北師美術館與國家文化藝術基金會「策展人培力＠美術館」合作，2025年11月2日前推出由新生代策展團隊Nn̄g Project策劃的「亂流：半睡飛行夢」展覽。 展場照。攝影：dulub studio 在飛行成為日常的年代，天空同時覆載著航空科技、資訊網絡與人類情感的流動，策展人張文豪、黃羿瑄及黃銘樂以「天空、飛行、航空、機場」為出發點，邀集來自南韓、香港與台灣的九位藝術家，透過影像、聲音裝置、雕塑、繪畫、文件等媒材，探討當代飛行經驗如何體現於個人的身體、情感及記憶，同時也思索航空科技如何重塑社會景觀與在地文化。 展場照。攝影：dulub studio   展覽靈感源自英語諺語 The Sky’s the Limit（無可限量），策展團隊卻將其顛倒為 The Limit’s the Skies（極限就是天空），拋出提問：「當全球移動與資訊傳輸如呼吸般頻繁時，我們是否還能共享同一片天空？」在這個被衛星監控、訊號交織的時代，天空早已成為無形網格的一部分，而飛行經驗也不再只是浪漫自由的隱喻。 展場照。攝影：dulub studio   機場場域的再造 展覽以「機場」為策展核心，四件特別委託製作的新作圍繞「流動」展開，呼應機場作為跨界節點的複合意義──既是不同區域交會的運輸節點，也是許多法律與管理程序的執行地。 展場照。攝影：dulub studio   一樓大廳由台灣藝術家張庭甄以《祝福是不幸的尾巴》系列揭開序幕，模擬航班顯示器與虛構太空垃圾的起降時間，並結合聲音與報刊的裝置，建構出一個平行時空的「出發──抵達」場景。香港藝術家李鈺淇的動畫裝置《把我的眼睛沉入你的眼睛》將窗外雲海化作流動的內心劇場，讓觀者在視覺與情感的交錯中遊走；同樣來自香港的徐皓霖，則以《親愛的微風》記錄城市女子味如嚼蠟的夏日生活，結合底片攝影、數位影像拼貼等創作手法，檢視資本主義如何透過航空廣告與旅遊影像激發慾望、操縱消費。 張庭甄《祝福是不幸的尾巴》系列。攝影：dulub studio   李鈺淇《把我的眼睛沉入你的眼睛》。攝影：dulub studio 進入二樓，曾彥翔的裝置《Wet Edge of A Circle》利用幾何結構呼應塔台與航廈物件，營造靜止卻不斷延展的「流動」感；而林彥翔的兩組作品分別以成田與桃園兩座機場為起點，交織出個人視角與區域地緣、歷史記憶與當代空間再造之間的張力；新作《來自塔的預言》則追溯成田機場抗爭的歷史，將個人經驗、地緣政治與土地記憶疊合，讓飛行不僅僅是抽象的旅程，而是與現實衝突交織的辯證。 曾彥翔《Wet Edge of a Circle》。攝影：dulub studio   首次來台的南韓藝術家洪辰煊以影像裝置《午安，晚上好，晚安 v2.0》重現匿名影像網站的社群機制，挑戰演算法宰制的網路生態；勞麗麗的《飛行備忘》則將候鳥遷徙與田野影像並置，探索落地與飛行之間的情感協商。 洪辰煊，《午安，晚上好，晚安 v2.0》。   李秉璈的繪畫《滯緩與神遊：空船》則如旅途中隨筆般，以紙張與廣告片段拼貼出漂浮的時空。台灣藝術家羅懿君的作品更直接觸及物質與政治的交錯，將甘蔗、農具與健身器械轉化為《蔗渣飛彈》與《滑輪下拉機──紫電號》，指涉資源、戰爭與身體之間的矛盾平衡。 李秉璈，《滯緩與神遊：空船》。   在亂流中尋找航向 「亂流」不僅象徵飛行的突發狀態，更是策展團隊對當代處境的隱喻。當人們穿梭於跨境流動與資訊網絡之間，飛行已成為觀看社會景觀、身體狀態與文化記憶的折射鏡，展覽藉由機場的場域轉換，召喚觀者對「天空」的凝視與反思，重新丈量身體與情感的邊界，發掘感知的未竟之地。   亂流：半睡飛行夢 日期」2025年11月2日前 地點」北師美術館     資料及圖片提供」北師美術館 撰文」陳映蓁

在四川眉山的土地上，Club Med地中海鄰境．黑龍灘度假村坐擁5.6萬平方米的建築面積，紮根於龍泉山脈的層巒疊嶂與黑龍灘水域的靈動氣韻，以酒店為核心，向外延伸餐廳、泳池、遊樂園和水療SPA等等功能，空間中的每個面相皆鉅細靡遺地體現Biophilia（親生物性）的創作理念。     結合地形高低差，透過樓梯安排下沉景觀，環繞樓梯的巨型穹頂式環形螢幕，豐富通行路徑的樂趣。     通過系統性分析所在地的水文、地貌、植被等特徵，設計團隊將在地印象轉化為空間元素，以黑龍灘獨特的山水地形為基底，將自然意象注入設計中的每個環節，讓建築的骨架與地勢交織共生，在人文生活理念與自然環境之間建構有機對話。     大堂以航行於水面上的船隻作為主題，裸露的天花和木質結構帶來古時船艙的聯想，同時帶來通透的空氣感。     倚山擁翠 內外交融   全案主架構的設計靈感源自川西傳統的林盤聚落，受其不拘一格的體量布局、遍地綠色庭院、田野和山林所啟發，描繪了一幅建築與自然和諧共生的生態畫卷。在黑龍灘度假村的建築群間，交錯縱橫的植物與水池安於梯田般的結構上綻放，令建築塊體宛如於山野間生長，在美觀之餘，這些綠植也構成大堂中心串接不同區域的廊道，將各處獨立場域連動為一個整體，空間多採用大幅落地窗，降低室內外的隔閡，沿著不規則的建築走勢，視野轉折錯落，橫看成嶺側成峰，隨腳步移動，人為設計的符號與在地生態種種對應，令每個角度都可自成風景。     水的元素貫穿整體，蜿蜒步道輔以造型燈條，描繪有機流動的曲線。     大堂揚棄冗餘的裝飾性元素，利用空間架構表現雕塑般的震撼視覺，裸露的屋頂搭起宛如山脈般的形象，更通過其富有韻律的結構線條，強化場所精神，室內空間戲劇性的起伏與外部的自然景觀形成和諧奇妙的對照。兩側天花挑高夾道，效法層巒疊嶂的山體輪廓，配合頂部天窗陣列投下自然光，錯落疊映的天花縫隙和異材拼接，篩落層次豐富的光影肌理，宛如在山林漫步時，穿透樹梢和林蔭的細碎陽光。     雕塑如樹冠舒展、藤蔓延伸般的立柱造型，線條指向天花、往外漫擴，拉高整體視覺。     流動不息 自成脈絡   回顧黑龍灘的起源，素有「川西第一海」的美稱，基於大型人工水庫的修建，灌溉此地的生機，才扭轉了在地原先十年九旱的地理條件，成就如今的美麗風景。這段歷史淵源同樣深入黑龍灘度假村的設計，主建築體塊懸浮於人工營造的水面，輔以玻璃與落地窗，形塑湖水漫入空間的視覺幻象，水體的靜謐特性，既如鏡面倒映雲影與建築輪廓，同時隨風舞動漣漪與波光，為沉靜的空間捎來動態景色。     簡化樹木結構，構成餐廳的視覺焦點，木質立柱搭配藤蔓狀金屬裝置，拉近自然生態與一日三餐的關聯性。     前台設計如一葉扁舟，引人意會到度假村即是一處迎接無數船舟停泊於此方水域的寧靜港灣，跟隨大堂樓梯的引導，螺旋下沉的環形動線串連其他功能區域，環繞巨型穹頂螢幕以數位影像構建的海底世界，人群匯聚於此、川流不息，深入空間內部的過程既如步步走向地心、又似是探索地下深海。經過山水的滋養，生命得以破土而出，全日餐廳因而化為山林的姿態呈現，通過木質鋪陳，以及宛如樹木枝枒的立柱、天花結構，賦予空間野生的呼吸感，與窗外的樹頂相映成趣，也讓用餐的來賓化為森林生態的一份子。     水療區提取抽象化的竹子造型環繞坐區，間隙加入小巧照明，搭配牆面的竹葉圖紋，讓人彷彿置身於竹林間聽風小憩。     