台南弎畫廊近日舉辦版畫藝術家沐冉的個展—《待開之時再相遇》，展場富有自然質感的木質長廊和乳白牆面，反襯藝術家豐富的作品數量和繁麗畫面，也為觀眾呈現其近年創作的主題和狀態。 〈幽幽〉（Softly Serene），油印木刻版畫，60 x 30cm，2021 年。 沐冉在學期間對油畫情有獨鍾，然而因緣際會，在正式投入職業化的鑽研時，反而走向版畫的領域，他自言：「我一直在畫圖，無非是從一開始的畫筆換成刻刀。」其作品多描繪動植物，表現出細節繁複、色彩繽紛的特色，可見其精湛雕工和用色巧思，然而對沐冉而言，使用的媒材並不會定義他身為繪畫者的創作思維，也無意透過創作的技法來講述作品的全部，而更樂見觀眾矚目其構圖和表達。 〈織徑〉（Hidden path），油印木刻版畫，60 x 180cm，2026 年。 《待開之時再相遇》展場一隅。 版畫有別於油畫、水彩等直接在紙上描繪的創作方式，其過程包含更多環節，從草圖起始，然後選擇媒材性質，通過雕刻、腐蝕、照相感光等手法將草圖預設的畫面製作成印版，隨後再將圖像拓印到紙張、織物、金屬、玻璃、合成材料等承印物。每每進行到一個新的階段，畫面都會轉移到不同素材的平面上，且拓印出第一張版畫時並未代表作品已經完成，更多是先透過這個步驟觀察雕版細節是否符合作者心意，以便後續調整。 〈潤無聲〉（Nourishment in Silence），油印木刻版畫，90 x 120cm，2025年。 〈白龍香〉（Fragrance of Peonies），油印木刻版畫，60 x 60cm，2023年。 與華美的作品畫面相對，沐冉的創作過程反而突出「以簡馭繁」的驚人自律，堅持使用單版複刻技法，且每件作品平均疊印10至20色，所有呈現在作品中的色調均僅出於三原色與黑白顏料調製，反映了藝術家對色彩變量與印製過程極其精確的掌控力，在令人眩目的繁複細節下，沐冉憑藉對媒材的高度自覺，結合最簡單的材料與最感性的操作，在精確度中提煉出最豐富的視覺層次。 〈雨見晴〉（Sunshine After Rain），油印木刻版畫，90 x 180cm，2024年。 在自我限定的規則中，藝術家的靈性在作品間流光溢彩，以「繪畫性」思考注入版畫的形式，自下筆伊始，就在無聲敘述他真實的日常。窗口的盆栽、和孩子互動的對話，看似平凡的碎片，被他凝望、重新組裝，每個環節都沒有硬性保留原始構圖，而是在流動的時間中，不斷增減觸動他的浮光掠影。 《待開之時再相遇》展場一隅。 那些細緻刀痕並非單純裝飾，也並非為了還原具體造物而寫實，而是藝術家胸有成竹地直接與木板對話，在沐冉畫作中的世界，將生活中容易因為太過習以為常視而不見的風景溫柔轉譯，令觀者沉浸其間，感受到初次睜眼、為世界繽紛所感受的驚豔。 〈春神覓〉（Seeking the Spring Deity），油印木刻版畫，150 x 90cm，2022年。 資料及圖片提供」弎畫廊 編輯」江瑜

台灣跨領域科技藝術團隊何理互動（WHYIXD）受韓國藝廊LEE & BAE所託，前往釜山舉辦海外個展《風景的解析度》（The Resolution of Landscape），以「共振」（synergy）為核心理念，將釜山的海風、地形與城市符號轉譯為光影與動態裝置，透過台灣科技藝術的角度解析在地環境資料，進行現地創作，並同步加盟由釜山市立美術館主辦的國際數位媒體藝術節2026 Loop Lab Busan，擴大展覽受眾。 〈Alive #2: Flow of the Port〉，以釜山地形發展的系列創作。 展名「風景的解析度」，意指對風景的理解和重構，以影像展示的清晰度為喻，回應釜山的地理條件和在地文化，取材山海有機的起伏線條與工商業的城市性格，分設「解析城市地景」與「轉譯自然數據」兩大主題為核心脈絡，將身處釜山的空間感知注入藝術裝置，讓觀眾看見隱於日常生活的城市脈動，呈現台灣科技藝術在國際舞台上的創新語彙與跨文化對話能力。 〈resona〉系列創作，擷取空間資訊改變的燈光裝置。 何理互動長期以科技、藝術與自然觀察為基礎，創作跨領域的藝術裝置，立科技為骨架、注入人文理解，建立人與環境對話的橋樑，也秉持一貫創造跨域連結的精神，為本展帶來吸睛的亮點。 海境〈Tender Soul of Ocean〉，偵測當地風力改變的燈光裝置。 特意為本展打造的最新作品〈Alive #2: Flow of the Port〉，取材釜山獨特的山海地形與港口節奏，利用金屬工藝與極細電線編織網絡，觸發城市血管的聯想；〈Tender Soul of Ocean〉則即時擷取釜山港的風力數據，透過程式運算，把數據轉化為燈光裝置、模仿潮汐起落般的明滅。作品每天呈現的面貌應環境而變化細節，使展覽內容與展場氣候共呼吸，觀眾在作品前不只是觀看者，也因自身的存在與移動，而成為自然節奏的一部分。 何理互動於釜山Lee&Bae藝廊個展，展場一隅。 釜山Lee&Bae藝廊個展作品之一，〈Heaven Bloom: Vital Edition〉。 除了現地創作，亦可觀看團隊的代表系列作品：〈Heaven Bloom: Vital Edition〉以高山杜鵑為靈感，透過微電壓感測捕捉花朵在綻放時的微弱脈動，使作品在光影之間呈現生命循環的呼吸；〈Spectrum Light: City Butterfly〉採回收偏光膜製作動力蝴蝶，探討都市生態的擬態與演化；〈resona: cloud〉與〈resona: aura〉則透過克拉尼圖形（Chladni figures）邏輯解析微小環境訊號，成為展覽的微觀註腳。 〈resona: aura〉，偵測環境空氣狀態的燈光裝置。 這些作品共同構築出一座由光、風、訊號與地形交織而成的數位地景，與城市環境形成互文關係，為觀眾身處此地的感知打造多重層次，不僅止於欣賞單一作品的藝術性，同時也提醒觀眾眼前的裝置、展場和建築群，與他們踩在同一片土地上，呼吸同樣的空氣，感受同一道陽光。 〈Alive #2: Flow of the Port〉，以釜山地形發展的系列創作。 資料及圖片提供」何理互動（WHYIXD） 編輯」江瑜

