傳奇設計大師Jean-Michel Gathy與其Denniston設計團隊，於紐約、曼谷和東京三大全球都會核心，重新定義靜謐美學。這極富遠見的三部曲力作，將安縵（Aman）標誌性的寧和意境，及其姊妹品牌迦努（Janu）獨有的活力氣質，共同融入世界最具活力的都市之心：安縵紐約（Aman New York）、曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）與迦努東京（Janu Tokyo）。   每一處居所皆以獨特方式詮釋「靜謐」內涵，透過因地制宜的設計語言，細膩呼應在地環境；三者交互輝映，深刻體驗文化傳承、建築個性與沉浸式感官體驗之間的絕妙平衡。   Jean-Michel的設計手法行雲流水，貫通東西、融會古今，連結自然和建築之境。他秉持對感官的極致追求，光線、聲音、材質跟空間節奏皆經縝密安排，每一細節都致力於寧靜氛圍的營造。安縵紐約、曼谷奈樂安縵和迦努東京共同勾勒出一幅當代都市生活的理想藍圖，於城市的脈動跟喧囂中，精心為旅客打造精心時刻，構築從容有序的棲居。 安縵紐約：至臻傳承之境 安縵紐約透過對第五大道與57街交會處的歷史地標──皇冠大廈（Crown Building）進行細心修復及保護，於都市中心成就一方靜謐之境。設計方案在保留大廈巴黎美術學院派（布雜藝術風格Beaux-Arts）建築遺風的同時，巧妙融入安縵標誌性的寧靜感；室內空間以開闊格局鋪陳，色調柔和雅致，光線經悉心調控，營造舒緩身心的宜人憩所。 安縵紐約（Aman New York）   安縵紐約（Aman New York） 每間套房均配備真火壁爐，這在紐約可謂彌足珍貴，注入溫暖與親密氛圍；隔音性則藉由多層次材質和精緻細節處理強化。雙層挑空的空中大廳、靈動水景跟花園露台等布局共同在雲端上構築出怡然的逸境。 安縵紐約（Aman New York） 安縵紐約（Aman New York）   曼谷奈樂安縵：都市綠洲 從曼哈頓的高聳密林中抽身，Jean-Michel Gathy將目光投向曼谷的熱帶之境，曼谷奈樂安縵以深厚的自然連結和文化傳承為依託，打造一座深植於在地精神的棲所。基地坐落於奈樂園（Nai Lert Park）內，設計以一株逾百年的雄偉四樹木（Sompong tree）為核心，不僅形塑了建築格局，更採活化歷史之姿，賦予空間更深層的韻味。 曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）   曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok） 受鄰近傳統文化宅邸的啟發，本案將傳統泰式元素與現代典雅風格相融合，落地窗及開放式布局使室內和自然景觀形成持續不斷的對話；天然材質的運用、訂製工匠作品與精心甄選的古董陳設，營造一種超然於時間的寧和之地。 曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）   曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok） 迦努東京：都市靜修之地 行至東京，Jean-Michel Gathy再度切換設計語彙，以空間秩序取代有機寧靜，藉精準、靈活又具當代禪意的美學，重新詮釋都市靜謐。基地選址於麻布台之丘（Azabudai Hills），他構想此處是一處靈動且充滿活力的都市庇所，於東京蓬勃的能量中描繪從容澄明的空間樣貌。 迦努東京（Janu Tokyo）   迦努東京（Janu Tokyo） 以東西合璧為基調，利用簡練線條、溫潤大地色系和精緻材質，讓東方極簡跟西方精緻交織共生。全案的體驗核心在於推拉門及模組化隔斷的運用，使空間可隨需求微妙重組，並將收納隱於無形；光線調節自如，氛圍隨心而變，維繫井然脈絡跟寧和之感。綠意植被、天然肌理與有機紋飾則進一步強化建物與自然世界的連結，嘗試在節奏急促的東京，提供平衡涵養及正念的靜心之所。 迦努東京（Janu Tokyo） 迦努東京（Janu Tokyo）   安縵紐約、曼谷奈樂安縵與迦努東京，共同構成了Jean-Michel Gathy引人入勝的 「都市三部曲」，三處居所分別以不同視角詮釋「靜」：紐約的聲學深度，曼谷的自然與傳承，東京的空間精準，皆以對感官體驗、文化語境與人文關懷的深刻思考一以貫之。     資料及圖片提供」Petrie PR 編輯」陳映蓁

