機場是出境與入境、離開與回家之間的站點，桃園國際機場第三航廈北登機廊廳的公共藝術計畫《國境之門．島嶼寓言》，由跨域藝術家卓彥廷博士攜手其所創立的YEN TING CHO Studio共同創作，以數位藝術為媒介，連結在地文化和機場流動的空間特性。 〈圓漾盛舞〉由繽紛的色彩與渦卷紋的同心圓組成，創造出「動態」的視線流轉。 作品涵蓋「未來」、「科技」、「多元包容」、「峰迴路轉」、「平安觀」、「海陸相連」、「家」等七大主題，總長近300公尺，將桃園機場第三航廈北登機廊廳候機區化為藝術展廳，促使旅客在行進間得以自不同距離與角度中反覆閱讀台灣各面向的豐富文化。 〈科技島嶼〉運用藍、綠、靛、紫等冷色階，傳達理性與未來感交織的科技美學。 每件作品在可以各自獨立欣賞的同時，又彼此交織、共構「台灣」此一母題，透過抽象紋理和圖樣觸發觀者自身與在地互動的過往經驗或特定印象，引導旅客思考身分、歸屬與移動之間的關係。 以藝術迎向世界 因應每年成長的旅客人數，桃園機場啟動第三航廈的興建計畫，以東亞樞紐機場為目標，針對客容量、使用機能和美觀視覺等各方面進行優化，比如在主建築屋頂優雅的曲面造型即融入台灣的山脈與海洋，結合獨特的自然律動；以及增設空中聯絡橋串連主體航廈、北登機廊廳與南登機廊廳三個區域，便利轉乘，此外，第三航廈的北登機廊廳從第二航廈的D10登機門延伸配合登機門，採用玻璃景觀空橋設計，引入自然光營造明亮的候機空間。 〈飛翔幻境〉象徵台灣的多元文化，承載群眾希望，群起而飛。 YEN TING CHO Studio的創作以人機共創技術為核心，使用結合舞者動作捕捉、數據運算與數位影像技術，透過科技與人文的協作，將文化素材轉譯為不對稱且不重複的圖像結構，呈現半抽象的色彩和幾何語彙。本次展出的創作結合候機場的牆面，隨機場的日夜交替、光影變化作品展現的色彩表情，不僅和諧融入機場富有未來感的大膽用色和結構，同時也在精神上與建築外觀反映的台灣地貌相互對話。 七大敘事主題 作品以田野調查為基礎，將島嶼開放、先進與迎賓意象結合演算法，將之具象化為視覺圖景，展現科技島嶼所凝聚的「藝術、美學、人文創造力」，依序為來賓呈現〈圓漾盛舞〉、〈科技島嶼〉、〈飛翔幻境〉、〈山樂天光〉、〈流金光譜〉、〈縱橫波影〉和〈天際浮影〉等七件作品。 〈山樂天光〉將原住民音樂轉譯為山巒起伏的地形語彙，形塑出流動的視覺節奏。 以〈圓漾盛舞〉為起點，通過圓形視覺元素，點燃關於煙火、蕨類和圓桌等熱鬧圓滿的聯想，遠觀如百花綻放，傳遞熱情的歡迎。隨後由〈科技島嶼〉接棒，造型簡化晶圓的形體與光澤感，結合新竹「風城」意象，將科技轉化為如風般流動、輕盈而不可或缺的日常隱喻，源自對台灣作為科技島嶼發展的省思，呈現對「人文科技」與內在的探索。 〈山樂天光〉形塑出台灣山林多變的風貌與層疊光影。 乘著輕盈的科技之風，吹向下一個作品〈飛翔幻境〉，桃園機場周邊濕地為候鳥過境的棲息地，將千鳥圖像轉化飛機飛入雲霧之間的概念，象徵台灣的多元文化與移民匯集地的包容與多樣性。來到承載一切的起源，〈山樂天光〉描繪山徑間視角轉換的過程，將原住民音樂轉譯為山巒起伏的地形語彙，形塑出流動的視覺節奏，當柔和陽光灑落出境廊廳，旅人彷彿行走、置身於台灣的金色山脈之中。 〈流金光譜〉表現出台灣多元、融合之美，體現自身認同的肯定和祝福世界環境平安的韌性特質。 〈流金光譜〉吸收前作的金色陽光，導向芸芸眾生敬天愛人的信仰，宛如於天地之間仰望星空、抑或流動的時間長河，挹注世人追求「平安觀」情懷與環境共鳴的情感共融。回顧台灣海島特徵，〈縱橫波影〉深入台灣海洋、海港與重工業的變遷關係，直線與曲線交錯，軟硬兼具；直線波光震動，曲線顯海水的流動與韌性，斜線隱喻海與陸交錯相連。 