化山水於一隅偏安   流水意象如同無形筆觸，既串連起室內外的場景互動，同時又因應不同環境條件形塑不同場域樣貌，室外無邊泳池以台地式布局鋪展，鏡面水體與天際線相接，承襲天空的無邊壯闊；室內恆溫水樂園內含巨型葉脈天花、植物造型噴水裝置與滑梯，建構宛如童話世界般的雨林景觀。水療靜池則藏身於「水岸竹隱」之中，取用巴蜀竹林意象，在竹影婆娑間融入天然屏障，為放鬆身心的環境維護使用隱私。     酒店中的350間客房皆附設陽台，藉戶外風光豐富場景，進一步呼應人文與自然共處的主題。     圓形草坪作為室外活動區域，寬闊的空間富有多樣可能性，可舉辦派對或搭建休閒帳篷，與全通透玻璃幕牆的多功能廳形成可自由切換的使用彈性。350間客房均設陽台，邀請窗外的山景入室，寢區背景牆以「流雲」為主題意象，淺竹青與水墨線條交織，在坐臥起居的細節中感受自然的詩意。     衛浴間採用長虹玻璃作為隔板，平衡採光和使用隱私，在整體簡潔的設色背景中，白瓷浴缸和石紋地板的質感豐富了空間層次。     資料及圖片提供」P A L DESIGN GROUP  編輯」江瑜

「間（MA）」，是一種日本的獨有美學，透過對於「留白」和「虛無」的概念，解構對空間的認知，在有限的現實空間中探究無限的可能性，而「間」的觀念，對於藝術形態的形成與構造影響深厚，在思想與現實的多維度碰撞中，創作者與觀者對於自身與現實的認知也在不斷更新。     展覽主視覺。     也趣藝廊於2025年9月的展覽《間 ま MA》迎來三位日本藝術家——栗棟美里(Misato KURIMUNE)、大﨑のぶゆき(Nobuyuki OSAKI)、安田知司(Tomoshi YASUDA)的共同展出，三人各有擅場，透過獨特的藝術視角、邀請觀者進入「間」的領域。在這場展覽中，「眼見為憑」的思想不再如呼吸般理所當然，看似靜止的藝術作品，在觀者的腳步移動間彷彿也活出自己的生命動態；一如日文「間」，並非單指一段空白、一個空間，而是一個語境、包羅萬象的變化，喚醒觀眾對日常的好奇心，從「理所當然」的縫隙間，再一次看到生活內蘊的無數驚奇。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #02_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2024年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #03_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm_Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     薛丁格的照片   栗棟美里 (Misato KURIMUNE，b.1988) 以最初拍攝的照片奠定構圖基礎，巧妙融合光柵、複合媒材與人工智慧等多樣技法，讓平面的圖像呈現多樣化的材質質感，以此拼貼探尋美、存在、時間和生命的本質，靈感取自互聯網，參考當代以「觀看」建立人際關係的行為本質進行分析，建立創作概念。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #04_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #05_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     她的作品邀請觀者移動腳步，觀察作品中隨著觀看角度不同而忽隱忽現的人物，開啟一場關於「觀看」與「存在」的哲學探索。透過視線範圍內的存在與否，延伸探討人們對數位影像與現實的直覺認知，更鼓勵觀者主動反思美與生命的定義，在這個資訊過載的時代，她試圖釐清影像與虛構的邊界，展現出技術與概念的雙重深度，反映當代藝術與媒體融合的現象。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Images_Portrait #07_Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 35.5 x 20.4 cm, Framed Size 36.5 x 21.4 x 2.5 cm, 2021年。     對栗棟美里來說，「真正美麗的事物是什麼？關於所有存在和時間的本質，以及作為人類在這個維度中生活的探索又該如何衡量？」這些是她不斷叩問自身的議題，同時也是她希望大眾可以一起思考的部分，生命與世間萬物存在的有限性、以及希望盡可能在有限之內延長所有美好事物的私欲，促使她以持續探索藝術為目標而創作。     栗棟美里Misato KURIMUNE, You may be in this world. Or you may not be. Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 95.6 x 54 cm, Framed Size 98.8 x 57.2 x 2.95 cm, 2020年。     當代認知的畫質   安田知司 (Tomoshi YASUDA，b.1985) 的作品以細膩而理性的筆法將影像像素化，再以傳統繪畫的方式逐格填色重建畫面，觀看體驗宛如拼圖，當觀者在遠觀與近視間來回移動，自遠處望來看似具象的畫面，在近距離觀察時卻又模糊為一片片抽象色塊，就像觀看影片時恣意調整畫質，在現實中體會到虛擬的動態感。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.054ppi, 118(friends), Oil on panel, wooden frame, 41 x 53 cm, 2023年。     安田知司的創作彷彿無聲地詢問：一幅畫的本質，究竟是畫布上由顏料構成的「畫面」，還是承載圖像的「畫布」這個媒介？透過解構手法，他再「觀畫」的行為過程中注入新的意識，不僅重新定義了視覺的組成，也隱約暗示當代社會在消費與認知機制之間的模糊邊界，讓觀眾重新思考創作的概念和價值。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.149ppi, 126(lady), Oil on canvas, 33.3 x 24.2 cm, 2025年。     安田知司Tomoshi YASUDA_Sequence color, 26(parent), Oil on acrylic board, wooden frame, Framed Size 86.8 x 69.6 x 6 cm, 2025年。     記憶暫留   大﨑のぶゆき (Nobuyuki OSAKI，b.1975) 以錄像、影像處理與裝置為主要的創作形式，嫻熟運用編輯、解構與延展手法處理錄像素材，使觀者身處於影像與現實、存在與遺忘之間的模糊地帶。他的作品與傳統攝影以清晰為美觀的標準相異，專注於捕捉宛如視覺暫留的影像，呈現彷彿「未完成地出現」，或「正在消失中」的狀態，讓影像成為時間的容器。