為了研究遠方無法抵達的天體，人們發明了望遠鏡；為了研究渺小而難以分辨的細胞，人們發明了顯微鏡。伽利略曾說，「一切推理都必須從觀察和實驗中得來。」透過工具的發明輔助視覺的觀察，是人類不斷拓展、認識世界的方式，也因為仰賴視覺建立的認知，也不免令人好奇，在視覺無法抵達的世界，會是什麼模樣？人又該如何涉足？ 展場一角，北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 北師美術館當期展覽《遙視》（Remote Viewing），由獨立策展人柯念璞策劃，獲國家文化藝術基金會「視覺藝術策展專案」支持，展開不同文化中對於「超出可見」之領域的多重想像。 志賀理江子（Lieko Shiga），《螺旋海岸》，2009-2012 年，噴墨印刷，尺寸依空間而異，北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 展覽名「遙視」一詞，取自20世紀後期的超心理學與軍事研究，主要指向人類不依賴科技而感知遠方的能力，在這個富有科幻色彩的名義下，科學、心理、藝術和歷史不同領域彼此交織重疊。本展意圖並非在驗證超自然現象紀錄的真實性，而是回歸議題被提出的時空，重理這些實驗的背景、驗證過程和結果的詮釋，開啟對人類意識與感知能力的探索。 阿比查邦．韋拉斯塔（Apichatpong Weerasethakul），《日光》，2023 年，玻璃、金屬底座及雙頻道錄像投影（彩色、有聲，19分32秒），北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 三田光一（Koichi Mita），《月球背面意念成像圖》，1931年，攝影，私人收藏，圖像由福來心理研究所遺產提供。 《遙視》的起點，是一張據稱拍攝月球表面的相片，這張照片源自1931年的日本，由身處日本須磨的三田光一透過心靈傳遞、心理學家與心靈研究者福來友吉隨行監督，記錄於攝影底片上，並透過這項實驗印證了「千里眼」（senrigan）的超自然力量，當事人以此宣稱其能僅憑心靈能力感知遠方事件。 湯尼．奧斯勒（Tony Oursler），《第三眼》，2026年，多頻道錄像裝置，不鏽鋼鏡面、布燈籠、金屬、塑膠、燈光、投影，尺寸依空間而異_北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 同類實驗當年於各地精采紛呈，在社會上引發諸多爭議，也反映出人類對於「遠距感知」與「心靈潛能」的高度想像。《遙視》的開場以一系列歷史檔案構成，內含福來友吉及其實驗參與者所留下的影像、文獻與攝影資料，勾勒出20世紀初跨越日本、歐洲與美國的心理學與靈學研究網絡，人們透過實驗和影像紀錄試圖辯證真偽，然而科技的參與和時空的距離形成新的濾鏡，讓真相更加撲朔迷離。 許哲瑜x陳琬尹（Che-Yu Hsu x Wan-Yin Chen），《災變論》，2025-2026年，錄像裝置，13分鐘，北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 何子彥 Ho Tzu Nyen，《絕境旅館》，2019年，單頻道錄像（彩色、多聲道，84 分鐘）-2，北師美術館提供，攝影：王世邦（Anpis Wang）。 展覽空間橫跨北師美術館三層樓，並延伸至地下空間，首先以歷史事件作為鋪墊，為觀眾整理出人類探索心靈潛能的過程脈絡和具體收穫，結合現代藝術作品對於自我的審視，嘗試突破日常視覺的限制，延展感知的邊界，使百年老校的人文底蘊與當代藝術的前衛視野相互撞擊，持續翻新和再造美術館的定義，進而推動藝術文化展演型態的演進。 珍娜・蘇特拉 Jenna Sutela，《nimiia cétiï》，2018，單頻道有聲高畫質錄像 ( 12分 05 秒 )，北師美術館提供，攝影：王世邦（ Anpis Wang）。 資料及圖片提供」國立臺北教育大學北師美術館 編輯」江瑜

在人類文明擴展的過程中，建築無處不在，但也因為承襲長遠歷史，即便仍保存原有姿態與架構，卻和現代人的生活逐漸脫節，甚至產生理解上的隔閡。本書的作者馬修．萊斯（Matthew Rice）是英國知名插畫家與建築愛好者。他將走出一座大教堂喻為看完一部劇情長片，若說這樣的體驗會觸發觀者無數傾訴的欲望，而《英國建築手繪解剖圖鑑》就是提供講述這些內容詞彙的辭典。 《英國建築手繪解剖圖鑑》，馬修．萊斯（Matthew Rice），原點出版。 書中的章節將建築知識比喻為「文法」與「詞彙」、把建築領域的相關知識轉化為獨特語境，透過富有手感溫度的手繪插圖和幽默遣詞，拆解英國11大時期經典建築部件，引導讀者按圖索驥，就如同學習外語，先認清專有名稱、再組織語句，藉由深入認識英國建築的語言，奠定看懂世界建築的基礎。  學習建築語言，你才能跟人溝通。當然不是和建築物或建築師溝通，而是和朋友或子女溝通。—馬修．