在當代藝術與工藝的交匯處，臺南市美術館持續以策展建構對話橋樑。自2021年起，透過「工藝協奏曲：臺灣X金澤工藝交流展」、「逍．遙．遊當代工藝合創展」及「臺南X金澤雙城論壇」等系列活動，南美館不僅呼應台南作為工藝創作重鎮的歷史脈絡，更逐步搭起跨領域的交流網絡。今年秋季，南美館再度推進此一使命，特邀日本當代藝術重要推手秋元雄史擔任策展人，推出「皮膚と內臓：自己、世界、時間」展覽，以十位日本當代女性藝術家的工藝創作，開啟一場跨越感官與哲思的深度探索。 展覽現場。   多元媒材呈現生存意義 展覽以「皮膚與內臟」為隱喻，從身體最直接的感知出發，試圖組織起自我、世界與時間的複雜關係。這不僅是感官的啟蒙，更是存在的探問。藝術家們透過玻璃、漆藝、陶藝、織品、纖維等多元媒材，創造既神秘又具象徵性的作品型態，引領觀者在觸覺與視覺的交織中，思考現代人如何面對自我與世界的連結。這種創作精神，恰如草間彌生在自傳《無限之網》中所言：「不應該受到舊道德的束縛，要做自己喜歡的事」，展現在自由中追尋生存意義的藝術態度。 展覽室C第三子題「邂逅：與他人的共鳴」，陳列四位藝術家之作。   展覽的敘事結構巧妙借鏡動漫《葬送的芙莉蓮》中，主角於旅程中反思生命的隱喻，引導觀眾透過作品審視自身，並重新建構與他人、與「來世」的關係。從記憶的追尋到生命的律動，展覽分為四大子題，逐步展開對人類經驗的深層叩問。   從工藝感受生命流動 在「記憶與情感：過去與幻想」中，牟田陽日將傳統陶瓷圖像融入個人想像，投射出對自然的獨特觀照；小林萬里子以「生命的循環」為題，模糊人類與動植物的界線；綿結則運用原始技法，追尋一種超越時代與地域的根源之美。這些創作不僅是對過去的懷想，更是對幻想與現實之間流動狀態的捕捉。 小林萬里子作品《無盡的喜悅》。 佐佐木類作品《植物的記憶》系列。 進入「旅程：探索超越界限」，藝術家佐佐木類透過《植物的記憶》系列，記錄她與土地、旅行的對話，在採集與創作的過程中重新發現自我。而在「邂逅：與他人的共鳴」中，三嶋律惠與義大利穆拉諾島工匠合作，展現玻璃工藝在光線下的多變姿態；中田真裕透過色層堆疊留下時間軌跡，佐合道子與留守玲則分別從造形觀察與日常素材中，探問生命本質與物質特性。   三嶋律惠在燒製過程中，運用不同方式創造作品的多樣性。 佐合道子利用瓷土創作多種形態。 最終，「生與死：生命的律動與心理」回歸對生命本質的凝視。山下茜里剝除皮膚的表象，以鮮烈色彩描繪人類身體，直面「人為何物」的終極提問；宮田彩加則將帶有死亡預兆的MRI影像轉化為藝術，成為面對身體不確定時的心理回應。   展覽大廳放置山下茜里作品《渴望光明》，表現色彩鮮艷的人類身體。 展覽開幕式上，忠義國小太鼓隊與歌手林雨宣共同演繹《葬送的芙莉蓮》主題曲〈勇者〉，以鼓聲與歌聲象徵挑戰過後的旅程，與展覽主題相呼應，帶來直擊感官的震撼體驗。策展人秋元雄史與藝術家代表佐佐木類強調，展覽並非艱澀難懂，只要以自身感官細細體會，每位觀眾都能從中找到屬於自己的啟發。   宮田彩加作品靈感源於自身至醫院檢查的MRI核磁共振檢驗報告。 「皮膚と內臓」不僅是一場工藝展覽，更是一趟從身體感知出發，通往自我與世界深處的旅程。透過十位藝術家的創作，觀眾得以在記憶、旅程、邂逅與生死的交織中，感受生命的流動與存在的意義。   山下茜里的蠟染作品《超越肌膚》。 皮膚と內臓：自己、世界、時間 時間」2025年10月3日至2026年1月18日 地點」臺南市美術館2館展覽室A-D 詳情請見臺南市立美術館官網。   資料及圖片提供」臺南市立美術館 編輯」林靖諺

台北當代藝術館適逢25周年，邀請知名現代藝術團隊豪華朗機工於此舉辦首次個展「宇宙寫生」，豪華朗機工由張耿豪、張耿華、陳乂及林昆穎四名藝術家組成，歷經多次藝術活動，至今已有15年創作經驗，四人各有所長，透過討論和合作，創作內容橫跨繪畫、雕塑、音樂、錄像、文本和藝術裝置等領域的手法，以藝術語言反饋他們對社會的觀察、回應公共以及社會議題，也透過創作為不同領域之間創造新的連結。     《四合》，攝影：陳長志。     本次展出不僅是一次針對過去的審視和紀念，同時也是對未來的展望，展覽內容包括重新詮釋14件過去令觀眾印象深刻的經典作品，同時也有與台北當代藝術館合作所觸發的全新創作，以「萬物皆連結 It's all connected」為核心，提出三個主題進行遞進式的概念闡述。     《游泳》，攝影：陳長志。     開篇「連結的生命」中，為觀眾展示人與環境如何互為依存；其次「記憶的物件」，著重於時間與物質所留下的痕跡；最終收尾的「凝視的宇宙」，則以新作裝置開啟對未來的探索。期待透過沉浸式的展覽體驗，喚醒觀眾的感知，讓觀眾置身在跨媒體裝置和運算式技術所營造的語境中，重新審視自身和環境的關係，並延伸對未來世界的想像力。     《在屾》。     光與生命的串連   回顧團隊成立的最初，每一次合作、挑戰與轉變都成為養分，就像他們是由四個獨立的個體互相搭建而成，以此為起點，設置入口形象區的裝置作品《四合》，以緩慢律動的光影迎接觀者進入，彼此獨立的燈管在幽暗的環境中透過光源彼此牽引，最終在同一個框架中找到平衡，展現微妙而和諧的合作。     豪華朗機工於科教館的工作室。     《雨霾II》。     以個體與個體之間的關係，擴大到對更多人群的關懷，展出的第一站「連結的生命」透過燈管裝置模擬自然律動，呈現《游泳》和《風場II》，細長的發光體化為一片人工風林，在展場裡靜靜呼吸。