《勒・柯比意：建築詩篇》世界巡迴展近日於淡江大學文錙藝術中心展出，本展獲得法國勒・柯比意基金會官方認證，至今已然走訪紐約、倫敦、巴塞隆納、上海、京都等全球40多座城市；為深化台灣與國際的文化交流，經台法學術交流協會、新加坡 RT+Q建築事務所及巴黎Lin International共同策劃，重點呈現法國勒・柯比意基金會獨家授權的122件建築模型。 淡江大學文錙藝術中心。 大師的思想軌跡 展覽內容整理了「現代建築之父」勒・柯比意的生平歷程、思想脈絡和空間邏輯，引導觀眾依序欣賞：「思想的源頭」、「光之聖所」、「光輝之城」、「理想之境」、「居住的經典」、「日常的設計」、「承載之所」、「城市的藍圖」和「微型居所」等九個展區，內含大師17件世界遺產部分、經典代表性建築，以及從未問世的建築設計。 二樓展區勒柯比意專書區。 世界公認20世紀最具影響力的建築師之一，勒．柯比意（Le Corbusier），一生致力於讓居住在擁擠都市的人們有更好的生活環境，其作品結合功能的理性結構與帶有情感張力的形式，脫胎自古典主義，簡潔輪廓、開放而流動的空間配置，為現代建築和都市設計帶來廣泛啟發與深刻影響。 展場平面圖。 以認識「勒・柯比意」本人為起點，延伸賞析其作，橫跨早期的住宅設計、比例與採光的實驗性探索，到後期城市烏托邦集合住宅及大規模都市願景的構想，經由不同時期的建築展示和歷史評價、宏觀的城市面貌和私人的家具細節，鉅細靡遺地逐步完善觀眾對這位建築大師的理解。 印度昌迪加爾立法議會大廈模型。原建築建於1953至1963年，全棟建築以清水混凝土蓋造，充分運用遮陽板和大面積水池，帶來光影的豐富變化。 置身相對開闊的一樓展廳，不僅會為教堂的神聖光影目眩神迷，還會看到前人對現代都市曾經的宏大想像，勒・柯比意在1920年代提出「新建築五點」，提出「底層架空」、「自由平面」、「自由立面」、「長條帶窗與屋頂花園」，至今仍可在現代都市的結構看到他的思想鑿痕，透過展場的空間安排與模型，將設計理論轉化為具象的建築實踐，以薩伏瓦別墅大模型為展示重點，現場復刻薩伏瓦別墅主臥浴室空間供人一窺其設計細節。 史坦-德蒙齊別墅模型。原建築建於1926至1928年，是勒．柯比意於1920年代最具紀念性、最豪華的住宅。 經典建築回顧 文錙藝術中心本身即是一個複層空間，策展團隊將原有的空間條件納入展示的一部分，精準調整展場動線與高度比例，在種種細節間向大師致敬。自入口處的外觀玻璃色塊和柱列的設計靈感取材「巴西學生公寓」，透過色彩與排列節奏界定場域路徑；而展場內的挑空區則借鑑「馬賽公寓」的樓中樓結構，利用上下移動觸發的感官體驗，讓觀眾親身體驗空間尺度與層次的變化。 昌迪加爾建築博物館模型。原建築由S.D. Sharma設計，師從勒．柯比意，1997年為紀念印度獨立50週年正式成立。 值得注意的是，展中呈現多個與光線共鳴的空間段落，具體呈現勒・柯比意在建築中處理自然光的標誌性創意。在「光之聖所」展區，策展團隊參考廊香教堂標誌性的開窗與採光設計，局部復刻其比例獨特的黃金比矩形窗戶，讓觀眾於展場親身體會大師如何以光為筆、細膩塑造廊香教堂獨特的神聖氛圍。 廊香教堂模型。原建築建於1954年，外型依山勢而建，弧形屋頂不僅保溫，同時以傾斜弧度將雨水導向蓄水池。 拾階而上，展場二樓展示諸多首次來台的大師設計案模型，透過這些未完成的計劃充分展現勒・柯比意豐沛的創造力、工作產能與設計思維發展歷程；配合共呈不同時期的建築大師、藝術名人和紅粉知己等等名言摘錄，表達對於柯比意的看法與挑戰，透過這些對話，展現大師在不同時空展現的面貌和公眾定位。 延伸展覽精神 在實體模型和展覽欣賞之餘，主辦單位特別規劃三場系列專題講座與學術座談，邀請建築學者與建築師共同對話，從理念本體、地域轉譯到歷史影響，深入探討勒・柯比意對當代建築與都市設計的啟發。從「建築，如何成為一首詩」、「現代性與地域性的對話」到「跨時代的啟發：勒・柯比意對當代建築的影響」，經由對勒・柯比意的認識，回到對當代建築的審視，並反思其在當代數位化與全球化時代中的啟發與挑戰。 展場局部復刻廊香教堂矩形窗戶。 通過觀察大師一路走來的人生，更進一步地認識一個人、一種思想的生成，和一個領域不斷演進的過程，從抽象的主張、主義，落實到具體的空間，而後漸漸擴大到影響一個世界，「勒．柯比意：建築詩篇」結合藝術、歷史與思想，以豐富層次展現這位現代建築巨匠的創作宇宙，也觸發觀眾對自身、對未來的構築，更多元的空間想像。 「勒・柯比意：建築詩篇」展覽主視覺。 資料及圖片提供」淡江大學 建築學系 編輯」江瑜