萊斯  （Matthew Rice） 「文法」篇以結構的基礎為起點，為接下來的論述開宗明義，立面、平面、樓層和開間，以及古典建築五種柱式分別有哪些特徵等，將看似艱深的語彙逐步落實到清晰可見的建築輪廓。「詞彙」篇則依時代順序，帶領讀者認識從中世紀到現代的建築元素，如諾曼式的圓拱與犬牙紋、哥德式的尖頂拱與扇形拱頂、文藝復興的三角楣與簷口……每個部件均與手繪插圖對照，加深讀者印象。 倫敦動物園，大象館，卡森康德聯合事務所。牆面的深刻槽紋令人聯想起大象的皺褶皮膚，屋頂則宛如一群動物——象徵性的混凝土表現主義，1962年。 在依序展開每一段歷史時期的經典代表之餘，本書在最後一個章節深入介紹打造英國建築的材料出處與類型，內含選材思考與運用方式、採石場的分布，以及在地選材，或者高級建築的跨域材料選配，呈現工法的演進和可用資源的變化。 各類型的塔樓與名稱。 相比照片，繪圖的表現更容易聚焦於建築細節、放大其特定裝飾和特色，更明晰作者想要講述的重點，一如作者自言：「就算畫得很醜，但描繪記錄所花的時間，就能幫助你將影像牢牢印在腦海中。」學會建築部件真正的「名字」，透過觀察了解其細節和來源，再透過講述、描繪等方式向他人轉譯，讓建築不再只是好看的背景，而是真正建立人與生活經驗的精神橋梁，還原一段漫長回憶的積累和承接。 精彩內容搶先看 導言 本書前半部側重於宗教建築，這點反映出教會在中世紀英國的重要與地位。都鐸王朝的來臨標誌著建築逐漸轉向世俗，偶爾夾雜著一些劇烈震盪，貴族宅邸尤其明顯。民主興起，帶動公共建築的浪潮，而資本主義宛如脫韁野馬的最終狂勝，則是體現在商業方案日益成為重大建築的焦點所在。當代建築很少能像伯明罕的塞爾福里奇百貨公司（Selfridges store）那樣，掛滿建築工程的各種先進勳章。 各種柱式與柱子名稱。 本書並不關注地域主義。大多數的地域差異只是反映建築風土的變化；也就是建築回應當地材料、氣候、經濟條件和營造習慣的方式。這類建築並非出自建築師之手，而是營造商和屋主自己蓋的，對他們而言，立面風格並非首要考量。不過，範例一章挑選的住宅（參見頁199），應該能讓所有讀者都有機會就近探索建築風格的種種變化。 馬修．萊斯（Matthew Rice）。 我盡可能將大不列顛每個地區至少一個時期的建築範例納入書中，如果情況許可，還會挑選可以從公共道路上輕易看到或向大眾開放的建築物。當然，城市的建築數量和重要性通常會超越其他地區（除了伯明罕或其他遭到空襲蹂躪的城市，以及戰後初期被惡質城鎮規劃搞壞的城市）。 由於倫敦的擴張速度遠勝其他城市，在建築上也取得領先地位。要到十九世紀中葉，工業革命邁入第二階段後，北方大都會曼徹斯特（Manchester）才開始對首都倫敦形成挑戰，而利物浦（Liverpool）、布拉福（Bradford）、里茲（Leeds）和格拉斯哥（Glasgow）這類區域中心，也才逐漸發展出今日的規模。 幾百年來，諾里治（Norwich）和後來的布里斯托（Bristol）都被視為英國的次級城市。至於巴斯（Bath）之類的城市，雖然曾在一兩個時期擁有傑出耀眼的建築物，但其他階段則乏善可陳。   人們很容易忘記，建築之旅也有季節性。在10月底到復活節這段期間，基於泥濘積水和冷冽酷寒等明顯原因，國家信託（National Trust）旗下的古蹟和其他許多組織往往會休館。雖然令人懊惱，但也不難理解，所以造訪之前務必事先確認，以免撲空。但也別忘了，有時你想看的只是建築外觀，這部分倒是大多數時候都可自由參觀。 某些教堂也有類似情況，夏季全天開放，但冬天一到就大門緊鎖。雖然要找到掌管鑰匙的人也不難（可能會有一張紙條釘在門廊上，告訴你鑰匙在哪裡），但請記住，許多外觀壯麗的教堂，內部其實挺乏味的。 過去一百五十年來的過度整修，往往讓教堂內部令人失望。所以，在你叫醒窩在壁爐前面打盹的老太太幫你開門之前，最好先踮腳爬高，從教堂窗戶往內瞧一下，再決定要不要去叨擾老人家。假如你真的進去參觀了，走時別忘捐個香油錢。幾乎所有教堂的資金都嚴重短缺，參觀者奉獻的一兩英鎊，對它們而言都是莫大挹注。 資料及圖片提供」原點出版 編輯」江瑜

人與人之間的關係通過地域、情感和生活需求等等因素而建立，也與他人社交的過程中逐漸確定自己的社會身分和自我定位，隨運輸科技和數位網路的快速發展，資源和資訊往來的管道也屢經迭代，自我、他者與環境也在互動方式的變化間逐步衍生新的關係、重塑人們對世界的理解。 盧明德，《生態圖鑑》，1991年，實物、壓克力顏料、木板，182 × 546公分。臺北市立美術館典藏。 臺北市立美術館（北美館）以「共感」為題，通過人的感受與共情能力，探究人與非人的關係演變，延伸人與環境對彼此造成的影響，編織有機的感知網絡。展中涵蓋11位∕組台灣與國際藝術家作品，從當代博物學的概念出發，在自然、技術與行動實踐的層面上，呈現不同藝術家的觀察和表達，邀請觀眾一同參與這場盛大的討論——關於人類應如何理解自身與物種、環境與世界的關係。 瑟琳・克拉內，〈未孵化的蛛形綱卵，文森林地〉，《接地雜訊》系列，2023年，電子顯微鏡成像、攝影、數位輸出。圖像由藝術家提供。 蔡咅璟，《山麻雀之歌》，2022年，複合媒材裝置、錄像、攝影，11分42秒，尺寸依空間而定。圖像由臺北市立美術館提供。 個體存在與群體感知 透過科技改變自然的能力，給予人類掌控世界的自信，然而，隨著人類對世界的探索越深，人們也才逐漸開始意識到，即便擁有改變自然環境的能力，也不代表人類就是世界的主宰者。策展人余思穎引用地質學所定義的臨界區（Critical Zone）概念，可以說從植被的樹冠一直延伸到地下水的底部，所有生命活動均發生在這薄而脆弱的地球表層，換而言之，人類所能掌握的一切，相對於完整的全世界，也不過是一層淺淺的皮毛。 