從人類的角度繼續往環境的方向延伸，《在屾》、《雨霾II》和《冷凝》，透過藝術家蒐集的鋼筋廢料和海廢等廢棄物質，構築自然意象，表達山、海與氣候變遷下冰冷與柔軟的對話，喚起屬於台灣人共同的感官記憶，匯聚人類的感官和自然生態的變化，讓觀眾看到個體生命彼此之間的群體共性。     《冷凝》。     15年創作生涯的里程碑   來到第二個展區，依序審視一路走來的共創記憶，以繪畫與投影構築三個曾經的工作場域，透過觀察者的視角，邀請觀者在凝視中穿越，沉澱於豪華朗機工十五年的創作記憶，凝結成《15年工作室》這個時光的結晶。在此之後的「照顧計畫」系列，靈感源自2006年張耿豪、張耿華在當代館展出的《啄木鳥》，延續鳥與樹木互惠共生的意象，作品以影像與訪談呈現，橫跨展場三個樓梯間。     《照顧計劃 II 感知現場》。     以現在的嶄新眼光對過去的作品進行再詮釋，面對不同的場地和不同的心境，宛如在回憶的地基上構築更高的塔樓，望向更遠的風景。如2010年誕生的《日光域》，當年藉由=回收燈具重新聚合光源，作品一路迭代至今，於當代館推出全新版本《日光域XI—台北當代藝術館》。新版作品以回收平板電腦作為光的載體，映照當代人們被網路、社群與演算法環繞的處境，數位藍光宛如日光，再次引導觀眾在凝視中思索。     《風場II》。     以及始於十五年前的《天氣好不好我們都要飛》，當時的豪華朗機工與台新銀行文化藝術基金會共同企劃，以空白鳥圖紙邀請全台37,200位孩童描繪心中飛翔的夢想，如今這件大型集合創作再次展翅，象徵自由與勇氣不因時代而停歇，不僅令過去的記憶再次鮮活，同時也邀請觀眾加入共創，一起為小鳥繪製彩色翅膀。     《日光域XI–台北當代藝術館》。   《天氣好不好我們都要飛》。   會呼吸的宇宙場域   展覽尾聲在二樓最大的展間以《宇宙201》為敘事主題，結合《生光》、《物林》、《手識》三件相互聯動的核心作品，構築出一個會呼吸的宇宙場域，每個分開看都足以獨立閃耀的部分，於此同一片宇宙中運行。《生光》將聲音與光編織成一個可以被包覆的宇宙，邀請觀眾開啟全身的感知，跟聲音的頻率與光的震動一起呼吸；《物林》由漂流木打造而成，圍繞而彼此聯結的森林，而在林間深處，《手識》以仿生手掌作出觀眾熟悉的姿態，與《生光》的多重光場彼此互動，象徵人類的意識將人與自然、宇宙進行連結。     《很難很難》。      《宇宙201》。   這三件作品以抽象的概念為核心，共構震撼視覺的科幻場景，是豪華朗機工對「宇宙寫生」的深層思考，出於對2018年因病離世的張耿豪的思念，作品以詩意的現實幻境，使觀者意識到科技之中的溫度與靈性，生命與記憶在此延伸，化為展覽中最為深沉的心跳。     「宇宙寫生—豪華朗機工個展」 時間」2025年10月04日至2026年1月11日 地點」台北當代藝術館 資料及圖片提供」台北當代藝術館、豪華朗機工 編輯」江瑜

忠泰美術館今夏首度於台灣推出芬蘭國寶級建築師大型回顧展《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》，衛星展區日前於在 NOKE忠泰樂生活3樓Uncanny登場，進一步延伸探討展覽核心命題「創造即生活」。展期至2025年11月30日。 《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》衛星展區。©忠泰美術館   衛星展區聚焦阿爾托夫婦家具設計的實驗精神、專利技術與創新成果，並介紹其共同創立的設計品牌「Artek」。現場展出多件經典作品與設計結構物件，包括1930年代突破曲木技術極限的懸臂椅（The Cantilevered Chair）以及被譽為「圓凳之王」的60號圓凳（Stool 60）等，揭示他們如何以設計連結個人、家庭與國家文化價值，同時帶領觀者見證芬蘭現代設計跨越地域文化，延續發展近百年的雋永魅力。 衛星展區囊括了手工製品到量產家具的介紹。©忠泰美術館   家具是建築的縮影 阿爾托夫婦在建築創作中不僅關注空間形式，也透過材質與細節的實驗，賦予生活更豐富的質感和感知體驗。衛星展區呈現他們成立事務所初期、面對20世紀工業化浪潮下，家具設計的創新實踐，挑戰傳統木作技術，發展膠合板曲木工藝，突破木材彎曲極限，打造輕盈有機且具量產可能的家具。在1934至1965年間，阿爾托更以七項專利展現家具實驗技術突破，成為北歐現代家具發展的重要典範。 阿爾托發明的專利「L型支撐腳彎曲法」，有相當廣泛的應用，亦衍生出多樣變體。©忠泰美術館   對阿爾托夫婦而言，家具是建築的縮影，也是與日常最直接的對話。許多作品源於大型建築計畫，卻逐漸成為獨立經典，並透過他們於1935年創立的Artek公司推向全球，至今仍在生產並廣受喜愛。 Artek結合了「藝術」（Art）與「科技」（Technology）。©Alvar Aalto Foundation   Artek的名稱源自「藝術」（Art）與「科技」（Technology）的結合，由阿爾瓦與愛諾．阿爾托及其友人在赫爾辛基創立。Artek不僅管理阿爾托家具出口、推廣優質家居產品，也在店中舉辦現代藝術展覽，成為當時前衛的室內設計藝術中心。 可堆疊式的611號椅，後由愛諾改造為兒童款（右）。©忠泰美術館 愛諾同時也擔任Artek首任藝術總監，專注於室內設計，並將阿爾托家具的設計語彙轉化為現代產品風貌，奠定品牌的設計準則與形象，並於今年迎來成立90週年。   