《2026好感空間展Experience Life》於日前圓滿落幕，今年以The Next House Show為策展主題，從「下一個世代的材料盛會，應該是什麼模樣？」出發，重新思考商展的觀看方式、交流形式與策展角色。4天展期觀展人數再創新高，吸引來自建築、室內設計、空間設計、材料、製造及生活產業等專業人士和設計愛好者共襄盛舉，展現台灣商業展覽正透過策展與美學思維，開啟產業交流的新樣貌。   以光影重新感受材料與空間 今年首度推出「關燈計畫」，邀請照明人協會擔任燈光顧問，重新規劃全館光環境，降低整體照度、強化重點照明及光影層次，引導觀者將注意力回歸展品本身。光與影的純粹對話讓材料質感、家具比例和整體氛圍能更鮮明地被感知，讓照明不只是工具，更成為策展敘事的一部分。   除了形式上的創新，本屆也匯聚多項跨域共創內容，從3D列印藝術、土泥積層大型裝置，到品牌攜手藝術家、建築師等共同完成的限定展演，讓設計、工藝、科技跟製造在共同交織出一座創造力無限的生活實驗場。透過策展整合，好感空間展突破傳統商展以產品展示為主的框架，讓創意、品牌價值和製造技術得以同步呈現，突顯台灣從材料研發、製造工藝到品牌設計的完整實力，為產業建立更多合作對話的可能。   影響力講堂 每年備受關注的「影響力講堂」則回到最原始的材料：木材。以木構空間承載一系列跨領域講座，議題涵蓋AI、城市更新、永續材料、工藝文化及北歐設計思維，邀集不同領域的實踐者分享觀點，讓知識交流成為體驗的重要環節，也回應本屆展覽對未來生活與空間的提問。   除了策展內容持續深化，今年也進一步拓展亞洲設計交流網絡，邀請來自亞太地區多個設計組織代表來台，藉由參展品牌媒合與深度參訪，促進台灣設計業與國際市場的合作契機。   好感空間展持續嘗試突破框架，以策展思維重新串接起人、品牌、材料和空間之間的關係，每一次觀展、每一場交流、每一則回饋都將成為下一屆展覽演進的重要養分，並持續以設計為媒介，拓展產業對話的可能，也讓更多人在展覽中找到屬於自己的生活好感。     資料及圖片提供」好感空間 撰文」陳映蓁

初夏時節，誠品畫廊迎來一場別開生面的藝術對話。曾獲台灣指標性藝術競賽「大墩獎」最高榮譽的藝術家謝福源，與首度來台舉辦個展的中國藝術家蘭昭形，於近期共同舉辦《謝福源、蘭昭形雙個展》。此次展覽是誠品畫廊與兩位當代藝術家的首度合作，匯集兩人近年來的創作精髓，共展出逾50件作品，其中包括超過10件首度發表的全新創作，邀請觀者一同見證他們在各自藝術路徑上的深刻堅持與思考軌跡。 曾獲台灣指標性藝術競賽榮譽「大墩獎」的謝福源首次於誠品畫廊展出。   謝福源：秩序與解構間 一筆一畫的詩意修行 藝術家謝福源，1992年生於台南，深厚的學院訓練與日本交換研習經驗，為其創作注入傳統水墨根基與跨文化視野。他長年沉浸於工筆繪畫，卻仍持續探索在當代語境中的轉化可能。 謝福源代表作「萭嶼」系列以緻密的工筆葉片為基礎單位，層層構築如島嶼般的視覺景觀。 其代表作「萭嶼」系列，便以最細僅約0.2公分的葉片作為基礎單位，透過長時間一筆一畫反覆勾勒、層層堆疊，構築出宛如島嶼般靜謐而壯闊的視覺景觀。那些緻密的筆觸，不只是技法的極致展現，更體現藝術家在細節中探索秩序與變動、平衡與張力的漫長修行，近距離欣賞，其細膩與詩意令人嘆為觀止。 謝福源《裂帛生綠》。   此次展出的16件平面作品，包含5件2026年創作的新作，清晰地呈現謝福源近年來的風格演變。其中《裂帛生綠》標誌著其創作方向的關鍵轉折，由過往精密的工筆語言，逐步走向更為自由的「逸筆」書寫。