桑佳．鮑梅爾，《活體藝術品》，2021-2024年，影片、書籍，17分6秒、23×16公分、31×21公分。圖像由藝術家提供。 在此空間中，空氣、水、土壤、岩石與各種生命持續相互作用，形成地球維持生命的條件。當人類轉移視角、重新審視自身相對於世界的渺小，才能真正認識到自身與自然環境的關係並非單向支配，每當一個生命在這個世界上誕生，就落足於每個元素彼此交織共生的龐大關係網。 吳其育、陳普，《零點溫室》，2026年，錄像裝置，15分，尺寸依空間而定。圖像由臺北市立美術館提供提供。 本展從「人與非人共同演繹世界」、「擴增人類五感與時空觀」與成為「互利共生的行動者」三個面向出發，引導觀眾首先放下以人為中心的視角，步入由非人類生命體擔任主角描繪生命的敘事；隨後認識人類為了輔助感官、校準自身定位而發明的工具，進入人類與世界進行溝通和認識的世界；最終走向與環境共感、以實踐關懷其他生物的感知經驗。 陽春麵研究舍，《潛像描繪儀》，2025年，機械裝置、機器繪圖、演算法、生成動畫、複合媒材，尺寸依場地而定。圖像由藝術家提供。 NOIZ Architects，《待機休眠中》，2026年，互動裝置，20 x 6.5 公尺。圖像由臺北市立美術館提供。 在互動間生成的關係 展場位於北美館一樓，由盧明德的《生態圖鑑》和瑟琳．克拉內《接地雜訊》系列做為開場，前者捕捉多樣物種的鳳毛麟角，具生命初始寓意的蛋、隱含演化意象的貝殼、象徵死亡與遺骸的動物頭骨，以及動物肢體、皮毛等局部身體，堆疊繁複意象。後者則以黑白膠捲拍攝電子顯微鏡下的微觀圖像，藉由不同尺度的影像轉換，如飛蛾的絨毛或蝴蝶半透明的翅膀，呈現森林纖細的生命風貌，拓展肉眼觀看的視角。 山城知佳子，《土之民》，2016年，三頻道錄像裝置，23分。圖像由藝術家提供。 基於展出作品的豐富媒材，觀展體驗亦不僅限於平面的視覺衝擊。互動式作品如陽春麵研究舍《潛像描繪儀》利用人工智能模擬18世紀側面描繪儀裝置的運作，以真實世界為基礎，探問隨機、想像的創作和影像紀錄的真實性之間的關係。還有NOIZ Architects《待機休眠中》（Lazy House）透過電腦演算與參數設定，感應觀眾的注視，讓布料、張拉結構與感測系統構成的建築軟雕塑產生形態上的變化，以此具象人與環境互相施予彼此的影響。 彭弘智，《面對面》（5件），2001年，錄像裝置（彩色、有聲）：玻璃纖維、LCD 螢幕、播放器、揚聲器、台座，尺寸依空間而定。臺北市立美術館典藏。 希朵．史戴爾《使命完成：Belanciege》打造一個小型舞台，播放剪輯影片，分析名牌挪社會文化符碼並包裝成奢侈品的過程，並進一步指出當代消費文化、社群媒體與演算法機制如何塑造現代人的身分認同和價值觀。彭弘智《面對面》曾於多國雙年展與三年展展出，並為北美館典藏作品。先是打造多個不同姿態的小狗雕塑，隨後將影像螢幕嵌入動物雕塑頭部之中，引導觀者從小狗的視角出發、看到小動物眼中的世界。 周東彥/狠劇場，《變動的連結》，2025-2026年，錄像、虛擬實境裝置，15-20分，尺寸依場地而定。圖像由臺北市立美術館提供。 在欣賞本展的過程中，展品牽引觀者的情緒、引導觀者的視角和移動，既是分享藝術家的觀點，也是刺激觀眾自己的思考，橫跨自身與他者之間的邊界，「共感：存在的節奏」觸發感官經驗的交流，也期待以此開啟觀眾對共享、互助與共存價值的想像。 「共感：存在的節奏」 時間」2026年5月9日至9月20日 地點」臺北市立美術館 1A、1B展覽室 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

在高速運轉的時代裡，藝術如何為人類情感重新尋找座標？西班牙當代藝術家喬瑟普．里埃拉．伊．阿拉貢（Josep Riera i Aragó）以長達半世紀的創作，給出了屬於自己的回答。Bluerider ART近期在台北敦化空間呈獻其個展《喬瑟普．里埃拉．伊．阿拉貢：生命航線》，半世紀的未知探索，聚焦藝術家橫跨五十年的創作歷程，透過飛機、螺旋槳、潛水艇與船隻等標誌性符號，展開一場關於時間、空間與生命的詩意敘事。 Haiku I, 2011,198 x 592 cm, Mixed media on canvas。五十年來以相同的創作核心，不同的媒材，透過簡單幾何與線條，表現「航行」所蘊含的生命故事。 機械符號與材料中的時間航程 1954年出生的阿拉貢，畢業於聖喬治美術學院，現居巴塞隆那，是西班牙最具國際聲譽的當代藝術家之一。他的作品曾於德國海布隆市政博物館、法國阿爾勒梵谷基金會及巴塞隆那胡安．米羅基金會等重要機構展出，並獲梵谷基金會、胡安．米羅基金會與芝加哥波音公司等永久收藏。 The Voyage of Life，以亞麻為底的大型畫布，其飛往不同方向的符號，予人自由遼闊之感。 評論家Vicenç Altaió曾指出，阿拉貢的創作並非建立於虛無，而是在高速變動的時代中，重新尋找人類情感與精神的座標。對他而言，作品中反覆出現的飛機、螺旋槳、潛水艇和船隻，並非機械實用功能的再現，而是航行的隱喻，是時間流逝、生命旅程的象徵，也是對夢想永不止息的追尋。這些符號穿越虛構的時間與空間，構成一場無止盡的航程。 策展團隊精心規劃展場，透過牆面的層次交錯，在平面與立面之間，讓交通工具的線條在空間中柔緩流動，創造豐富的視覺感受。 藝術家長期結合鉛、青銅、鐵件、木材與舊工業材料進行創作，以拼貼與氧化痕跡保留時間留下的物質記憶。