懸臂椅（The Cantilevered Chair） 懸臂椅系列401號椅，剖面呈現局部內裏。©忠泰美術館 於1932年北歐建築論壇首度亮相，以模具塑形的彎曲木材所製成的家具框架，這種框架可同時作為椅子的扶手和椅腳，又稱為「彈性木椅」。此設計衍生多款阿爾托家具，至今仍持續生產。 阿爾瓦．阿爾托在維堡圖書館測試懸臂椅設計。©Alvar Aalto Foundation   層架支撐（Shelf Bracket） 1935至1936年間設計出環形樺木支撐層架。©Alvar Aalto Foundation 阿爾托於1935至1936年間設計環形樺木支撐，由Artek進一步發展為多款式，廣泛應用於層架、衣帽架、壁掛收納與傘架，展現結構的多功能與延展性。 環形樺木支撐層架。©忠泰美術館   60號圓凳（Stool 60） 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳，採用專利曲木技術打造L型支撐腳，三腳結構即使在不平表面也能保持穩固，且可堆疊收納節省空間。簡潔的木質平面易於清潔，完美展現功能主義精神；而L型支撐腳亦持續衍生出Y型、X型、V型等多樣變體，成為品牌經典的設計語彙。 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館     資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

在繁忙的生活中，總有一些片刻能讓人暫時停下腳步，一杯茶、一段靜默，或僅僅是凝視光影的移動，都足以讓心安定下來。以此為核心意象，策展人許哲瑜、郭中元與日本陶藝家大谷哲也共同策劃的《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》日本工藝家聯展，於台中大屯郡守官舍盛大展出。 參展工藝家與策展團隊合影。 策展團隊歷經一年多的踏查與紀錄，集結11位來自日本各地的工藝家，包含陶瓷、玻璃、剪刀、金工、木工、和紙、焙茶、和菓子及花藝等作家，跨領域探討工藝與日常生活的想像與力量，並同步出版專書。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   工藝與生活的交會 「Ippuku／一服」在日語裡意味著忙碌中的一段小歇。策展團隊走訪日本九州、金澤、新潟、能登半島，與工藝家們對話，發現「Ippuku」並不是單純的休憩，而是創作與生活交融的一種狀態──在工藝家的日常裡，休息即創作，創作亦是休息。  《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 展覽的出發點，不是遙遠的藝術理念，而是生活本身，以「生活即創作」為主軸，這些看似日常的物件，其實蘊含工藝家最專注的創作心境。角田淳從料理與家人餐桌出發設計器皿，大谷哲也以「白」詮釋極簡瓷器的澄澈，大谷桃子將田園風景轉化為器物紋樣；京都的ハタノワタル（Hatano Wataru）讓和紙溫潤延展於空間，來自能登半島的有永浩太以口吹玻璃展現透明與堅韌，多鹿治夫鋏製作所傳承各種生活工具歷史與創新，金澤的竹俣勇壱則以金工勾勒餐具的優雅姿態，所有的精彩皆呈現於每件作品中。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   和紙的柔光 其中，ハタノワタル（Hatano Wataru）的創作以日本傳統和紙文化為核心，但卻不侷限於傳統用途，而是將其拓展至建材與空間應用。大眾常認為紙材脆弱、遇水容易破，但他認為，和紙的本質就是「樹皮」的延續──經由多道製作程序再重生，正因如此，和紙其實是一種堅韌且充滿可能性的媒材。 ハタノワタル（Hatano Wataru）。   製紙過程。 製紙過程。 在空間應用上，和紙最動人之處在於光，等於將柔和的時間帶入其中。和紙會先吸納光線，再柔和地反射，形成一種獨特的光暈，他解釋道：「和紙讓光線變得不那麼直接，反而能將擺放於空間中的事物襯托得更漂亮。」有鑑於此，當和紙作為建材時，透過光影與材質特性的協作，不僅能營造溫潤氛圍，同時也讓物件和空間獲得了新的詮釋，既能呼應傳統文化，也能對話當代生活。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 除了創作，ハタノワタル（Hatano Wataru）也將心力投注於傳承，他的工坊目前已有八名學徒，期許未來能以團隊方式持續運作、推廣和紙文化；他強調，和紙作為日本傳統工藝，必須在當代被延續與拓展，而非僅僅停留在過往的記憶中。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 鏈結傳統與現代 策展人許哲瑜則回憶參訪ハタノワタル（Hatano Wataru）的工坊時，對於他從原料種植、製紙到作品完成皆一手包辦的流程印象深刻，完整掌握每一道環節。許哲瑜指出，ハタノワタル（Hatano Wataru）的價值不只在於製紙，更在於把傳統的媒材重新詮釋，運用在多元的生活層面中。「他在傳統與現代之間找到了平衡點」，策展人表示，隨著時代演進，越來越少人使用早期的自然材料，但ハタノワタル（Hatano Wataru）卻能在傳統技藝中注入當代對藝術的追尋，展現成熟且成功的轉譯力。