畫面中，筆勢更顯率性，並透過獨立、彎曲甚至猶疑的筆畫，以及一道大膽切分空間的垂直線，忠實記錄創作當下的情緒流動。 謝福源《築山庭》。謝福源自幼接受工筆繪畫訓練，持續探索傳統筆墨在當代語境中的轉化，其細膩筆觸近距離欣賞令人嘆為觀止。 色彩上，他加入了薄荷綠、藕粉與灰白等近似古典淺絳山水的色調，為向來理性的結構增添溫潤的情感層次。近年作品更可見他結合數位繪圖與水墨，保留草圖中原始、帶有衝突感的書寫痕跡，重新詮釋郭熙《早春圖》、李唐《萬壑松風圖》等北宋經典山水，在傳統與當代之間，展開全新的觀看方式。 謝福源《蘆雪聽禪》。 蘭昭形：跨媒材的哲思之旅 凝視時間與存在 相較於謝福源對工筆的深化與轉化，首度於台灣展出的藝術家蘭昭形，則以其跨媒材的創作實踐，展現另一種豐沛的藝術能量。1977年出生於山西，雕塑與油畫的學院背景，造就她對物質與形式的敏銳感知。此次展出40件作品，涵蓋水墨、油彩、壓克力顏料、雕塑、浮雕等多元形式。 蘭昭形《山中小屋》。透過不鏽鋼構築出簡潔而堅定的建築形象​。 蘭昭形《沉思 1》。   深受哲學與歷史議題吸引的她，作品常從時間、存在與文明的思考出發。雕塑《山中小屋》以不鏽鋼構築出簡潔堅定的建築形象，象徵著內在的心靈歸屬；浮雕《沉思1》則結合蜂蠟與木板，透過層層堆疊形成半透明且斑駁的肌理，彷彿將時間的流動感凝結於畫面之上。 蘭昭形首次於台灣舉辦展覽，展出作品涵蓋水墨、雕塑、浮雕與油畫創作。 在平面創作上，蘭昭形深受塞尚影響，重視形式結構與畫面節奏。她曾言：「我很喜歡排線，重複的行為本身會帶來一種均衡，讓我產生一種無目的的目的性愉悅。」這樣的傾向鮮明地反映於其風景畫中，筆下樹木常呈現失根而整齊排列的樣態，在秩序中潛藏著不安與探索張力，作品命名更常延伸其哲思脈絡，如同海德格所言的「林中路」，在未知中持續前行。 蘭昭形《少年時代》。 蘭昭形《噴火的人》。 除了風景，歷史人物亦是其創作核心，如描繪梵谷年輕時期的《少年時代》，以及以藝術家羅斯科為題材的《噴火的人》，展現其對藝術名家生命與精神的深刻詮釋。而工作室中的蘭花、植栽與日常物件，則在具象與抽象的轉換間，成為具有當代性的靜物語言；愛犬「毛豆」的身影亦多次出現，以簡練筆墨捕捉神態，為其充滿哲思的作品，增添一份對生命日常的溫暖凝視。 蘭昭形《毛豆》。 從謝福源筆下0.2公分的工筆葉片，到蘭昭形手中跨越水墨、油彩與鋼鐵的多元媒材，兩位藝術家以截然不同的路徑，共同抵達藝術創作的核心，那便是對極致的追求，以及對內在世界的深刻探問。這場雙個展，不僅是視覺的饗宴，更是一場關於時間、秩序與存在的詩意對話。 《蘭昭形、謝福源雙個展》 時間」2026年8月8日前 地點」誠品畫廊（誠品生活松菸B1） 開放時間」週二至週六11:00~19:00（週日、週一休館） 展覽詳情可至線上展廳瀏覽。 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

今年夏天，勤美草悟生活圈以「BOOM ART！藝術不設限」為主題，宣告2026年度夏祭啟動，展期自8月14日至30日，橫跨勤美術館、勤美誠品綠園道、金典綠園道商場、PARK2草悟廣場等四大展區，將藝術創作延伸至整個草悟道生活圈。核心計畫「美術館便利商店」延續「EVERYDAY ART藝術計畫」的精神，主展區於勤美術館展出，同步揭曉40位入選創作者、超過60件作品，以藝術與日常的雙向滲透，打造台中一年一度的夏日街區慶典。   推廣台灣創作能量 勤美草悟夏祭多年來切入社會議題，利用不同主題與城市對話。今年回歸美術館主場，延續勤美璞真文化藝術基金會推動EVERYDAY ART藝術計畫的初衷，將能量導向對台灣藝術創作者的實質支持和推動。勤美術館總監胡忻儀表示，這次收到近300件投件，創作者的共同起點都來自真實的生活體驗；而藝術家賈茜茹規劃的《凌晨五點零四分的便利商店》體驗，讓觀眾不只是來看展，而是化身為美術館便利商店裡的「消費者」，在遊逛、選購與停留之間，用最自然和最便利的方式與這些入選作品相遇。 