〈縱橫波影〉整體表現海島出海拓疆的力量，在自然與科技力量之間前行。 〈天際浮影〉作為系列作品的終曲，描繪歸途返家、飛行降落前俯瞰台灣城市的瞬間；畫面近景為山巔夜色，中景展現都市燈火，遠景則以若隱若現的天際線收尾。作品融合數位技法與水墨橫軸視野，構築出島嶼敘事的廣闊空間，展現與世界互動的多重視覺可能。展出作品均採用雙關與轉譯手法，表現出面向未來嶼繽紛綻放的情緒錯綜，豐富國境之門承先啟後的精神內涵。 〈天際浮影〉近景為山巔夜色，中景展現都市燈火，遠景則以若隱若現的天際線收尾。 由展示走向日常 《國境之門．島嶼寓言》作為機場的常駐展覽，選用耐久材質因應機場高度流動和大幅日曬的空間特色和機能，以全幅尺度回應建築與動線，透過細節密度與層次變化，讓旅客不論是行走或坐臥皆可觀看作品，與此同時，現場大幅玻璃牆面以其剔透和倒映圖景的特質，帶來更多元的欣賞角度。 〈島嶼寓言〉精梳羊毛圍巾系列的成品之一，〈天際浮影〉，透過不同媒材和尺度，延伸設計者想要傳達的島嶼記憶。 經由YEN TING CHO Studio持續進行藝術創作與生活體驗之間的實驗，長期累積的策展思維與數位技術能力，成為跨媒介實踐的關鍵。2026年工作室推出〈島嶼寓言〉精梳羊毛圍巾系列，復刻展中的圖案與紋樣，轉譯至另一種生活尺度的形式，將公共說書由機場場域延展至日常生活，讓島嶼故事化為可被攜帶的記憶，與大眾的日常共織，進行更遼闊的傳述。 資料及圖片提供」YEN TING CHO Studio 編輯」江瑜

今年適逢國立歷史博物館建館70週年，在史博館洪世佑館長親自致函美景宮館長的積極推動，以及駐奧地利台北經濟文化代表處等單位協助促成下，與維也納美景宮合作舉辦一場以花為主題的畫展，成就館慶最具代表性的國際交流盛事。   古斯塔夫・克林姆珍稀真跡〈雨後〉(After the Rain)。     透過「花」這個主角，為觀眾呈現自17世紀至今的歐洲藝術家對自然美景的認知和詮釋，58件國寶級繪畫與2件大理石雕塑隨之落地台灣，內含一件奧地利象徵主義大師古斯塔夫・克林姆（Gustav Klimt）的珍貴真跡〈雨後〉(After the Rain)，猶如展開一卷鮮亮的歷史風景，首次在台完整呈現橫跨兩百年的維也納花卉藝術脈絡。   展場照。     台奧共創跨文化視野   美景宮位於奧地利首都維也納，是18世紀初歐洲最重要的宮殿之一，屬於以戰功青史留名的歐根親王（Prince Eugene of Savoy，1663-1736）。此地對公眾開放的時間可以追溯至1777年，當中收藏大量14、15 世紀的繪畫與雕塑作品，19世紀古典主義、畢德麥亞、歷史主義以及戶外寫生等繪畫作品，還有20世紀迄今的奧地利藝術家創作等等。   法蘭茲・維爾納・塔姆〈花卉、兔子與果實靜物〉( Still Life with Hare, Flowers, and Fruit )。     策展人表示，花卉在維也納藝術史中扮演關鍵角色，從巴洛克的繁麗、浪漫主義的抒情，到美好年代的華美與分離派的革新，每一幅作品都是屬於歐洲文化的生命紀錄。 內部陳列皆為館方精選的代表性傑作，不僅止於藝術表現，同時也是歐洲從植物學、象徵美學到新藝術（Art Nouveau）的百年演進，結合國立歷史博物館的文化底蘊，中歐與東亞兩種花卉傳統於此並置，為觀眾帶來豐富的跨文化視野。   展場照。     花卉藝術的歷史舞台   依循歷史發展層層遞進，本展聚焦六大藝術時期，引導來賓依序欣賞花卉形象之於巴洛克（1720-1780）、浪漫主義（1780-1850）、美好年代（1870-1900）、印象派（1880-1910）、分離派（1890-1910）乃至現代趨勢（1910-1920）的藝術演變，最後以克林姆的花園為靈感，透過數位投影科技的協作，打造沉浸式的展覽空間，邀請觀眾體驗百年前的大師創作視野。   