他尤其欣賞和紙因光線而展現的多變表情──同一張和紙，在不同光線與天氣下皆能呈現截然不同的氛圍，這是其他建材較難達到的效果。  和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 和紙藝術品。   片刻停歇的光影 《Ippuku》不只是一場工藝聯展，更像是一場關於「如何生活」的提案，邀請觀者暫時停下腳步，透過器物感受溫度。這些作品之所以動人，是因為它們真正回到日常，提醒我們生活中仍可留白、能慢下來，找到屬於自己的「一服」片刻。   Ippuku：生活與工藝的片刻對話 日期」2025年10月1日至2025年11月16日 地點」台中市西區林森路40號（林森40 / 台中大屯郡守官舍）     資料及圖片提供」中島GLAb、藝術家Hatano Wataru 採訪」陳映蓁  

記得奧罕．帕慕克的《純真博物館》，故事主旨以男主角凱末爾對女主角芙頌的愛為核心，透過不斷收集她使用過的物品，以填補得而復失的遺憾；作者收集現實中對應的物件，蓋起一座真正的博物館，透過這些觸手可及的物件，就像故事中的情節落入現實。如果愛一個人，就連她遺落的菸蒂都是可愛的，只因那些菸蒂牽引過她不同時間和不同地點的情緒變化，看到那些遺落的物件，彷彿就看到通往特定回憶的鑰匙。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《軀幹》，2023，無聚氨酯泡膠塗佈於無酸紙，69.1 x 54公分。     臺北市立美術館兒童藝術教育中心（簡稱北美館兒藝中心）近期推出的展覽「痕跡悄悄話」，就像是屬於大眾回憶的「純真博物館」，策展靈感源自於日常中不經意留下的痕跡：床單的褶痕、地上的腳印、揉成一團的紙張，或衣物上的汙漬……這些常常為人忽略的細節，無聲地訴說著生活的軌跡。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《憂慮》，2023-2025，布料、發泡膠、鋼繩與金屬結構，330 x 174 x 180公分。     由館內策展人郭姿瑩策劃，邀請法國藝術家戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé），以及台灣藝術家劉書妤與蕭禹琦共同參與，以「痕跡」為主軸，作品涵蓋立體、陶土、錄像與空間裝置等多元形式，另外包含兩件委託創作。邀請觀者透過藝術的角度，重新凝視生活片段，在日常細節裡尋覓那些悄然留下的印記，細品那些無聲遺留在時光中的意義。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《敏捷#4》，2016-2025，布料、發泡膠、塗層、環氧樹脂、木結構與人造草皮，100 x 135 x 179公分。     個體和外在環境的對話與連結   三位藝術家透過自身的生命經驗和獨特的眼光，將抽象的回憶轉化為具體的藝術裝置，引導大小觀眾與其互動，觸發自身的情感共鳴。如法國藝術家戴爾芬・普伊耶，她的作品聚焦於肢體移動與環境互動的軌跡，利用拓印與雕塑般的造型，定格瞬間的動態。作品《軀幹》和《憂慮》皆取材自引體向上的動作，呈現身體繃緊的肌肉張力。     蕭禹琦《棉被山景》（螢幕截圖），2020，錄像，3分10秒，循環播放。   《敏捷#4》則表現身體伏倒在橫桿上，彷彿摔倒或是力竭的瞬間。她先繪製圖案、剪出模板，再以發泡膠壓製身形，透過手作過程的手部力道差異，留下獨特痕跡，形成懸浮於二維與三維之間的人形印記，凝聚時間、動作與材料的交會。   蕭禹琦《蔓延攀爬》，2025，二手衣料、布料，尺寸依空間而定。     蕭禹琦的創作則捕捉日常中易被忽略的細節為靈感，以臥房為舞台，展現作品如錄像《棉被山景》，每天為起床後凌亂的棉被拍照，串聯每天不斷變化的「棉被山」，將時間的流動轉化為可見可感的影像。     劉書妤《裊裊：或者目送一顆蘋果》，2023，瓷土、色料、釉，10 x 10 x 10公分。   《蔓延攀爬》則是邀請觀眾共同參與的限地製作，也是為回應本展覽創作的委託新作，藝術家向大眾募集舊衣，將貼合身體的布料剪開、編織，重構為自牆面垂降到地面、如同瀑布般的布料地景，不僅富有視覺衝擊，同時也將眾人的舊衣背後的回憶、生活與思緒悄然交織。   劉書妤《漫遊者：地理》，2025，台灣陶土、八里山土、砂、木作、不鏽鋼網、紗布、聲音裝置，尺寸依空間而定。     《裊裊：或者目送一顆蘋果》創作靈感源自藝術家劉書妤在外公告別式期間，注視著煙霧一縷縷消散於空氣中，感受時間和生命無聲地流逝的經驗。以蘋果象徵時間與記憶，螺旋狀的蘋果皮造型仿擬繚繞的煙，從新鮮到腐壞的過程，映照出生命的脆弱與無常，也引發觀者對告別與失落的共鳴。     「痕跡悄悄話」展場照。   《漫遊者：地理》則以陶土版畫組構出城市風景，窗戶、磚牆、路標與欄杆……將心理狀態轉化為日常景象的立體地圖。對劉書妤而言，創作是一場「漫遊」——以身體與感官重新感知熟悉的街道，並將個人記憶與地方經驗凝結於作品中，讓平凡場景成為獨特而私密的思想痕跡。   「痕跡悄悄話」觀眾創作區。     展覽的動態延伸   在藝術家的作品展陳之外，本展還有特別為觀眾設置的互動創作區域，邀請展出藝術家戴爾芬・普伊耶與劉書妤將作品概念延伸，以及特別委託藝術家廖祈羽與張暉明共同設計「時間碰碰撞撞」體驗裝置空間，透過親身體驗貫徹展覽的核心主旨，邀請觀眾實際動手參與，從中探索行為與痕跡的關係。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     展期間舉辦多場定時導覽、團體導覽、故事日，同時也和野孩子肢體劇場、展出藝術家蕭禹琦、劉書妤合作推出「我們曾經坐在這」默劇表演、「影子的房間」夜光工作坊及「我的美術館遊記」拓印工作坊等適合不同年齡層的工作坊與演出，透過更加多元化的形式，以及更加生動的表現，探索生活中的藝術。   「痕跡悄悄話」 展期」2025年9月27日至2026年2月22日 地點」臺北市立美術館 兒童藝術教育中心   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