勤美術館「美術館便利商店」聯手全家便利商店，讓美術館的白盒子變身為最生活的日常劇場，在貨架之間與藝術不期而遇。（示意圖）   「美術館便利商店」限時開張 EVERYDAY ART藝術計畫包含主題徵件「藝術走進你家」、影像徵件「城市裡的時鐘」以及特別補助計畫。邀請格式設計展策總監王耀邦、水越設計創辦人周育如、《VOGUE》亞太區編輯總監孫怡，以及韓國當代藝術大師崔正化（Choi Jeonghwa 「Danadanuda」）組成黃金評審團，陣容跨越藝術、設計、媒體與展策多元專業領域，揭曉40組優秀入選創作者，並推出實體展覽「美術館便利商店」，將生活中熟悉的便利商店轉化為藝術載體，展出創作者們對生活的細膩觀察。 藝術家1.1 space帶來「目覚め待ち」作品，呈現出等待被吃（被閱讀）的狀態，回應超商商品被陳列帶走的瞬間，將書本翻玩為可消費的日常物件。 藝術家LIYU的「One Day」作品，以荷蘭生活觀察日記出發，將日常浪漫比喻為一條長長的吐司，切下其中一片做成書本，包裝成精神食糧。   本次夏祭最受矚目的場域亮點，是勤美術館跟FamilyMart全家便利商店的期間限定跨界合作，展期間美術館將化身最藝術的便利商店，藉由空間語彙的重塑讓入選作品在熟悉的消費場景中被重新觀看。 藝術家Pyrce Luk陸嘉瑩的「失敗盲盒」作品，源於一顆意外煮爆的蛋，引發對失敗美學的好奇，透過超商風行的盲盒形式，以不預期感幽默探討人生樣貌。 藝術家陳政維帶來「Beeping Tempo Ready Go」作品，將超商結帳最具代表性的「刷載具」節奏轉化為健康操，讓消費變成雙向的身體實踐。   主視覺則由設計團隊「三頁文」（Yen Design）擔綱創作統籌。三頁文創辦人顏伯駿以工作坊形式設計，邀集勤美集團同仁、在地里長里民與街區遊客分場親手創作，再由團隊轉化這些來自真實日常的手感元素，形塑本屆的視覺語言。色調呼應FamilyMart全家便利商店標誌性的藍、白、綠，讓主視覺從設計概念到色彩選擇，都與本屆夏祭「藝術進入日常」的核心精神緊密扣合，執行對「讓藝術真實發生」的共同信念。 勤美術館2026夏季展《美術館便利商店計畫》主視覺。     BOOM ART！藝術不設限 日期」2026年8月14日30日 地點」勤美術館（台中市西區館前路79號） 聯合展區」勤美誠品、金典綠園道、PARK2&街區   美術館便利商店 日期」8月15日至10月25日 地點」勤美術館     資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

設計師周大鈞與伴侶Ken Dingledine 的住所，是一棟坐落於紐約布魯克林Fort Greene區的百年褐石建築。該區以歷史底蘊、藝術活力與強烈社區感聞名，曾入選「全美最友善社區」與「全球最酷社區」，步行即可抵達布魯克林音樂學院、馬克．莫里斯舞蹈中心等指標性藝文機構。 兩人於2008年遷入，被其無可取代的建築魅力與難得的私人庭院深深吸引。以「拾光而居」為核心，將空間視為反映每個生命階段的日常舞台，融合設計與表演藝術的背景，模糊工作與生活界線，為自己打造兼具劇場感與親密性的時光居所。 當初吸引我們在此定居的原因，是對褐石街區生活的由衷嚮往。漫步於成排的Brownstone建築之間，很容易被那些無可取代的原始細節、濃厚的社區感，以及超越時間的紐約氣質所深深觸動。另一個關鍵因素則是Ken多年前從父母手中接過的一台直立式鋼琴，而這間客廳恰好能完美容納其位置。後方私人庭院同樣具有決定性，在紐約這樣高密度城市中擁有一座花園，讓都市生活得以與自然維持連結，對於熱愛園藝的人而言，簡直是夢寐以求的所在。 作為室內設計與表演藝術領域的從事者，我們自然而然地將空間形塑為「日常生活中的舞台場景」。客廳與餐廳之間，一道戲劇性的布簾既是功能性區隔，也帶有清晰的舞台姿態，令人不禁思索自己究竟是在觀看表演，還是早已成為其中一部分。 