2026香港巴塞爾藝術展（Art Basel Hong Kong 2026）匯集來自41個國家與地區、約240間頂尖畫廊，邀請各地的藝術愛好者共襄盛舉，瞭解現時全球藝術市場風向。 誠品畫廊作為台灣第一家入選瑞士「巴塞爾國際藝術博覽會」（Art Basel）的專業畫廊，秉其專業眼光，今年由北京與台北團隊攜手協作，呈現熊秉明（1922–2002）與展望（1962–）兩位雕塑藝術家以幾何作造形的起點、立形體為思考概念的精彩創作，跨越時代與文化的作品背景、不約而同的創作理念，於展中相互輝映。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1959-1966，《立馬》。 國際藝術盛事 享譽全球的巴塞爾藝術展源自瑞士的藝廊商人，每年均會在巴塞爾、香港及邁阿密三地舉行。最初的構想旨在串聯零散的藝廊、藝術家與收藏家，結合商業的嚴謹和策展的雄心，匯聚歐洲各地的藝術家於此參展，在1970年代確立了此展作為藝術探新、實驗和國際交流平台的地位。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1962-1997，《方肚牛》 傳承至今，除了強化品質與社會責任的實踐，幫助藝廊培養新生代的藝術工作者，增加各項豐富的活動如競賽、出版刊物和演講等，同時也逐步拓寬藝術欣賞的眼界，與亞洲共構協作的橋樑。其創辦宗旨和演進方向，與誠品畫廊不謀而合，自2009年首次參展，誠品藝廊歷年來陸續於巴塞爾藝術展展出徐冰、劉小東、刁德谦等華人藝術家作品，向世界展現東方文化和獨特美學。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1998，《大歸途》。 雕塑思想的多元位面 熊秉明作為20世紀代表性的東方藝術家之一，早年畢業於西南聯合大學哲學系，赴法攻讀哲學博士期間受雕塑家紀蒙（Marcel Gimond）啟發，轉而進入巴黎高等美術學院修習雕塑，其學藝淵博，多方涉獵詩文、哲學、書法和雕塑等，翻閱他漫長的創作生涯，作品中既有簡約抽象的焊接線條、亦存感性寫實的銅雕肌理。 展中可見其一《立馬》，以半圓體切面表現馬的臀部，使具象的馬身藉由幾何分割產生張力，呼應他提出的「穿空剔透」雕塑觀，以生命為實驗，將作品視為實驗結果，嘗試在抽離寫實形體的過程中，留住雕塑題材的生命精神。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2025，《三向圓切》。 同為東方當代雕塑的重要代表人物，展望（1962-）生於北京，畢業於中央美術學院雕塑系，於90年代中期率先提出「觀念性雕塑」的創作理念，將抽象概念視同實體素材，突破傳統形式界限，成為極具影響力的當代雕塑家，以其標誌性的「假山石」系列聞名。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2016-2021，《假山石165（六面假山石）》。 展望的作品深受紐約大都會博物館以及倫敦大英博物館等多個國際博物館肯定，結合媒材不鏽鋼的工業隱喻，運用「坍縮」、「穿行」、「迭加」、「嵌入」等創作手法，效仿組合自然界中岩石的萬千形態為主體，探討自然與幾何學之間的關係，並透過「粒子」與「無限」系列進一步將自然形體分割，在金屬塊體的變化間注入自身的思想。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2025，《黄金比1：1.618》。 跨越世代與文化語境 誠品畫廊經營「兩岸青年藝術家」計畫多年，促進兩岸藝文交流，也促成本次展覽的起源：展望與熊秉明雕塑《立馬》的偶然邂逅。同為藝術家的敏銳，和當時恰好正陷於幾何學與雕塑關係的思考，熊秉明於作品中的線條處理和其展現的自然型態，深深觸動了展望，也體現兩位藝術家在創作生涯中殊途同歸的思考走向。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2023，《粒子的樣 15》。 透過幾何型態對於雕塑造形的影響，以及思考的起點，熊秉明與展望於此交會，又交出不同的答卷，前者以幾何轉譯生命與人文，後者以幾何折射當代與存在；一位以銅塑造歷史的厚度，一位以不鏽鋼開啟空間的流動。藉由本次展覽，觀者可見兩人的作品並置於同一空間，形體語言跨越世代，在感知與形式、古典與當代時空，為觀眾呈現不同藝術家在雕塑思想上的多重向度，以香港巴塞爾藝術展為背景，觸發新的連結。 誠品畫廊北京台北攜手參展「2026香港巴塞爾藝術展」，策畫熊秉明、展望跨世代藝術家聯展。 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」江瑜