時值初秋，新加坡濱海灣金沙會展中心再次迎來設計界焦點盛事。FIND－Design Fair Asia第四屆展覽於近期盛大落幕，匯聚來自22國、超過250個頂尖品牌，五座國家級展館，以及85位世界級講者，共同勾勒亞洲設計的未來藍圖。 「2025 FIND－Design Fair Asia亞洲設計展」主視覺。 作為新加坡設計周的重要環節，不僅是設計成果的展示場，更是數千名設計師、創新者與產業領袖進行深度對話、激盪創意的核心平台。從國際設計巨擘到嶄露頭角的在地創意工作者，FIND體現設計領域中全球化與本土性的共榮。   國家展館：設計文化的多元敘事 展場中，五座國家館以其獨特的文化底蘊與設計哲學，成為訪客探索世界設計脈動的窗口。   左：Fas Pendezza；右上：Il Giardino di Legno；右下：Swan。 義大利館彰顯「義大利製造」的極致工藝與創新精神，從FAS Pendezza精緻的經典遊戲桌、Il Giardino di Legno量身打造的戶外家具，到Swan永恆的軟裝家具與Composit的現代廚房與室內設計，義大利品牌持續引領卓越的全球潮流。特別的是，展館內陳列奢華皮革配件、織品、手工寢具、裝飾塗料及威尼斯玻璃等，充分展現傳統與創新並存、工藝與科技共舞的設計價值。   左上：Wasoo；左下：Mobella​；右上：PDM；右下：Res。 泰國館以「Living Thai Space: The Absence of Power」為題，呈現一場融合傳統、創新與永續性的動態展演。Mobella將舒適感與國際美學融入家具設計；PDM則將泰國文化轉譯為當代設計語言。RES展現鋁製工藝的專業，WASOO則以稻稈等生物材料突破永續設計邊界。 左：Maison Craft；右上：Bendi-Bangkok；右下：Sculpture。 此外，Maison Craft與在地社區合作，發揚自然材質的工藝傳統；Sculpture展出包括聞名世界的Sexy Chair在內的未來家具；Bendi-Bangkok則以永續實踐進行實木彎曲技術的創新，共同刻劃出當代泰國設計的豐富面貌。 Knights Craft。 印尼館以「Embracing the Earth Society」為核心概念，透過九家參展商展示該國文化活力、創新實力與永續理念，聚焦於尖端材料與中小企業的成果，反映印尼在全球設計舞台上日益重要的地位。 捷克家具品牌mmcite。 展會現場亦匯集來自捷克、香港、法國、日本及中國等地的優秀品牌，形成一股強大的全球創造力浪潮。捷克館的Hunat、mmcite等品牌，香港集合CSI Floorings等團體、法國Casamance、日本Anonimo Design與Sanyei Corporation、中國的Bonas與JNJ Mosaic等，均在此齊聚，共赴設計界盛事。   捷克玻璃工藝品牌Hunat。 另外，由獲獎工作室A Life by Design設計的FIND全球高峰會會場，本身即是一件沉浸式裝置藝術，其以「設計國度」為主題，運用新加坡代表性的紅色為主調，搭配季節色彩、未來感入口，以及超過千公尺的精細布料構組而成。Anonimo Design的漸變弦線屏幕、Events Partners的座椅，以及Mill利用回收材料製成的地毯與家具，共同將新加坡推向全球設計前沿，創造既具象徵意義又充滿轉化能量的空間。   Anonimo Design。 設計靈感在一個個精心打造的展位中具體成形。義大利品牌Danilo以其藝術性牆面飾材聞名，此次展位靈感源自森林的層次生態與羅馬競技場的宏偉，引領訪客深入其設計世界。牆面藝術專家Arte則將展位構思為一座自然綠洲，有機形態、綠意點綴與設計師家具共塑出精緻而溫馨的氛圍，促進探索與交流。   左上：AID；左下：Arte；右：Deluxe Systems。 思想交鋒：全球高峰會的深度對談 為期三天的FIND全球設計峰會，匯集了來自23國、超過80位業界領袖，針對建築、酒店、地產與創新等領域議題進行演講。議題涵蓋城市韌性、人工智慧創新、具意義的奢華設計與文化認同等。 從左至右依序：Mario Cucinella Architects創辦人Mario Cucinella、Keiji Ashizawa Design創辦人Keiji Ashizawa、Ramboll的全球設計總監Hossein Rezai-Jorabi、 札哈．哈蒂建築事務所（Zaha Hadid Architects）Simon Yu總監。 重磅講者包括Mario Cucinella探討「創造性同理心」、札哈．