Bluerider ART台北．敦化空間將於近日隆重呈獻德國雕塑家沃夫岡．福拉德（Wolfgang Flad）個展《未來形》（FORMA FUTURA）。這場展覽匯集藝術家最新創作，從立體雕塑到牆上裝置共四個系列作品，展現其對當代雕塑形式與時間、物質、空間關係的持續探索。   主視覺。展覽舉辦在Bluerider ART全新展覽空間。 沃夫岡．福拉德以獨樹一幟的雕塑語言聞名，作品擺脫傳統雕塑的沉重感，運用木頭、金屬、玻璃與再生材質，形塑曼妙而不規則的有機形體，展現生命張力。藝術家曾於美國坦帕藝術博物館舉辦個展，作品獲德國斯圖加特美術館、瑞士蘇黎世藝術館、荷蘭烏得勒支中央博物館等重要機構及私人收藏，是當代雕塑界極具代表性的中生代藝術家。 德國雕塑醫術家沃夫岡．福拉德（Wolfgang Flad）。   展名《未來形》直指沃夫岡．福拉德對雕塑與時空關係的重新提問，並非科技或數位運算的冰冷預言，而是關於有機生命永續與再生的思考。藝術家將星系光年的宏觀尺度與細胞分裂的微觀世界，濃縮於當下的空間動態之中，使雕塑形式呈現流動與不確定性，邀請觀者進入超越物理時間限制的感知場域。   顛覆量體的雕塑革命 有別於西方古典雕塑強調崇高與紀念性的量體感，也不同於現代主義對封閉形式的極致追求，福拉德徹底顛覆「雕塑即量體」的傳統定義。他延續貧窮藝術大師朱塞佩．佩諾內對自然材質的敏銳感知，以及行動繪畫傑克遜．波洛克在畫面中鋪陳的動態能量。 木雕塑系列《結構》，骨架以膠合板與木材搭建，將大量藝術評論書刊粉碎成紙漿混合包覆，藉材料轉化隱喻對歷史與體制的重構。   創作技法上，藝術家以膠合板與木材建構骨架，將大量承載歷史與體制的藝術評論雜誌與書籍粉碎，製成紙漿混合體進行包覆。這種「再造」過程猶如讓時間倒轉的儀式，透過將過往文獻轉化為雕塑的血肉，經由層層上漆與打磨，賦予作品光滑或粗獷的肌理。藉由鏤空、纏繞與負空間的運用，雕塑不再是佔據空間的龐然大物，而是輕盈對抗地心引力、如神經網絡般蔓延的存在，將形式從功能限制中解放，化為三維空間中無限傳遞的線條與能量。 木雕塑系列《結構》，以再造手法層層上漆語打磨，呈現自然色澤與紋理，引領觀者感受萬物流動的意境。   藝術史學家馬克．威爾曼將沃夫岡．福拉德的作品，追溯至前蘇格拉底哲學家赫拉克利特的古老格言「萬物流動」。在其雕塑中，恆定與瞬間動態並存，觀者難以界定其起點與終點。那些如外星有機體或骨骼般交錯的結構，並非靜止物件，而是複雜的空間敘事，揭示物質在時間洪流中永恆變化的本質。   四個系列的交響對話 本次大幅展出四個新系列作品。木雕塑系列《結構》以木頭結合再生媒材，仿如骨骼與枝幹的異形交織，卻在重力與動態間達成平衡，於靜止中蘊藏生長潛勢，如太極拳般順應線條輕緩流動。牆上鋁系列《衝擊之力》將金屬表面侵蝕，凹陷肌理如漫長歲月沖刷，光潔拋光與粗獷質地對比，使時間、物質與自我於此交會。   左：木雕塑系列《結構》；右：《塵之繪畫》。 牆上玻璃系列《月面》呈現如億萬年侵蝕的地表質地，透過雙色玻璃與冷冽鏡面、流動色彩交錯，揭示人類對宇宙的渴望與返回自我的旅程。牆上系列《塵之繪畫》則以回收雕塑研磨殘料，層層堆疊成畫面結構，回應物質不滅的永恆命題。   玻璃系列《月面》以雙色、鏡面與流動色彩交錯，摹寫億萬年侵蝕地貌，在冷冽與暖意間，訴說對宇宙的渴望與向內探尋的歸途。 《沃夫岡．福拉德：未來形》是關於未來的視覺寓言。當人類世面臨物質過剩與環境危機的挑戰，藝術家以逆向轉化的創作姿態，示現可持續的未來美學，廢棄與新生不再二元對立，過去的文獻殘骸轉化為未來的生命基質。那些懸浮於虛實之間的有機形體，如同來自尚未抵達的時空維度，在空間中安靜呼吸、緩慢蔓延，邀請觀者凝視那些不可見的能量流動。 《沃夫岡．福拉德：未來形》 時間」2026年3月14日至5月10日 地點」Bluerider ART台北．敦化（台北市大安區敦化南路二段77號1樓） 展覽詳情請見Bluerider ART官網。   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺

全球木工機械與木質加工產業的重要展會「WOOD TAIWAN台灣國際木材加工暨家具製造展」，將於2026年4月23日至26日在台北南港展覽館1館登場，並已開放線上預先登記。由中華民國對外貿易發展協會（TAITRA）與台灣木工機械工業同業公會（TWMA）共同主辦，以「Craft Smart! 木藝智造」為核心概念，聚焦「綠色智造」、「永續生活」及「未來木材」三大主軸，揭示木產業在智慧化與低碳轉型趨勢下的發展方向。 WOOD TAIWAN主視覺。   展現產業鏈實力 隨著全球淨零轉型與低碳建築政策，木材因具備可再生、碳儲存與加工彈性高等優勢，逐漸成為建築和製造產業的重要材料選項。展會將從設備技術、加工系統到產品應用等面向，串聯完整產業鏈，呈現木產業在製程效率與環境永續之間的平衡與進化。  WOOD TAIWAN 2026將於4月23日至26日在台北南港展覽館1館登場。圖為2023展覽現場。   現場集結多家指標企業，展示木工機械跟加工設備的最新技術成果，恩德、洪業、勝源、龍德、廣穎等廠商將展現木工機械在智慧製造、自動化整合與高效率加工方面的最新突破；而手工具、五金配件與板材領域，鼎錩、城市精密、樂奇等企業則推出兼具加工精度、耐用性與應用彈性的關鍵產品。   新設展區 探索家具製造與AI技術整合 因應產業需求，本屆展覽新增「家具製造及木結構區」與「智慧製造及AI解決方案區」兩大主題展區。前者聚焦家具製程整合、木構建築系統和工程應用，體現木材在空間設計與建築應用中的潛力；後者則著重於數位化製造、智慧產線、製程優化及AI技術應用，協助企業提升生產效率並加速數位轉型。這些技術的導入，逐漸導入傳統木作產業的生產模式，使其更具彈性與競爭力，接軌國際市場。 涵蓋五大展區，包括機械設備、手工具及DIY、五金配件與板材、家具製造及木結構，以及智慧製造與AI解決方案。圖為2023展覽現場。   論壇與交流 促進產業合作 展覽期間亦將舉辦多場產業論壇跟交流活動，邀請產官學界專家深入剖析球木產業政策趨勢、技術創新與市場發展。而採購洽談會、買主之夜及產業交流活動更可與海外市場建立連結，拓展合作機會。 展會同步舉辦設計暨優良產品競賽、採購洽談會與國際論壇，促進產業交流與商機媒合。圖為2023展覽現場。   此外，「台灣木工機械設計暨優良產品競賽」也將於展期第二天進行評選，並於第三天公布得獎名單，觀者可近距離了解台灣在木工機械設計與技術創新方面的成果。整體而言，「WOOD TAIWAN 2026」不僅是展示木工設備與材料應用的平台，也反映出木業在智慧製造與永續發展上的轉型軌跡；展會將持續扮演連結產業與市場的重要節點，提供更多未來發展的可能。     WOOD TAIWAN台灣國際木材加工暨家具製造展 日期」2026年4月23日至26日 地點」台北南港展覽館1館     資料及圖片提供」中華民國對外貿易發展協會 撰文」陳映蓁

2026香港巴塞爾藝術展（Art Basel Hong Kong 2026）匯集來自41個國家與地區、約240間頂尖畫廊，邀請各地的藝術愛好者共襄盛舉，瞭解現時全球藝術市場風向。 誠品畫廊作為台灣第一家入選瑞士「巴塞爾國際藝術博覽會」（Art Basel）的專業畫廊，秉其專業眼光，今年由北京與台北團隊攜手協作，呈現熊秉明（1922–2002）與展望（1962–）兩位雕塑藝術家以幾何作造形的起點、立形體為思考概念的精彩創作，跨越時代與文化的作品背景、不約而同的創作理念，於展中相互輝映。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1959-1966，《立馬》。 國際藝術盛事 享譽全球的巴塞爾藝術展源自瑞士的藝廊商人，每年均會在巴塞爾、香港及邁阿密三地舉行。最初的構想旨在串聯零散的藝廊、藝術家與收藏家，結合商業的嚴謹和策展的雄心，匯聚歐洲各地的藝術家於此參展，在1970年代確立了此展作為藝術探新、實驗和國際交流平台的地位。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1962-1997，《方肚牛》 傳承至今，除了強化品質與社會責任的實踐，幫助藝廊培養新生代的藝術工作者，增加各項豐富的活動如競賽、出版刊物和演講等，同時也逐步拓寬藝術欣賞的眼界，與亞洲共構協作的橋樑。其創辦宗旨和演進方向，與誠品畫廊不謀而合，自2009年首次參展，誠品藝廊歷年來陸續於巴塞爾藝術展展出徐冰、劉小東、刁德谦等華人藝術家作品，向世界展現東方文化和獨特美學。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1998，《大歸途》。 雕塑思想的多元位面 熊秉明作為20世紀代表性的東方藝術家之一，早年畢業於西南聯合大學哲學系，赴法攻讀哲學博士期間受雕塑家紀蒙（Marcel Gimond）啟發，轉而進入巴黎高等美術學院修習雕塑，其學藝淵博，多方涉獵詩文、哲學、書法和雕塑等，翻閱他漫長的創作生涯，作品中既有簡約抽象的焊接線條、亦存感性寫實的銅雕肌理。 展中可見其一《立馬》，以半圓體切面表現馬的臀部，使具象的馬身藉由幾何分割產生張力，呼應他提出的「穿空剔透」雕塑觀，以生命為實驗，將作品視為實驗結果，嘗試在抽離寫實形體的過程中，留住雕塑題材的生命精神。