透過特意打造、遍布全球的藝術廊，路易威登建立了一個以當代社會為核心、面向大眾的藝術網絡，藉由不同環境所孕育的創作，不斷解構、再創當代藝術的涵義，連結社會不同層面和領域，以藝術、對美的認知與情感為媒介，托起人與人之間的跨域溝通。 展場一隅。 適逢路易威登藝術廊成立20週年，以及路易威登基金會「Hors-les-murs牆外」國際巡展計畫10週年，美國藝術家傑夫．昆斯（Jeff Koons）的個展於大阪路易威登藝術廊（Espace Louis Vuitton Osaka）落地，以「繪畫與媚俗」（Paintings and Banality）為題，回顧他從1980年代早期標誌性系列到近期巨型繪畫的創作歷程，將日常消費品、廣告、卡通乃至色情圖像轉化為高端藝術，擁抱媚俗（kitsch）文化並探索流行文化與藝術史的融合。 《風景 (樹) II》（Landscape (Tree) II），油墨、紙，274.3 x 213.4 cm，2007年。 挑戰藝術品的定義與價值 「Hors-les-murs牆外」國際巡展計劃旨在將收藏於路易威登基金會內尚未公開的典藏作品，帶往東京、慕尼黑、威尼斯、北京、首爾與大阪等各地路易威登藝術廊，藉由展出活動，以期讓這些藏品可以接觸與實際與其他國家的文化產生碰撞和連結，實踐品牌向國際觀眾推廣藝術的使命。 美國藝術家傑夫．昆斯（Jeff Koons）。 傑夫．昆斯是美國當代著名波普藝術家，自1980年代以來在當代藝壇佔據獨特地位，他的作品特色在於靈活應用家居用品、廣告詞彙、兒童圖標和藝術史典故和相關元素，探索流行文化與高級文化之間的張力。本展重點探討了昆斯長年的創作歷程，為社會普遍定義為廢品的東西打上聚光燈，重新闡明日常物品和圖像的象徵意義和情感份量，從而賦予其嶄新價值。 《野孩子與小狗》（Wild Boy and Puppy），瓷器，96.5 x 100.3 x 59.7 cm，1988年。 在他的繪畫作品中，昆斯將拼貼概念進一步發展。從他早期的畫作，例如《手鐲》（Bracelet），到最近的「綠巨人貓王」（Hulk Elvis）系列，其中包括本次展出的《風景 (樹) II》（Landscape (Tree) II）和《猴子火車 (鳥)》（Monkey Train (Birds)），昆斯將不同的視覺元素組合成巨幅畫作。這些密集的構圖傳達了當代社會被圖像和符號飽和的程度。 《猴子火車 (鳥)》（Monkey Train (Birds)），油墨、紙，274.3 x 213.4 cm，2007年。 當代社會的文化元素 廣告、電視與商業文化，自1980年代開始逐步滲透大眾生活的日常，也逐步塑成社會價值觀的具象載體，昆斯擷取這些意象融入自己的創作，不僅是一種社會觀察，同時也是對藝術發出提問：既然藝術來自於生活，那麼為何要將藝術設置欣賞和創作的門檻？ 《小女孩》（Little Girl），鏡面、玻璃，160 x 163.8 x 7.6 cm，1988年。 《三球50/50水箱》（Three Ball 50/50 Tank），玻璃、鐵、蒸餾水、3個籃球，153.7 x 123.8 x 33.7 cm，1985年。 昆斯光怪陸離、大膽諷刺的作品常常引發藝術界的強烈爭議，利用意象和不同材質的剪接和拼貼，模糊了藝術、工業和大眾文化之間的界限，如取材漫畫《加菲貓》中的角色歐弟所創造的雕塑《野孩子與小狗》（Wild Boy and Puppy），透過卡通形象串起創作者和公眾的童年記憶、《三球 50/50 水箱》（Three Ball 50/50 Tank）象徵美國夢在水缸裡載浮載沉的籃球，這些作品透過真實材料建構抽象場景，讓人一瞥過去社會的公眾記憶。 《手鐲》（Bracelet），油墨、紙，265.1 x 355 cm，1995-1998年。 過去在新表現主義藝術盛行的年代，昆斯的創作一度備受冷落，他轉戰華爾街任職證券經紀人，商業的概念與對物件定價的經驗，賦予他不同於一般藝術家看待藝術品的眼光和角度。從裝有工業製品、大眾消費品或現成物品的玻璃或有機玻璃陳列櫃，再到技術精湛的雕塑、拼貼繪畫，展出作品一如拼圖，揭示了這位藝術家橫跨了四十年，歷經社會、個人的種種變遷，如何藉作品為觀者提供一面鏡子，反映構成他們個人和集體身份的要素，同時探索諸如美和愉悅等普遍概念。 展場一隅。 資料及圖片提供」大阪路易威登藝術廊 編輯」江瑜