哈蒂建築事務所的Simon Yu論述「都市轉型：建築作為變革催化劑」、Ramboll的Hossein Rezai-Jorabi分享「一個過去，多種未來，多重現在」以及Keiji Ashizawa闡釋「量體的層疊：空間與物件的整體觀」。 左：Gensler常務經理Angela Spathonis；右上：EDG Design設計總監Erin Juhl；右下：SOM副主理人Shumin Zheng。 今年高峰會亦引入關鍵女性視角，如Gensler的Angela Spathonis、SOM的Shumin Zheng及EDG Design的Erin Juhl，共同探討設計如何回應當今社會、文化與環境的挑戰。國際照明設計師協會（IALD）、亞太空間設計師協會（APSDA）及新加坡室內設計師協會（SIDS）等專業組織亦帶來專題討論，從光線在空間中的塑造，到文化遺產推動科技永續，乃至彌合設計教育與業界實踐的落差，內容十分多元豐富。為支持專業發展，所有峰會環節均提供免費的SIDAC持續專業發展積分。   新銳發聲：EMERGE @ FIND的視野拓展 由新加坡設計理事會呈現、FIND支持的EMERGE @ FIND，本屆以「設計中的對話」為主題，迎來最大規模展覽，從東南亞擴展至泛亞洲舞台。新加坡品牌SUPERMAMA創辦人Edwin Low首度擔任聯合策展人，與Suzy Annetta共同策劃。 左：SUPERMAMA創辦人Edwin Low；右：Design Anthology總編輯Suzy Annetta。 展區匯集超過75位設計師與百件作品，迎來自中國、香港、日本、韓國及台灣的新聲音，與東南亞的知名創作者並列。其中七位設計師更獲選為年度「FIND社會先驅者」，包括韓國OK Kim、印尼Threadapeutic、菲律賓Meyte Chen等，為展區注入大膽新穎的觀點。   從左至右：韓國設計師OK Kim、印尼設計師AlvinT、菲律賓設計師Myte Chen。 FIND－Design Fair Asia的VIP買家計畫，專注於為頂尖設計、家具及燈飾品牌，與東南亞地區的優質買家進行精準商務匹配，透過客製化議程與預先安排的一對一會議，協助品牌與分銷商、設計公司、地產開發商及酒店業領袖建立深度連結，除了發掘新品，更能參與高峰會與導覽考察，掌握產業趨勢。在250個國際品牌支持下，展會成為全球品牌，向東盟及亞太地區邁進，創造顯著的商業價值。   2025 EMERGE@FIND參展作品。 資料及圖片提供」Fiera Milano、dmg events 編輯」林靖諺

利用影像記錄生活已經是日常中不可或缺的一部分，無數拍攝上傳的畫面，就此拼湊出一個人的小世界，然而無論是現實中抑或虛擬，保存的空間終究有限，在整理影像的去留時，一幕幕過往的回憶又觸動了多少心弦？     《新店 直到她跟鏡子說話，我們開始變成朋友》，2021，45 x 60cm。     《相機不見了》是攝影師陳建維在谷公館的首次個展，展覽內容一百多幅攝影作品，有些臉孔是他熟悉的親友，有些只是旅途中共享片刻擦肩的過客；有些場景熟悉一如台灣民眾的日常，有些畫面卻來自地球另一端，對觀眾來說連在網路上都不會刻意去查詢背後的資訊。這些零星的光影相互串連，橫貫2020至2025五年的時光，展現攝影師所踏足的國家與經歷的人事物，將喜怒哀樂定格於畫面中，成為永恆的風景。     《台北 嗨！法蘭～》，2022，120 x 60cm。     《台北 認識的小女孩長大了》，2022，45 x 60cm。     失而復得的紀錄   曾在音樂界、時尚名人圈拍攝眾多作品的攝影師陳建維，主修電影出身，後專職於平面攝影，在作品中融入電影般的敘事氛圍。本展以《相機不見了》同名創作命名，靈感源於他遺失相機的真實經歷，他形容當下的心情：「記憶像著急的跑馬燈」，過去曾經紀錄的種種畫面，那些曾經的光影、心跳與呼吸，一瞬間全都宛如當場蒸發。     《東京 以後盡可能不住在澀谷》，2023，60 x 45cm。     原來一台相機能裝下的，不只是影像，而是這幾年所記錄的自己，器材的遺失，不僅是物理上損失了一個工具，更象徵著個人視覺記憶的斷裂，失去相機的佐證，連帶記憶的細節也變得不再篤定。陳建維先生於心頭許願，如果失而復得，期待以此舉辦一場派對、或者準備一個擁抱，贈與陪伴自己多年的親朋好友，意外的是，隔天就在與家人翻找過數次的桌邊角落尋得相機的蹤影。     《台北 她問大人，不能多說點好話嗎》，2023，45 x 60cm。     如此戲劇性的失與得，觸動了陳建維攝影師。多年職涯，初期以拍攝人與土地為主的他，後逐漸延伸至流行雜誌、唱片、時尚與廣告等領域，跨過平實的民眾日常和炫目的商業場景，他都能從中找到激發強烈情緒與姿態的觀察角度。對陳建維攝影師來說，攝影不只是工作，更像是一場蒐集畫面的遊戲，在為作品起名的過程裡，他曾說：「相機是一種幻術，真正生活的人比較重要。」如此在鏡頭下捕捉無數光影的變幻，也拼湊人們在當中生活的真實。     《聖米歇爾 真正生活的人比較重要》，2023，90 x 120cm。     《墨爾本 山丘上的盤絲洞》，2023，60 x 120cm。     情感與記憶的重構   《相機不見了》是一場關於失去與重逢的影像敘事，也是一場重構視覺認知與縫合時間的行動，步入數位影像時代，人們一邊從拍攝的畫面中尋求真實，一邊又再加以精工修飾。