約翰．巴提斯特．德雷克斯勒〈大型花卉靜物與鳥〉( Large Still Life with Flowers and Birds )。     花卉畫在17世紀的佛蘭德和荷蘭達到鼎盛，當時的畫家不僅追求技術上的完美，更融入了科學觀察與全球貿易的元素，確立了花卉靜物畫既具備美感，又擁有科學紀錄價值的地位。在18世紀以後的在巴洛克時期，藝術多作為宮廷裝是，象徵權力與宗教意涵，奠定精緻典雅的風格基礎。 隨靜物花卉繪畫與日常的連結逐漸緊密，人們的思想因而注入審美的品味，受浪漫主義思潮影響，對生命的型態有更多元的關注和欣賞角度，轉向對個人情感的抒發和自然流露的詩意，傾向寫實觀察和生活細節。   展場照。   直到時代來到國家發展的鼎盛時期，美好年代的創作一如花朵綻放至衰前最豔麗的時刻，結合浪漫情境與裝飾性的華麗，流露世紀末的感性與美學。 以此流暢銜接19世紀的印象主義，突破傳統畫家在室內創作的習慣，在作品裡融入自然的光影與戶外風景；分離派更進一步簡化寫實的描摹，透過象徵手法表現花卉與女性，倡導「藝術為生活服務」的創作概念，跨越自然再現，進入自身心理狀態的主觀再現，顯露現代主義之美的雛型。   埃貢・席勒〈向日葵I〉( Sunflowers I )。     第一次世界大戰後，人們對自我和社會的認知經過顛覆性的重塑，花卉畫的風格也趨向多元發展，融合個人情感與形式實驗，從寫實走向寫意，在靜物與花卉主題間探索色彩結構和自我的具象表現，既是內在的自省，也是對社會狀態的回應。   展場照。     中標：走進大師的視角   維也納現代主義（Wiener Moderne）早期的藝術被公認為美景宮最具代表性的館藏，尤以古斯塔夫‧克林姆的畫作最廣為人知，許多人對他的印象源於黃金和美麗女子的形象結合，而針對靜物的描繪，則向觀眾揭露他相對平和沉靜的一面。 費迪南德·格奧爾格·瓦爾德米勒〈水果、花與銀杯靜物〉( Still Life with Fruit, Flowers, and a Silver Cup )。 內容提煉了他在每逢夏季於薩爾茲堡（Salzburg）度假的美好記憶，以阿特湖（the Attersee）為背景所繪下的周邊花卉，如向日葵、罌粟花等等，透過他充滿個人風格的詮釋，色彩柔和夢幻，是很具代表性的新藝術畫作。 歐嘉・威辛格-弗洛里安〈盛開的罌粟花〉( Flowering Poppies )。   展區內的沉浸式空間「克林姆花園」，以數位投影科技重新詮釋大師筆下的金色世界，觀眾將化身為克林姆筆下的凝視者，窺見那片夢幻花海；光影、色彩與線條在投影間虛實交織，構築出他筆下的精神宇宙。當觀眾步入展間打造的窗口，現實與藝術的界線悄然模糊，彷彿真正走入克林姆的畫裡，與他一同凝視美的永恆。 《綻放 維也納美景宮百年花繪名作展 — 從瓦爾德米勒到克林姆》 時間」2025年12月5日至2026年3月22日 地點」國立歷史博物館1F & 2F展廳   資料及圖片提供」時藝多媒體 編輯」江瑜

