當世界運轉的速度超過感官能負荷的極限，人們開始在「慢下來」的渴望中，尋找能夠安放自身的角落。得然藝術始終相信「Art Can Touch Your Heart」不只是一個口號，更是一種空間態度、一種策展信念。這座畫廊長期透過跨文化策展，引介不同國度的藝術家，讓藝術不只進入收藏，更走入生活。今年夏季，得然藝術推出雙人展《Still, Not Still》，邀請德國藝術家Tobias Stutz與台灣攝影藝術家周有煦，在空間中共同構築關於凝視、時間與存在的靜謐對話。 展覽主視覺。德國藝術家Tobias Stutz與台灣攝影藝術家周有煦雙人展。   空間的缺席與在場 走進《Still, Not Still》的展覽空間，觀者首先感受到一種被精心收束的秩序。Tobias Stutz筆下的建築、泳池、窗景與陽台，以高度理性的幾何結構佔據牆面，那些空無一人的露台、安靜的水面、敞開卻無人倚靠的窗框，在空間中形成一道奇異張力。 展覽現場。牆面上的畫作以幾何結構框取建築場景，空蕩的陽台與平靜的水面，在空間中形成一種安靜而具張力的存在。 人雖然不在畫中，卻彷彿剛剛離開，或即將到來。建築成為容器，收納著缺席者的體溫與痕跡，當觀者站立其間，不知不覺便走進那片留白的場域，將自己的記憶與孤獨投射其上。空間在此處不是背景，而是主角，邀請觀者重新思考存在與空無之間，那份幽微而持續的關係。 Tobias Stutz 《Landscape Room II》, 60 x 140 cm, 2023。   光的凝視 時間的沉積 展覽的另一側，周有煦的攝影作品以另一種節奏呼吸。海洋的波紋、天空的層次、城市結構的邊緣，在他的鏡頭下並非壯麗的風景紀錄，而是一種觀看方式的呈現。光在這些影像中成為最沉默的敘事者，落在水面、撫過建築立面、滲入天空的縫隙，時間在自然與文明交會之處留下痕跡，變得清晰可見。當目光在這些作品上停留，空間裡的時間感亦隨之改變，每一次觀看都像是一場與自身經驗的對話，輕聲卻深刻。 周有煦《奧林帕斯的曙光》, 80cm x 60cm, 2026。   展覽主軸並非單純的靜止，而是一種介於靜止與流動之間的狀態。《Still, Not Still》的空間設計，讓兩位藝術家的作品彼此呼應卻不互相干擾。Tobias Stutz 的建築理性與周有煦的自然詩意，透過展牆距離與動線鋪排，形成呼吸般的觀展節奏。畫面看似凝結，實則會在過程中，引導情緒與感知持續產生細微變化。 光線在畫面中移動，映照水面、建築與天際，時間的痕跡因而清晰。 得然藝術創辦人Denise Tsai的策展意志，滲透在每一處燈光落下的角度、每一道視線穿過的間隙，讓空間本身成為一種邀請，讓觀者在安靜之中，重新感受那些平日容易被忽略的內在流動。   《Still, Not Still》 時間」2026年7月18日至2026年8月15日 地點」TARTCH得然藝術（台北市內湖區南京東路六段503號1樓） 開放時間」週二至週六10:00~18:30（週日、週一公休）   資料及圖片提供」TARTCH得然藝術 編輯」林靖諺

《2026好感空間展Experience Life》於日前圓滿落幕，今年以The Next House Show為策展主題，從「下一個世代的材料盛會，應該是什麼模樣？」出發，重新思考商展的觀看方式、交流形式與策展角色。4天展期觀展人數再創新高，吸引來自建築、室內設計、空間設計、材料、製造及生活產業等專業人士和設計愛好者共襄盛舉，展現台灣商業展覽正透過策展與美學思維，開啟產業交流的新樣貌。   以光影重新感受材料與空間 今年首度推出「關燈計畫」，邀請照明人協會擔任燈光顧問，重新規劃全館光環境，降低整體照度、強化重點照明及光影層次，引導觀者將注意力回歸展品本身。光與影的純粹對話讓材料質感、家具比例和整體氛圍能更鮮明地被感知，讓照明不只是工具，更成為策展敘事的一部分。   除了形式上的創新，本屆也匯聚多項跨域共創內容，從3D列印藝術、土泥積層大型裝置，到品牌攜手藝術家、建築師等共同完成的限定展演，讓設計、工藝、科技跟製造在共同交織出一座創造力無限的生活實驗場。