客製化地毯宛如延續的舞台地板，在視覺上串聯兩個場域，定調不同生活行為，卻又將空間完美揉合。我們選用大膽色彩、豐富材質層次與藝術收藏模糊工作與生活界線，期望給人一種「親切的奢華」感受，既讓人放鬆，卻又處處透露精緻與講究。 我們在餐廳設計了整面的全壁式櫃體收納藏書，並交織陳列裝飾物件與藝術品，隨著時間推移，自然演化為融匯「餐廳與圖書館」的複合式空間。這面藏書牆位於二樓公領域入口處，訪客抵達之際便奠定了整個家的知性底蘊。 我們刻意留白牆面並精準調控光影，讓藝術品能真正與每個場域對話，而非僅作為裝飾點綴。值得一提的是，此區採用iGuzzini專業照明燈具，大幅提升夜間氛圍與使用效率，有效回應褐石建築先天採光受限的結構條件。   室內各處皆蘊藏著對工藝與細節的執著。客廳牆面採用由職人手繪的藝術漆施作，呈現絲滑的微光質感，隨著一天中光線角度位移，以不同姿態溫柔地將自然光漫射至空間深處。此外，我們修復了客廳原始石膏飾花與壁爐，向這棟老屋的歷史風貌致敬；廚房與餐廳的木作則來自舉辦婚禮之地－峇里島的訂製作品，為空間注入深厚的情感鏈結。全室地板選用回收再染色橡木，石材則以Calacatta Gold大理石為主，共構溫暖而有層次的觸感基調。 一樓規劃臥室、浴室與書房等私領域。為確保臥室的私密性，特別將通往後院的動線引導至書房，而非穿過第二間臥室，為室內與庭院之間劃出一條更加自然流暢的過渡路徑。過去18年間，Fort Greene逐步高樓化，原本陽光普照的庭院，轉變為帶有半遮蔭感的都市森林，植物與樹木必須適應環境變化，正如我們本身一樣。這座花園在疫情期間尤其意義深重，不僅是一方戶外空間，更像一座避風港與療癒場所。   家中有兩處角落最令我感到時序緩慢、靜謐無聲。室內是客廳裡鄰近Tiffany燈飾一隅，伴著溫潤微光閱讀、工作或只是靜靜坐著，便自然成為屋內最具歸屬感的安穩港灣。戶外則是紫藤與日本楓樹冠下的沙發區，盛夏時分格外夢幻，一杯冰飲一本書，午後便悄然從葉片間溜走。這兩個角落共同構成了我對家的體驗，一個扎根於光影、藝術與室內溫情，另一個浸潤於自然、綠蔭與季節遞嬗的寧靜之中。 我相信設計師的家永遠不會真正完成，而是會不斷反映我們的成長、生活型態的轉變，以及創作觀點的變化。這個家在布魯克林已深耕18年，在不斷地記錄與演化中，我們在紐約這座最喧囂的城市裡，找到了內心的安定與豐盈。 更多內容請見Design Determination官網、社群。 資料及圖片提供」周大鈞 攝影」Colin Miller、Anastassios Mentis 編輯」林靖諺

大眾審美的流變與創作者的關係，反映了社會各方面的變遷，創作者的美學意識根植於其生長的時代，無論是基於整理藝術家對時代的理解或是反抗，都在有意無意間，擔起紀錄和傳承時代美學的責任。  展廳一隅。 來自拉丁美洲的藝術大師費爾南多・波特羅（Fernando Botero），以獨樹一幟的「膨脹美學」風靡全球，更被譽為20世紀最具代表性的當代藝術家之一，其大型個展《圓潤的魔法 波特羅特展》在2026年的夏天首次登陸台灣，展出118件作品，涵蓋油畫、素描、水彩與雕塑等多元題材與創作手法，還有從未公開過的珍貴作品，由藝術家的女兒親手策展，期以藝術家獨特的美學意識，與展覽在地的風土民情展開新的碰撞與對話。  〈拖牛儀式〉（The Arrastre），1987年。 顛覆固有美學定義 展覽內容依序梳理了波特羅七十餘年藝術生涯中最具代表性的作品，根據藝術家的創作週期，引導觀眾逐步深入他以「體積」為主軸所建立的宇宙，規劃八大展區，《拉丁美洲》、《馬戲與嘉年華》、《靜物》、《鬥牛》與《宗教》，《變奏》、《從素材到水彩》和《雕塑》，完整呈現波特羅豐富的藝術歷程。在波特羅去世後的兩年半，將他的文化傳承帶給全世界，如此既是對藝術家的紀念，也為各地創作者對美的概念帶來新的刺激和表達方向。  《拉丁美洲：波特羅的哥倫比亞之根》展區。 