以「感知與設計經驗」為核心的JOSUIa，長期透過空間與策展實踐，引介國內外原創設計，並於今年3月正式啟用其全新策展空間JOSUIa GALLERY ，以《永Yong》為題作為開幕首展。「永」字不僅指向永恆與永續，其靈感更溯源至東方書法中承載所有筆畫基礎的「永字八法」，傳遞關於根基、技法與初心的文化意象，在展覽中亦化作被不斷轉化與延續的狀態。延續 JOSUIa 一貫的混搭式策展特色，《永》並非一個被定義完成的結果，它如同書寫，一筆一捺各自獨立，最終收束為一種得以成立的表述，讓來自不同文化的創作語言，在同一場域中彼此映照，展開對未來的多重對話。 以《永Yong》為題。「永」字指向永恆與永續，溯源至東方書法的「永字八法」，傳遞關於根基、技法與初心的文化意象。 在《永》的命題下，來自荷蘭的循環藝術品牌 KOOIJ成為此次展覽的核心亮點之一，更是品牌在台灣的首次公開展出，由 JOSUIa獨家引介。對 KOOIJ而言，「永續」從不只是附加價值或道德宣示，而是形式生成的起點。 從廢料到形式 KOOIJ 的循環藝術 KOOIJ 的故事，始於創辦人Dirk van der Kooij 在埃因霍芬設計學院（Design Academy Eindhoven）的求學時期。2009年，他大膽改造工業機械臂，以低解析度的3D擠出技術，將再生塑膠逐層堆疊，創造全球第一件以此工法完成的家具－Endless Chair。 KOOIJ創辦人Dirk van der Kooij。 這件畢業作品不僅為他贏得2011年的荷蘭設計獎，更確立品牌「讓工法決定形態」的核心精神。KOOIJ不試圖掩蓋製程的痕跡，反而刻意保留塑膠在冷卻與收縮過程中自然生成的紋理，使工業邏輯轉譯為可被閱讀的創作語言，讓材料的「重生」成為具體可見的形式美學。 Chubby Chair。再生塑膠的多元來源，讓色彩與肌理產生細膩差異，賦予每件作品不可複製的個性。 品牌的創作建立在兩種相異卻互補的成形方式之上。其一是最為標誌性的低解析度3D擠出技術，透過改造機械臂的逐層堆疊，讓層理與軌跡成為作品形式的一部分，如Chubby Chair與RVR Chair，皆展現溫潤而富有工業感的獨特語彙。 RVR Chair為單一連續擠出的一體成形座椅，採低解析度3D技術生成，椅面平滑包覆，椅底保留層理紋路。 另一種則是熱壓塑板的成形邏輯，工作室將回收塑膠壓製為紮實的板材，在這過程中，不同批次、不同來源的塑膠在熱與壓力的作用下重新結合，形成無法預測、無法複製的色彩分布與紋理構成。像是 Meltingpot Table，每一張桌面的獨特性，都使其超越了實用家具的範疇，成為兼具收藏價值的當代藝術品。 Meltingpot Table - Edition No.1031。每件作品附有Edition編號，標誌其在創作脈絡中的獨特定位，讓實用器物同時擁有收藏價值。 更具啟發性的是，這兩種成形方式在工坊內部形成一個完整的材料循環。3D擠出過程中產生的餘料，並未被視為廢棄物，而是可以被收集、粉碎，再透過熱壓方式，轉化為另一件作品的構成元素。材料在不同階段轉換形態，卻始終留在同一套生成系統之內。 Meltingpot Table - Edition No.1018以回收塑膠熱壓板材製成，其色彩紋理隨材料來源變化，無法人為複製。每件作品皆因批次差異而擁有獨特面貌，展現壓板系列的隨機美學。 對KOOIJ而言，循環不僅僅是回收，更是一種貫穿始終的成形邏輯與設計哲學。隨著工藝日趨成熟，KOOIJ目前主要採用來源穩定的工業回收塑膠（如PP或HDPE），以確保作品的物理性質與結構強度。每一件作品皆採單一塑膠來源製作，不混合不同性質的材料，讓結構從裡到外皆保持一致，不僅便於後續維護，亦預留再次回收的空間。特別的是，作品表面無任何額外塗層，而是保留材料最真實的紋理與色澤；歲月留下的使用痕跡，亦可透過簡單的打磨處理，使質感得以延續。KOOIJ透過對材料生命週期的全盤考量，讓其作品在當代設計中建立難以撼動的位置。   KOOIJ工作室。 國際視野下的台灣首展 KOOIJ的實踐早已獲得全球頂尖機構的認可，其作品被荷蘭阿姆斯特丹市立博物館、美國紐約現代藝術博物館、英國設計博物館、德國Vitra設計博物館等重要機構永久典藏，不僅屬於設計市場，更已被納入當代設計史的書寫脈絡之中。從早期充滿實驗精神的工法，到如今成熟而穩定的製作體系，KOOIJ始終保留並善用材料不可預測的特質，持續探索創造力的邊界。 Staple - Edition No.888以壓板成形為核心，將回收塑膠壓製為3公分實心板，再彎折成形，無需額外接合即能承重150公斤。 2026 年3月21日至5月31日，在JOSUIa GALLERY的開幕首展《永》中，台灣的觀眾將有機會親眼見證這些從循環中誕生的創作。