透過策展整合，好感空間展突破傳統商展以產品展示為主的框架，讓創意、品牌價值和製造技術得以同步呈現，突顯台灣從材料研發、製造工藝到品牌設計的完整實力，為產業建立更多合作對話的可能。   影響力講堂 每年備受關注的「影響力講堂」則回到最原始的材料：木材。以木構空間承載一系列跨領域講座，議題涵蓋AI、城市更新、永續材料、工藝文化及北歐設計思維，邀集不同領域的實踐者分享觀點，讓知識交流成為體驗的重要環節，也回應本屆展覽對未來生活與空間的提問。   除了策展內容持續深化，今年也進一步拓展亞洲設計交流網絡，邀請來自亞太地區多個設計組織代表來台，藉由參展品牌媒合與深度參訪，促進台灣設計業與國際市場的合作契機。   好感空間展持續嘗試突破框架，以策展思維重新串接起人、品牌、材料和空間之間的關係，每一次觀展、每一場交流、每一則回饋都將成為下一屆展覽演進的重要養分，並持續以設計為媒介，拓展產業對話的可能，也讓更多人在展覽中找到屬於自己的生活好感。     資料及圖片提供」好感空間 撰文」陳映蓁

初夏時節，誠品畫廊迎來一場別開生面的藝術對話。曾獲台灣指標性藝術競賽「大墩獎」最高榮譽的藝術家謝福源，與首度來台舉辦個展的中國藝術家蘭昭形，於近期共同舉辦《謝福源、蘭昭形雙個展》。此次展覽是誠品畫廊與兩位當代藝術家的首度合作，匯集兩人近年來的創作精髓，共展出逾50件作品，其中包括超過10件首度發表的全新創作，邀請觀者一同見證他們在各自藝術路徑上的深刻堅持與思考軌跡。 曾獲台灣指標性藝術競賽榮譽「大墩獎」的謝福源首次於誠品畫廊展出。   謝福源：秩序與解構間 一筆一畫的詩意修行 藝術家謝福源，1992年生於台南，深厚的學院訓練與日本交換研習經驗，為其創作注入傳統水墨根基與跨文化視野。他長年沉浸於工筆繪畫，卻仍持續探索在當代語境中的轉化可能。 謝福源代表作「萭嶼」系列以緻密的工筆葉片為基礎單位，層層構築如島嶼般的視覺景觀。 其代表作「萭嶼」系列，便以最細僅約0.2公分的葉片作為基礎單位，透過長時間一筆一畫反覆勾勒、層層堆疊，構築出宛如島嶼般靜謐而壯闊的視覺景觀。那些緻密的筆觸，不只是技法的極致展現，更體現藝術家在細節中探索秩序與變動、平衡與張力的漫長修行，近距離欣賞，其細膩與詩意令人嘆為觀止。 謝福源《裂帛生綠》。   此次展出的16件平面作品，包含5件2026年創作的新作，清晰地呈現謝福源近年來的風格演變。其中《裂帛生綠》標誌著其創作方向的關鍵轉折，由過往精密的工筆語言，逐步走向更為自由的「逸筆」書寫。畫面中，筆勢更顯率性，並透過獨立、彎曲甚至猶疑的筆畫，以及一道大膽切分空間的垂直線，忠實記錄創作當下的情緒流動。 謝福源《築山庭》。謝福源自幼接受工筆繪畫訓練，持續探索傳統筆墨在當代語境中的轉化，其細膩筆觸近距離欣賞令人嘆為觀止。 色彩上，他加入了薄荷綠、藕粉與灰白等近似古典淺絳山水的色調，為向來理性的結構增添溫潤的情感層次。近年作品更可見他結合數位繪圖與水墨，保留草圖中原始、帶有衝突感的書寫痕跡，重新詮釋郭熙《早春圖》、李唐《萬壑松風圖》等北宋經典山水，在傳統與當代之間，展開全新的觀看方式。 謝福源《蘆雪聽禪》。 蘭昭形：跨媒材的哲思之旅 凝視時間與存在 相較於謝福源對工筆的深化與轉化，首度於台灣展出的藝術家蘭昭形，則以其跨媒材的創作實踐，展現另一種豐沛的藝術能量。1977年出生於山西，雕塑與油畫的學院背景，造就她對物質與形式的敏銳感知。此次展出40件作品，涵蓋水墨、油彩、壓克力顏料、雕塑、浮雕等多元形式。 蘭昭形《山中小屋》。透過不鏽鋼構築出簡潔而堅定的建築形象​。 蘭昭形《沉思 1》。   深受哲學與歷史議題吸引的她，作品常從時間、存在與文明的思考出發。雕塑《山中小屋》以不鏽鋼構築出簡潔堅定的建築形象，象徵著內在的心靈歸屬；浮雕《沉思1》則結合蜂蠟與木板，透過層層堆疊形成半透明且斑駁的肌理，彷彿將時間的流動感凝結於畫面之上。 蘭昭形首次於台灣舉辦展覽，展出作品涵蓋水墨、雕塑、浮雕與油畫創作。 在平面創作上，蘭昭形深受塞尚影響，重視形式結構與畫面節奏。