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2025，《三向圓切》。 同為東方當代雕塑的重要代表人物，展望（1962-）生於北京，畢業於中央美術學院雕塑系，於90年代中期率先提出「觀念性雕塑」的創作理念，將抽象概念視同實體素材，突破傳統形式界限，成為極具影響力的當代雕塑家，以其標誌性的「假山石」系列聞名。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2016-2021，《假山石165（六面假山石）》。 展望的作品深受紐約大都會博物館以及倫敦大英博物館等多個國際博物館肯定，結合媒材不鏽鋼的工業隱喻，運用「坍縮」、「穿行」、「迭加」、「嵌入」等創作手法，效仿組合自然界中岩石的萬千形態為主體，探討自然與幾何學之間的關係，並透過「粒子」與「無限」系列進一步將自然形體分割，在金屬塊體的變化間注入自身的思想。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2025，《黄金比1：1.618》。 跨越世代與文化語境 誠品畫廊經營「兩岸青年藝術家」計畫多年，促進兩岸藝文交流，也促成本次展覽的起源：展望與熊秉明雕塑《立馬》的偶然邂逅。同為藝術家的敏銳，和當時恰好正陷於幾何學與雕塑關係的思考，熊秉明於作品中的線條處理和其展現的自然型態，深深觸動了展望，也體現兩位藝術家在創作生涯中殊途同歸的思考走向。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2023，《粒子的樣 15》。 透過幾何型態對於雕塑造形的影響，以及思考的起點，熊秉明與展望於此交會，又交出不同的答卷，前者以幾何轉譯生命與人文，後者以幾何折射當代與存在；一位以銅塑造歷史的厚度，一位以不鏽鋼開啟空間的流動。藉由本次展覽，觀者可見兩人的作品並置於同一空間，形體語言跨越世代，在感知與形式、古典與當代時空，為觀眾呈現不同藝術家在雕塑思想上的多重向度，以香港巴塞爾藝術展為背景，觸發新的連結。 誠品畫廊北京台北攜手參展「2026香港巴塞爾藝術展」，策畫熊秉明、展望跨世代藝術家聯展。 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」江瑜

透過特意打造、遍布全球的藝術廊，路易威登建立了一個以當代社會為核心、面向大眾的藝術網絡，藉由不同環境所孕育的創作，不斷解構、再創當代藝術的涵義，連結社會不同層面和領域，以藝術、對美的認知與情感為媒介，托起人與人之間的跨域溝通。 展場一隅。 適逢路易威登藝術廊成立20週年，以及路易威登基金會「Hors-les-murs牆外」國際巡展計畫10週年，美國藝術家傑夫．昆斯（Jeff Koons）的個展於大阪路易威登藝術廊（Espace Louis Vuitton Osaka）落地，以「繪畫與媚俗」（Paintings and Banality）為題，回顧他從1980年代早期標誌性系列到近期巨型繪畫的創作歷程，將日常消費品、廣告、卡通乃至色情圖像轉化為高端藝術，擁抱媚俗（kitsch）文化並探索流行文化與藝術史的融合。 《風景 (樹) II》（Landscape (Tree) II），油墨、紙，274.3 x 213.4 cm，2007年。 挑戰藝術品的定義與價值 「Hors-les-murs牆外」國際巡展計劃旨在將收藏於路易威登基金會內尚未公開的典藏作品，帶往東京、慕尼黑、威尼斯、北京、首爾與大阪等各地路易威登藝術廊，藉由展出活動，以期讓這些藏品可以接觸與實際與其他國家的文化產生碰撞和連結，實踐品牌向國際觀眾推廣藝術的使命。 美國藝術家傑夫．昆斯（Jeff Koons）。 傑夫．昆斯是美國當代著名波普藝術家，自1980年代以來在當代藝壇佔據獨特地位，他的作品特色在於靈活應用家居用品、廣告詞彙、兒童圖標和藝術史典故和相關元素，探索流行文化與高級文化之間的張力。本展重點探討了昆斯長年的創作歷程，為社會普遍定義為廢品的東西打上聚光燈，重新闡明日常物品和圖像的象徵意義和情感份量，從而賦予其嶄新價值。 《野孩子與小狗》（Wild Boy and Puppy），瓷器，96.5 x 100.3 x 59.7 cm，1988年。 在他的繪畫作品中，昆斯將拼貼概念進一步發展。從他早期的畫作，例如《手鐲》（Bracelet），到最近的「綠巨人貓王」（Hulk Elvis）系列，其中包括本次展出的《風景 (樹) II》（Landscape (Tree) II）和《猴子火車 (鳥)》（Monkey Train (Birds)），昆斯將不同的視覺元素組合成巨幅畫作。