展覽精選橫跨兩種成形方式的經典作品，除了Chubby Chair與Meltingpot Table，還包括以紮實結構展現壓板魅力的Staple–Edition No.888，以及同屬壓板系列、每一件都具有獨一無二色彩構成的 Meltingpot Table Edition No.1018與 No.1031。 Chubby Chair體現KOOIJ標誌性的低解析度擠出工法，以機械臂將回收塑膠層層堆疊，形塑紋理鮮明的結構，並透過分段構件在疊加過程中，逐步定義出整體的形體與尺度。 這些作品的Edition編號，不僅標示著製作序列，更明確界定其作為單件藝術作品的存在。在《永》的空間中，KOOIJ的材料實踐被置於一個更為廣闊的文化語境之下，並與北歐手工實木品牌NIKARI的內斂工藝，以及台灣藝術家高定的水墨山岳相互映照，共同探討關於根基、技法、時間與永續的命題。 資料及圖片提供」JOSUIa 編輯」林靖諺

高雄市立美術館主辦的「2026高雄獎」，於今年邁入30周年里程碑，透過逐年擴大思想與創意的邊界，吸引多位海內外藝術家積極投入參與；決選評審團由召集人林宏璋領銜，攜手王俊傑、林平、陳貺怡、劉俊蘭等藝壇各項領域的重磅人物專業審查，最終評選出「首獎」3名、「何創時書法篆刻類特別獎」1名、「聚和國際環境永續特別獎」1名、「評審特別獎」5名。 陳亮璇作品〈橫山豐水〉。 「首獎」得主陳亮璇、張宸瑋及楊傑懷，創作橫跨在地農業與環境變遷、現代戰爭創傷以及透過鏡頭語言重新詮釋的歷史事件等等議題，透過影像剪輯與空間體驗，表現出藝術家對社會現象的個人觀察與理解。在眾所矚目的「首獎」之外，「何創時書法篆刻類特別獎」得主紀冠地，以及「聚和國際環境永續特別獎」得主簡莉芸，則分別以書寫結合現代藝術，突破傳統文字的表達，擴充新的審美角度與情感連結。 張宸瑋作品〈Volkswagen Transporter T5.gltf〉。 陳亮璇〈橫山豐水〉是一組利用單點透視、採三分割鏡頭的錄像作品，取材日本水梨在台嫁接的產銷歷程，配合展場空間象徵山陵起伏而堆疊的水果紙箱，3組鏡頭分別隱喻天空、人與土地的關係，影像在觀者眼中隨腳步移動而合而為一，完成視覺與身體感的「空間嫁接」。 楊傑懷作品〈Working Holiday〉。 張宸瑋〈Volkswagen Transporter T5.gltf〉則利用 3D 影像技術將毀損汽車的數位模型覆蓋於軟性布料，透過輕盈媒材反襯俄烏戰爭的沉重議題，省思個體與遠方災難的關係。楊傑懷〈Working Holiday〉結合敘事影像與實驗參與的藝術行動，記錄藝術家與「小幫手」將白色恐怖紀念園區牢房改造成「民宿房間」的過程，通過度假的想像連結1950年代綠島政治受難者的歷史背景，叩問體制內的自由。 何創時書法篆刻類特別獎，紀冠地作品〈落葉系列—秋意濃〉。 紀冠地〈落葉系列—秋意濃〉採用短線條草書，透過自由筆觸轉化張學友歌曲〈秋意濃〉，融入手寫質感和歌曲的情緒共鳴，形塑現代書寫的嶄新意境。 聚和國際環境永續特別獎，簡莉芸作品〈分岔的情境：遺忘與書寫〉。 簡莉芸〈分岔的情境：遺忘與書寫〉則以家人疾病的生命經驗為題，藉由身體感知和提取記憶再表達的過程，辯證提筆紀錄與記憶的關聯性，回應聯合國永續發展目標（SDGs）中「健康與福祉」的人文關懷。 《2026高雄獎》展間一隅。（攝影Studio Millspace） 「評審特別獎」分別由吳秉祈〈形鑄一切由我〉、洪瑄〈偶書〉、李婷歡〈水の間〉、温晉豪〈近而未至〉、阮柏遠〈創傷、故障與支撐物雕塑〉等藝術家囊括，有別於一般獎項透過一項作品呈現評審集體表決的共識，「評審特別獎」以媒材運用的成熟度、藝術創新性及作品的完整性等各個面向，由5位評審各自推選一件心目中的佳作。 《2026高雄獎》展間一隅。（攝影Studio Millspace） 值得一提的是，自上屆增設的「聚和國際環境永續特別獎」，本屆評選標準進一步擴大強調創作與聯合國永續發展目標（SDGs）指標精神的連結，彰顯「高雄獎」作為當代藝術平台的前瞻性與公共價值，重視藝術與在地環境的連結，邀請民眾見證新銳藝術家如何透過獨特視角與藝術手法，為大眾展開具思辨力與實驗性的創意對話。 《2026高雄獎》展間一隅。 （攝影Studio Millspace） 資料及圖片提供」高雄市立美術館  編輯」江瑜