她曾言：「我很喜歡排線，重複的行為本身會帶來一種均衡，讓我產生一種無目的的目的性愉悅。」這樣的傾向鮮明地反映於其風景畫中，筆下樹木常呈現失根而整齊排列的樣態，在秩序中潛藏著不安與探索張力，作品命名更常延伸其哲思脈絡，如同海德格所言的「林中路」，在未知中持續前行。 蘭昭形《少年時代》。 蘭昭形《噴火的人》。 除了風景，歷史人物亦是其創作核心，如描繪梵谷年輕時期的《少年時代》，以及以藝術家羅斯科為題材的《噴火的人》，展現其對藝術名家生命與精神的深刻詮釋。而工作室中的蘭花、植栽與日常物件，則在具象與抽象的轉換間，成為具有當代性的靜物語言；愛犬「毛豆」的身影亦多次出現，以簡練筆墨捕捉神態，為其充滿哲思的作品，增添一份對生命日常的溫暖凝視。 蘭昭形《毛豆》。 從謝福源筆下0.2公分的工筆葉片，到蘭昭形手中跨越水墨、油彩與鋼鐵的多元媒材，兩位藝術家以截然不同的路徑，共同抵達藝術創作的核心，那便是對極致的追求，以及對內在世界的深刻探問。這場雙個展，不僅是視覺的饗宴，更是一場關於時間、秩序與存在的詩意對話。 《蘭昭形、謝福源雙個展》 時間」2026年8月8日前 地點」誠品畫廊（誠品生活松菸B1） 開放時間」週二至週六11:00~19:00（週日、週一休館） 展覽詳情可至線上展廳瀏覽。 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

今年夏天，勤美草悟生活圈以「BOOM ART！藝術不設限」為主題，宣告2026年度夏祭啟動，展期自8月14日至30日，橫跨勤美術館、勤美誠品綠園道、金典綠園道商場、PARK2草悟廣場等四大展區，將藝術創作延伸至整個草悟道生活圈。核心計畫「美術館便利商店」延續「EVERYDAY ART藝術計畫」的精神，主展區於勤美術館展出，同步揭曉40位入選創作者、超過60件作品，以藝術與日常的雙向滲透，打造台中一年一度的夏日街區慶典。   推廣台灣創作能量 勤美草悟夏祭多年來切入社會議題，利用不同主題與城市對話。今年回歸美術館主場，延續勤美璞真文化藝術基金會推動EVERYDAY ART藝術計畫的初衷，將能量導向對台灣藝術創作者的實質支持和推動。勤美術館總監胡忻儀表示，這次收到近300件投件，創作者的共同起點都來自真實的生活體驗；而藝術家賈茜茹規劃的《凌晨五點零四分的便利商店》體驗，讓觀眾不只是來看展，而是化身為美術館便利商店裡的「消費者」，在遊逛、選購與停留之間，用最自然和最便利的方式與這些入選作品相遇。 勤美術館「美術館便利商店」聯手全家便利商店，讓美術館的白盒子變身為最生活的日常劇場，在貨架之間與藝術不期而遇。（示意圖）   「美術館便利商店」限時開張 EVERYDAY ART藝術計畫包含主題徵件「藝術走進你家」、影像徵件「城市裡的時鐘」以及特別補助計畫。邀請格式設計展策總監王耀邦、水越設計創辦人周育如、《VOGUE》亞太區編輯總監孫怡，以及韓國當代藝術大師崔正化（Choi Jeonghwa 「Danadanuda」）組成黃金評審團，陣容跨越藝術、設計、媒體與展策多元專業領域，揭曉40組優秀入選創作者，並推出實體展覽「美術館便利商店」，將生活中熟悉的便利商店轉化為藝術載體，展出創作者們對生活的細膩觀察。 藝術家1.1 space帶來「目覚め待ち」作品，呈現出等待被吃（被閱讀）的狀態，回應超商商品被陳列帶走的瞬間，將書本翻玩為可消費的日常物件。 藝術家LIYU的「One Day」作品，以荷蘭生活觀察日記出發，將日常浪漫比喻為一條長長的吐司，切下其中一片做成書本，包裝成精神食糧。   本次夏祭最受矚目的場域亮點，是勤美術館跟FamilyMart全家便利商店的期間限定跨界合作，展期間美術館將化身最藝術的便利商店，藉由空間語彙的重塑讓入選作品在熟悉的消費場景中被重新觀看。 藝術家Pyrce Luk陸嘉瑩的「失敗盲盒」作品，源於一顆意外煮爆的蛋，引發對失敗美學的好奇，透過超商風行的盲盒形式，以不預期感幽默探討人生樣貌。 藝術家陳政維帶來「Beeping Tempo Ready Go」作品，將超商結帳最具代表性的「刷載具」節奏轉化為健康操，讓消費變成雙向的身體實踐。   