透過膨脹的體積比例，他筆下的人物、動物、靜物和風景均被形塑出令人過目難忘的圓潤線條，在寫實的基底突出抽象的表現手法，打破古典審美均衡、流暢的視覺，樹立鮮明的代表性，其作品被收藏於紐約MoMA現代藝術博物館、大都會博物館等世界級機構，此外，波特羅也是全球首位受邀於巴黎香榭麗舍大道展出巨型雕塑的當代藝術家。  〈街道〉（The Street），1988年。 樹立個人鮮明風格 波特羅出身於1932年的麥德林，他早年喪父，家中的經濟由母親從事縫紉工作維生，親情和這座城市獨有的炙熱氣候、濃豔光影和殖民地文化，塑造了他對美最早的定義；在教會學校就讀，教義的規範和他對美的追求屢屢衝突，促使成年後的他旅居世界各地，在吸收外界新知的同時，他也無一日忘卻家鄉，深信「藝術若要走向世界，必先深植於本土」，在《拉丁美洲》和《馬戲與嘉年華》展區中，處處可見南美洲的民間娛樂和生活畫面。  《鬥牛：一生的熱情》展區。 走向《靜物》、《鬥牛》與《宗教》展區，此處從靜物畫出發，流露對樂器、花果與器皿的觀察，波特羅以此為起點，嘗試在描繪實物時調整細節的比例，營造獨特的膨脹感，於真實可辨的日常場景中注入個人的視角和思維。隨反覆探索，他的「體積語言」逐漸成形，向不同子題延伸，解構他在求學階段的回憶，以飽滿色調和柔軟線條，呈現鬥牛時人與動物的衝突，以及宗教的權威人物。  〈里維耶小姐肖像，致敬安格爾〉（Mlle Riviere, after Ingres）， 2000年。 《變奏》展區經由波特羅對種種經典藝術之作的致敬，流露幽默趣味。秉持「藝術，是用不同方式說同樣一件事。」的思想中心，他以圓潤風格重新詮釋諸如霍爾班的〈愛德華六世童年肖像》、拉斐爾的〈年輕女子肖像〉，以及維拉斯奎茲的〈藍衣瑪格麗特公主〉等等，用他的風格濾鏡，將藝術史上的經典從歐洲貴族的精神殿堂轉譯為拉美市井也能為之會心一笑的親切。  〈走繩雜耍者〉（Juggler on the Rope），2007年。 他對「美」的好奇和探索，不止於解構題材，也嘗試在使用媒材方面進行各項實驗，在《從素材到水彩》和《雕塑》展區中，可以看到鉛筆、炭筆、水彩、粉彩等複合媒材與青銅鑄造，以多元手法和不同角度，陳述自身代表性的「份量感」，和那份體積意圖傳遞的溫度。  展場一隅。 作品表達與時代的交會 本展突破過往單純以視覺欣賞畫展的形式，結合最新AI科技與藝術視覺，提供民眾參與創作的互動體驗，不僅可以透過拍照將自身融入波特羅的作品中，同時以波特羅的圓潤畫風呈現，邀請觀眾親身走進波特羅的體積宇宙。  《宗教：超越既定常規》展區。 波特羅的一生都在注視家鄉的動盪，透過藝術的牽引，讓他看到遠比同鄉更廣闊的世界，也讓他更執著於創作，期待以此讓更多人看到哥倫比亞不同於毒品和暴力、富有生命力和熱烈情感的一面，這份堅持也為世界留下許多豐厚而珍貴的藝術遺產，至今他的作品仍不斷在全球各地巡迴展出，那些以圓潤線條、厚實色調描繪的哥倫比亞，不僅止於幽默或批判，更是他以婉轉形式，嘗試建立起文化溝通和理解的橋樑。  《從素描到水彩：多樣的藝術媒材》展區。 資料及圖片提供」聯合數位文創 編輯」江瑜

位於新竹縣的國立關西高中，前身為日治時期創立的關西高級農業職業學校，至今已有逾百年歷史。因氣候與地形優勢，曾為全台茶廠密度最高的鄉鎮，為因應產業發展，校內曾設置全台唯一的校園實習製茶工廠，肩負培育製茶人才的重要使命；然而，隨著產業式微、教學模式改變，昔日運轉不息的茶工廠逐漸沉寂，設備與空間也走向閒置。   由十彥建築師事務所攜手米索空間設計，並結合台灣設計研究院「學美．美學」計畫共同推動的國立關西高中改造案「關西製茶所」，正是在這樣的背景下展開。設計團隊並未將舊廠房視為需要被取代的對象，而是透過保存、轉譯和再利用，讓百年製茶文化重新融入當代校園，成為兼具教學、展示及文化傳承功能的新場域。   保留歲月文化 設計最大的特色，在於將原有製茶設備作為空間的一部分，而非單純的展示文物。歷史機具跟建築痕跡被完整保留，並藉由新的語彙重新詮釋，轉化為教學媒介及藝術裝置的角色，讓學生在日常使用的過程中，潛移默化接觸地方產業歷史，建立對在地文化的認同。 