當記錄的過程因突如其來的意外被迫中斷，記憶與觀看也隨之產生裂縫；影像的存在，見證了一段被打斷、又重新串起的記錄旅程，以記憶為軸，在整理影像的同時，對過往所發生過的一切進行再拼貼與再詮釋。     《墨爾本 我最喜歡的位子》，2023，45 x 60cm。     在這五年當中，陳建維攝影師將所見所聞編織成一首影像敘事詩，笑與淚在畫面背後的事件裡交錯，內容包含家人的失智、因此淡化雙方的衝突和對立，反而讓他與對方重拾親情，得以建立新的情感聯繫，成為可以互相微笑的朋友。還有在法國記錄好友謝淑薇重返網壇的心路歷程，以及騎著單車追逐陳彥博在巴黎公園訓練跑步的軌跡。跟曾寶儀是小學同學的他，曾相約一同去阿里山採藍莓，好友燦笑的臉龐，也為陳建維攝影展點綴了美麗的光彩……在這當中流動的情感與時光背景，也等待著與有過相同情感經驗的來賓與其產生共鳴。     《新店 他找了一整天的相機》，2024，80 x 120cm。 《萬里 消失的海邊泳池，有小黑在》，2024，60 x 90cm。     與其合作超過25年的音樂人李宗盛曾形容陳建維攝影師拍照偏向單純喜歡這件事，而非著重於留下自我的證明，在按下快門的瞬間，不知道且不理會，時間的長河將賦予這瞬間怎樣的意義。「失而復得」反映的是一種普遍而深刻的人類經驗，這些影像中的人與物已經隨時光長河沖刷至無法回返的彼岸，然而留下的記錄仍如許真實、觸手可及，創造第二次擁有和失去的可能性，是否仍舊保有最初的情感與意志，抑或已然成為新的記憶？     《彰化 有光》，2024，45 x 60cm。     照片中發生過的事件已然發生，但人們觀看的視角卻已經不同，經歷疫情爆發、解封，世界又恢復自由的日常，而生活仍在繼續、記錄不曾停止。   《相機不見了：陳建維》 展期」2025年8月30日至2025年11月1日 地點」谷公館 MICHAEL KU GALLERY（台北市敦化南路一段21號4樓之2）   資料及圖片提供」谷公館Michael Ku Gallery 編輯」江瑜

家具是人們生活的友伴，是刻劃生活溫度的承載器具。一件心愛的木家具，就像貼心的知己般，陪你度過歲月時光，溫柔承接你疲憊的身軀，給你安心的依靠。   在重視量產與速度的時代，台灣各地有一群真心熱愛木家具的匠人，日日親手打磨每一件木家具，呈現它最動人的紋理與姿態，給予每件家具獨特的靈魂，讓它們跳脫了一般家具的定位，升華為可長久傳家，蓄含生活故事的器物。   財團法人新光三越文教基金會與路力家器具攜手舉辦的2025木質生活展《未定的輪廓》，將台灣木作工坊與木作匠人的精彩作品同場並呈，9月26日至10月6日於新光三越台北信義新天地A9九樓宴會展演館，帶領觀眾進入木作人的世界，踏入一場融合產地故事、工坊製程，到創意設計的旅程。        木創作的感官旅程 2025木質生活展《未定的輪廓》帶領觀眾走進木家具的前身至成型，從沉浸式的參觀過程裡，感受木作人的世界，體會他們對木家具創作的執著與熱愛，從木香氣味到輪廓紋理，探訪手工木家具最動人的溫度。   展區一：尚未成形　回溯源頭的產地故事 走進原木的世界，回到雕琢前的真實面貌，從木種原貌、紋理到氣味，感受它最純樸的質感，各具特色的紋理與節點，呈現每塊木材獨一無二的特色。   展區二：未成之聲　工坊製程的沉浸式體驗 捕捉創作過程的瞬間，透過工坊內的聲音、景象、設計原稿的交織，重溫創作過程的一抺光景及木家具成型的瞬間。   展區三：日常輪廓　創意設計落實成型 精選品牌原創家具與小木器，展現它最具生命力的美好樣態，呈現每件手作的內涵與故事，實木不同的色澤和質感，傳遞工坊的創作哲學。 特色看點 木作職人不僅是木藝的創作者，更是促進自然原物與時光對話的書寫者，每件作品都注入了他們對於木頭的熱愛、對環境與時光的禮敬、對創作的堅持與鑽研，透過2025木質生活展《未定的輪廓》精選作品，並呈著他們的理念與個性。   雙手創造的美麗之物　路力家器具 重視細節、觸感的「路力家器具」，從設計到工藝，專注於家具的榫接與流暢曲線，細心傳遞實木溫潤質地與獨特紋理，讓它成為療癒人心與留存情感美麗收藏。 作品：Y4 休憩椅 - 單人款 介於沙發與餐椅之間，外露的結構設計，結合舒適面料的包覆，厚度僅不到5公分的曲面變化薄型背墊，呈現視覺輕盈且予人高舒適度的乘坐體驗。（路力家器具）   木工與木雕並治的結晶　木夫 「木夫」作品樸實、低調且溫潤，融合木工與木雕專長，重視留白與簡約線條，賦予木創作功能與詩意的平衡，讓自然原料隨著歲月積累蓄存溫度，化為生活裡最動人的陪伴。 作品：Woody 掛勾 造型簡單趣味，像是牆上冒出來的小鬼或是探出頭來的毛毛蟲。吊掛功能性之外，也以小型雕塑作品融入家中。（木夫）   用永續理念讓木作新生　even 重視自然永續的木藝工作室「even」，擅長讓回收木轉化新生，保留其歲月痕跡，將生活感觸融入家具與藝術之間，製作令人莞爾且友愛環境的個性作品。 作品：果樹盤 可擺放水果、點心或各種小物，為餐桌與空間增添可愛趣味。（even）   讓台灣檜木綻放新生　w2 wood work 「w2 woodwork」從台灣檜木出發，重視永續環保及木料循環利用，以「reuse + rebirth」的精神，把檜木的清新與自然帶進居家生活，連結人與土地的記憶。 作品：台灣檜木 格柵電視櫃 格柵門片有著散熱功用，同時將檜木香更好地傳散於居家，為生活中增添木質的美麗與香氣，予人來自森林的清新氣息。