1980年代後期，他大量使用工業廢材、鐵板與化學材料進行實驗，使作品表面呈現如遺跡般的時間感。在半世紀的藝術追尋中，他將青銅、鋼鐵等堅硬媒介與木材及布料進行異材質重組，這種拼貼並非僅是視覺上的形式實驗，更意在喚起材料背後所承載的集體記憶與溫度。每一道焊痕、每一塊鏽蝕，都是他將個人與時代情感緩緩注入物質的證明，使作品成為連結感官與靈魂深處的橋樑。 Riar-103, Airplane on wood, 2026, 97 x 53 x 12 cm, Bronze, iron, wood，以鏽蝕般的肌理表現濃厚情感及時光軌跡。   地中海則是阿拉貢創作中另一個重要的精神場域。作為所有真實與想像旅程的起點與終點，海洋不斷出現在他的作品之中，象徵漂泊、遷徙與文明的痕跡。那些看似冰冷的機械零件，在他的拼貼下轉化為具備呼吸感的生命體，傳遞出人類在面對未知時的渴望、孤獨與勇氣。   展覽亮點 本次展覽將展出多個系列與美術館級代表作品。「飛行系列」中的《俳句》以六米長幅展開，如詩句般於留白與節奏之間凝鍊出時間、空間與生命的靜謐韻律；「澳大利亞」手稿系列取材自1735至1871年的家族紀事文獻，藝術家於歷史紙頁中介入飛行與移動的符號，重構記憶與想像的軌跡。 「澳大利亞」手稿系列，藝術家在澳洲辦展之際，帶著家族手稿在其上綴入移動符號，細看可見以不同材料所描繪線條，充滿驚喜與層次。 「鉛材系列」則以深藍色調鋪陳深海般的廣袤場域，在潛艇般微小形體的浮現之中，展現時間沉積與孤獨的詩性。此外，黃銅與鐵件構成的雕塑作品透過平衡與運動，延續藝術家對機械美學與生命存在的深層探索。 「鉛材系列」透過深藍色調鋪陳深海場景，圓弧的輪廓，讓觀者彷彿在潛水艇中通過窗戶望去，搭配鋼材的氧化增添豐富肌理。   《喬瑟普．里埃拉．伊．阿拉貢：生命航線》不僅回望藝術家五十年的創作演變，更邀請觀者共同進入一場關於航行、記憶與人類情感的精神旅程。在機械美學的表象之下，作品最終回歸於對生命本質的凝視，以及人類靈魂持續向未知出發、尋找歸屬的永恆律動。  Red propeller airplane, 2013, 191 x 106 x 24cm, Painted iron​，透過簡單的線條與符號，承載著豐沛情感，傳遞在工業時代時下，亦可慢下腳步留下時間痕跡。   《喬瑟普．里埃拉．伊．阿拉貢：生命航線》 時間」2026年5月23日至7月19日 地點」Bluerider ART台北．敦化（台北市大安區敦化南路二段77號1樓）   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺

台灣新銳設計指標性獎項「金點新秀設計獎」日前公布得獎名單，今年共頒發57件「金點新秀設計獎」、8件涵蓋循環、包裝、島嶼韌性及文化傳承等當代議題的特別獎、48件「贊助特別獎」，以及最受矚目的9件「金點新秀年度最佳設計獎」，表彰在各設計領域中展現卓越創意及設計實力的青年人才。這群設計新秀不僅透過作品回應社會問題及真實需求，更彰顯了設計作為驅動產業轉型、翻轉未來的核心能量。   金點新秀年度最佳設計獎   空間設計類：崑山科技大學空間設計系江念嬨「山，在日常之中──九九峰與聚落的新文化」 設計以村落至九九峰的地景為脈絡，串聯土地、水及山三個節點，建立一條人與自然神靈對話的儀式路徑。透過停留、跨越和仰望的身體經驗，將日常行走轉化為感知與轉換的過程，使空間成為連結村落、烏溪和山林的媒介。   評審講評：從地方地景與聚落經驗出發，透過細膩的空間敘事，重新建立人與山林、土地之間的感知關係。評審團肯定其對環境的敏銳觀察，以及親身走入場域後所累積出的理解與回應，使整體提案不流於抽象概念，而能展現出真實且具說服力的設計觀點。   產品設計類：實踐大學工業產品設計學系邱馨慧「PPPRINTA 彈性張力成形實驗燈具」 突破傳統熱熔成型製程，利用彈性布料張力，將平面圖案列印其上，使平面圖形變為立體單元，並以更少材料實現數位工藝的可能。   評審講評：創作者從日常接觸的工具與製程出發，深入探索材料應用的更多可能性。整體設計不僅執行完成度高，能充分感受到創作者對於製程研究及造型語彙的專注投入，最終成果展現了獨特的視覺魅力，也深具後續發展潛力。   傳達設計類：國立臺灣科技大學設計系余承恩、吳定遠「（彡）: 新規訓之下的毛髮」 透過研究不同歷史、地域的髮型文化，結合新型態髮型的故事書寫，重新思考社會框架的影響。   評審講評：創作者並未停留在歷史材料的再現，而是透過爬梳不同時代與地域的髮型符號，提出重新觀看當代文化與規訓的視角。論述脈絡完整，視覺敘事成熟，其不選擇安全答案的創作態度，展現出難得的真誠與勇氣。   數位影像設計類：實踐大學媒體傳達設計學系曾子瑜「瓜」 從自身成長經驗出發，透過以「西瓜」為隱喻的實驗性動畫，對於傳統亞洲家庭如何以關愛的名義抹去個體差異提出反思。   評審講評：以個人成長經驗為起點，透過隱喻反思亞洲家庭與社會文化中的規訓關係。全作並未流於單純的情緒抒發，而是利用角色關係與敘事結構，細膩呈現壓迫與規訓如何在家庭中內化與流轉，敘事手法高明且成熟，引人共鳴。   數位互動設計類：亞洲大學數位媒體設計學系楊千逸、宮脇拓也、吳祈禕、藍玥、劉力葳、葉家綺「臺文RE:AI共讀計畫」 彙整30部台灣愛情經典文本，透過AI將情感意象轉譯為當代物件與動態影像，以網站為當代進入文學的方式另闢蹊徑。   評審講評：面對當前短影音與碎片化資訊的快時代，大膽嘗試以 AI 與互動設計作為媒介，重新建立當代觀眾與台灣文學之間的閱讀關係。