「街事美術館」計畫，是臺北市立美術館（北美館）經過內部審視，選擇典藏作品賞析、回憶採集與居民述說記憶、歷史作為互動，邀請當地居民重探在地的文化面貌，與臺北市十二個行政區進行深度連結的藝術活動，以「臺北人的365日常」為主題，每年選擇一個行政區進行藝術推廣，打造區區「皆是」區區都有故事的「街事美術館」。   2025「街事美術館」主視覺圖。     今年，「街事美術館」聚焦自然資源豐富與人文薈萃的「士林區」，攜手座落於士林夜市旁的臺北表演藝術中心（北藝中心），通過遊樂的方式，帶領觀眾一起沉浸式的遊歷在地人心中的山光水色。北美館館長駱麗真指出：「過去幾年，北美館已與中正、大同、文山、北投等行政區合作。   此次感謝北藝中心提供連結三個劇場入口的核心地點進行展覽呈現，也感謝士林區在地居民一起參與共創對話和創意激盪；期望透過藝術家的作品視角，讓我們重新認識隱身於今日士林街景背後，居民世代流傳的故事與人文記憶。」   龍思良，《士林夜市》，水彩、紙，55 × 75.5 cm，1994年。     探索士林的生活舞台 策展者將士林設定位一座劇場，將芝山岩、大屯火山系的群巒，以及淡水河、基隆河、磺溪與內外雙溪匯流穿梭的諸多繁複地景，設定為敘事背景，士林居民的生活在此徐徐展開，通過認識在地的自然環境，進而延伸到居所、街道，商店和種種城市機能，引領觀眾不僅是欣賞藝術品的美，同時也是在欣賞士林人日常積累的生活記憶。   「2025街事美術館：遊山玩水」展場照。     特別值得注意的是，此次展覽展出藝術家龍思良《士林夜市》（1994）的數位微噴版本，龍思良的創作背景複雜，經過國立台灣師範大學的培訓，作畫除會用水彩筆、蠟筆等外、還會使用刀片、貼紙、膠帶，其畫作脫胎於印象派的誇張絢麗，同時結合攝影師的現代眼光。   本作巧妙使用水彩色調與國畫的構圖，栩栩如生地描繪了士林角落的攤販與街景，其筆下五光十色的熱鬧情景後隨2012年的都市計畫而遷往新址，迎來捷運淡水線通車，也是在同一年，龍思良先生離世，作品為此地歷史留下了昔日回憶的珍貴記錄。   「2025街事美術館：遊山玩水」展場照。     觀者與在地的互動橋樑   時代變遷，士林流動的人口也帶來環境的變化，「街事美術館：遊山玩水」成為這個地區的歷史、藝術與人際關係交織對話的展示平台，邀請水墨藝術家高安柏與劇場設計師林昭安，與總計17位社區夥伴協作，帶入「在水的另一方：當代水墨繪寫」和「我在山裡，晚點到 文本x物件x材質-劇場設計」兩大主題工作坊，以住民對於山林中、兒時悠遊於基隆廢河道的過往記憶為核心，最終採用動態形式呈現兩件現地藝術創作。   「2025街事美術館：遊山玩水」展場照。     展場動線上透過錯落的路徑，引領觀者沿著北藝中心內部的天橋和坡道行進，讓觀者身體力行的感受這份提取自在地住民的回憶，穿梭於逐級攀升下降的動線之中，是對過往的解構，也是打開現代訪客嘗試性與在地歷史產生聯繫的窗口，彷彿在立體展開的山水地形中漫步。   「2025街事美術館：遊山玩水」之「在水的另一方：當代水墨繪寫創作坊」。     長期研究水墨與自然表現的高安柏，從毛筆筆法、水墨山水與書法學習出發，結合走訪在地水痕的探索，隨著截彎取直與河道填平，水景雖已不再，卻仍留存於老照片與居民的記憶當中，這份作品把流傳於文字和抽象回憶中的紀錄具象化，帶領大眾跨時代感受那些消逝卻依舊流動於日常中的水文故事。   「2025街事美術館：遊山玩水」之「在水的另一方：當代水墨繪寫創作坊」。     而以微縮劇場箱進行舞台設計概念創作的林昭安，則與共創居民從自身的山林經驗出發，透過物件觀察、書寫與交換分享，為士林的山貌寫下專屬文本。   「2025街事美術館：遊山玩水」之「我在山裡，晚點到_文本x物件x材質-劇場設計工作坊」。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