入口處以關西高中珍藏的檜木製「望月型揉捻機」作為迎賓主角，象徵茶工廠的精神；南側立面則改以大面玻璃開放視野，將自然光和校園綠意引入室內，讓原本封閉的工業空間展現更加明亮且富有層次的學習氛圍。   打造跨域學習新模式 不同於一般教室的單一功能配置，改造後的「關西製茶所」以情境式教學為核心，強調彈性模組與跨領域合作的學習環境，滿足當代教育多元化與實作導向的需求。空間依照教學內容規劃為教學區、實作區和展覽區三大機能，並依循製茶工序重新安排機具位置，學生得以沿著製茶流程逐步理解工藝演進與產業脈絡，形成具有敘事性的學習動線。   配合校方跨科教師共同開發的「製茶學──製茶設備之演進」特色課程，讓空間不只是實習工廠，更成為串聯農業教育、人文歷史及地方文化的重要平台；更導入數位媒體技術與彈性移動的桌椅，讓教學形式能因應各式需求自由轉換，提升教學的沉浸感與創造力。   實踐永續設計 此次改造不僅止於硬體更新，更是一場關於文化和永續精神的實踐。設計團隊沿用保存良好的舊木櫃作為校史展示家具，並重新賦予既有設備新的使用價值，再降低資源浪費之餘也令空間多了一層時間深度。透過新舊元素交融，昔日的製茶工廠如今成為連結教育、文化及地方記憶的公共學習場域，讓百年茶香得以在新世代的校園生活中持續發酵。     資料及圖片提供」十彥建築師事務所、教育部、台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

創立於1901年的托雷多美術館（Toledo Museum of Art），被譽為美國最重要的藝術博物館之一，館藏超過30,000件作品，今夏首次落地台灣，展出52件精選館藏。 《威尼斯聖地墓園》，約瑟夫・馬洛德・威廉・透納。 「古典光影大師：林布蘭到哥雅－托雷多美術館珍藏展Ⅰ」將在2026年7月18日至10月19日於富邦美術館為觀眾帶來林布蘭、哥雅、透納、范．戴克、弗拉戈納爾等大師作品，橫跨文藝復興晚期、巴洛克、荷蘭黃金時代、洛可可、新古典主義與浪漫主義等16至20世紀的重要藝術流派，完整呈現西洋藝術史400年的經典演變。 《戴羽飾帽的男子》，林布蘭・范・萊恩。 《捉迷藏》，尚-奧諾雷．弗拉戈納爾。 跨時空同台的大師真跡 展覽內容分出六大主題，呈現繪畫在歐洲歷史中所扮演的核心角色。在相機遠遠還未出世的時代，畫作不僅擔當紀錄的責任，也曾是服務於信仰和權貴的重要工具，最終演變為個人的表達，從作者描繪的內容、使用的素材、構圖及用色，可見當時的社會重心、人們的心理狀態，以及對世界的認知。 《收割者與麥田》，文森．梵谷。 本展作品描摹的對象涵蓋肖像、宗教、神話、風景、靜物與日常生活場景等多元題材，呈現歐洲繪畫在不同時代、地域與藝術傳統中的豐富樣貌，引導觀眾依序閱讀不同時期對美的理解和概念，同時映照歐洲在全球交流、殖民擴張與自然科學發展中的角色轉變，再經由創作、傳播和策展的過程，在時間的長河中淘選出展中所見的景色，不同時代的價值觀在此交織，進行無聲的對話。 《風景中的范・坎彭家族肖像》，法蘭斯・哈爾斯。 《塞雷斯伯爵夫人》，伊莉莎白・路易絲・維傑-勒布倫。 古典藝術對當代文化的塑造 藝術家在此一如嚮導，領觀眾跨越時間的代溝，回首現代文明塑成的前因。如17世紀巴洛克時期最具代表性的藝術家林布蘭．范．萊恩、安東尼．范．戴克和法蘭斯．哈爾斯。林布蘭被譽為荷蘭史上最偉大的畫家與光影大師，戴克與哈爾斯則分別於肖像畫上各有建樹，透過豐富而濃重的色彩和大面積的陰影，在平面的圖像中注入戲劇性的生命力。 《孩童與推車》，法蘭西斯科・德・哥雅。 18世紀法國洛可可藝術的重要代表人物，可見尚-奧諾雷．弗拉戈納爾，以及伊莉莎白．路易絲．維傑-勒布倫，他們的作品透過輕盈筆觸、柔和色彩與俏皮互動，展現洛可可藝術浪漫、優雅且充滿感官魅力的特色，也象徵當時的大眾審美逐步脫離莊嚴神聖，轉向追求個人愉悅、私密感受和注重感官的歷史變革。 《穿皮草大衣的男子》，林布蘭・范・萊恩。 最終收尾的約瑟夫．馬洛德．威廉．透納是英國浪漫主義最具代表性的風景畫家之一，以細膩的光影變化與流動筆觸聞名，擅長捕捉自然景色轉瞬即逝的氛圍。從林布蘭至透納，藝術家逐步突破傳統框架，重新定義何謂「美」，以及藝術與人、與世界的關係，也通過展覽的形式，激發觀眾對藝術文化的感知與想像。 資料及圖片提供」富邦美術館、時藝多媒體 編輯」江瑜