這些密集的構圖傳達了當代社會被圖像和符號飽和的程度。 《猴子火車 (鳥)》（Monkey Train (Birds)），油墨、紙，274.3 x 213.4 cm，2007年。 當代社會的文化元素 廣告、電視與商業文化，自1980年代開始逐步滲透大眾生活的日常，也逐步塑成社會價值觀的具象載體，昆斯擷取這些意象融入自己的創作，不僅是一種社會觀察，同時也是對藝術發出提問：既然藝術來自於生活，那麼為何要將藝術設置欣賞和創作的門檻？ 《小女孩》（Little Girl），鏡面、玻璃，160 x 163.8 x 7.6 cm，1988年。 《三球50/50水箱》（Three Ball 50/50 Tank），玻璃、鐵、蒸餾水、3個籃球，153.7 x 123.8 x 33.7 cm，1985年。 昆斯光怪陸離、大膽諷刺的作品常常引發藝術界的強烈爭議，利用意象和不同材質的剪接和拼貼，模糊了藝術、工業和大眾文化之間的界限，如取材漫畫《加菲貓》中的角色歐弟所創造的雕塑《野孩子與小狗》（Wild Boy and Puppy），透過卡通形象串起創作者和公眾的童年記憶、《三球 50/50 水箱》（Three Ball 50/50 Tank）象徵美國夢在水缸裡載浮載沉的籃球，這些作品透過真實材料建構抽象場景，讓人一瞥過去社會的公眾記憶。 《手鐲》（Bracelet），油墨、紙，265.1 x 355 cm，1995-1998年。 過去在新表現主義藝術盛行的年代，昆斯的創作一度備受冷落，他轉戰華爾街任職證券經紀人，商業的概念與對物件定價的經驗，賦予他不同於一般藝術家看待藝術品的眼光和角度。從裝有工業製品、大眾消費品或現成物品的玻璃或有機玻璃陳列櫃，再到技術精湛的雕塑、拼貼繪畫，展出作品一如拼圖，揭示了這位藝術家橫跨了四十年，歷經社會、個人的種種變遷，如何藉作品為觀者提供一面鏡子，反映構成他們個人和集體身份的要素，同時探索諸如美和愉悅等普遍概念。 展場一隅。 資料及圖片提供」大阪路易威登藝術廊 編輯」江瑜

以「感知與設計經驗」為核心的JOSUIa，長期透過空間與策展實踐，引介國內外原創設計，並於今年3月正式啟用其全新策展空間JOSUIa GALLERY ，以《永Yong》為題作為開幕首展。「永」字不僅指向永恆與永續，其靈感更溯源至東方書法中承載所有筆畫基礎的「永字八法」，傳遞關於根基、技法與初心的文化意象，在展覽中亦化作被不斷轉化與延續的狀態。延續 JOSUIa 一貫的混搭式策展特色，《永》並非一個被定義完成的結果，它如同書寫，一筆一捺各自獨立，最終收束為一種得以成立的表述，讓來自不同文化的創作語言，在同一場域中彼此映照，展開對未來的多重對話。 以《永Yong》為題。「永」字指向永恆與永續，溯源至東方書法的「永字八法」，傳遞關於根基、技法與初心的文化意象。 在《永》的命題下，來自荷蘭的循環藝術品牌 KOOIJ成為此次展覽的核心亮點之一，更是品牌在台灣的首次公開展出，由 JOSUIa獨家引介。對 KOOIJ而言，「永續」從不只是附加價值或道德宣示，而是形式生成的起點。 從廢料到形式 KOOIJ 的循環藝術 KOOIJ 的故事，始於創辦人Dirk van der Kooij 在埃因霍芬設計學院（Design Academy Eindhoven）的求學時期。2009年，他大膽改造工業機械臂，以低解析度的3D擠出技術，將再生塑膠逐層堆疊，創造全球第一件以此工法完成的家具－Endless Chair。 KOOIJ創辦人Dirk van der Kooij。 這件畢業作品不僅為他贏得2011年的荷蘭設計獎，更確立品牌「讓工法決定形態」的核心精神。KOOIJ不試圖掩蓋製程的痕跡，反而刻意保留塑膠在冷卻與收縮過程中自然生成的紋理，使工業邏輯轉譯為可被閱讀的創作語言，讓材料的「重生」成為具體可見的形式美學。 Chubby Chair。再生塑膠的多元來源，讓色彩與肌理產生細膩差異，賦予每件作品不可複製的個性。 品牌的創作建立在兩種相異卻互補的成形方式之上。其一是最為標誌性的低解析度3D擠出技術，透過改造機械臂的逐層堆疊，讓層理與軌跡成為作品形式的一部分，如Chubby Chair與RVR Chair，皆展現溫潤而富有工業感的獨特語彙。 RVR Chair為單一連續擠出的一體成形座椅，採低解析度3D技術生成，椅面平滑包覆，椅底保留層理紋路。 另一種則是熱壓塑板的成形邏輯，工作室將回收塑膠壓製為紮實的板材，在這過程中，不同批次、不同來源的塑膠在熱與壓力的作用下重新結合，形成無法預測、無法複製的色彩分布與紋理構成。像是 Meltingpot Table，每一張桌面的獨特性，都使其超越了實用家具的範疇，成為兼具收藏價值的當代藝術品。 