柵，平行輪廓的反覆出現，正好啟發了編織繩線的三維線性空間。藝術家某次參與充氣結構工作坊，當時，有個作品原型是常被用來展示Logo或廣告的立方體充氣物，其特別之處並非在於外觀，而是內部，那裡面是由密集筆直的繩索所構成的空間，使人聯想到極簡藝術，這種偶然的美感是實用物件的隱藏之美。因此，《String》可以視為「現成物」（objet trouvé）藝術，亦即將現成品加以改造，在藝術脈絡下重新架構，使其脫離原有功能，變身為沉浸式空間裝置。 《String Taichung》利用線條打造立體且沉浸式的極簡藝術。攝影：顏嘉蒂   策展人進一步說明，2023年9月開始團隊即與勤美術館展開合作的前期溝通，也於奧地利多次技術模擬，歷經形體測試、材質拉力調整、視覺範圍校正等步驟，才得以精準安裝於美術館的挑空區與室內樓層之中。不僅巧妙延伸館體獨特的建築語言，以極具彈性與張力的構造形式呼應建築結構，更轉譯為觀者可親身介入的空間體驗，進一步形塑出具回應性的感知場域。     資料及圖片提供」勤美術館 撰文」陳映蓁

作為「台灣四大名泉」之一，與北投、礁溪、關子嶺等並列的台東知本，其名源自卑南語Katratripulr（卡大地布部落；有團結、在一起之意），對性格強悍且向心力強的卑南族人而言，哺育其祖先成長茁壯的知本溪，在部落文化裡不僅是天然劃分的地界，更是生活和文化場域。     峇岦嵐偲．旮札涅灆，《似水的記憶》，2025年，樹皮、竹片、鐵、LED燈，500 × 500 × 300 cm。     隨時代變遷，這片山林與泉水交會的土地之美更加廣為人知，舉辦光祭，不僅是藝術展演，同時也是推動知本山林文化與自然風貌進行一次深層連結。本屆光祭以《沐光泉》為主題，邀請來自台灣與國際各地的藝術家匯聚於此，以光與水的共舞為媒材、注入個人對在地元素的詮釋，偕同地景打造燈光藝術裝置，邀請民眾一同踏入知本走訪光雕秀、參與手作體驗，品嚐在地美食，欣賞以夏夜溫泉為舞台所展演的夢幻光影。     米類．瑪法琉，《落憶》，2025年，竹枝、鐵件、LED燈，尺寸依實際現況而定。     今年光祭分為三大展區：「泉湧」、「光現」、「永續」，取材溫泉自地脈湧現的流動型態，帶領觀眾由淺入深地踏入知本特有的敘事語境、再從來自地底的水元素和地面天光接觸的變化，欣賞感官與光的交會；之後帶入人與自然的互動，一邊回顧在地社區記憶、一邊展望永續未來。展中呈現12件大型裝置作品，不僅是讓人欣賞藝術家的巧思和台灣與國際的連結，同時也通過這些對在地景觀的重新解讀，讓觀者在對美的驚嘆中，同時也透過在光祭中所經歷的人、事、時、地、物，對知本有更深層次的了解。     點亮在地文化   《沐光泉》作品分布在知本溪畔與勇男橋，在夏季的日夜相互輝映，這些藝術裝置的佇立，不僅是透過意象與在地精神互動，同時也是形塑一個個吸睛的地標，讓民眾在欣賞藝術品的過程中，透過腳步的移動加深對知本環境的印象。如每日在勇男橋上演的光雕秀《光湧．界》，藝術家胡縉祥、郭彥宏及韓承燁揉合水的自然流動與數位粒子的光影，借橋為載體，以投影與雷射技術創造出一座「穿越感知」的時空之門，讓觀者站於橋下，沐浴在瀑流之中，透過數位編織的空間，與自然進行對話。     路瓦．里維拉，《沐光耀》，2025年，布料、PVC、LED燈，1000 × 250 × 350 cm。     來自卑南族卡大地布部落藝術家米類．瑪法琉，其作《落憶》以線性時光為軸，描繪創作場地範圍內的萬物生長動態，結合圖騰投影創造抽象的詩性記憶，以空間的自然風貌回應時間變遷，邀請世代族人的步履與當代觀者的身體記憶彼此交會聚合。而同樣是部落記憶，水也是排灣族人重要的生命循環媒介，出生時用水標記家裡的味道，死亡時會用水為死者送行，峇岦嵐偲．旮札涅灆秉持排灣族對水的理解，透過《似水的記憶》，傳遞生命的連結。     