溫州因八百里甌江奔流入海而繁盛，形成獨特的「一江兩岸」格局。位於城市中心的「綠城鹿城廣場．麗錦」，以389米地標之姿勾勒城市天際線，由AB Concept操刀設計的38樓空中住客會所，將在地深厚的商港文化轉譯為當代空間語彙，在約7,000平方公尺的尺度中，承襲中式建築的典雅沉穩，並融入西方現代美學，表現華洋薈萃的藝術精髓。 挑高的迎賓大廳以俐落的金屬線條和甌塑藝術裝置描畫充滿東方韻味的視覺饗宴。   以城市文化為引 AB Concept設計總監鍾景豐率領團隊從在地脈絡出發，深入梳理甌越文化與溫商精神，將甌繡、甌窯、甌塑與等非物質文化遺產文素轉化為細節，整體空間具歷史韻味，也回應當代高端社交需求。由此可見理解地方文化可謂本作關鍵，透過對工藝和材質的考究，營造高貴格調，樹立溫州高尚生活的全新典範。 山茶花圖騰利用甌繡工藝活靈活現地呈現於弧形天花頂部。   步入挑高的迎賓大廳，開闊落地窗將甌江景觀引入室內，形成第一層視覺記憶。室內則利用金屬線條錨定秩序，搭配甌塑藝術裝置，共築帶有現代東方氣質的入口場景。色彩策略亦緊扣地域，源自甌江水色的碧綠調性巧妙地貫穿各區域，形塑沉靜而流動的氛圍；仰望弧形天頂，溫州另一項非物質文化遺產「山茶花」圖案以精湛立體的甌繡栩栩呈現，緞面基底和彩絲細節相互映襯，與地面綿延起伏、宛如山川延展的雲石相互呼應，展現江南的細膩柔美之餘，亦彰顯傳統工藝與當代建築的和諧共存。   品味私境 全日制餐廳「錦閣」擁八米挑高穹頂，氣勢恢弘。其中一面特色牆以訂製甌塑《山水花鳥圖》點綴，自然意境與窗外城市輪廓交織，描繪出壯麗的都市畫卷。 全日制餐廳「錦閣」氣勢磅礡，和大面落地窗外的天際景觀相映成趣。 餐廳內設有雲端酒吧「潮汐」，貝殼造型的中央吧檯覆以氧化銅材，隨光線變化捎來流動的金屬肌理，如同甌江粼粼波光、閃爍夕陽的金色光輝；吧檯垂掛的珍珠意象吊燈增添靈動典雅的氣息，在材質、造型與光影之間取得絕佳平衡。 餐廳內的雲端酒吧「潮汐」，其貝殼造型的中央吧檯為視線焦點，氧化銅材的質感猶如江水在夕陽照拂下澄淨閃動。 隱身於酒吧後方的雪茄吧「錦雲」，以更為內斂的空間情緒鋪陳，恆溫恆濕的酒櫃及深色皮革座椅建立沉穩基調，成為適合商務洽談跟品鑑活動的私密環境。 雪茄吧內設恆溫恆濕的酒櫃，搭配皮革座椅盡顯精緻。   東方園林的再重構 動線設計亦別具巧思，作為百工之鄉的溫州，其傳統工藝嵌螺技藝精美絕倫，通往包廂的走道牆面分別以七彩甌陶與溫州螺鈿裝飾，在低調光線下閃現金銀光澤，極具儀式感的過渡場域強化華麗大氣的迎賓氣氛。 通往包廂的過道飾以七彩甌陶以及閃耀金銀光芒的「溫州螺鈿」，貼近當地歷史底蘊。   面向江景的六間私宴包廂層高六米，以氣派設計突顯非凡格調。其中，「錦玉」包廂最具代表性，設計靈感來自東方園林，16根整石切割的紫山水奢石立柱圍塑出一座八角亭，寓意八方來客，隱喻溫州千年商港海納百川的風貌。 「錦玉」包廂靈感源於東方園林美學，16根整石切割的紫山水奢石立柱圍塑出八角亭，象徵八方來客。 八角亭中央更高懸三重琉璃鳳翎燈，牆面以手工玻璃雕刻山巒紋理，藉材質層次營塑景深。空間既保留宴會的尊貴氣場，也擁有園林式的雅致，展現設計團隊對文化轉譯的精巧掌握。 三重琉璃鳳翎燈懸吊於中心，壁面的手工玻璃雕刻出形似山巒起伏，烘托極富詩意的情境。   相較於正式的宴會區，「女王空間」鏡廳採粉色為主調，打造優雅的女性專屬場域，長形大理石桌可支援藝術沙龍、瑜伽或冥想課程，使機能從社交延伸至身心療癒。其餘小型包廂則具備彈性分合機制，可依需求調整規模，室內同樣以碧綠琉璃鳳翎燈與山水畫點綴，在一致的語彙下維繫各區的獨立性和整體感。 「女王空間」鏡廳以粉色為主調，落地窗正對甌江美景，淡雅柔美。 在地工藝與當代奢華的相容 這座空中會所不僅是住戶專屬的社交平台，更像是懸浮於城市之上的文化容器，AB Concept圍繞著「文化可被感知」的設計命題展開，從選材到工藝均經過精心雕琢，體現對品質的極致追求。室內細節與蜿蜒甌江互相連結，融合溫州悠久的商貿歷史及現代繁華，空間完美詮釋了這座城市獨具魅力的面貌。 小型包廂設計靈活，可彈性合併或分隔，滿足各類宴請需求。     資料及圖片提供」AB Concept 攝影」Seth Powers 撰文」陳映蓁

1839 年，小獵犬號的出航不僅拓展了年輕的查爾斯．達爾文（Charles Darwin）的個人視野，同時藉由他淵博的學識底蘊、大膽創見和敏銳的洞察力，隨海潮的引領親身踏足與家鄉截然不同的世界地貌，讓他注意到不同地區的生物彼此之間具有明顯的相似性和差異性，也因此開啟對物種轉變的研究，進一步探索物種的起源，在全人類的自我認知史上落下歷史性的一筆。 《魔法師二號：劃時代的海洋微生物採集航程──繼小獵犬號之後，一場改寫人類命運的科學發現之旅》。 時間來到21世紀，1990年代率先完成歷史性的「人類基因體計畫」、獲選為《時代》雜誌年度風雲人物的科學家克萊格．凡特（Craig Venter）宣稱：他要像達爾文搭乘小獵犬號一樣，駕船繞行世界一圈，將地球所有生命的基因密碼全部定序！ 