主視覺則由設計團隊「三頁文」（Yen Design）擔綱創作統籌。三頁文創辦人顏伯駿以工作坊形式設計，邀集勤美集團同仁、在地里長里民與街區遊客分場親手創作，再由團隊轉化這些來自真實日常的手感元素，形塑本屆的視覺語言。色調呼應FamilyMart全家便利商店標誌性的藍、白、綠，讓主視覺從設計概念到色彩選擇，都與本屆夏祭「藝術進入日常」的核心精神緊密扣合，執行對「讓藝術真實發生」的共同信念。 勤美術館2026夏季展《美術館便利商店計畫》主視覺。     BOOM ART！藝術不設限 日期」2026年8月14日30日 地點」勤美術館（台中市西區館前路79號） 聯合展區」勤美誠品、金典綠園道、PARK2&街區   美術館便利商店 日期」8月15日至10月25日 地點」勤美術館     資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

大眾審美的流變與創作者的關係，反映了社會各方面的變遷，創作者的美學意識根植於其生長的時代，無論是基於整理藝術家對時代的理解或是反抗，都在有意無意間，擔起紀錄和傳承時代美學的責任。  展廳一隅。 來自拉丁美洲的藝術大師費爾南多・波特羅（Fernando Botero），以獨樹一幟的「膨脹美學」風靡全球，更被譽為20世紀最具代表性的當代藝術家之一，其大型個展《圓潤的魔法 波特羅特展》在2026年的夏天首次登陸台灣，展出118件作品，涵蓋油畫、素描、水彩與雕塑等多元題材與創作手法，還有從未公開過的珍貴作品，由藝術家的女兒親手策展，期以藝術家獨特的美學意識，與展覽在地的風土民情展開新的碰撞與對話。  〈拖牛儀式〉（The Arrastre），1987年。 顛覆固有美學定義 展覽內容依序梳理了波特羅七十餘年藝術生涯中最具代表性的作品，根據藝術家的創作週期，引導觀眾逐步深入他以「體積」為主軸所建立的宇宙，規劃八大展區，《拉丁美洲》、《馬戲與嘉年華》、《靜物》、《鬥牛》與《宗教》，《變奏》、《從素材到水彩》和《雕塑》，完整呈現波特羅豐富的藝術歷程。在波特羅去世後的兩年半，將他的文化傳承帶給全世界，如此既是對藝術家的紀念，也為各地創作者對美的概念帶來新的刺激和表達方向。  《拉丁美洲：波特羅的哥倫比亞之根》展區。 透過膨脹的體積比例，他筆下的人物、動物、靜物和風景均被形塑出令人過目難忘的圓潤線條，在寫實的基底突出抽象的表現手法，打破古典審美均衡、流暢的視覺，樹立鮮明的代表性，其作品被收藏於紐約MoMA現代藝術博物館、大都會博物館等世界級機構，此外，波特羅也是全球首位受邀於巴黎香榭麗舍大道展出巨型雕塑的當代藝術家。  〈街道〉（The Street），1988年。 樹立個人鮮明風格 波特羅出身於1932年的麥德林，他早年喪父，家中的經濟由母親從事縫紉工作維生，親情和這座城市獨有的炙熱氣候、濃豔光影和殖民地文化，塑造了他對美最早的定義；在教會學校就讀，教義的規範和他對美的追求屢屢衝突，促使成年後的他旅居世界各地，在吸收外界新知的同時，他也無一日忘卻家鄉，深信「藝術若要走向世界，必先深植於本土」，在《拉丁美洲》和《馬戲與嘉年華》展區中，處處可見南美洲的民間娛樂和生活畫面。  《鬥牛：一生的熱情》展區。 走向《靜物》、《鬥牛》與《宗教》展區，此處從靜物畫出發，流露對樂器、花果與器皿的觀察，波特羅以此為起點，嘗試在描繪實物時調整細節的比例，營造獨特的膨脹感，於真實可辨的日常場景中注入個人的視角和思維。隨反覆探索，他的「體積語言」逐漸成形，向不同子題延伸，解構他在求學階段的回憶，以飽滿色調和柔軟線條，呈現鬥牛時人與動物的衝突，以及宗教的權威人物。  〈里維耶小姐肖像，致敬安格爾〉（Mlle Riviere, after Ingres）， 2000年。 《變奏》展區經由波特羅對種種經典藝術之作的致敬，流露幽默趣味。秉持「藝術，是用不同方式說同樣一件事。」的思想中心，他以圓潤風格重新詮釋諸如霍爾班的〈愛德華六世童年肖像》、拉斐爾的〈年輕女子肖像〉，以及維拉斯奎茲的〈藍衣瑪格麗特公主〉等等，用他的風格濾鏡，將藝術史上的經典從歐洲貴族的精神殿堂轉譯為拉美市井也能為之會心一笑的親切。  