（w2 wood work）   實用本質精工入裡　微一設計 「微一設計」致力於將傳統工藝結合當代美學，採用天然木材結合車枳、雕刻、鑲嵌等技法，融合台南傳統的「茄苳入石柳」鑲嵌工藝，讓木製品不只有實用性，也是長存於生活的美麗愛物。 作品：花瓶鳥｜大．小 用木藝精工創作的花器，將花草化為鳥類頭冠，在變換花瓶鳥的髮型中，增添生活樂趣。（微一設計）   集結城市力量的推廣平台　優木良品 「優木良品」由嘉義市政府文化局推動，藉由木產品認證機制，為優質木產品與品牌形象加值，透過創新設計、生活論壇等多元切角，推廣臺灣木產業、木工藝與木教育領域，形塑臺灣木產品生活風景。   作品：STAND Series－C型邊桌・胡桃木 簡約線條與輕盈造型，讓木家具擺脫厚重印象，有了融入多種風格空間的可能。細節上呈現的榫接工藝與天然木紋理，訴說了它出眾的精緻質感。（優木良品—卓恩研究室）   作品：優木良品—來嘉座 以螺旋形路線及之字型折返鐵道呈現生動的視覺姿態，融合舒適與功能的單椅展現積層曲木的工藝與職人精神。（優木良品）     木工藝，有著歷久彌新的經典魅力，透過一代又一代的木藝匠人，傳承精要、探索新藝，媒合了傳統元素與當代美學，創造合於需求且具收藏樂趣的木作，讓自然與永續成為可親近可實踐的進行式，2025木質生活展《未定的輪廓》透過展覽忠實展現了台灣當代木作人的情感、溫度與那些值得收藏的品牌臉譜。   2025 木質生活展《未定的輪廓》 展期」2025年9月26日至10月6日 地點」新光三越臺北信義新天地A9 九樓宴會展演館 ※ 每日開放時間依百貨營業時間為主。 了解更多活動資訊：https://reurl.cc/EQm8Rn 

北師美術館與國家文化藝術基金會「策展人培力＠美術館」合作，2025年11月2日前推出由新生代策展團隊Nn̄g Project策劃的「亂流：半睡飛行夢」展覽。 展場照。攝影：dulub studio 在飛行成為日常的年代，天空同時覆載著航空科技、資訊網絡與人類情感的流動，策展人張文豪、黃羿瑄及黃銘樂以「天空、飛行、航空、機場」為出發點，邀集來自南韓、香港與台灣的九位藝術家，透過影像、聲音裝置、雕塑、繪畫、文件等媒材，探討當代飛行經驗如何體現於個人的身體、情感及記憶，同時也思索航空科技如何重塑社會景觀與在地文化。 展場照。攝影：dulub studio   展覽靈感源自英語諺語 The Sky’s the Limit（無可限量），策展團隊卻將其顛倒為 The Limit’s the Skies（極限就是天空），拋出提問：「當全球移動與資訊傳輸如呼吸般頻繁時，我們是否還能共享同一片天空？」在這個被衛星監控、訊號交織的時代，天空早已成為無形網格的一部分，而飛行經驗也不再只是浪漫自由的隱喻。 展場照。攝影：dulub studio   機場場域的再造 展覽以「機場」為策展核心，四件特別委託製作的新作圍繞「流動」展開，呼應機場作為跨界節點的複合意義──既是不同區域交會的運輸節點，也是許多法律與管理程序的執行地。 展場照。攝影：dulub studio   一樓大廳由台灣藝術家張庭甄以《祝福是不幸的尾巴》系列揭開序幕，模擬航班顯示器與虛構太空垃圾的起降時間，並結合聲音與報刊的裝置，建構出一個平行時空的「出發──抵達」場景。香港藝術家李鈺淇的動畫裝置《把我的眼睛沉入你的眼睛》將窗外雲海化作流動的內心劇場，讓觀者在視覺與情感的交錯中遊走；同樣來自香港的徐皓霖，則以《親愛的微風》記錄城市女子味如嚼蠟的夏日生活，結合底片攝影、數位影像拼貼等創作手法，檢視資本主義如何透過航空廣告與旅遊影像激發慾望、操縱消費。 張庭甄《祝福是不幸的尾巴》系列。攝影：dulub studio   李鈺淇《把我的眼睛沉入你的眼睛》。攝影：dulub studio 進入二樓，曾彥翔的裝置《Wet Edge of A Circle》利用幾何結構呼應塔台與航廈物件，營造靜止卻不斷延展的「流動」感；而林彥翔的兩組作品分別以成田與桃園兩座機場為起點，交織出個人視角與區域地緣、歷史記憶與當代空間再造之間的張力；新作《來自塔的預言》則追溯成田機場抗爭的歷史，將個人經驗、地緣政治與土地記憶疊合，讓飛行不僅僅是抽象的旅程，而是與現實衝突交織的辯證。 曾彥翔《Wet Edge of a Circle》。攝影：dulub studio   首次來台的南韓藝術家洪辰煊以影像裝置《午安，晚上好，晚安 v2.0》重現匿名影像網站的社群機制，挑戰演算法宰制的網路生態；勞麗麗的《飛行備忘》則將候鳥遷徙與田野影像並置，探索落地與飛行之間的情感協商。 洪辰煊，《午安，晚上好，晚安 v2.0》。   李秉璈的繪畫《滯緩與神遊：空船》則如旅途中隨筆般，以紙張與廣告片段拼貼出漂浮的時空。台灣藝術家羅懿君的作品更直接觸及物質與政治的交錯，將甘蔗、農具與健身器械轉化為《蔗渣飛彈》與《滑輪下拉機──紫電號》，指涉資源、戰爭與身體之間的矛盾平衡。 李秉璈，《滯緩與神遊：空船》。   在亂流中尋找航向 「亂流」不僅象徵飛行的突發狀態，更是策展團隊對當代處境的隱喻。當人們穿梭於跨境流動與資訊網絡之間，飛行已成為觀看社會景觀、身體狀態與文化記憶的折射鏡，展覽藉由機場的場域轉換，召喚觀者對「天空」的凝視與反思，重新丈量身體與情感的邊界，發掘感知的未竟之地。   亂流：半睡飛行夢 日期」2025年11月2日前 地點」北師美術館     資料及圖片提供」北師美術館 撰文」陳映蓁