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Portraits (Buenos Aires｜Portraits of Japanese immigrants) A_LCD screen, TV stand, video, audio of the interview...and others_Installation_2019_ed. 3+A.P 2 .     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Untitled album photo (Couple, Beach, 38E) 1_C-print, 120 x 80 cm, 2019, ed. 3+A.P 2 .     對大崎宣之而言，創作的核心並非完成單一件繪畫或錄像作品，而是透過其極度勞力密集的創作方法，去捕捉並視覺化那些不可見、不可觸及的流動瞬間，透過一幀幀畫面的延續，他的作品細膩且充滿詩意，搭建起一座綿延的橋樑、展開關於時間與記憶的深度冥想。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Sandial (-34°) 25-02_Paper, photographs, UV filtering acrylic cut at 34°, frame(glass), Framed Size 39.5 x 30.5 cm, 2025年。   資料及圖片提供」也趣藝廊 編輯」江瑜

位於台中市西區藝術文化氣息濃厚的「草悟道」的亞米藝術，自科博館園區、綠園道延伸至國美館，儼然成為中部藝文界的藝術聚落，以推動華人現當代藝術的發展為職志，提供一個讓創作者和欣賞者可以彼此互動的平台，積極挖掘台灣本土年輕藝術新銳，如藝術家蔡佑承的雕塑展——煉境。     《馬兒都知道》，陶、金箔，43 x 17 x 21cm（含底座高52cm），2025年。     本展內容囊括藝術家多年心血、在陶藝與鐵雕間的深刻探索，在不同的主題間穿梭，變化的不只是心境，同時也反映在不同時期的作品中。蔡佑承從陶土的柔軟與可塑性出發，透過指腹的感知賦予泥塑生命力，並在鑽研陶藝的過程中，觸類旁通了對於新的創作媒材的興趣。     《想象》，鐵、陶、瓷、金箔、複合媒材、特殊塗料，66.5 x 86 x 25cm，2025年。     《靈犀》，陶、金箔，43 x 19 x 25cm（含底座高48cm），2025年。     突破自我的媒材跨界   在台灣藝壇，鐵雕創作屬於相對少見的表現形式，相較於其他媒材，鐵雕不僅需投入大量體力與時間，更須仰賴高度專業的技術與設備支援，種種條件疊加的門檻及當中的辛勞，成就鐵雕作品的難能可貴，也使其在當代藝術中獨有一份特殊地位，不僅因為這個領域展現出藝術家對創作的執著與堅持，同時也為觀者帶來截然不同的感官體驗與思維觸動。     《千年之愛》，砂岩，37(H) x 30 x 26cm，2013年。     《內煉之境》，陶，28.5(H) x 23 x 16cm，2023年。     創作鐵雕，從來不只是浪漫的造型與對藝術的想像，在創作過程中，大部分時間更像是一場與金屬、火焰、重量與時間的搏鬥，鐵材的剛硬與冷峻，讓創作者每每在試圖塑形和調整自己的構思時，皆須觀測環境與用材的狀態、調整自身的手法，從切割、鍛敲、焊接到打磨，每一環節都蘊含極高的挑戰性與複雜性，與蔡佑承過往創作陶藝作品的經驗截然不同。     《心願之蛙》陶，37(H) x 30 x 20cm，2023年。     《共鳴之棲》陶，39(H) x 43 x 33cm，2015年。     隨著鍛造金屬閃爍刺激性的光與熱，也許只是雕塑過程中的一小部分，卻是無數次試驗與失敗的凝縮，新的挑戰同時也讓蔡佑承發掘新的創作方向與成就感，隨著技術成熟，他更進一步地嘗試結合陶藝與鐵雕，探索複合媒材的可能性，最終成功融合兩種材質的特性，並呈於作品中，訴說新的故事。每一道焊縫都是藝術家與金屬之間的對話，藉由傾聽鐵的回應，感受熱度、速度、角度是否契合；稍有不慎，整件作品就可能因此失去平衡或結構強度。這不僅是勞力的挑戰，更是技術與藝術判斷力的總和。     《回首之棲》陶，62(H) x 29 x 27cm，2023年。     《初心未寂》，陶、銅複合媒材，63(H) x 40 x 36cm，2025年。     反覆鍛造成材的創作理念   蔡佑承將佛法融入創作，透過作品傳達對生命的尊重與對自然的敬意，在他的作品中可見動物的形象、人性化的表情、手工質感的溫度，加上複合型用材，反映出對傳統與現代平衡的追求，以及對內心情感與思考的細膩刻畫。鐵雕不像泥土那樣柔軟可塑，也不如木材那般溫潤易切，它冷硬、沉重、易碎裂，在焊接時還需面對高溫閃光、火花飛濺，但正是在這樣的環境中，才能鍛造出堅韌的意志，透過熾熱情感為鋼鐵塑形、為冰冷金屬注入生命。     《應牛而行》，瓷、鐵、複合媒材、特殊塗料，52x53x37cm，2025年。     鐵雕源自於工藝，結合工匠的智慧和藝術家敏銳善感的心智，透過焊接的火花，燃燒創作者不屈不撓的執著。無論是陶藝還是鐵雕，蔡佑承的作品皆蘊含溫暖與和諧的力量，讓觀者在欣賞的過程中，體會心靈深處的平靜與慰藉，他的創作旅程是技藝與精神層面的雙重成長，引領觀眾見證一位藝術家在傳統與創新中不斷突破自我的歷程。     《觀行》，鐵件、木底座，108(H) x 46 x 20 cm，含底座高197cm，2025年。 資料及圖片提供」亞米藝術 編輯」江瑜

台語「耍（sńg）」意指玩、遊戲，「物仔（mih-á）」則意為小東西，結合解釋即是可供戲耍、遊戲的小物件，提到偶戲，人們的重點往往聚焦於仿造人形所創作的人偶，然而一齣戲劇不僅只是由「人」的對白組成，還有許多小小物件的參與，提示觀眾時間、地點與事件的等種種元素，才能將故事完整演繹。 展覽主視覺。     2025適逢台北偶戲館20周年，館長藉童年扮家家酒的記憶為引言，讓觀眾透過遊戲般與物件互動的方式，挖掘物件自身的特性，在觀察、擺放、排列的過程中，延伸展出敘事情節。     展場照。     展場照。     物件劇場的多元可能   「物件劇場」此一概念源於歐洲，首次在台灣舉辦主題展覽，結合偶戲館的歷史與陳列，以此為出發點，引導台灣民眾走進物件劇場的世界。看似如偶劇般，同樣是透過物件演繹故事，但又不同於將物體擬人化的表現手法，引導觀眾的注意力回到物件本身，結合觀眾的觀察與想像力，串連自己在物件上發現的蛛絲馬跡、觸發自身的情感記憶，意會劇作者想表達的內涵。     德國柏林當代物件劇團「復古未來主義Retrofuturisten」，《Million Mils》演出劇照。圖片來源©Retrofuturisten     匯聚國內外創作者，包含來自法國、比利時、德國、美國、西班牙、捷克等八個國家重要的物件劇場劇團參與展出，不僅有幾名歐洲物件劇場的早期先驅、當代中堅份子，還有台灣的代表性劇團。