〈走繩雜耍者〉（Juggler on the Rope），2007年。 他對「美」的好奇和探索，不止於解構題材，也嘗試在使用媒材方面進行各項實驗，在《從素材到水彩》和《雕塑》展區中，可以看到鉛筆、炭筆、水彩、粉彩等複合媒材與青銅鑄造，以多元手法和不同角度，陳述自身代表性的「份量感」，和那份體積意圖傳遞的溫度。  展場一隅。 作品表達與時代的交會 本展突破過往單純以視覺欣賞畫展的形式，結合最新AI科技與藝術視覺，提供民眾參與創作的互動體驗，不僅可以透過拍照將自身融入波特羅的作品中，同時以波特羅的圓潤畫風呈現，邀請觀眾親身走進波特羅的體積宇宙。  《宗教：超越既定常規》展區。 波特羅的一生都在注視家鄉的動盪，透過藝術的牽引，讓他看到遠比同鄉更廣闊的世界，也讓他更執著於創作，期待以此讓更多人看到哥倫比亞不同於毒品和暴力、富有生命力和熱烈情感的一面，這份堅持也為世界留下許多豐厚而珍貴的藝術遺產，至今他的作品仍不斷在全球各地巡迴展出，那些以圓潤線條、厚實色調描繪的哥倫比亞，不僅止於幽默或批判，更是他以婉轉形式，嘗試建立起文化溝通和理解的橋樑。  《從素描到水彩：多樣的藝術媒材》展區。 資料及圖片提供」聯合數位文創 編輯」江瑜

創立於1901年的托雷多美術館（Toledo Museum of Art），被譽為美國最重要的藝術博物館之一，館藏超過30,000件作品，今夏首次落地台灣，展出52件精選館藏。 《威尼斯聖地墓園》，約瑟夫・馬洛德・威廉・透納。 「古典光影大師：林布蘭到哥雅－托雷多美術館珍藏展Ⅰ」將在2026年7月18日至10月19日於富邦美術館為觀眾帶來林布蘭、哥雅、透納、范．戴克、弗拉戈納爾等大師作品，橫跨文藝復興晚期、巴洛克、荷蘭黃金時代、洛可可、新古典主義與浪漫主義等16至20世紀的重要藝術流派，完整呈現西洋藝術史400年的經典演變。 《戴羽飾帽的男子》，林布蘭・范・萊恩。 《捉迷藏》，尚-奧諾雷．弗拉戈納爾。 跨時空同台的大師真跡 展覽內容分出六大主題，呈現繪畫在歐洲歷史中所扮演的核心角色。在相機遠遠還未出世的時代，畫作不僅擔當紀錄的責任，也曾是服務於信仰和權貴的重要工具，最終演變為個人的表達，從作者描繪的內容、使用的素材、構圖及用色，可見當時的社會重心、人們的心理狀態，以及對世界的認知。 《收割者與麥田》，文森．梵谷。 本展作品描摹的對象涵蓋肖像、宗教、神話、風景、靜物與日常生活場景等多元題材，呈現歐洲繪畫在不同時代、地域與藝術傳統中的豐富樣貌，引導觀眾依序閱讀不同時期對美的理解和概念，同時映照歐洲在全球交流、殖民擴張與自然科學發展中的角色轉變，再經由創作、傳播和策展的過程，在時間的長河中淘選出展中所見的景色，不同時代的價值觀在此交織，進行無聲的對話。 《風景中的范・坎彭家族肖像》，法蘭斯・哈爾斯。 《塞雷斯伯爵夫人》，伊莉莎白・路易絲・維傑-勒布倫。 古典藝術對當代文化的塑造 藝術家在此一如嚮導，領觀眾跨越時間的代溝，回首現代文明塑成的前因。如17世紀巴洛克時期最具代表性的藝術家林布蘭．范．萊恩、安東尼．范．戴克和法蘭斯．哈爾斯。林布蘭被譽為荷蘭史上最偉大的畫家與光影大師，戴克與哈爾斯則分別於肖像畫上各有建樹，透過豐富而濃重的色彩和大面積的陰影，在平面的圖像中注入戲劇性的生命力。 《孩童與推車》，法蘭西斯科・德・哥雅。 18世紀法國洛可可藝術的重要代表人物，可見尚-奧諾雷．弗拉戈納爾，以及伊莉莎白．路易絲．維傑-勒布倫，他們的作品透過輕盈筆觸、柔和色彩與俏皮互動，展現洛可可藝術浪漫、優雅且充滿感官魅力的特色，也象徵當時的大眾審美逐步脫離莊嚴神聖，轉向追求個人愉悅、私密感受和注重感官的歷史變革。 《穿皮草大衣的男子》，林布蘭・范・萊恩。 最終收尾的約瑟夫．馬洛德．威廉．透納是英國浪漫主義最具代表性的風景畫家之一，以細膩的光影變化與流動筆觸聞名，擅長捕捉自然景色轉瞬即逝的氛圍。從林布蘭至透納，藝術家逐步突破傳統框架，重新定義何謂「美」，以及藝術與人、與世界的關係，也通過展覽的形式，激發觀眾對藝術文化的感知與想像。 資料及圖片提供」富邦美術館、時藝多媒體 編輯」江瑜