評審團肯定其並非以 AI 作為技術噱頭，而是運用其共創內容，並以互動體驗引導觀者重新進入文本與情感中。作品在議題設定、內容整合與整體敘事上展現高度一致性，也能感受到創作者對台灣文學的真誠投入。   工藝設計類：東海大學工業設計學系何若瑄「熱跡時間感知裝置」 將溫變線結合自創的發熱指針機構，在纖維表面創造出暫時性的色彩變化，使時間的流逝，轉化為可被觀看與感知的熱跡。   評審講評：從材料研究出發，透過自行開發機構與製程，重新思考纖維工藝與時間感知之間的關係，展現出完整且具系統性的設計脈絡。作品不只停留在形式表現，而是從發現問題、突破材料限制到延伸應用，建立出清晰且具發展性的創作邏輯。   時尚設計類：輔仁大學織品服裝學系邱威蓁「PH1SHING.EXE｜誘餌程式」 以AI時代的「誘導機制」為隱喻，透過織品構築出介於現實與虛擬之間的空間，並將演算法生成的無形感知操控具象化，呈現意識在虛實拉扯中被重組與吞沒的張力。   評審講評：作品以明確且一致的設計語言回應創作主題，展現出完整的整體氛圍與高成熟度。評審團肯定其對自身創作方向的掌握，能清楚理解作品所要呈現的狀態，並將其發揮到最佳，讓議題本身更具感知與想像空間。   社會設計類：東海大學工業設計學系許芳繼、劉凱榤「輕渡抬蜂計劃」 運用槓桿力學與電動推桿技術，降低體感負載，並結合避震吊臂與越野大輪設計，改善蜂農反覆搬運重物導致的腰椎受損，以友善機具降低產業門檻，吸引青年返鄉傳承。   評審講評：從蜂農勞動所面臨的真實處境出發，透過反覆觀察、測試與現場驗證，提出具體且可被實現的解決方案。作品雖仍有待持續修正與發展，但整體展現出扎實的研究過程，以及對產業現場與使用者需求的真誠回應，值得肯定。   產學合作設計類：嶺東科技大學創意產品設計系鄭偲函、古東岳「Gloash 香灰再造燈具」 透過開發具透光性的香灰紙與香腳染藝技法，將廟宇香灰轉譯為實用燈具，並結合廟宇燈籠意象的摺紙結構，讓民俗信仰的副產物，轉化為承載祝福的日常物件。   評審講評：從台灣民間信仰文化出發，將日常熟悉的香灰重新轉化為能進入生活的設計物件，概念獨特、執行精準且完成度高。最值得肯定的不只是對宗教副產物的再利用，而是進一步回應祭祀儀式背後的文化意義，將氣味、質地與情感記憶一併帶入作品中；整體提案在製程發展、產品完整度與後續延伸性上，也展現出令人期待的潛力。     資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」陳映蓁

誠品畫廊北京近日推出上海藝術家陸亮的個展「潛行」，展中作品橫跨創作者超過20餘年的創作生涯，專攻於油畫和壁畫，在誠品畫廊北京純粹如空白話部的展覽空間裡，突出其濃郁的色彩表達和針對「記憶空間」的探討。 《霧霾中的望京SOHO》，2014-2017年，油彩、畫布，160 x 120 cm。 策展主題起源於電影《潛行者》（1979，安德列．塔科夫斯基），因電影的精神意涵，觸發陸亮多年創作的感受，以此延伸解讀，透過展覽完善整體視覺概念。展中作品並非簡單的寫實，而是通過反復推敲的光影色彩與層層疊加、引導觀眾緩慢進入與持續感知的情境，描繪虛渺的城市記憶和藝術家長期對身邊的觀察和理解，使畫面承載時間與經驗的沉積，在宛如攝影般高濃度的作品敘事中呈現豐富質感。 藝術家陸亮。 《花土溝2》，2017年，油彩、畫布，60 x 90 cm。 「潛行者」的時代觀察 陸亮不僅深受中央美術學院的栽培，同時也活躍於教學一線，在傳授創作方法的同時，自身也創作不輟，持續拓展具象繪畫的邊界；在文字傳播尚未普及的時代，壁畫即是重要的歷史紀錄，通過畫作的流傳和寫實，人物的穿著打扮、行為和背景等等資訊，給予後世無數觀者得以一窺一個時代的鳳毛麟角。隨著時代和思想的發展，人們描繪的對象不僅受限於現實畫面，而是朝向心靈深入鑽研，並轉化為具象視覺。 展中一隅。 電影《潛行者》敘述一位被稱為「潛行者」的人物，帶領一位期望找尋靈感的作家和一位追求科學發現的教授，一同前往神秘的「禁區」，據傳「禁區」內存在一個能夠實現人內心慾望的房間。通過這樣一個被稱作禁區的房間，像一面鏡子般反射人心的願望、理想和欲求，以及在反覆帶領不同對象探索禁區、卻也因此見證數次悲劇的潛行者的心理挫敗和悲傷。 《大山子》，2020-2025年，油彩、畫布，120 x 180 cm。 前往禁區的過程中，主角一行人穿越幾個隧道和無數被廢棄的遺跡，這裡見證了無數夢想的起落，這個空間之所以鮮活，是因為它仍在許多人心目中扮演「希望」的寄託，與此同時，也是無數追夢人被遺忘的墳場。本展延續了陸亮對「記憶空間」的關注，內容包含從城市邊緣的夜路街區、到富有故事性的歷史建築，這些場景既具體可辨，又帶有某種超現實的疏離感。繪者的目光一如「潛行者」，既置身其中，又保持距離，以細膩而敏銳的目光記錄下對時代的感受。 《雪夜孤騎》，2020-2025年，油彩、畫布，205 x 280 cm。 摺疊時間和空間的虛實記憶 展覽內容依循三個主題思想向外延伸，同時也彼此交錯和互相補充，一是以藝術家的日常為核心的城市經驗，呈現城市及城市邊緣在發展中的變遷與疊加；二是以「原子城」為線索的歷史空間，指向特定時代背景下的集體經驗與國家敘事；三是花土溝，針對一個西北工業小城的生存狀態與視覺記憶，對比前面兩者，無聲訴說人工進化在野地催生的轉變。 《大空間1》，2023-2026年，油彩、畫布，65 x 80 cm。 代表作品如《雪夜孤騎》描繪北京夜色與雪景交織中的行進瞬間，人物在空曠死寂的馬路上獨自前行，反襯個體在城市空間中所承受的壓力、孤獨與異化。對比花土溝等題材中另一種複雜的情緒，透過當代中國工業化進程中的獨特切片，深入中國西部曾承載重要歷史使命卻逐漸被遺忘的空間，轉化為具象遺跡和抽象慨歎的古今對照。 展中一隅。 三個主題在藝術家的觀察與表達中彼此交織、折疊，構築新概念意義的「寫實」風景，陸亮以此打破了過去和現在、想像和現實之間的平行分野，取材日常、過往、記憶、想像等多面元素，在同一個時空相遇、重疊、匯合。 《房間2》，2019-2024年，油彩、畫布，280 x 205 cm。 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」江瑜