站在達爾文這位巨人的肩膀上，凡特將其研究的目標從肉眼可見的動物生態移到更加微小、往往為人所忽視的存在，同時也是地球最古老、數量最多的生命形式：微生物。  在我眼裡，大海依舊絕美，但其實它是一大碗生機盎然的生物湯。   在那碗『湯』裡，有細菌、病毒、古菌、真菌、藻類與無數微小生物——克萊格．凡特  2003 至2018 年，凡特與「魔法師二號」展開了長達十五年的基因探索之旅。秉其堅定信念和學術理念，他最終踏足三十多個國家海域，累計航行達六萬五千海里；研究團隊總共採集數百萬份樣本，定序超過數千萬個基因，完成科學史上劃時代「揭密海洋微生物世界」的關鍵遠征。 傑夫．霍夫曼在魔法師二號船尾收集樣本。 廣義而言，微生物泛指肉眼難以分辨的小生物之總稱，人們對微生物的認知仰賴工具的進化。17世紀的虎克（Robert Hook）設計出顯微鏡，而列文虎克（Leeuwenhoek）則使用自己磨製的鏡片，看見並記錄了這些小生物，此為微生物學的開端。 即便如此，「眼見為憑」的心態依舊深入人心，肉眼難以觀測的微生物、用於觀測的工具與其學說，在當時象徵優雅文人的身分與品味，還有知識份子對自然界的好奇，需要金錢和長時間的精力支持，因此該學科的發展並不普遍。 凱琳．雷明頓，研究首批海洋樣本的首席生物資訊學家。 歷經史上多次大規模疫病的侵襲，方促進人們對細菌和微生物的研究，然而凡特與「魔法師二號」的航程目標遠不止於預防疾病，更是解構生命的奧秘，結合科學作家大衛．鄧肯的文字，本書帶領讀者穿越百慕達風暴、途經南太平洋如夢似幻的珊瑚島、在南極與皇帝企鵝「擦肩而過」，甚至於停駐加拉帕戈群島期間巧遇研究雀喙的傳奇科學家格蘭特夫婦。 同時作者們亦翔實記錄第一手的珍貴科學發現：如植物一樣能從陽光擷取能量的細菌、擁有抗紫外線基因的微生物、數萬種不曾見過的蛋白質族系，還有人類史上首次發現的細菌家族。 埃德雷奇．伯明翰（中）與克萊格．凡特（左）於巴拿馬巴羅科羅拉多島採取泥土樣本。2004年1月。 透過凡特的眼睛和鄧肯的敘述，本書一如由文字所打造的精巧顯微鏡，將讀者的目光聚焦於這個平日不可見卻始終與人類共呼吸的龐大微型生態網絡，徹底改寫人類對海洋、氣候、能源與生命系統的理解。 精彩內容搶先看 序曲：見微思著 魔法師二號於二○○三年展開科學探查之際，微生物學家成功培養的細菌種類（包括海洋及其他水生菌）還不到當時已知菌種的百分之二。在散彈槍定序法及細菌DNA鑑別系統問世以前，微生物學家只能用培養基養細菌、使其繁殖複製，藉此取得足夠的菌體進行鑑定。 哥斯大黎加科科島，瀑布直下沙灘。自古至今，瀑布都是來往船隻的主要飲水來源。 二○○三至二○一八年間，多次隨魔法師二號出海探查的科學家懷抱著一個目標：發現並了解更多有關這另外百分之九十八、未能在實驗室培養出的細菌。克萊格計畫探索大世界裡的微小生物、進行全球大規模基因定序的驚天念頭，則讓這個目標有了實踐的可能。 這群科學家從近海開始收集樣本，一路遠行至加拉巴哥群島、巴拿馬運河、澳洲塔斯馬尼亞、阿拉斯加冰河灣國家公園以及波羅地海和柯提茲海；途中也免不了下船採樣，範圍擴及臭池塘、南極大陸、礦坑深處、亞馬遜叢林、火山口和紐約市上空的大氣層。 這一系列探查持續至二○一八年，總計發現超過一億個基因（人類基因體約含兩萬個基因）。 克萊格與同事們將這數十億組鹼基對──也就是腺嘌呤配胸腺嘧啶（A-T）、胞嘧啶配鳥糞嘌呤（C-G），兩兩一對如繩梯梯級組成雙股螺旋DNA──保存在基因銀行（GenBank）和「海洋微生物生態高等研究暨分析計畫社群網路基礎架構」（CAMERA）這類公開資料庫裡；前者由美國國家生物技術資訊中心（National Center for Biotechnology Information, NCBI）負責維持，後者由高登摩爾基金會（Gordon Moore Foundation）贊助管理。 然而不論收集多少樣本、微生物、基因和鹼基對，這些從來都不是重點。克萊格的全球採樣探查計畫只是他一九九五年以流感嗜血桿菌完成史上第一宗細胞基因體定序以來，所展開的浩瀚旅程的一部分。 起初他拿細菌做實驗，改良散彈槍定序法及其他技術與作業程序，大幅提升鑑定與解析包括人類在內等多個物種的基因體及單一基因構造、功能的相關研究進展，最後這一切再回過頭來造就他極具開創意義的實驗──組裝合成有機體，積極了解細菌功能，從DNA層次探究生命的構成要素。 二○一八年某個灰濛濛午後，橫跨十五年的魔法師二號探查之旅即將在緬因灣畫下句點。克萊格再次凝望身旁翻騰起伏的遼闊大海。「我必須強迫自己，想像眼前每一毫升海水中都有上百萬隻細菌和千萬顆病毒。」他說：「在我眼裡，大海仍舊絕妙美麗，但它其實是一大碗生機盎然的生物湯。我們還在探索它的奧祕，試著理解蘊含其中、與地球生命有關的巨大祕密。」 資料及圖片提供」馬可孛羅出版社  編輯」江瑜