在台中舊城區的巷弄深處，一座廢棄逾20年的化妝品工廠，靜靜等待了60年。曾經，這裡是台灣第一家化妝品公司「盛香堂」的生產基地，機器運轉聲日夜不息，空氣中瀰漫著香皂與髮霜的芬芳。如今，這座名為「富興工廠1962」的老建築，連續囊括德國紅點、iF設計獎、日本GOOD DESIGN等國際獎項，更於2025年獲文化部首屆「百大文化基地」肯定，成為台灣新舊融合創新精神的典範。當日常被過成風格，物件不再是冰冷的陳列，而是一座島嶼在時間淘洗中優雅幻化的生活姿態。 「富興工廠1962」建築外觀。 三面向 台灣家具設計的當代觀察 三樓主展區「島嶼脈動」延續富興工廠新舊融合的創新基因，邀集多個台灣新世代設計工藝品牌，透過物件轉化歷史空間記憶，並分別從3個主題呈現台灣家具設計發展的觀察面向。主題「承衍」由路力家器具以代表作品「燕椅」講述當代家具設計經過重新轉化與再創作，承接過往工藝與文化脈絡。這件作品將台灣傳統家具「孔雀椅」溫潤的文化語彙重新轉譯，成為台灣當代家具工藝的優雅延展。 路力家器具Loofleaf「燕椅」，以台灣傳統孔雀椅為底蘊，重新演繹其溫潤氣質。 主題「跨界」由柏成設計「Bloom Chair」帶出設計本質的多元面向。設計不再局限於建築、室內或家具設計的不同領域，而是彼此既相互關聯也互相影響。這件跨界作品代表著台灣的設計力已有能力擴展到不同地域，由台灣設計、攜手日本百年皮革工藝製造，翻轉了台灣傳統家具代工製造的刻板印象。 柏成設計「Bloom Chair」，跨越領域邊界，由台灣設計、日本百年工藝製造，翻轉代工印象。 主題「永續」由Meta Design的「工地計畫」呈現，從營建廢棄物出發，以實際的永續行動重新尋獲廢棄材料的存在意義，將舊資源轉化為具備當代美學價值的全新形式。 Meta Design「工地計畫」，將舊資源轉化為當代美學，以實際行動回應永續命題。 多元品牌 呈現生活各色姿態 二樓快閃區「島嶼光譜」宛如光束穿透稜鏡，匯聚了數位製造、職人工藝與感官設計，折射出各具姿態的生活提案，讓家具與生活風格物件自由對話，共同編織出屬於島嶼生活的多元美學色彩。 二樓「島嶼光譜」展區。 「小質屋」以輕巧裝修邏輯，一站式整合居家美學資源，其洗鍊設計讓小空間實用又能彰顯個人品味，並透過模組化家具結構及彈性組裝，讓未來生活預留可塑性，在頂級材料與台灣在地工藝的妝點下，重新定義現代小坪數空間的質感生活。「木匠兄妹木工房」承襲傳統木工產業，以趣味創意賦予木頭全新的現代生命，具備互動感的生活選物讓木作富含情感，在指尖的木質溫度中，感受台灣林業的延續與轉生。 「台華精技」以工業技術淬鍊金屬的冷冽質感，跨越材質邊界，打造兼具現代感與機能的居家物件。 「台華精技」將精密工業技術導入美學，展現金屬極致的冷冽工藝，突破材質界線，轉化為具備現代感與功能性的居家精品，看見島嶼產業轉型後，那份精準且前衛的工藝力量。 「酉5PM」旱生景觀與藝術器物交織，植物是城市美學的延續，在酉時斜陽映照下，自然的生命力悄然流動。 「酉5PM」以「低維護景觀」為核心，追求植物與環境天然共生的造景哲學，透過旱生景觀與藝術器物選品，讓植栽從點綴化為城市美學的文化延續，在傍晚5點的酉時光影中，將原始生命力帶入日常。「若唯家居」以「台灣設計、在地製造」為核心，體現細膩工藝與當代美學的家具語彙，透過多元面料與輕訂製服務精準回應空間比例與生活需求。「路力家器具」專注高品質原創家具開發，透過設計語彙讓傳統卯榫結構在現代生活轉生，以嚴謹的材料篩選與細緻打磨，打造線條洗鍊且結構堅固的職人手作家具。 「Meshrōm」以3D列印、檔案傳輸打破地域藩籬，讓台灣設計走向國際，亦將世界頂尖家具作品帶入本地，成為雙向串聯的樞紐。 「GIAN」承襲30年沙發工匠技藝，以軟包工藝為核心，將「慢活」體悟融入家具設計，打造放鬆身心的泊心居所。「Meshrōm」立足台中，專注於數位化生產，運用3D列印技術打破地理限制，實踐無國界的製造可能，除了讓台灣優秀的設計作品推廣至海外，同時積極引進全球頂尖3D家具設計師的作品。