Meltingpot Table - Edition No.1031。每件作品附有Edition編號，標誌其在創作脈絡中的獨特定位，讓實用器物同時擁有收藏價值。 更具啟發性的是，這兩種成形方式在工坊內部形成一個完整的材料循環。3D擠出過程中產生的餘料，並未被視為廢棄物，而是可以被收集、粉碎，再透過熱壓方式，轉化為另一件作品的構成元素。材料在不同階段轉換形態，卻始終留在同一套生成系統之內。 Meltingpot Table - Edition No.1018以回收塑膠熱壓板材製成，其色彩紋理隨材料來源變化，無法人為複製。每件作品皆因批次差異而擁有獨特面貌，展現壓板系列的隨機美學。 對KOOIJ而言，循環不僅僅是回收，更是一種貫穿始終的成形邏輯與設計哲學。隨著工藝日趨成熟，KOOIJ目前主要採用來源穩定的工業回收塑膠（如PP或HDPE），以確保作品的物理性質與結構強度。每一件作品皆採單一塑膠來源製作，不混合不同性質的材料，讓結構從裡到外皆保持一致，不僅便於後續維護，亦預留再次回收的空間。特別的是，作品表面無任何額外塗層，而是保留材料最真實的紋理與色澤；歲月留下的使用痕跡，亦可透過簡單的打磨處理，使質感得以延續。KOOIJ透過對材料生命週期的全盤考量，讓其作品在當代設計中建立難以撼動的位置。   KOOIJ工作室。 國際視野下的台灣首展 KOOIJ的實踐早已獲得全球頂尖機構的認可，其作品被荷蘭阿姆斯特丹市立博物館、美國紐約現代藝術博物館、英國設計博物館、德國Vitra設計博物館等重要機構永久典藏，不僅屬於設計市場，更已被納入當代設計史的書寫脈絡之中。從早期充滿實驗精神的工法，到如今成熟而穩定的製作體系，KOOIJ始終保留並善用材料不可預測的特質，持續探索創造力的邊界。 Staple - Edition No.888以壓板成形為核心，將回收塑膠壓製為3公分實心板，再彎折成形，無需額外接合即能承重150公斤。 2026 年3月21日至5月31日，在JOSUIa GALLERY的開幕首展《永》中，台灣的觀眾將有機會親眼見證這些從循環中誕生的創作。展覽精選橫跨兩種成形方式的經典作品，除了Chubby Chair與Meltingpot Table，還包括以紮實結構展現壓板魅力的Staple–Edition No.888，以及同屬壓板系列、每一件都具有獨一無二色彩構成的 Meltingpot Table Edition No.1018與 No.1031。 Chubby Chair體現KOOIJ標誌性的低解析度擠出工法，以機械臂將回收塑膠層層堆疊，形塑紋理鮮明的結構，並透過分段構件在疊加過程中，逐步定義出整體的形體與尺度。 這些作品的Edition編號，不僅標示著製作序列，更明確界定其作為單件藝術作品的存在。在《永》的空間中，KOOIJ的材料實踐被置於一個更為廣闊的文化語境之下，並與北歐手工實木品牌NIKARI的內斂工藝，以及台灣藝術家高定的水墨山岳相互映照，共同探討關於根基、技法、時間與永續的命題。 資料及圖片提供」JOSUIa 編輯」林靖諺

高雄市立美術館主辦的「2026高雄獎」，於今年邁入30周年里程碑，透過逐年擴大思想與創意的邊界，吸引多位海內外藝術家積極投入參與；決選評審團由召集人林宏璋領銜，攜手王俊傑、林平、陳貺怡、劉俊蘭等藝壇各項領域的重磅人物專業審查，最終評選出「首獎」3名、「何創時書法篆刻類特別獎」1名、「聚和國際環境永續特別獎」1名、「評審特別獎」5名。 陳亮璇作品〈橫山豐水〉。 「首獎」得主陳亮璇、張宸瑋及楊傑懷，創作橫跨在地農業與環境變遷、現代戰爭創傷以及透過鏡頭語言重新詮釋的歷史事件等等議題，透過影像剪輯與空間體驗，表現出藝術家對社會現象的個人觀察與理解。在眾所矚目的「首獎」之外，「何創時書法篆刻類特別獎」得主紀冠地，以及「聚和國際環境永續特別獎」得主簡莉芸，則分別以書寫結合現代藝術，突破傳統文字的表達，擴充新的審美角度與情感連結。 張宸瑋作品〈Volkswagen Transporter T5.gltf〉。 陳亮璇〈橫山豐水〉是一組利用單點透視、採三分割鏡頭的錄像作品，取材日本水梨在台嫁接的產銷歷程，配合展場空間象徵山陵起伏而堆疊的水果紙箱，3組鏡頭分別隱喻天空、人與土地的關係，影像在觀者眼中隨腳步移動而合而為一，完成視覺與身體感的「空間嫁接」。 楊傑懷作品〈Working Holiday〉。 張宸瑋〈Volkswagen Transporter T5.gltf〉則利用 3D 影像技術將毀損汽車的數位模型覆蓋於軟性布料，透過輕盈媒材反襯俄烏戰爭的沉重議題，省思個體與遠方災難的關係。