臺中市立美術館（以下簡稱中美館）2026年4月12日前推出開館首展《萬物的邀約》，由中美館策展團隊攜手台灣策展人周伶芝、美國策展人艾蕾娜．克萊爾．費爾德曼（Alaina Claire Feldman），以及羅馬尼亞旅居南韓策展人安卡．繆雷．金（Anca Mihuleţ-Kim）一齊策劃，呈現來自全球20國、超過70組藝術家的作品，涵蓋錄像、繪畫、雕塑、裝置、檔案、書籍等多樣媒材形式，其中更包含24件委託創作及現地製作，嘗試在跨世代及跨文化間，開啟一場關於人與環境關係的探索。 綠美圖外觀。攝影：Iwan Baan。   地景、空間與自然的交織 本展考究區域地理與歷史脈絡，回應中央公園地景跟水湳機場的轉型歷程。共圍繞著五個子題：「畫一道海岸線」以多元媒介描繪自然，同時探問變動與治理意義；「幻生的寓言」透過寓言與神話的創作，描繪理解世界的路徑；「摺疊的風景」以「摺疊」的哲學概念討論空間、時間與身份的非線性結構；「擾動的記憶」檢視自然史與個人、集體經驗的交錯，重新思考眾生關係；「萬物初聲」編織面向未來的對話，探討共存與修復的可能。除了展場，作品也延伸至綠美圖公共空間，探觸公共與親密、治理與創造的邊界。 開館首展《萬物的邀約》展覽現場。攝影：Iwan Baan。   以藝術連結城市 此外，中美館亦同步亮相兩年一期的「公共空間委託創作計畫」，首屆計畫邀請南韓的梁慧圭（Haegue Yang）與台灣的林明弘（Michael Lin），分別以獨特的創作語彙，連結自身經驗並與建築展開深度對談。   梁慧圭的《流動奉獻－樹蔭三合》為她在台灣的首件委託創作，作品懸吊於中美館挑高27公尺的大廳，以倒懸的「宇宙之樹」回應世界各地敬樹與萬物有靈的文化傳統。金屬百葉簾片構築出如樹葉般輕薄層疊的立體結構，光線穿過細密格柵形成流動的光影印記，入夜後LED燈帶和點狀雷射則如螢火蟲微光。 梁慧圭《流動奉獻－樹蔭三合》。中美館委託創作。攝影：ANPIS FOTO王世邦。   林明弘的《再製》（Processed）則使用台灣花布中極具代表性的梅花圖騰，以兩組相異的手繪圖樣呈現，線條精確與刻意錯位重疊，表現出動態的「生產過程」，試圖引發觀眾思考文化如何被傳播、再製與理解。畫作被放置於入口大廳的兩座玻璃屋上方，必須行走於連通美術館跟圖書館的天橋方能一窺全貌，移動過程中梅花圖樣彼此疊合、分離，讓觀看行為成為創作的一環，與建築、身體、光影共同生成的豐富體驗。 林明弘《再製》（Processed）。中美館委託創作。攝影：ANPIS FOTO王世邦。     資料及圖片提供」臺中市立美術館 撰文」陳映蓁

在成都這座快速流動的城市中，一條新的脈絡正悄然生成，重新定義人與都市的互動關係。《此地CyPARK》不僅是商業空間，更是一座以車輪軌跡重新定義都市漫遊方式的立體樞紐，其核心設計在於將騎行從交通方式，昇華為貫穿建築靈魂的動線語言，讓每一次穿梭與探索，成為令人著迷的體驗，從而構建出獨特的都市生活儀式感。 本案占地1.3萬坪，透過廊道及流暢的騎行路線，將戶外自然與室內商場流暢銜接、相互串聯，提供舒適的逛街體驗。 與城市綠道無縫接軌 《此地CyPARK》最核心的設計哲思，在於將騎行路線從外部城市網絡，自然而優雅地引入商業空間的內部深處。本案與長達8.6公里的「鐵像文旅環」空中騎行道精密接壤，這條橫貫大源區域的綠色動脈，成為伸向城市的活力觸角。騎行者無需下車或繞行，亦無需擔心交通阻隔，便能從開闊的都市景觀中，一路暢行直抵商業空間的核心地帶，透過情境的無痕轉換，感受瞬息間從自然綠意駛入人文煙火的體驗，同時讓建築邊界在此消融。 騎行路線與步行路線透過精細布劃，在攀升與穿梭之間，規劃獨立卻又連續的和諧景致。 為讓車輪軌跡在場域內自由延伸，空間中的每處細節皆以騎行者的視角精心考量。建築內部各樓層均規劃專屬的騎行動線，透過精心設置的自行車坡道、平穩的自行車專用電梯，以及寬敞安全的停靠點，確保騎行者能「門到門」無障礙地通達每處角落。 建築與綿延8.6公里的「鐵像文旅環」空中騎行車道接軌，為騎行者提供從自然到人文的流暢過渡。 騎行路線與步行路線經過巧妙編排，兩者既相互分離以確保不同速度下使用者的安全與舒適，又在視覺與節點上保有連繫，形成一幅動靜交融、節奏鮮明的立體畫面。騎行於此，不再只是抵達店鋪的方式，其攀升、轉折、穿梭於不同高度與場景的過程本身，就是一場充滿探索樂趣的微型城市旅程。 峽谷巡遊 無界迴轉 由地下空間改造而來的「峽谷」，是最具標誌性的騎行空間。設計團隊大刀闊斧地將原封閉區域敞開，引入充沛陽光與新鮮空氣，打造尺度開闊、格局非凡的下沉式露天街區。