米蘭設計週是觀察當代設計的重要現場。展覽與品牌的發表在城市中交錯展開，不僅呈現新作，更透過策展手法闡述各自觀點，成為理解生活趨勢的入口。 2026 年米蘭設計週延續對材質、工藝與創意的關注。品牌不只展示作品，更建構出完整情境，在詩意姿態中展現其奉行精神、工藝轉譯與故事內涵，透過空間、敘事與感官，引導觀者進入設計之中收穫體驗、提煉思考。這些展演既指出當下趨勢，也回望過往底蘊，提醒人們在變化迅速的世界裡莫忘設計的初衷，指出創意並非單一時刻的靈光乍現，而是文化與工藝的延續與轉譯。 Hermès 閱讀工藝 在行走中細味質地 Hermès 以漫遊者為題，將石膏、山毛櫸木與皮革轉化為一場關於空間與居家的敘事。品牌長期以馬術工藝與皮革技術為根基，強調比例與工藝價值，本次展覽則將這些特質轉化為可被感知的空間經驗。 展場由Charlotte Macaux Perelman 與 Alexis Fabry 主導，以近似建築的方式編排，30座柱體高低錯落，構成可穿行的幾何場景，界定了動線與視線的停頓。簡潔量體透過排列與豎立，形成節奏分明的行走路徑，在白色體塊與木質紋理之間建立一種安靜秩序。 觀者置身其中，被輕柔地引導觀看。展覽內容突顯質感細節與文化工藝的交織，從織物到大理石家具，每一處的陳列與燈光呈現節制而精準，深刻觀者與工藝相遇的當下，那份饒富餘韻的停留。 Louis Vuitton 華麗藝境 旅行，成為生活的形式 Louis Vuitton 於 Palazzo Serbelloni 發表全新Objets Nomades系列，並結合經典行李箱，以裝飾藝術的沉浸式情境，構築一場橫跨Art Deco至當代的品牌敘事。 展覽以Pierre Legrain 為起點展開。這位裝飾藝術時期的重要人物曾於1920年代與品牌合作，創作領域從插畫到家具設計均有涉獵，作品奠定了品牌早期的設計語彙。本次致敬系列重現其家具與配飾，體現裝飾藝術的結構與美學。 Objets Nomades 亦在近年擴展為完整家居系列，涵蓋家具、燈飾、餐具與紡織，逐步構築出一個關於生活藝術的完整世界。各個展廳精彩紛呈，表現了Objets Nomades系列在色彩與材質鋪陳下共構的生活場景，以及品牌匯聚國際設計師的創意能量，將「旅行」轉化為生活方式的想像。 FENDI 設計大獎 《VIA》再譯羅馬石路元素 FENDI 於米蘭設計週期間揭曉設計大獎，將工藝傳統轉化為未來的人才培育機制。競賽由Giulio Cappellini策劃，評審團集結多位設計界重要人物，聚焦新世代創作者的發掘，同時頌揚設計與精湛工藝的核心價值。 首獎作品《VIA》取材自羅馬街道常見的sampietrino 石塊，將它轉譯為家具系列；編織皮革座面宛如羅馬街道，每一個交織處皆是路口的匯聚；鋼構框架延展出理性秩序，特意展現接合點的焊接痕跡。地毯猶如俯瞰一座歷經歲月磨蝕的羅馬古城；有著極致纖細鋼製邊框的明鏡，則是支撐於一塊粗鑿的sampietrino石塊之上，是整個系列裡最沉重的材質承載著最輕盈的存在。作品從地毯到鏡面，皆圍繞同一命題展開：何謂可以傳世的器物？ Gucci百年回望 在迴廊穿行品牌記憶 Gucci於聖辛普利西亞諾修道院呈現《Gucci Memoria》，由Demna策劃，在迴廊穿行中回顧品牌百年歷史。 展覽匯集多組裝置作品，沿著修道院迴廊展開，包含了掛毯、以Flora圖騰為靈感的植物景觀與互動元素，共同構築出層次豐富的敘事內容。觀展焦點是12幅掛毯構成的品牌視覺編年史，從創辦人於The Savoy的經歷，到品牌逐步走向國際舞台，歷任創意總監的風格轉換，皆被轉化為織面敘事。觀者在行走之中閱讀過往歷史，使品牌記憶成為可被體驗的空間。   Loro Piana工藝索引 參與披毯的生成脈絡   Loro Piana 以「Studies」為架構，展開《On the Plaid》首章，將目光聚焦於家居披毯，並回溯自1980年代以來品牌對頂級纖維與精湛工藝的探索。 「Studies」是一套持續展開的研究架構。每一篇章皆圍繞特定物件或使用情境，透過拆解製作過程與工藝邏輯，回應品牌長期關注的材料本質與製作倫理。本次展覽呈現24件披毯，從結構、織法到細節處理，形成一套可被閱讀的技術索引。內容展示原始纖維與紗線，將製作過程與完成品並置，使觀者得以理解一件披毯生成的完整脈絡。多樣工藝包括刺繡、貼花、手工梭織、戳針、拼布與絲網印刷等技術，各自承載不同的節奏與文化意涵，呈現一種以纖維為起點，延伸至工藝、地域與自然的文化觀。 CHLOÉ限量復刻經典款 家具曲線再回望 CHLOÉ 重新推出Tomato Chair，延續1970 年代由Christian Adam 設計、Poltronova 製作的經典款，企圖將時尚延伸為一種生活方式，藉由設計經典連結情感。 