楊傑懷〈Working Holiday〉結合敘事影像與實驗參與的藝術行動，記錄藝術家與「小幫手」將白色恐怖紀念園區牢房改造成「民宿房間」的過程，通過度假的想像連結1950年代綠島政治受難者的歷史背景，叩問體制內的自由。 何創時書法篆刻類特別獎，紀冠地作品〈落葉系列—秋意濃〉。 紀冠地〈落葉系列—秋意濃〉採用短線條草書，透過自由筆觸轉化張學友歌曲〈秋意濃〉，融入手寫質感和歌曲的情緒共鳴，形塑現代書寫的嶄新意境。 聚和國際環境永續特別獎，簡莉芸作品〈分岔的情境：遺忘與書寫〉。 簡莉芸〈分岔的情境：遺忘與書寫〉則以家人疾病的生命經驗為題，藉由身體感知和提取記憶再表達的過程，辯證提筆紀錄與記憶的關聯性，回應聯合國永續發展目標（SDGs）中「健康與福祉」的人文關懷。 《2026高雄獎》展間一隅。（攝影Studio Millspace） 「評審特別獎」分別由吳秉祈〈形鑄一切由我〉、洪瑄〈偶書〉、李婷歡〈水の間〉、温晉豪〈近而未至〉、阮柏遠〈創傷、故障與支撐物雕塑〉等藝術家囊括，有別於一般獎項透過一項作品呈現評審集體表決的共識，「評審特別獎」以媒材運用的成熟度、藝術創新性及作品的完整性等各個面向，由5位評審各自推選一件心目中的佳作。 《2026高雄獎》展間一隅。（攝影Studio Millspace） 值得一提的是，自上屆增設的「聚和國際環境永續特別獎」，本屆評選標準進一步擴大強調創作與聯合國永續發展目標（SDGs）指標精神的連結，彰顯「高雄獎」作為當代藝術平台的前瞻性與公共價值，重視藝術與在地環境的連結，邀請民眾見證新銳藝術家如何透過獨特視角與藝術手法，為大眾展開具思辨力與實驗性的創意對話。 《2026高雄獎》展間一隅。 （攝影Studio Millspace） 資料及圖片提供」高雄市立美術館  編輯」江瑜

臺中市立美術館（以下簡稱中美館）2026年4月12日前推出開館首展《萬物的邀約》，由中美館策展團隊攜手台灣策展人周伶芝、美國策展人艾蕾娜．克萊爾．費爾德曼（Alaina Claire Feldman），以及羅馬尼亞旅居南韓策展人安卡．繆雷．金（Anca Mihuleţ-Kim）一齊策劃，呈現來自全球20國、超過70組藝術家的作品，涵蓋錄像、繪畫、雕塑、裝置、檔案、書籍等多樣媒材形式，其中更包含24件委託創作及現地製作，嘗試在跨世代及跨文化間，開啟一場關於人與環境關係的探索。 綠美圖外觀。攝影：Iwan Baan。   地景、空間與自然的交織 本展考究區域地理與歷史脈絡，回應中央公園地景跟水湳機場的轉型歷程。共圍繞著五個子題：「畫一道海岸線」以多元媒介描繪自然，同時探問變動與治理意義；「幻生的寓言」透過寓言與神話的創作，描繪理解世界的路徑；「摺疊的風景」以「摺疊」的哲學概念討論空間、時間與身份的非線性結構；「擾動的記憶」檢視自然史與個人、集體經驗的交錯，重新思考眾生關係；「萬物初聲」編織面向未來的對話，探討共存與修復的可能。除了展場，作品也延伸至綠美圖公共空間，探觸公共與親密、治理與創造的邊界。 開館首展《萬物的邀約》展覽現場。攝影：Iwan Baan。   以藝術連結城市 此外，中美館亦同步亮相兩年一期的「公共空間委託創作計畫」，首屆計畫邀請南韓的梁慧圭（Haegue Yang）與台灣的林明弘（Michael Lin），分別以獨特的創作語彙，連結自身經驗並與建築展開深度對談。   梁慧圭的《流動奉獻－樹蔭三合》為她在台灣的首件委託創作，作品懸吊於中美館挑高27公尺的大廳，以倒懸的「宇宙之樹」回應世界各地敬樹與萬物有靈的文化傳統。金屬百葉簾片構築出如樹葉般輕薄層疊的立體結構，光線穿過細密格柵形成流動的光影印記，入夜後LED燈帶和點狀雷射則如螢火蟲微光。 梁慧圭《流動奉獻－樹蔭三合》。中美館委託創作。攝影：ANPIS FOTO王世邦。   林明弘的《再製》（Processed）則使用台灣花布中極具代表性的梅花圖騰，以兩組相異的手繪圖樣呈現，線條精確與刻意錯位重疊，表現出動態的「生產過程」，試圖引發觀眾思考文化如何被傳播、再製與理解。畫作被放置於入口大廳的兩座玻璃屋上方，必須行走於連通美術館跟圖書館的天橋方能一窺全貌，移動過程中梅花圖樣彼此疊合、分離，讓觀看行為成為創作的一環，與建築、身體、光影共同生成的豐富體驗。 林明弘《再製》（Processed）。中美館委託創作。攝影：ANPIS FOTO王世邦。     資料及圖片提供」臺中市立美術館 撰文」陳映蓁