自創「MASKBOY面具男孩」廣受喜愛的台灣藝術家劉正堃（Abei LIU），於近期在誠品生活松菸誠品畫廊，推出首次大規模畫廊個展「思緒漫遊 FRAGMENTS ODYSSEY」。 劉正堃個人藝術展「思緒漫遊FRAGMENTS ODYSSEY」，首度展出寬達2米的浮雕巨作與大型立體作品，融合數位與手作，突破原有風格。 展覽以「探索未知的旅程」喻其創作心境的轉折，透過多媒材敘事，帶領觀眾踏上一段充滿想像的荒島探險。劉正堃勇於突破，不僅遠赴曼谷蒐羅上百件二手T-shirt作為素材，更首度挑戰寬達兩米的浮雕巨作與大型立體作品，巧妙融合數位思維與手感溫度，呈現逾60件作品，其中40餘件為全新創作。 「Re.」系列：解構百件潮T 重組MASKBOY的荒島冒險 展覽核心聚焦於兩大創作系列：「Re.」系列與「亂入」系列。「Re.」系列源自藝術家對再造與重生的思考，靈感取自日本以和服布再製女兒節娃娃的傳統。 「Re.」系列作品，選擇他高中時期最著迷的T-shirt為創作素材。 劉正堃選擇高中時期最為著迷的T-shirt作為素材，因T-shirt在次文化中承載著認同、歸屬與訊息傳遞的功能，無論是運動、卡通、電影或樂團圖案，皆具深厚象徵意義。他將這些來自曼谷的百件二手潮T，精心拆解、重組，包覆於立體基底上，透過解構與拼貼，創造豐富的視覺層次與嶄新敘事。   劉正堃《來吧！》。 在此系列中，標誌性角色「MASKBOY」首次化身為兩米高的荒島探險家，在作品《來吧！》中肩扛木棍、昂首站立，帥氣迎向未知挑戰。其身體主要以灰階布料構成，局部巧妙點綴T-shirt圖案，形成色塊的趣味配置。另一件大型作品《Mask Fam's Odyssey》則描繪MASKBOY為生存而經歷激烈打鬥的場景，T-shirt圖案以更為破碎、流動的形式布局，形塑動態的視覺效果。 劉正堃《Mask Fam's Odyssey》。 此外，如《不只有我》、《要跟我做朋友嗎？》以及帶有指引與祝福意涵的多彩「Whisperocks呢喃石」系列，皆為這段虛構荒島旅程增添豐富元素。劉正堃希望作品能帶給觀者輕鬆直觀的感受，因此每位觀眾都能對這段冒險故事進行自我詮釋與想像。 劉正堃《要跟我做朋友嗎？》。 在部分作品中，亦加入了趣味細節，如《序章：航行在未知的路上》、《序章：隱藏在雲霧裡的島嶼》等，不僅保留T-shirt原有領標、羅紋領口等細節，更首次運用木框，增添畫面語彙的豐富性。   左上：劉正堃《序章：航行在未知的路上》；右下：劉正堃「Whisperocks呢喃石」系列。 「亂入」系列：刺繡巧思「亂入」旅途  第二大系列「亂入」，則展現藝術家另一種封存記憶的創作手法。劉正堃以旅途或生活中收集的DM、門票、海報、舊照片等充滿溫度的印刷物為基底，將熱愛的刺繡工藝與經典創作角色，如HUA HUA、MASKBOY等，「亂入」於這些現成物之上。 劉正堃《亂入系列－60年代Ferrari 275 P賽車老照片》。 劉正堃《亂入系列- 捷克童書附贈紙玩具小熊》。 例如使用在布拉格跳蚤市場搜集到的1950至1970年代老照片與明信片，在影像表面進行刺繡創作，同時保留背面手寫文字與郵戳等充滿年代感的痕跡。日本「國立新美術館」的海報、二手童書附贈的小熊遊戲紙板等，也都成為其二度創作的素材。這個過程不僅讓劉正堃享受手作刺繡的專注與滿足，更彷彿召喚旅行記憶，使其短暫而鮮明地重現眼前。 劉正堃《Unseen and Undiscovered – Alpine》。 本次個展中，一組以黑、白、灰三色構成的「Unseen and Undiscovered」主題作品，靈感源自劉正堃去年受邀參加「布拉格插畫藝術節」時，參觀當地國家博物館所見的生物標本與礦物陳列，並由此啟發自創「花」、「石頭」、「鳥首」三種元素進行排列組合，創造一系列既可愛又帶著未知感的新物種形象，在眾多鮮明立體作品中，展現沉靜而神秘的氣息。 