如被定義為「物件劇場的先行者」，來自匈牙利，長居義大利的表演藝術家、導演與劇作家，尤拉・莫爾納Gyula Molnár / Giulio Molnár。其經典之作《Small Suicides》由三段獨立短劇組成，全程無語言、無角色，卻以最簡潔的物件和動作，精準傳遞了深刻的孤寂。     TAMTAM物件劇場（TAMTAM Objektentheater），《鏽釘與其他英雄》，以撿拾物為主角的詩意劇場作品。     克里斯蒂安・卡里尼翁（Christian Carrignon）與凱蒂・德維爾（Katy Deville）夫婦於1979年所成立的法國廚房劇團，將影視語言應用於劇場，取用平日觸手可及的物件，如蔬果和餐具，強調與觀眾共享製作過程，調整藝術濾鏡所造成的距離，調度來自日常的創作材料，呈現一種親密的敘事形式，探問個人與社會的連結。     中央車站劇團（Cie Gare Centrale），創作強調物件本身即為舞台主角。透過別墅模型、新婚人偶和玩具跑車等物件陳列，組成故事情節。     此外，在台灣擁有豐富物件演出經驗的飛人集社劇團，與當代物件創作的囝仔人劇團亦一同參與展出，特別邀請高重黎藝術家參與展覽，呼應「物件」承繼來自20世紀視覺藝術「現成物（ready-made）」概念；自杜象（Marcel Duchamp）首次將日常物件轉化為藝術作品，延伸至普普藝術（Pop Art）、貧窮藝術（arte povera）、觀念藝術（Conceptual Art）等藝術形式，改變物件只是工具的思維，進一步用於傳遞概念、結構與意義，透過來自不同時期和不同國家的創作在本展中呈現的樣貌，清晰映照出物件劇場的演變與發展。     尤拉・莫爾納(Gyula Molnár / Giulio Molnár) ，《Small Suicides》，創作於1980年代，是物件劇場發展中的經典之作。     物件、道具、工具，本身即是積累人群長期使用並不斷優化的結果，自造型、材質，使用目的與使用過程所留下的痕跡，自誕生之初就與環境互動不斷，即便自身無法開口講述，物件主體即是一段無言訴說的故事。物件劇場著重透過普通的物品作為角色，以劇場手法突出物件的本質，在故事的推進中，促使觀眾觀看物件的方式產生新的視角和理解。     飛人集社劇團，持續以「小而專精」的策略，深耕偶戲與物件劇場，透過策展、群聚、跨界交流，成為推動台灣當代偶戲與物件表演發展的重要推手。     笨手劇團（La Compagnie les Maladroits），透過「拾撿、組合與拼裝」開創創作風格，並強調「遊戲精神」作為持續創作的方法論。     隨時更新的展陳內容   步入展覽空間，就像踏入一本劇作者的創作筆記，每個角落的展品都是一個劇團的精心呈現，透過物件、影片和臨時的文字註解，拼貼出創作的過程和表演片段。     奧利戈爾與微觀劇場 (Oligor y Microscopía )，出於對小而脆弱的物件知喜愛，揉合視覺藝術，重構記憶畫面，以物件與文獻共構獨特劇場。     在近11個月的展期中，結合展覽內容策劃了一系列讓觀眾與創作者可以共同參與的公眾活動，搭配台北偶戲館首創「Taipei Puppet Fest」8月表演節目與多元創作延伸，包含表演、工作坊、新書發表等，不僅延伸展覽物件的敘事，同時也在劇團表演期間，增減展間呈現的物件，讓觀眾一同沉浸式感受劇團活動的過程中變化的思路、觀看一場表演自設計到登台的過程。     達法劇團（Dafa Theater），以物見與肢體劇場，推出包容多元文化的實驗性創作，在現場作品中，透過玩具士兵的童趣意味傳遞對戰爭的反思。     本展旨在探尋「物件劇場」各種可能的面貌與發展脈絡，而是回到創作現場，從創作者與其使用媒材之間的關係出發，探索物件如何成為情感與敘事的核心。對於台灣的民眾，這是一種全新的概念，不僅止於一次性的娛樂，同時也在輕鬆的氛圍中，解構觀眾看待物品的慣性，從平淡無奇的日常中，挖掘全新的驚喜。   資料及圖片提供」台北偶戲館 採訪」江瑜

坐落於海南澄邁海濱的城市游牧美術館，作為Also Architects創作的模組化藝術裝置，秉持游牧美術館「無界策展」的精神為宗旨，通過巧妙的模塊化設計，實踐可靈活組裝與持續使用的機能，並放眼未來更多元化的場景使用，期待在滿足便於拆解變化的彈性之餘，同時保有可以觸發群眾共鳴的藝術性。 模組化裝置藝術。     便於組合排列的模組化型態。     觸發心靈共鳴   音樂與話語的連結，以聲波為媒介，搭起人與人之間溝通的橋樑。Also Architects解構聲波的特性，提取靈感創造本案設計概念，通過捕捉聲音傳播和擴散的軌跡，引用抽象的振動頻率，拓展為具象開放的空間場域；張開傘狀結構，在沙灘上宛如盛放的白花，以燈光為圓心，六邊形輪廓進一步讓人意會聲波擴散的同心圓結構，並以頂部帆布的起伏皺褶對應聲音振動的頻率變化。     作為音樂節的一部分，以聲波為靈感，結合科技與藝術裝置。     因應現場不同功能需求，游牧美術館的模組化單元通過線性陣列、環形圍合、自由散點等三種基礎模式，同時達到聚焦人群的互動，以及連結不同群體的作用。     傘狀結構搭起彼此之間的聯繫，庇蔭傘下的遊人。     與不同環境對話的可能性   六邊形模組造型源自蜂巢與龜甲的幾何型態，這種最接近圓的棱角，兼具理性秩序，又暗含拆解重組的自由基因，正如遊牧民族隨季節遷徙時，能夠快速移動重建的樣貌，始終不變的，是人類強韌的適應力和生活的可塑性，將「流動基因」與「包容性」編碼進幾何秩序。     採用可循環利用的自然材質，打破藝術只是一次性作品的刻板印象。     通過增減數量、旋轉角度、變換陣列密度，定義音樂節上熱鬧卻不混亂的場景，市集區採用連續傘群形成半遮蔽廊道，演出區通過單元錯位創造聲場反射面，休憩區則以鬆散佈局保留海風穿行的孔隙。保留市集、休閒區、聚會區以及展覽區之間的關聯性，同時以包容的態度連結各區特色，共構一個完整的藝術生活體驗場景，不僅能夠從容應對現場隨時更改的多重變數，同時也在可預見的未來回應不同場景的需求變化。     架構設計中所包含的自然循環理念，與工業手法共生。     鋼、竹與帆布三者形塑精妙的動態平衡。     可循環的藝術理念   結構設計與使用的建材體現自然與工業邏輯的共生，主體以熱彎工藝處理的竹材打造基礎骨架，隨後再用中央鋼質圓環固定核心，並利用竹材天然的柔韌性形塑流暢弧度，同時通過模組化節點與金屬構件精密銜接，讓木質類的溫潤與金屬碰撞出建材的溫差。     因應環境建構生活場景。     頂部繃緊固定的帆布並非簡單覆蓋，而是通過鋼管預先施加的精准拉力形成懸浮感，刻意保留的縫隙既減輕風壓擾動，又為陽光與海風留下滲透通道，回應沙灘特有的氣候。鋼、竹、帆布三種材質形成精妙的動態平衡，構築起一座既具雕塑感又能呼吸的臨時構築物，輕質金屬連接細節，確保模組化快速組裝的效率，也預留了異地重組的可能性。     取材蜂巢與龜甲的有機幾何型態。     選擇竹材為載體，不僅是取用其東方古典的詩韻，同時內蘊設計師對於臨時建築的生命週期與友善環境的生態考量，當音樂節落幕，這些裝置將被拆解為獨立零件，帆布回收再製為文創衍生品，竹材轉化為家具用材，「可逆性建造」的思維，擺脫一次性消耗的宿命，轉而成為可迴圈的文化載體，游牧美術館也因此延續了它的生命力，在不斷變化的型態中，讓藝術與生活的不同面向交織共生。     城市游牧美術館藝術裝置市集。 資料及圖片提供」Also Architects、城市遊牧美術館 編輯」江瑜