菲律賓藝術家荷西．約翰．桑托斯三世（José John Santos III）首次於台北舉辦個展，透過路由藝術的展覽空間，呈現藝術家應用拼貼、繪畫、素描與樹脂澆鑄等多樣技法創造的精彩作品，從平面畫布到立體雕塑，將作品中「不在場」、「留白」的空隙，化為與具象物質相對並存的藝術材料之一，探討正負空間之間不斷變動的關係。 〈生產線〉，Assembly Line, 2025，樹脂澆鑄。 桑托斯1970年生於菲律賓馬尼拉，經過當地美學的悉心訓練、並於菲律賓大學美術學院任教數十年，早期繪畫作品以細膩的自然主義視覺與如夢似幻的意象聞名，寫實筆法與虛幻構圖使富有敘事性的作品展現強烈的神秘氣息。 〈形外之形1〉(The Shape Behind the Shape 1)，2025，油彩、壓克力、炭筆、轉印、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）、醋酸膠片與現成物拼貼。 在創作演進的歷程裡，他加入拼貼的手法，透過剪裁、黏貼、層疊與抹除的動作循環，不僅解構原始畫面，同時也是重塑新的整體結構；延伸使用樹脂澆鑄，觀察負空間（模具）與正空間（鑄件）形塑的關係，引導觀者思考作品中的每個組成存在於作品結構的必要性，回顧創作過程中取捨的元素，將其融入作品的表達。 〈空洞／誕生2〉(Hollow/Birth 2)，2025，curacha螃蟹模翻鑄之金屬雕塑。 「殘缺」的意義 不斷變化的創作媒材、實驗，桑托斯以創作挑戰外界和自身的認知，具象繪畫與素描，或者拼貼、繪畫、裝置等組合，他的作品始終以抽象面貌在敘事與形式之間保持開放與多重詮釋的可能，基於創作用材與日常物件的關聯性，不僅取材物件本身的歷史脈絡豐富作品的敘事內容，同時解構日常物件的型態和功能，轉化為新的意象。 〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 透過欣賞展中作品，不難發現桑托斯對內外空間對比的關注，在拼貼與剪裁作品的過程中，被切割和取捨的媒材帶給他長期與廢棄材料共事的經驗，如《殘餘的存在》系列，剪出空洞的紙張，其「空洞」的形狀和內外視覺的穿透性，竟也成為一種新的效果，「殘餘」與「空缺」在此不再藏身於光鮮亮麗的作品背後，而是參與意義形塑的活躍角色。 〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 跳脫不斷創新、使用新材料的慣性，桑托斯轉而自過往捨棄的素描與繪畫殘餘取材，並將其納入新的作品，延伸他對正負空間的探討。近年的他自創作中消耗的媒材與他對周邊環境的觀察相結合，闡釋「創造」與「破壞」之間的轉化關係。 〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 他選擇牛隻與建築構件等重複出現的圖像成為象徵性的符號，一方面牛所付出的勞動力和其本身的生命皆用於供養人類，既創造了實質的負空間，同時也隱含道德層面的模糊性；而建築的建造，同時是生活的容器，也是人類解構、消耗大自然的元素所打造的拼圖。層層暗示環環相扣，在其創作中轉化為核心要素，突出人類主觀行為「消耗」的本質。   〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 「循環」的生成 對於自身創作的心理歷程和對創作的看法，桑托斯表示：「當你向內探索，自然而然就會展現出不同與獨特。藝術家必須誠實面對自己的感受，並具備將這些感受提煉、轉化為獨特視覺語言的能力。這些感受的結合，會使一個人的視覺語言成為原創而獨一無二的。我並不認為『為了與眾不同而獨特』是真正的創作態度，因為那樣可能流於矯飾與淺薄。我認為真正的獨特，是因為那正是你自身的本質所在。」 〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 他的作品不僅是純粹指出單一現象進行批判，而是從自己的生命經驗中提取對人類行為的觀察，以此層層衍生對環境和群體的關心，針對一種現象的注視，他也不會僅僅侷限於當下，而是同時留意到這種現象的發生出於什麼原因、又將導向如何的後果。 藝術家荷西．約翰．桑托斯三世肖像。 參考其作品〈生產線〉（Assembly Line, 2025），此作由超過五百個螃蟹殼鑄件組成，此螃蟹是菲律賓南部的特產，被稱為「curacha」，在此被視為當地街頭小吃與珍饈佳餚的象徵，吃空蟹肉而殘餘的殼，對內是盛裝空白的容器，對外則組成作品的結構。 荷西．約翰．桑托斯的工作室。 桑托斯將日常被遺棄的瑣碎如螃蟹殼、鷹架、街牌與建築構件一一蒐集、解構，作為創作的模型，揭示了他對物件建構與解構間關係意義的興趣，這些殘留的物件說明一段生活動態的完成和一件新作品尚未開始打磨的胚胎，指向尚未被定義的過去與潛在的未來，成就桑托斯物件循環交替的生成狀態。 資料及圖片提供」路由藝術 編輯」江瑜