劉正堃《新生活進行中》。 展覽如同藝術家創作生涯的一場重要航行。MASKBOY的荒島冒險，亦是劉正堃自身心境的寫照：在遲疑與不安中，讓思緒自由漫遊，持續前行，最終獲得踏實的勇氣。   劉正堃個展－思緒漫遊FRAGMENTS ODYSSEY 時間」2025年12月20日至2026年1月31日 地點」誠品畫廊（誠品生活松菸B1） 開放時間」週二至週六11:00~19:00（週日、週一公休） 展覽詳情可至線上展廳瀏覽。   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

設計的存在意義源於需求，探索當下的需求、揣想未來使用的可能性，以此構想設計的功能與樣貌，從手邊的工具到大型公共設施，在根據現有環境條件而為設計做出的每一個選擇中，也塑造了未來生活的可能性。   今年的展覽主題《DESIGN NEXT 進未來》，懸立於暗色空間的白色字體，打造入口處第一個視覺焦點。     今年的台灣設計週邁入第三屆，吸收往年經驗，以「DESIGN NEXT 進未來」為主題，偕國際設計研究盛會IASDR 2025，邀請全球設計學者、業者，愛好者等關心設計領域的人們齊聚台北松山文創園區，思考設計如何回應現代社會與環境的種種議題。   從展場入口往內探索，廊道兩側內置27個國內外設計案例，呈現設計在當今的不同領域中，如何為這個世界帶來進入未來的具體想像。   展覽匯聚31組團隊，包括23組台灣設計與跨界能量，與8組國際創意團隊，總計帶來27件深具啟發性的案例作品。參與台灣設計週的來賓既是提問者，亦是解題者，展覽目的並非提供一個放諸四海皆準的標準答案，而是以設計為媒介，橫貫設計的歷史，搭起不同領域連接的橋樑，讓參與者可以一同在此探索人類社會的未來樣貌。 踏入展區，空間以日常物件作為代表，呈現設計議題，階段性介紹從「物」到「人」、再到「系統」的演化。   生活中的設計   現場規劃兩大展區，分別是DESIGN NOW（設計現在式）與DESIGN NEXT（設計未來式），透過DESIGN NOW的開場，向觀眾展示日常用品中所反映出過去的生活經驗和設計思維，過渡至現代的過程中經歷哪些變化，同時也在向觀眾訴說現代設計所涉及的範疇。     在充滿台味的《夕陽小鎮》中，透過虛擬平台結合電子遊戲與影像敘事，展現設計、藝術與科技的創意聯動與商業潛力。   從日常用品到城市系統，從文化敘事、民主科技到城市永續，「設計」的概念在此解構，重塑，展陳重點不僅止於固有思維裡的物質功能和美觀視覺，而是回應大眾的多面鏡像。 《民主相機計畫》以設計反思科技與倫理的關係，透明的機身象徵著民主過程的開放與透明，觀眾可以按下快門，拍攝心中的民主模樣。     展場入口設立一面玻璃窗，將展覽的核心以白色字體懸浮於來賓面前，深長的廊道兩側依序安置27個國內外設計案例，呈現當今不同領域中的設計如何發揮其作用，涵蓋台灣設計師對應當代趨勢的巧思，以及全球面對的現實挑戰。 以文化IP「a-We」的設計打造國家品牌形象的〈We TAIWAN〉，在日本掀起強大「台流」風潮，向世界訴說「明亮、溫暖、善良」的台灣故事。 其中有多項國內設計，是展中引人矚目的亮點，如以文化IP「a-We」打造國家品牌形象的 〈We TAIWAN 臺灣文化in大阪・關西世博〉，透過打造可愛的卡通形象，以設計語言向外傳遞台灣熱情的特色與人文敘事；以及重新定義民主價值的〈Made in Democracy 民主相機計畫〉，透過透明相機與來賓的互動，定格當下的心情與台灣作為民主社會發展的現狀。 