身處現代不斷透過人工優化的生活圈內，大概很難意識到台灣的森林覆蓋率高達60.71%、粗估約有9億棵樹與島上的人們共生，曾被稱之為「常夏之島 」的台灣，卻在過去百年間無聲且快速地失去大量巨木，令人唏噓的是，作為生命個體，植物群的生死往往為大部分人所忽略。 《找樹的人 2》，徐嘉君，商周出版。 森林樹冠層研究者徐嘉君出於對樹木生長高度的好奇，發起「找樹的人—巨木地圖計畫」，與團隊歷經5年的艱辛探勘，透過空載光達（LiDAR）的搜尋，以及公民科學家的協作，成功定位全台941棵巨木的座標；從隱身於崩壁邊緣、高達82公尺的「卡阿郎巨木」，到刷新東亞最高紀錄、達84.1公尺的「大安溪倚天劍」，每向上推進的1公尺，均重新定義這片土地的生命韌性。  或許尋找美麗島的最高樹不是我們的最終目標。成為一個能夠配得上美麗島的島民才是。—徐嘉君  以國際攀樹技術、綜合測量方法與科學訓練為基礎，將爬樹研究與巨木調查結合。「巨木地圖計畫」就像一顆種子，在生長茁壯的過程中，不僅吸收土地的養分，也逐漸伸出枝枒、張開綠蔭，和周邊的生靈互動。徐嘉君用溫柔但精準的語言，將巨木、森林與山中細節化為動人的故事，串起不同領域的參與和協作，也吸引久居城市的現代人回首，看到自然不曾止息的生命力，還有人與自然之間的關聯性。 台灣前八巨木的光達影像。 精彩內容搶先看 當台灣最長河遇上最高樹：那些美麗島的原住民們 徒步跋涉四十公里的林道抵達七彩湖的當晚，丹大的孩子：獵人、跟我說他想在六順山前就腰繞往卡阿郎溪巨木的位點前進，不多走一段到關門北山前才下切稜線了。 卡阿朗巨木晴空下的英姿。 我說好，反正這也不是第一次改探勘路線，二零一七年到紅鬼湖找台灣杉，小賴也是睡一晚就大改線，我相信原住民朋友的直覺，如同我相信自己看到光達圖對巨木的靈感一樣。 回到營地我迫不及待跟空拍師要圖檔，想算一下卡阿郎的確實高度。圖檔被下載至導演的筆電後，我用像素來測量發現竟然高於八十公尺，但野地測量條件畢竟粗糙，我還是不太敢確定，直到回辦公室用電腦及原始圖檔量測後，確認卡阿郎的樹高約為八十二公尺。 由於比八十公尺足足高了二公尺，就算空拍機的廣角鏡頭有些形變(或許能與二十公尺仰角變形抵消)，卡阿郎巨木仍幾乎可以確定是第一棵在台灣發現高於八十公尺的台灣杉。 卡阿郎溪畔營地。 想到我之前心心念念為什麼找不到破八十公尺的台灣杉，這棵樹竟在世界森林日無意間出現，就覺得森林大神很愛跟找樹的人開玩笑啊！ 想起在樹冠層觀察生態的時候，卡阿郎巨木渾圓粗大的枝條好像布農族強壯的臂膀，讓人覺得很可靠。然而這株巨木所生長的地方，卻是幾近垂直的危崖，而我們工作的平台就是因為某次暴雨而倒下的巨大檜木樹身，阻擋砂石所形成的小小棲身之地。 危崖上的卡阿郎巨木，挺過無數次暴雨，在搖搖欲墜的土石之上，長成令人景仰的驚天巨木，我不禁覺得這也很像島嶼上居民的命運，即使外在條件嚴酷，仍然奮力生存，努力成為一個頂天立地的台灣人。 卡阿郎溪的巨石。 回到山下看著地圖，卡阿郎巨木恰恰位於中央山脈的核心，西邊的陷落區，卡阿郎腳下的溪水，匯流到丹大東溪，匯入丹大溪，再匯入台灣最長的河流濁水溪，流過集集攔河堰，流過彰化與雲林農地上的工廠，在麥寮巨大的石化廠煙囪前緩緩流入台灣海峽。 很難想像在中央山脈源頭那澄澈無比的溪水，最後歷盡滄桑的模樣。 想到這幾年在台灣山裡追尋這些古老的巨木原住民時，身邊的伙伴也將近一半是台灣的原住民朋友，我感到非常幸運，能與這麼多志同道合的朋友一起探索島嶼上最原始美麗的風景。 或許尋找美麗島的最高樹不是我們的最終目標。 成為一個能夠配得上美麗島的島民才是。 資料及圖片提供」商周出版 編輯」江瑜