當布魯克林的楓葉染紅窗框時，台北的晨光正穿透101大樓的玻璃帷幕，位於紐約布魯克林的工作室裡，周大鈞正用鉛筆勾勒草圖，窗外即是充滿活力的街區；同一時刻，台北晨光穿透玻璃帷幕，許育嘉在案前審閱著尼泊爾寺廟的修復照片。12小時的時差，30幾年的默契，這對設計夥伴以「跨時區接力」的方式，將東方的細膩與西方的邏輯編織成獨特的空間詩篇。 周大鈞 LEED認證建築設計師、東海大學建築學士，以及紐約哥倫比亞大學建築暨都市設計碩士，其國際作品橫跨商業與住宅領域，展現出對尺度與細節的高度掌握。周大鈞的住宅與商業設計遍及亞洲與北美，享譽國際。其設計語彙以文化細節與風格張力之間的流暢交融為特色，精緻地融合東方與西方、傳統與現代，更在沉靜中展現力度，體現國際視野與永恆美學的完美結合。 許育嘉 在建築和室內設計方面已有20多年的經驗。作品由於類型、地點及客戶的多樣性而深受肯定。許育嘉成長於台灣，在台灣及美國受教育及工作。因著東西方文化的互相影響，非常活躍地參與各地的多元文化項目，足跡遍及紐約、洛杉磯、台灣、上海和尼泊爾等地，同時也是台灣的註冊建築師、東海大學建築學士，以及紐約哥倫比亞大學建築暨都市設計碩士。 從東海建築系到紐約天際線 1992年，那是一個尋常的午後，東海大學建築系的樓梯間，學長周大鈞從五樓走下來，隨口問了學弟許育嘉：「要不要去買飲料？」誰也沒想到，這句簡單的邀約，成了兩人30 幾年友誼與合作的開始。許育嘉回憶初遇片段，笑稱彼此履歷相似得「只要換名字就能用」。周大鈞不僅帶領他踏入建築世界，後來更成為人生摯友，從哥倫比亞大學研究所、紐約職場，再到共同創立公司，他們的合作像一場即興爵士，主旋律是信任與玩心。從台灣到紐約，從建築到室內設計，兩人的旅程像是一場精心設計的空間敘事，充滿默契、挑戰，與對生活的深刻理解。 在哥倫比亞大學與教授的合照。從右到左分別為：許育嘉、Brian McGrath教授、周大鈞、學弟黃金樺（前彰化青年處處長）。 周大鈞形容：「我們像兩個小孩在玩設計。」許育嘉笑著補充：「但我們從不吵架，可能上輩子是兄弟吧！頂多他假裝生氣說『待會你主講』，最後還是自己跳上場。」這種默契源自大學畢製，當年周大鈞的畢業製作需成立一個團隊，彷若擔任一間小公司的「老闆」，而許育嘉就是成員之一，他們大膽找來不同科系的夥伴加入，像是請美術系朋友為色彩美學把關，建築系夥伴則帶來結構的嚴謹思維等，透過跨領域的碰撞，讓最終成果跳脫傳統框架，充滿獨特生命力。「現在想起來還是覺得超瘋狂！」許育嘉笑著回憶。最經典的莫過於那次在建築系館熬夜趕工，原以為要通宵達旦，卻因為團隊目標明確、效率驚人，竟提前三小時完工，一群人還能得空溜去唱KTV，這種「在嚴謹中迸發的隨性」，至今仍是兩人眼中的「完美主義浪漫」。 談到那次神奇的高效率，周大鈞分享了一個關鍵心法：「當你清楚知道自己要什麼，做到極致了就該停下。自信不是無止盡地堆砌，而是精準達到對自己的期許。那種『剛剛好』的滿足感，才是最珍貴的。」這種既追求極致又懂得收放的哲學，正是他們日後在專業領域游刃有餘的祕密。這對設計夥伴，一個急性子追求完美，一個善於用幽默化解壓力，卻在創作中找到了共同的語言：「設計不是實現風格，而是實現人的故事。」令人驚喜的是，他們的合作就像呼吸般自然，溝通時沒有壓力，只有清晰的思緒碰撞。這種默契讓成果總是超出預期，也正是這份流暢無阻的協作能量，成為他們日後打造跨國事業時最堅實的信任基石。 “ 一杯飲料，開啟30幾年的默契。” 零食櫃裡的公司哲學 憶起創業的起點，那年剛結束台北兩年多的繁忙工作，來到紐約的許育嘉在公寓裡，整整休息了五天，一日在晨光中醒來，突然撥了通越洋電話：「老闆，我決定離職了。」這通電話成了Design Determination十瀚設計誕生的前奏。命運也總愛安排驚喜，從紐約回台前，他在舊金山Yerba Buena Gardens閒逛時，怎麼也想不到數月後會在同個地點親手重塑此方景致。先前為台北101辦公室熬夜趕工的藝術裝置，意外引來Samovar tea lounge老闆Karter的青睞，希望由他為Samovar tea lounge的新分店作設計。「人生就像設計圖，永遠不知道下一筆會連到哪裡。」這個橫跨太平洋的案子，讓他毅然踏上創業之路。然而，創業初期卻恰好遇到金融海嘯，公司從熱鬧的團隊縮減到只剩兩人。「我們賣了房子，像守著最後一塊設計板。」他們輕描淡寫帶過那段在艱辛中堅持前進的日子。 在疫情下，將隨手塗鴉化成文創卡片，成為公司嶄新事業，以細膩筆觸將溫暖具象化。 創業挑戰不斷， 靈活整合資源， 讓Design Determination十瀚設計始終在續航中前進。2022年新冠疫情開始席捲全球，台北與紐約兩地團隊卻面臨迥異境遇，台北辦公室意外迎來台灣房市熱潮，而紐約團隊卻接案停擺，隨著閒暇時間的拉長，周大鈞為了維持團隊的創作熱情並拓展經營範圍，決定以興趣作為發想另闢途徑，拿起畫筆將滿腔靈感化為一張張手繪卡片，並突發奇想向員工提議：「要不要一起設計卡片？」團隊眼睛一亮，瞬間點燃熱情，從員工到行銷團隊，悄然將卡片設計、網頁更新全數完成，並逐漸開發AR輔助系統，將疫情間的隨手塗鴉變成文創卡片，拓展出一條經營線。 結合AR技術，讓靜態的卡片圖畫動態化，增加使用者的趣味性。 原本的閒暇塗鴉，竟成了公司的新事業，這不僅是轉型，更是一場意外的團隊凝聚，每張卡片都藏著疫情下的溫暖，每筆線條都是彼此扶持的印記。如今，這份小而美的堅持，成了公司最動人的風景。危機讓他們發現，設計的本質是「人」的連結。創業至今，面對設計他們仍始終堅持「高級訂製」般的精緻模式，讓每個作品都帶著手作的溫度。 紐約辦公室空間照。 台北辦公室空間照。 紐約與台北除了時差，也有著工作文化的不同，他們取其優點，調和成團隊的節奏默契。「在紐約公司，員工六點準時下班，加班到七點主管就感動到付計程車費。」許育嘉將這份美式職場文化帶回Design Determination十瀚設計，談到：「台北辦公室有永遠補貨的零食櫃，紐約辦公室後來也跟進設置。」周大鈞則補充：「但美國同事更重視界線，週末絕不談公事，這反而是健康的提醒。」 “ 危機就是轉機，另闢蹊徑的達觀。” 編織夢網 美夢成真 許育嘉的設計過程宛如一場靜謐儀式，先讓自己沉浸於空間之中，捕捉環境的細微脈動，隨著觀察讓腦海逐漸浮現畫面，彷彿在夢中編織另一個維度，不禁令人想起《全面啟動》裡造夢者構築世界的魔幻時刻，只是許育嘉的畫筆取代了電影中的特效，將天馬行空的想像化為無數草圖。周大鈞的設計靈感猶如一座生機盎然的庭園，既有來自業主的真實需求，也有他對自然的有機迷戀。他享受在後院與植物相處的時光，修剪花草、觀察生命，這樣的日常滋養了對有機線條與自然元素的偏愛。