李蕢至，《氣鏡之門》，2025年，竹子、鋼筋、LED燈具、噴霧機，1500 × 1100 × 600 cm。     巴西藝術家大岩奧斯卡的《光之橋》以光為媒介，更進一步將「連結」的概念具象—通過在知本溪上建造一座「光之橋」，讓這個超越功能性的結構在視覺上橫跨遼闊的距離，串聯思想、物質，與自然之間的關係性。與這個開闊的作品相對，日本藝術家吉井宏的《野豬寶寶爬上來了》取材山豬與知本山林間共處的趣味故事，將視覺聚焦於泡在溫泉裡的野豬寶寶形象，彷彿在邀請他人一同享受溫泉，以療癒筆法描繪自然與人親密共融的趣味意象。     詹維欣，《地脈》，2025年，鐵件、LED燈具，480 × 60 × 380 cm。     感知在地歷史深度   在欣賞夏夜燦爛的地景藝術與溫泉之餘，活動也特別設置「回溫・知本」微型展，透過老照片與居民口述的過往，宛如回到古老部落，圍著營火傾聽長者的故事；回顧知本從部落秘境逐步轉化為觀光溫泉勝地的過程，遊玩的體驗只是讓人淺嚐一口知本現在的美好，了解背後的歷史，才會體味到這份美好此前經歷多少人的努力、奠基了此刻的難得。光祭的體驗不僅是給予感官上的滿足，同時善用活動安排沉澱情感的後韻，以此深化觀眾對在地的理解，透過美好記憶，牽起造訪者與知本之間的連繫。     微型展《回溫．知本》展場照。     資料及圖片提供」臺東縣政府 編輯」江瑜

對於自身長居的環境，人們往往最熟悉又最陌生，熟悉每天應對的疲勞、陌生在地本身的美好，尤其生活在當代的人們，習於將大部分注意力投入手機裡無限的虛擬世界，更容易忽略身邊觸手可及的場景。藝術家奧拉弗・埃利亞松（Olafur Eliasson）秉持自身生命經驗與對自然環境的觀察，組織建築、公益和技術專項等各領域人才，橫跨裝置、繪畫、雕塑與攝影等多樣媒材進行創作，藉由作品觸動觀眾的知覺、進一步轉向對環境的思考。     「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」展覽場景照。     臺北市立美術館於今夏所推出的「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」，攜手「奧拉弗・埃利亞松工作室（Studio Olafur Eliasson，SOE）」，回顧其30年的藝術生涯，展出17件代表性作品，聚焦於身體感知、參與協作、生態與非人類視角等重要主題，以觀者自身的感知為出發點，突出對認知的重塑，透過沉浸式的藝術體驗，展開一場難忘旅程。     家鄉的啟蒙   埃利亞松生於1967年，在冰島與丹麥成長，自然環境啟蒙了他最初對「美」的認知，因此延伸至人類之於環境、氣候、空間、感知經驗等多重面向的思考，自丹麥皇家美術學院畢業後，在柏林開創辦公室並潛心於創作，其作以挑戰感官、強調與環境共創享譽國際。     藝術家奧拉弗・埃利亞松（Olafur Eliasson）。     如2003年曾代表丹麥參加第50屆威尼斯雙年展、同年於倫敦泰特現代美術館展出的《天氣計畫》，透過黃色燈光及鏡面創造人工太陽般的光感，探索氣候變遷的議題。2008年《紐約瀑布》（The New York City Waterfalls），在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布；2014至2018年將格陵蘭冰川的碎冰分別帶至哥本哈根市中心、巴黎和倫敦的《觀冰》（Ice Watch），見證冰川的融化消逝。     《循環扇》，1997。紐約現代藝術博物館典藏。© 1997奧拉弗・埃利亞松。     埃利亞松通過學者和科學的觀測，取材自然環境，在美術館進行藝術化的呈現，透過知識的分析和現代科技模擬，將發生在城市之外的自然生態重新帶回現代人的視野，或還原、或放大，比對現代社會追求更高效的人工環境，在情感與思維方面重構人類與環境議題的距離。     