「umami」以40年實木家具製造為基底，聯手新銳設計師為小宅空間設計，發展獨具特色的系列性與模組化家具，讓家具成為自我表現的物件。 「umami」40年實木工藝底蘊，攜手新世代設計師，為小坪數生活打造模組化、系列感強烈的家具。 互動參與 編織集體生活樣貌 一樓互動體驗區「島嶼DNA」打破觀展邊界，邀請觀者透過行為參與，共同編織當代島嶼樣貌。展覽特別規劃互動體驗區，將「生活、空間、態度」化為具體的日常儀式。藉由「選擇、連線、交織」的互動設計，每一位觀者以一條線留下屬於自己的生活軌跡，共同編織出當代島嶼的集體樣貌。 一樓「島嶼DNA」互動區。 本次策展亦獲得長期推廣台灣設計與生活美學的「上引國際Godwin」與「Okemaru」等品牌鼎力支持，透過細膩的空間配置與情境想像，將家具與物件完美融入日常場景，引導觀者從單純的「觀看者」轉化為「沉浸式生活體驗」的參與者。 一樓打卡牆。 昔日充滿機器運轉聲的舊時代職人工廠，如今已蛻變為新世代匠人精神的演繹舞台。以品牌概念經營的「富興工廠」，名字取自所在地復興路，將「復」改為富有的「富」，寓意文化創意興起老屋的生命；英文名「Fusion Space」，正是融合與跨界的概念。清筑設計×富興工廠主理人許清皓說，老屋會挑人，會找適合的人。這樣的緣分，讓這座曾經差點被拆除的工廠，得以用全新的姿態重生。 資料及圖片提供」富興工廠1962 採訪」林靖諺

應法國攝影藝廊YellowKorner的盛情邀請，台灣當代空間攝影藝術家李國民精選15幅作品、凝結30餘年追逐重要建築與室內設計的創作生涯，舉辦2026年首度個展《人生如建築 四季如映相》；以敏銳視角捕捉建築與光線之間的對話，其作品深具美學張力與空間精神表達，有別於一般商業攝影，富有獨特的人文關懷和藝術性。 李國民。 展中亮點從國際建築巨擘貝聿銘的建築作品、至於本展首次發表的〈四季—春、夏、秋、冬〉影像，到臺北市立美術館及國立臺灣美術館攝影文化中心永久典藏的〈一痴三十年〉系列作品，呈現李國民的攝影作品中不僅透過鏡頭挖掘平凡景色中的獨特魅力，同時亦透過影像敘事展開了一次又一次的自我思辨，以及持續追求自我突破和創新的創作熱情。 〈四季—春、夏、秋、冬〉，2025年，四季系列影像中帶有顯影所呈現的波浪紋，交織出春華秋月、夏雨冬雪，是印刻在心靈深處的大千世界。 〈四季—春、夏、秋、冬〉，2025年，四季系列影像中帶有顯影所呈現的波浪紋，交織出春華秋月、夏雨冬雪，是印刻在心靈深處的大千世界。 捕捉國際建築的詩意 本展以「人生如建築」為核心，藉由貝聿銘兩件橫跨半世紀的傑作，依序引出「萌發、盛放、沉澱、回望」四項子題的敘事軸線。起始於路思義教堂（Luce Memorial Chapel, 1963）以雙手合十的雙曲面薄殼矗立，傳遞對信仰與純粹形式的初步探求；而遠在波斯灣畔的卡達杜哈伊斯蘭藝術博物館（Museum of Islamic Art, 2008），在沙漠驕陽下化為極簡的光影幾何，是他在晚年凝聚文化哲思、回歸文明本質的「回望」。 〈四季—春、夏、秋、冬〉，2025年，四季系列影像中帶有顯影所呈現的波浪紋，交織出春華秋月、夏雨冬雪，是印刻在心靈深處的大千世界。 這兩座建築不僅是空間的里程碑，更是一個自青澀萌發至凝鍊圓融的生命縮影，同時也讓建築師和攝影家兩者的人生形成巧妙互文。李國民提及，拍攝空間時，需與光影和建築對話，並沉浸其中；在他從事空間拍攝的年代，時下流行以燦爛明亮為主流，他卻反其道而行，特意選擇微光或單一光源來思考。 〈四季—春、夏、秋、冬〉，2025年，四季系列影像中帶有顯影所呈現的波浪紋，交織出春華秋月、夏雨冬雪，是印刻在心靈深處的大千世界。 置身於宏大建築之前，李國民不急於拍攝整體全貌，而是先考察空間與光、與人的互動關係，比起追求清晰的視覺，建築作品之於設計者的意義亦在構圖考量中占據重要比例，自然在畫面中呈現空間的神韻。 〈快樂頌〉，2025年，「建築如凝固的音樂」，貝聿銘先生的封刀之作，卡達杜哈伊斯蘭博物館，既當代又富含伊斯蘭傳統建築元素，猶如貝多芬集大成之作第九號交響曲的最終章—快樂頌，創新深遠，博大恢弘。 