騎行路線在此巧妙與社交場域融為一體，人們可悠閒地騎車繞過樹下的環形桌椅，或沿著層層疊疊的階梯休息區緩緩而行。這條被賦予「峽谷路線」美名的路徑，弱化了對交通效率的追求，轉而強化社區互動與沉浸式的感官體驗，讓騎行成為參與市集或簡單社交的優雅姿態，賦予商業活動溫度和情感。 地下空間改造的「峽谷」，以開闊下沉式街區重塑騎行體驗，並將陽光與空氣自然引入，形塑從容和煦的都市樣貌，同時為商場注入暖意。 《此地CyPARK》的騎行路線，體現了「無界」與「生長」的設計哲學，透過拆除舊有的封閉式玻璃幕牆、打開建築邊界，讓騎行動線得以與城市景觀自由對話、相互滲透。特別的是，路線規劃並非僵化固定，而是留有充分彈性與餘地，容許空間未來隨著品牌與社群的進駐，自然衍生出新的可能性與互動方式。 室內各樓層皆設有連貫的騎行路徑，搭配專屬坡道、電梯與安全停靠區，實現騎行者從入口直達目的地的全程無障礙體驗。 設計團隊指出，透過「養成系商業」模式，創造輕鬆氛圍與模糊邊界的景觀，讓年輕品牌與群體能更好地融入其中，共同書寫空間的未來。全案涵蓋時尚零售、社交餐飲、運動戶外等多元業態，通過四個文化性建築與連廊，將騎行路線提升至空間敘事的高度，隨著流動的儀式感，讓人們能以獨特的節奏與視角，重新發現城市樣貌，感受自由穿梭所帶來的純粹愉悅。 資料及圖片提供」萬社設計Various Associates 編輯」林靖諺

在墨西哥伊斯塔西瓦特爾火山蒼翠的裙裾之下，一片逾萬坪的土地靜臥於峽谷與林野之間。本作是為五口之家所構築的度假宅邸，建築師以水平布局將守衛室、鄉間主屋與獨立的休憩閣樓，輕巧綴入自然畫卷。其中，那座橫向延展的主屋，以其從容姿態，成為整幅畫作核心。 以水平布局將守衛室、主屋與休憩閣樓，輕巧融入自然；橫向延展的主屋以從容姿態成為場域核心。 與火山共生 穿越寧靜 主屋的靈魂，在於創造流動的共生關係。其水平展開的形體，溫柔消弭內外界線，引導身體與視線自由穿梭。每處空間規劃皆以遠方火山為軸心，確保生活起居、視線轉折皆能與伊斯塔西瓦特爾亙古的身影相連，成為視覺框景，讓生活沉浸於自然節奏中悠然自得。 建築四立面各具性格，藉由精準的幾何、材質對比與窗戶尺度的轉換，感受變幻豐富的景致。 立於開闊基地的核心，建築的四個立面被賦予相異性格，透過精準的幾何切割、異材質與不同尺度的開窗，每面牆皆訴說著獨特的光影故事，讓人們環繞而行，在移步換景間，感受周圍隨時間與天光物換星移的自然美景。建築以一條深邃廊道拉開序幕，其廊道成為貫穿全室的軸線。這道軸線沉靜引領步伐，並以一面澄明的窗作結，將火山身影凝結成一幅永恆畫作；窗下靜謐的水面，則倒映出虛實交錯的山巒，完成意境深遠的端景。 以一道長廊為始，布劃貫穿全室的軸線，軸線盡頭開設明窗，沿軸線規劃動線，自然劃分公私領域，同時將遠山定格為畫，窗下則是平靜水面舒緩心緒。  此軸線巧妙界定出公共的喧囂與私密的寧靜，猶如一道無形簾幕，在維繫空間流動性的同時，守護著屋主一家各自的隱居時光。若說內部軸線是引向沉思的路徑，那麼面向火山敞開的寬闊露台，便是擁抱歡聚的生活舞台。 公區以摺疊門界定窗景，開合間引大片綠意入室，於走動坐臥間，皆能與自然清新相伴。 以家庭生活重心為構想，整合休憩沙發區、用餐空間、配備柴燒窯爐的戶外廚房，以及舒緩身心的SPA水療池，將所有機能交融，加深家人間的親密鏈結，讓人、建築、自然與遠山在此匯聚，交織著炊煙、笑語、水聲與山嵐，成為記憶中最生動的溫暖場景。 面向火山的露台匯聚休憩、餐廚與SPA 水療池等場域，成為家人歡聚的自然舞台。 融入結構的工藝溫度 為追求極致的整體和諧，室內家具大多採現場訂製，將收納、坐臥等機能，渾然天成地鑲嵌於建築結構之中，塑造視覺純淨、線條連貫的空間美感，同時展現細節質感，兼具實用需求，而一體化設計亦減少了維護負擔，為屋主打造純粹而閒適的沉浸式度假宅。 戶外庭院環抱自然，以謙卑姿態回應環境，同時整合雨水回收、生態污水處理、太陽能系統與蓄水池，極小化足跡，善用可再生資源，維護當地生態。 深處自然環抱，建築以謙卑姿態回應環境，基地內系統化整合雨水回收、生態污水處理、太陽能熱水與發電，以及傳統的蓄水池，期待能夠極小化環境足跡，善用可再生資源，並謹慎維護當地生態平衡。從節水、能源自主到尊重原生地景，每一步皆體現對這片山麓的珍視與守護。《Casa Camila》是一座與火山對話、與自然共息的靜心居所，以水平姿態穿透軸線指向蒼穹，讓屋主一家拾回與天地同步的呼吸，安頓身心。 中島兼具用餐功能，其上錯落的造型燈具，不僅增添視覺趣味，更灑落滿室溫潤光暈，凝聚溫馨氛圍。 資料及圖片提供」Dionne Arquitectos 編輯」林靖諺