詩意感知   本次展出作品，透過氣流、水和光影等生活中少有人主動意識或感知的存在為切入點，將這些細微元素透過藝術手法嶄新詮釋，帶來令人驚嘆的效果。一如懸於臺北市立美術館大廳上空、垂落自轉的《循環扇》（1997），是本展的第一印象，因其位於展場入口之外，初時可能還不能意會到這是一件作品，別具一番遊戲趣味。     《被活動定義的物體（當時）》，2009。作品由藝術家；柏林neugerriemschneider；紐約／洛杉磯Tanya Bonakdar Gallery 提供。© 2009 奧拉弗・埃利亞松。     最受矚目的作品當數1993年《美》。此作為奧拉弗・埃利亞松早期的代表作之一，作品位於一片黑暗當中，唯有一道光束和水霧共舞，將視線聚焦於透過自然反射營造跳動的虹彩。當觀者移動或靠近影響水霧的波動，隨著視角變化，每個人觀看到的色彩、形狀也會形成差異，讓觀者與作品共同形塑自身與藝術品的感知經驗，展示美的多重樣貌以及不同可能性。     《單色房間》，1997。Angsuvarnsiri 收藏。© 1997 奧拉弗・埃利亞松。     《被活動定義的物體（當時）》以投影和水流聲響，利用視覺殘留現象，透過頻閃燈規律性的閃爍，使噴泉水流看似凝固在空中，挑戰觀者對於「眼見為憑」和現實的認知；《單色房間》為巡迴展中空間最為寬廣的一站，不同於其他展間，這裡展示的重點在於抽離其他色彩訊息形成灰階對比，限制眼睛感知的色覺範圍，讓空間中僅剩明暗對比，以此促進身在展間中的觀眾重新思考視覺經驗的本質和可塑性。     《環星共振器》，2018。作品由藝術家；柏林neugerriemschneider；紐約／洛杉磯Tanya Bonakdar Gallery提供。© 2018 奧拉弗・埃利亞松。     最後則是近代作品，2024年的《冰河的最後七天》。此作按大小依序列出七個青銅雕塑，造型取材自埃利亞松與團隊在冰島鑽石沙灘上發現的冰塊碎片，透過數位掃描保留冰塊融化前的形狀，展示消融的過程。每塊青銅雕塑旁分別搭配一顆透明玻璃球，隨冰塊消融、玻璃球由小變大，具象融化後的水量，提醒所有人全球升溫加速的冰川消退。     探索未知的驚喜   埃利亞松表示：「這場展覽是很多『旅程』的組成，從柏林工作室出發來到台北，是一段旅程；觀眾從家中移動展場中亦是一段旅程，從這些期望、體驗到回應，都是一段新的旅程。在旅程中我們可以看到很多變化，人們習慣了一切如常，依循日常的規律，讓我們感到安心，一切都無須改變。但旅程是充滿意外、不可預期的，如果能夠接受這些，會有機會擁抱更多不同。」     《美》，1993。洛杉磯當代藝術館典藏。© 1993 奧拉弗・埃利亞松。     在各國間穿梭辦展，來自北國的埃利亞松為世界呈獻他對家鄉的理解，同時也吸收各地給他留下的印象，化為養分和橋樑，建構他與世界各地的對話。本展名為「你的好奇旅程」，因為整個展覽都是動態的、經過與觀眾的互動才能完整，將觀眾設置為展覽的主角，以踏入展場為起點，因對陌生的場景感到好奇、衍生前進的動力，通過不同思想和觀察角度的對比，一點點揭開慣性的面紗，看清自己在世界上的定位與外在環境的聯繫，讓每一次意外都是驚喜，直到完成整個探索的過程。     「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」展覽主視覺。   奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程 時間」2025年6月21日至9月21日 地點」臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館 撰文」江瑜