但他深知設計並非獨白，而是與業主的共創，因此擅長從對方的衣著品味、生活態度中捕捉線索，將個人美學與業主氣質巧妙融合。他笑稱：「有時候得先拋出瘋狂點子，才知道能一起走多遠。」這種在限制中尋找自由的平衡，正是他創作中最迷人的特質。 許育嘉從不把工作視為苦差事，對他而言，設計就像呼吸一樣自然。當志同道合的夥伴一起投入熱愛的事業時，連日常對話都會不自覺圍繞著創意打轉。「我們常常討論到一半，就會互相提醒：『該停止瘋狂發想了，快進入下一步吧！』」周大鈞笑著透露兩人工作時的有趣互動。這種渾然天成的熱忱，不需要刻意維持，就像孩子玩樂高時不會計算時間，當沉浸在自己熱愛的領域時，連加班都成了享受的過程。他們用行動證明，當工作與熱情合而為一，每個挑戰都會變成令人期待的冒險。 紐約的理性與台北的感性 「美國設計是在限制中找自由，台灣則是在自由中自我約束。」許育嘉的比喻精準點出雙城差異。跨國設計最迷人的挑戰，是法規與文化的碰撞。周大鈞分享紐約案例：「業主想裝設保險箱，得先請建築師計算樓板承重，流程耗時三個月；在台灣，設計師甚至能把房子改造成洞穴。」提到兩地文化差異，許育嘉舉例：「氣候和文化，是設計師永遠的考題。」美國公寓的陽台是喝咖啡看街景的浪漫角落，但到了台灣，陽台得容納洗衣機和曬衣架。「我們不能改變建築DNA，但能讓空間『說在地的語言』。」在紐約，他們學會用「財富基因」解讀業主，Old Money重視傳承與服務，一句「聖誕派對前完工」便瀟灑旅行三個月，而設計師就像私人管家，默默處理細節讓業主三個月後驚喜驗收；New Money追求效率與驚喜，會每天確認進度，設計師需化身效率專家，精準掌控時程預算，有如魔術師。 周大鈞形容自己像一株適應力強的植物，紮根紐約布魯克林，卻帶著台灣的生長紋理。他愛種花、愛藝術，更愛觀察人的衣櫥，認為「衣服是最直接的自我表達，而空間只是延伸。」他曾為一位圓潤輪廓的紐約業主，為全屋選配圓角家具；也因客戶家庭成員身高懸殊，量身訂製符合人體工學的座椅。周大鈞說：「真正的設計是讀懂業主沒說出口的渴望。」其方法論藏在細節裡，他會觀察客戶衣櫥的色系，甚至從待客細節來判斷空間該留多少社交餘裕。許育嘉則自嘲曾是「工作狂」，在哥倫比亞大學被教授訓斥：「你做太快了，重來！」如今他則學會在靜坐中平衡速度與深度。其靈感來自「現場的呼吸」，走進空間感受光影，想像使用者如何生活，「骨架對了，穿什麼都美。」 跨國合作最迷人的，莫過於資源的流動。某次台灣客戶鍾情紐約展間看到的異國磁磚，團隊立刻啟動「全球採購模式」：紐約同事下單寄回，台灣師傅精密拼貼；另一次，則是將台灣的訂製家具裝進貨櫃，飄洋過海運去紐約。台北選的軟裝、紐約找的硬裝，台灣的客製實力遇上紐約的軟裝創意，擴大了團隊的視野與選項，聯合彼此優勢，碰撞出全新火花。兩地事務所合作也如同接力賽：紐約團隊下班，台北團隊接棒畫圖，時差反而成了加速器。 “ 從限制中找自由，在自由中自我約束。” 暖陽化冰的應對 「我們像空間偵探。最難的不是設計，是當業主堅持『你錯了』，卻不肯說真正在意的點。」周大鈞提到，曾為找出客戶挑剔床墊的真正原因，花三小時喝咖啡閒聊，最後發現對方只是害羞承認選錯尺寸。「一杯咖啡的時間，往往比合約條文有用。」這種「把衝突變下午茶」的智慧，讓他們連棘手的風水要求都能化解。許育嘉與合作多年的風水師，總能在現代法規與傳統羅盤間取得巧妙平衡，提及「開門不見灶」的講究，許育嘉會心一笑：「這其實是古人的智慧，從前灶火怕風，本質是實用考量。」當財團業主堅持大樓方位得配合羅盤時，他們找來風水師，讓科學與玄學在3D模型裡握手言和。甲乙方溝通有磨擦時，「學會翻篇很重要。」許育嘉表示，每個案子都是緣分，強求不來，彼此尊重才能成就佳作。周大鈞亦會耐心理性的深談，釐清癥結點，提及過去有個案子耗時三年，過程裡從設計師變身成業主的「生活顧問」，這段經歷成了難忘的故事。 提及「永續」話題，他們共同認為「減法設計」是愛護環境的解方，不過度裝修的觀念更加重要，周大鈞指出在裝修時，百年家族偏愛採用實木，會以物料的耐久與歲月韻味作為考量，新富族群則普遍接受十年作為翻新週期，「沒有對錯，只有誠實面對需求。」而面對近期逐漸攀升的AI 浪潮，兩人像品嚐新菜般不排斥亦不盲從，周大鈞比喻：「AI像不成熟的朋友，只能反射你的品味。如果客戶只要AI設計，那不如直接找工班。」雖然AI能快速產出素材，卻嚐不出廚師的手溫與火侯，高層次業主期望的設計師，是作品有「原則」、有「靈魂」，而非華麗炫目的「選項」。他們認為科技無法取代「共同激盪」的過程，設計者個人涵養、思考深度、文化品味，是「共同激盪」的結晶，也是作品與眾不同的基石。 周大鈞在峇里島與自然相會，感受當地人的悠活步調。 談及未來時，周大鈞透露心中的夢想之地是峇里島。他希望能像作家蔣勳一樣，每年安排一段時間遠離塵囂，專注於繪畫創作。「如果還沒決定退休後要去哪裡，不如先去峇里島生活看看再決定。」他笑著說道，眼神流露著嚮往。許育嘉則惦記尼泊爾的緩慢步調，因緣際會參與聯合國在尼泊爾的佛陀誕生地保護計畫，所以多次往返當地，該計畫包含各國興建代表寺廟的園區，專案自2008年進行至2011年開幕，後續仍有多次修整。這段過程教會他「慢，有時才是快」，隨著時間推移，他逐漸學會放下堅持，找到與當地團隊合作的方式，並看見了正向的發展。經過溝通磨合也對尼泊爾產生深厚的歸屬感，甚至覺得那裡就像是另一個家鄉。 許育嘉在尼泊爾因緣際會下修習靜坐，在沉澱中迎來一場心靈之旅。 採訪尾聲，周大鈞翻出手機裡的「夢想清單」，許育嘉吐槽：「寫了三十年還沒動工！」或許這就是他們的魔力，把設計變成生活，把客戶變成朋友。在這個追求風格的時代，他們寧願隱去自我，成為業主生命的鏡子。正如許育嘉所說：「我們不是設計大師，只是幫人把日子過成喜歡的樣子。」而周大鈞的結語更簡單：「業主回家開心，我們就開心。」 “ 用一杯咖啡的時間，讓衝突翻篇。” 洛克菲勒藝境私邸 “ 跟著藝術住進自然。” 這是一場融合細膩對話與美學共鳴的設計成果。業主以其敏銳的藝術眼光，深度參與材質挑選與細節雕琢，更提出獨特的照明構想，催生了量身訂製的建築式天花設計，為空間鋪陳低調優雅的氣質。專案初始，業主清晰的飾材配色構想便為設計奠定基調。設計團隊在此基礎上，透過和諧的層次安排，將原始願景昇華為更具完整性的空間語彙。而貫穿整體的靈魂，是業主橫跨多年、薈萃各洲的私人藝術收藏，每件作品皆承載著職業歷程、個人熱情或旅途記憶，使藝術超越裝飾，成為訴說故事的詩意載體。 自然靈感亦巧妙滲透於空間肌理，例如主臥雕塑感的垂柳主牆、客房熱帶景緻與奇幻動物圖騰，皆流露有機生命力。客廳中豹紋壁紙與櫻花地毯的東西方對話，以及起居室華麗虎紋地毯的張揚平衡，更展現大膽卻精準的美學掌控。最終，每個角落皆體現業主對美、記憶與自然的渴望，以靜謐奢華的筆觸，完成這幅充滿個人印記的生活畫卷。 格林威治村靜謐閣樓 “ 光與比例的雕琢，交融歷史與當代優雅。” 這座位於格林威治村的閣樓住宅，經重新設計後化身為繁忙都市中的一方寧靜天地。挑高的天花板與大片落地窗引入豐沛自然光，在喧囂的城市背景中創造出舒緩的對比，透過完美平衡功能與美學的設計，呼應屋主對細節的講究。精選的家具與藝術品交織經典與現代，營造層次豐富卻毫不刻意的氛圍。