影像敘事的心靈投射 與建築大師的宏觀視野對應，是李國民在鏡頭背後的「映相」修行，展覽核心作品〈一痴三十年〉 記錄了李國民對攝影物質性的極致執著。觀眾可見其特意保留底片時代被視為無用的感光邊角，經過30年的發霉、氧化與時間洗禮，轉化為具備抽象美感的視覺圖案，這不僅是向過往時代的告別，更是藝術家對攝影本質近乎「痴」的深沉告白。 〈Timeless〉，2025年，藝術家以最純粹的視角捕捉建築最純粹的精神，偉大的藝術將在時間長河中屹立不搖，成為永恆。 〈春夏秋冬〉系列作品承接展覽前段的恢弘視角、以及背後的哲學思考，以自然的清新與人文的安定為本展定調，呈現建築、影像與生命規律的和諧對話。四季在此不僅是自然的流轉，同時也反映心靈歷經風雨的成長和變化，透過李國民的視角賞析建築之美，所見不僅止於鋼筋水泥澆築的輪廓，亦致敬一人一生的映照。 〈青春物語〉，2021年，飛馳摩托車和教堂形成決定性的瞬間，捕捉的剎那，因晃動，形成節奏律動的模糊美感，如春霧中風吹新綠，青春美好。 資料及圖片提供」李國民、YellowKorner 編輯」江瑜

台南弎畫廊近日舉辦版畫藝術家沐冉的個展—《待開之時再相遇》，展場富有自然質感的木質長廊和乳白牆面，反襯藝術家豐富的作品數量和繁麗畫面，也為觀眾呈現其近年創作的主題和狀態。 〈幽幽〉（Softly Serene），油印木刻版畫，60 x 30cm，2021 年。 沐冉在學期間對油畫情有獨鍾，然而因緣際會，在正式投入職業化的鑽研時，反而走向版畫的領域，他自言：「我一直在畫圖，無非是從一開始的畫筆換成刻刀。」其作品多描繪動植物，表現出細節繁複、色彩繽紛的特色，可見其精湛雕工和用色巧思，然而對沐冉而言，使用的媒材並不會定義他身為繪畫者的創作思維，也無意透過創作的技法來講述作品的全部，而更樂見觀眾矚目其構圖和表達。 〈織徑〉（Hidden path），油印木刻版畫，60 x 180cm，2026 年。 《待開之時再相遇》展場一隅。 版畫有別於油畫、水彩等直接在紙上描繪的創作方式，其過程包含更多環節，從草圖起始，然後選擇媒材性質，通過雕刻、腐蝕、照相感光等手法將草圖預設的畫面製作成印版，隨後再將圖像拓印到紙張、織物、金屬、玻璃、合成材料等承印物。每每進行到一個新的階段，畫面都會轉移到不同素材的平面上，且拓印出第一張版畫時並未代表作品已經完成，更多是先透過這個步驟觀察雕版細節是否符合作者心意，以便後續調整。 〈潤無聲〉（Nourishment in Silence），油印木刻版畫，90 x 120cm，2025年。 〈白龍香〉（Fragrance of Peonies），油印木刻版畫，60 x 60cm，2023年。 與華美的作品畫面相對，沐冉的創作過程反而突出「以簡馭繁」的驚人自律，堅持使用單版複刻技法，且每件作品平均疊印10至20色，所有呈現在作品中的色調均僅出於三原色與黑白顏料調製，反映了藝術家對色彩變量與印製過程極其精確的掌控力，在令人眩目的繁複細節下，沐冉憑藉對媒材的高度自覺，結合最簡單的材料與最感性的操作，在精確度中提煉出最豐富的視覺層次。 〈雨見晴〉（Sunshine After Rain），油印木刻版畫，90 x 180cm，2024年。 在自我限定的規則中，藝術家的靈性在作品間流光溢彩，以「繪畫性」思考注入版畫的形式，自下筆伊始，就在無聲敘述他真實的日常。窗口的盆栽、和孩子互動的對話，看似平凡的碎片，被他凝望、重新組裝，每個環節都沒有硬性保留原始構圖，而是在流動的時間中，不斷增減觸動他的浮光掠影。 《待開之時再相遇》展場一隅。 那些細緻刀痕並非單純裝飾，也並非為了還原具體造物而寫實，而是藝術家胸有成竹地直接與木板對話，在沐冉畫作中的世界，將生活中容易因為太過習以為常視而不見的風景溫柔轉譯，令觀者沉浸其間，感受到初次睜眼、為世界繽紛所感受的驚豔。 〈春神覓〉（Seeking the Spring Deity），油印木刻版畫，150 x 90cm，2022年。 資料及圖片提供」弎畫廊 編輯」江瑜