Tomato Chair 推出時，因柔軟有機的輪廓打破傳統設計形式，讓家具回應身體的直覺使用而備受矚目。創意總監Chemena Kamali將Tomato Chair所展現的柔和、流動與自由，視為品牌語彙的延伸，以此表達設計不僅是形式，也是可被感知的存在。本次復刻保留原始造型，用自然鞣製皮革重新詮釋材質，推出奶油白、干邑棕、沙色與黑色四款色調，採用限量訂製形式，突顯作品的收藏價值。 Buccellati 水境盛宴 沉浸水光的銀器劇場 Buccellati 透過沉浸式裝置，展開一場關於水與工藝的敘事。品牌以精緻金工與銀器聞名，承襲文藝復興時期的雕刻技法，每件作品都帶有時間的深度與手工的溫度。 展覽由Federica Sala 策劃，結合Luke Edward Hall 的視覺創作，建構出一座介於神話與現實的水之場域，讓觀眾穿梭在光影流動的海洋意象中。內容焦點圍繞在Caviar銀器系列，透過波浪形展示與色彩層次，呈現工藝與光影的互襯，在戲劇性場景裡，用水光與銀器的交會開啟連結過去與當代的想像。 ISSEY MIYAKE 舊材新生 紙張化為新結構 ISSEY MIYAKE 發表的《The Paper Log: Shell and Core》，以品牌服飾製程的副產物「壓縮紙捲」為核心，重新思考材料的可能性。 這些原本被視為廢棄的材料，重新轉化為空間與家具：Shell（殼）強調流動與記憶，呈現紙張在壓力與時間之中留下的痕跡；Core（核）則以具體家具原型，展現材料在結構與承載上的可能性。紙捲斷面紋理有如年輪，記錄時間與製程，經硬化後成為具結構性的存在，紙張亦從輔助角色轉變為家具物件，呈現輕盈與強度之間的微妙平衡，引導人們思考：材料本身可以成為什麼？ JIL SANDER 圖書館 在閱讀裡專注凝視 JIL SANDER 與西班牙室內設計雜誌Apartamento 合作《Reference Library》展覽，以書籍為核心，構築一座關於閱讀與專注的空間。 展出焦點圍繞在世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精選的60本書籍，在同一空間中靜靜並置，試圖吸引觀者「專注」的凝視，邀請人們停下腳步，翻閱一本書，重溫某個記憶。在鏡面與金屬構築的純粹場域裡，觀者戴著白手套翻閱書頁，當動作變得更加謹慎且溫柔，閱讀行為成為一種被放慢的體驗。此時此境的凝神閱讀，成為一種重新理解時間的方式。 Isola Design Festival 十年之路 TEN：演變的當下 Isola 的誕生源於填補米蘭設計週的缺口，以「展外游擊隊」自居，提供年輕設計師發表作品的舞台。《TEN：演變的當下》回顧過去十年Isola從地方走向國際的設計歷程。Isola Design Gallery 匯聚多國設計師，以手工物件與收藏級設計，將日常物品轉化為充滿材質感知的當代生活體驗。 今年首次與Designtech合作的Urban Collective Project在街區各處設置裝置藝術。Aura的「Oasi in città」在垂直森林旁打造鏡面空間；nlcomp與Scandurra Studio的「Corpo」將廣場轉變為表演性環境；MadeInAdd的「Maddie is in the air」展示 3D 列印的輕量化原則。整個Isola 街區化身為展覽與活動的匯集地，從家具品牌ORA Home 首次亮相，到回收泡棉打造的沉浸式空間，再到Studio Azzurro 的燈光裝置，私人住宅、工坊與畫廊亦敞開大門，讓設計深植於日常生活紋理之中。 AB Concept 三新作 將文化融入日常物件 AB Concept 與 Dornbracht、Poltrona Frau 與 Noritake Design Collection 合作，將文化符號轉化為日常物件，展現材質、工藝與生活哲學的融合。 與Dornbracht 合作的The Knot 水龍頭把手，以金屬工藝重現中國如意結繩，將傳統符號變為日常生活的情感儀式。與Poltrona Frau共同推出的Viola Essence扶手椅，透過柔和曲線與精準比例，呈現介於輕盈與穩定之間的細膩結構，承托使用者的身體。與Noritake Design Collection 合作的 Ocean Bangle 餐瓷系列，則將海洋紋理轉化為器皿表面，讓觸感與視覺在餐桌上悄然交織。透過與不同品牌的合作與對話，讓人在使用之際體會文化與工藝的價值。 NOCTEM溫柔點光 珍惜獨處的動人片刻 台灣設計師賴雨農創立的NOCTEM於米蘭完成首展，把燈具視為溫柔陪伴，讓人們在「獨處」裡享有動人片刻。 本次展出焦點圍繞三件作品展開。Monologue香氛融燭燈以無火加熱系統釋放香氣，讓光與氣味形成一種儀式感。Nook可攜式燈具回應現代生活的流動性，可以被隨身攜帶。LumiCube模組化燈具則透過組裝與重構，讓使用者參與光的生成，物件成為可持續變化的存在。展場選址於工業空間，粗獷背景與作品的內斂形成對比，突顯出迷人光影。 Valextra 靜物裝置 建構黑色微地景 Valextra 與 Objects of Common Interest 合作，透過裝置作品《Soft & Tender Topographies》，將品牌語彙轉化為空間裝置，讓設計成為一種可以被感受、被進入的狀態。 流動的3D結構構築如群島般的地景，雕塑量體置於展示台，形成穩定而輕盈的節點。光影與材質交織，清晰了空間層次，裝置亦延伸為可使用的展台或凳椅，引導藝術與動線交會。 資料及圖片提供」各大品牌  編輯」室內雜誌編輯部