新舊元素的對話，為空間注入溫暖質感，讓每件作品自然成為焦點。色彩運用簡約而克制，利用乾淨的線條、柔和中性調與天然材質，低調烘托建築特色。格局規劃貼合日常需求，流暢的動線布劃，讓各區界線分明卻相互連結。從閱讀角落到用餐休憩區，設計鼓勵互動與流動，跳脫傳統開放式格局的框架。 這座住宅的獨特魅力在於其「靜謐自信」，無需誇張語彙，僅憑光線、比例與細膩工藝的雕琢，便悄然展露美感。設計既尊重格林威治村的歷史底蘊，亦賦予當代生活的舒適與意圖。不僅是居所，這處閣樓更體現社區精神－個性、創意與歷史在此交融，既呼應周邊社群的獨特氣質，亦滿足現代奢華生活的追求，成就一處優雅而寧靜的都市棲居。 紐約雲端藝居 “ 以藝術筆觸描繪東西美學。” 坐落於紐約傳奇的史坦威大樓內，這處住宅坐擁中央公園景致，毗鄰卡內基音樂廳與MoMA，盡享曼哈頓精粹。隨著Bonhams藝廊進駐，社區文化底蘊更顯豐厚，此宅邸亦成為融合藝術與生活的精緻城市居所。設計巧妙平衡現代優雅與個人敘事，東西方文化、藝術熱忱與舒適個性在此交織，深刻體現屋主的生活哲學。雕塑般的形體、大膽圖案與靜謐中帶表現力的色彩，構築成空間主調。 家具以實用舒適為本，而精心陳列的藝術品，尤其靈感源自動物的作品，則低調訴說屋主對生命的深厚情感。空間規劃呼應家庭生活型態，大型酒窖妥善展示珍藏，原本模糊的早餐區與客房轉化為靈活的工作娛樂場域，滿足文化環境中的多元需求。公共區域如藝廊般流暢串聯廚房、餐廳與起居空間，私人領域則隱密安設，提供靜謐休憩。藝術與雕塑的巧妙布局，不僅引導動線，更譜寫視覺的韻律節奏。 台北French inspired Maison私宅 “ 法式雙開軸線間，演繹時尚的古典浪漫。” 靈感源自屋主對法式雙開門的浪漫想像，每一扇門的開啟，都如同展開一頁精緻的古典篇章。設計團隊以嚴謹的軸線對稱布局，從公共區域到私密空間層層遞進，完美復刻古典建築的序列美感。落地式雙開門的設計巧妙隱去現代建築痕跡，營造出純粹的法式氛圍。而屋主深厚的時尚產業背景，為空間注入了大膽而活潑的色彩語言。整體配色與收藏藝術品相得益彰，展現獨特的生活品味。設計團隊更專程前往巴黎19區古董市集，精心挑選全室家具、燈具及擺飾，為空間增添時間的厚度與溫暖的光輝。 客廳中，玫瑰花壁爐與鬱金香壁燈相映成趣；餐廳手繪牡丹壁紙透過古董掛鏡折射出優雅韻味；各處點綴的植物花鳥藝術品，則娓娓道來屋主對自然園藝的熱愛。轉入起居室與主臥，飽滿的色彩張力在此盡情釋放。推開主臥雙開門，一條貫穿的中軸線引領視線，經過無限反射的鏡面穿堂，越過更衣室，最終抵達以黑白為主調的主浴空間。在這裡，所有色彩歸於純粹，只留下最本真的寧靜與放鬆。這處居所不僅是對法式古典美學的致敬，更是屋主個人品味與生活哲學的完美呈現。每一處細節都在訴說著：「優雅，是一種生活方式。」 台北Park One靜謐時光 “ 臨水圓拱，以光與線條譜寫生活的從容優雅。” 這處臨水而居的退休宅邸，以270度轉角陽台擁抱遼闊水景，將看盡千帆的灑脫情懷轉化為空間語言。設計團隊巧妙融合圓拱語彙、天然材質與精準比例，打造出一座靜謐卻層次豐富的生活舞台。純白基調與自然光的完美配合，賦予室內輕盈通透的氣息；開放式格局中層層遞進的圓拱線條，不僅柔化空間節奏，更為整體構圖譜寫古典韻律。 客廳主牆選用雲灰大理石搭配金屬飾件，低調演繹奢華質感；落地窗邊特別規劃的訂製臥榻與圓桌組合，結合弧形壁龕與精選藝術品，打造出日光浸潤的靜謐角落。餐廚區以大理石中島與Poltrona Frau不規則橢圓餐桌為核心，搭配層次天花與Preciosa手工霧白水晶吊燈，營造優雅精緻的用餐情境。書房延續圓拱設計語言，選用墨綠牆面與Ceccotti Collezioni 胡桃木書桌，在沉穩中展現非凡品味。這座宅邸完美平衡古典底蘊與現代精神，透過光線與線條的詩意交織，創造從容而富有儀式感的生活節奏，充分呼應居者對細節、品味與日常美學的至高追求。每一處轉角，都是歲月靜好的最佳註解。 資料及圖片提供」Design Determination 十瀚設計 採訪」室內雜誌編輯部、林靖諺

來自英國的「光之雕塑家」安東尼．麥考爾（Anthony McCall），以「固體光」（Solid Light）藝術裝置聞名國際，被譽為跨越當代藝術與實驗電影的先驅，首度在台個展日前揭幕，內容涵蓋9件精彩作品、18件檔案文件，以及素描、攝影與錄像作品，展覽重點正是其近年備受國際肯定的「固體光」系列，完整呈現麥考爾從平面到立體、從二維到三維，乃至從電影到裝置的創作脈絡。     「光之雕塑家」安東尼・麥考爾首度在台個展，聚焦呈現麥考爾固體光系列代表作。     解構電影與雕塑   實驗電影自名稱回溯，「實驗」一詞就概括了整個領域的顯著特徵：例如非常規的敘事順序，故意的失焦、快速的剪輯，與畫面不同步的音軌等等，透過這些實驗性的拍攝手法，促使觀眾更加主動去思考觀看體驗，挑戰主流審美、探討電影的娛樂性和藝術性。作為一名實驗電影人，麥考爾自70年代就開始嘗試變化創作形式，受拍攝過程所啟發，他發覺經過攝影的框架與解讀，使作品呈現和觀眾所接收到的內容再一次出現了變化，以此延伸思考：是否能有一種創作方法，可以消解鏡頭語言的過渡，讓觀眾直觀地走進他所建構的作品畫面？     麥考爾固體光系列作品打破電影、雕塑與裝置的界線，在黑暗中帶領觀眾穿梭於光線、空間與時間之間，探索存在與感知的邊界，並與作品互動、融為一體。     展中必看的亮點之一《描述一個圓錐之線》（Line Describing a Cone），便是他在1973年搬遷至紐約定居、並投入「固體光」系列的首件作品，被視為當代藝術與實驗電影領域的重要里程碑，藝術家本人稱之為「第一部存在於真實三維空間中的電影」，捨棄主觀敘事，牽引觀眾與之互動。結合現代科技，此作以16厘米攝影機拍攝，一開始觀者會看見螢幕上呈現一個白點，緊接著以光為筆，描畫點、線、面，隨時間推進，延伸繪出完整的圓形線條，在螢幕與投影機之間的空間內，透過光束形塑立體的圓錐，打破抽象與具體的觀念。     探索光與時間的互動   展覽重點聚焦於橫向投影、結合聲音與空間感知的藝術裝置，在展場幽暗的環境中，利用投影光束和煙霧，呈現光的形體和可以觸摸的質地。除了《描述一個圓錐之線》(Line Describing a Cone)，亦呈現2000年後創作的3件橫向固體光系列作品，以及垂直投影之作，讓觀眾走入光中、融入作品的動態。同時，麥考爾的素描、攝影、手稿、錄像等作品，則自多維角度呈現其創作理念的不同面向。     《離去（靜默兩分鐘）》（Leaving (With Two-Minute Silence)）。當觀眾置身於黑暗空間中，在煙霧的輔助下，眼前的三維形體將更加清晰浮現，彷彿一座由光構成的雕塑。     若問藝術家如何看待自己的作品，麥考爾表示，他會採用Circle與Loop為其分類。Circle是結構型的循環，透過首尾相連的敘事，如《面對面I》（Face to Face 1, 2013）讓光等速重複的移動路徑，重點是讓觀眾自由穿梭在光牆間，自行決定體驗的始終；與之相對，Loop則有絕對的開始，此類項目以作品《離去(靜默兩分鐘)》(Leaving (With Two-Minute Silence)為代表，探索投影變化的節奏。在走進展場前，藝術家也提醒觀眾，不妨先看向投影機再轉身，自探索光錐所形塑的大型空間結構，再轉向研究螢幕上揭示的線描圖形，以便更加全面地將整體畫面收入視野。     視覺的革新體驗   綜觀安東尼．麥考爾的創作歷程，他橫跨繪畫、雕塑和攝影的領域，結合科技手法給予觀眾心靈上的觸動，不斷拓展藝術的邊界，這樣的挑戰精神不僅限於對外，也同樣對自身發起。一如展中的垂直投影作品《天光》（Sky Light），相較於其他作品橫向投影呼應電影播放的水平性，麥考爾轉而利用垂直投影，展現出另一種雕塑性的特質，此作以投射在基座上的方式呈現，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態，彷彿獨立演出的自然劇場。     垂直投影《天光》（Sky Light）模型，以投射在基座上的方式，展現固體光的雕塑性，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態。     黑格爾曾說：「身在純粹的光明，就如處於純粹的黑暗中一樣，什麼也看不見。」麥考爾無意將自己的作品限定在某個標籤中，透過創作不斷探索固有思維的邊界。在他創作的世界裡，「固體光」因應所在環境與觀眾的肢體語言相互對話，交織生命的動態，光的推進與退卻，不僅是物理現象，也象徵著人與人之間的際遇與流動，每一刻的珍貴，既是因為當下的獨一無二，也因為它銜接著下一刻嶄新的未知。     資料及圖片提供」富邦美術館 採訪」江瑜

藝術來源於生活，透過藝術創作所反映的型態不僅限於作者的個人狀態和情懷，同時也在不同展演形式中紀錄其誕生的時代背景，以供觀者欣賞深思。 許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     臺北市立美術館（北美館）秉持推動台灣當代藝術的保存、研究、發展和推動的宗旨，建立藝術與社會大眾多元交流的管道，回應數位時代，啟動全新平台——「北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open」。     許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     於夏秋之際，本計畫前後推出線下與線上兩檔展覽：「沉沒的聲音」（The Sound of Sinking）與「消失的反動」（Vanishing Acts），經由虛擬載體，以記憶畫面和人工重構的記錄為探討主題，聚焦「消失與挖掘」的概念，面對數位時代資訊流動與記憶重構的解讀，期待與數位科技結合、拓展展覽的場域和定義，打破不同社群的壁壘，促進跨領域創作和藝術發展的多元可能性。     許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     線下展覽：「沉沒的聲音」（The Sound of Sinking）   「沉沒的聲音」取材澎湖周邊海域的沉船為創作靈感，對比軍事防護巡洋船艦的「廣丙艦」，以及二戰時期被日本政府徵用為運輸船的「滿星丸」與「山藤丸」等不同時期和不同區域的沉船研究，並與國立清華大學水下考古學暨水下文化資產研究中心合作，藉由水下拍攝與聲音採集技術，重構虛實交錯的歷史現場。     線下計畫「沉沒的聲音」水下考古資料場景照，20世紀初銅製圓形窗框，出土自山藤丸沉船的船艙圓窗構件。     藝術家許家維醞釀三年，於首展中梳理三件沉船水下考古文物及研究資料，如1930年代出土自滿星丸，印有山下汽船商標之青花瓷；19世紀末出土自廣丙艦沉船的子彈；20世紀初出土自山藤丸沉船的船艙圓窗構件。邀請觀眾進入一場多人連線的MR混合實境，將文字與圖片資訊化為親身體驗，展開橫跨時空的視覺與聲響航程。     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     除了配合展覽空間敘事節奏，可見影像裝置播放包含潛水員定期監看「山藤丸」的水下作業過程、澎湖耆老葉成仁即興吟唱褒歌〈討海歌〉的演出，以及表演者潛入海中演奏自製螺旋槳樂器等等片段，天花不定時閃爍的聲納水箱，以及香港作曲家許德彰協作編制的實驗聲響環繞，讓觀眾化身為5位虛擬角色，如清朝水師、二戰日本海軍軍官、兩個早期潛水員、清代傳說生物海和尚，搭乘虛擬船艦穿梭於三艘沉船的故事背景。     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     線下計畫「沉沒的聲音」音效裝置。     線上展覽：「消失的反動」（Vanishing Acts）   緊接其後的展覽由墨西哥籍策展人、數位藝術與文化研究者多琳．理奧斯（Doreen A. Ríos）策劃，邀請費德里科・佩雷斯・維洛羅（Federico Pérez Villoro）、徐容、安娜・里德勒（Anna Ridler）與奧莉亞・黎亞莉娜（Olia Lialina）等四組國內外藝術家，推出全新委託創作。透過數位平台，展示當代藝術如何介入資訊流動、社群關係與歷史意識，透過作品拋出提問：「我們能否在由策略性不穩定、崩解與抽離所開啟的灰色地帶中，找到與科技共處的另一種關係？」     線上展覽「消失的反動」，策展人納多琳．理奧斯（Doreen A. Ríos）開幕致詞（線上影像截圖）。     策展人多琳．理奧斯長期關注當代藝術中的科技技術不服從、戰術媒體和新物質性，針對AI、5G、物聯網⋯⋯等科技技術的快速發展對社會的影響，通過虛擬媒介所建構的人際關係，同樣影響了人類對情感的認知、催生新的美學，藝術的存在，於此既是賞心悅目的作品，同時也是回應時代的鏡子，引導觀眾一同探討人與技術之間的關係，反思網路媒介中「物質、記憶、幽靈、脆弱性」等問題意識。     放眼藝術未來發展   北美館副館長蔣雨芳表示:「『北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open』所持續實驗與推動的，不僅是展示形式的創新，而是透過實驗性創作，思考數位趨勢如何生成觀念、重構關係與形塑公共性，拓展觀眾對藝術、網路與時空關係的想像，進一步回應文化機構於數位轉型時代可發揮的影響力。」     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     藉由線下與線上、挖掘沉船的歷史，以及欣賞數位藝術展陳，挑戰對於藝術的認知和慣性，觸發五感與作品的互動，更進一步滲透觀眾的思維，探索真實與虛無的邊界，在快速變動且逐步改變的數位環境中，重新思考文化存續對當代社會的定義與價值。     2025北美館開放網絡計畫，線下計畫「沉沒的聲音」主視覺。     2025北美館開放網絡計畫，線上展覽「消失的反動」主視覺。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