《沉積場：Fragments of Now》將冰冷的「科技化石」，搭配在地植物、織材和花藝手法，轉化為充滿詩意的、增添生活情趣的美感物件。     此外，還有結合虛擬與音樂的〈夕陽小鎮〉虛擬音樂節，以及以回收家電轉化為藝術的〈沉積場 Fragments of Now〉和提出永續中繼住宅新思維的 〈台灣厝 1 House for All〉。透過選擇創作的媒材，既有科技營造的虛擬實境，也有從回收廢品給予新生命的創見，透過設計師的聯想，串起不同領域之間的關聯性，也帶動觀眾的腳步與視線，讓觀眾看到台灣生活中的不同議題，構築一場從個體到社會、從物件到價值的設計旅程。   《台灣厝》以模組化、可重複拆組的永續設計，降低建築的「隱含碳」與能源消耗，解決都市更新時的「中繼住宅」浪費問題。   展覽邀請七位跨領域專家，包括林磐聳、龔書章、黃謙智等，探討對未來趨勢的洞察與所堅信的核心價值，以影片形式作為展陳的一部分。     構築未來的想像   在欣賞完所有的案例後，觀眾將邁入展覽的第二部曲：「DESIGN NEXT」。 環繞「什麼是設計的未來？」的提問，請出七位跨領域專家的影像分享自身對設計的理念和心得作為開場，引導來人深入展場加入「價值選擇光譜」互動遊戲，通過一面列舉八項關於永續發展與氣候正義、性別平等、數位倫理與資料隱私、多元與包容……等等當代重大議題的牆面，邀請觀眾在此投票、留下自己的意見，透過來自不同價值觀的不同視角，讓群眾的意見在此交織，共塑民眾對未來的期待。   「價值選擇光譜」牆提供八個核心價值觀的提問，讓觀眾通過蓋下印記表達自己的觀點，同時也學習傾聽來自其他觀眾的不同聲音。     在觀展之餘，同樣不可錯過的部分還有廣受好評的設計論壇，策劃「台捷設計對話 3×3」不僅特邀三位捷克跨領域設計師與三位台灣設計師，以三場主題對談形式展開國際交流，藉由探討設計跨域、永續創新與多元共融這撒大主題，深化台捷設計關係。 同時也配合「IASDR 2025 國際設計研究研討會」的舉辦，吸引來自 47 國、497 所院校與85家國際企業共同參與，展現台灣設計界在全球創意網絡中的積極角色。     來自各地的資深設計人於此分享他們的創作背景和思維，與現場作品、觀眾，進行跨越時空限制的對話。 2025 台灣設計周 時間」2025年11月29日至12月7日 地點」松山文創園區 更多活動詳情請見>>「2025台灣設計週」社群平台（Facebook、Instagram ）   資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」江瑜

時值深秋，正逢台灣藝術氛圍最為濃厚的時刻，向來重視藝術與生活結合的易雅居，策劃了一場視覺盛宴，邀請12位台灣藝術收藏家精選一件私人收藏，以「Living with Art」的理念為核心，演繹藝術與日常的交會。     文心藝術基金會創辦人葉曉甄收藏，藝術家李元佳《無題》。     本次展覽由易雅居創辦人易英謨女士、張增偉先生與國際知名策展人曾文泉先生共同策劃。邀請多位收藏家參與，讓藝術品與易雅居的精品家具和諧並呈，佐以收藏者的訪談錄像，引導觀眾一探藝術品與收藏家之間的緣份，以及收藏者獨特的藝術觸動。     資深藏家相互交會   藝術品展現的不僅是視覺上的賞心悅目，同時也向觀者傳遞藝術家本人的創作理念，以及收藏者所看重的精神內涵，作品與所在環境的精神互動亦值得一觀。策展人曾文泉先生於本展首度公開德國藝術家沃爾夫岡．萊布（Wolfgang Laib）的經典作品牛奶石（Milk Stone），結合牛奶的流體印象與大理石流光溢彩的固體質地，喚起對「美」的再思與感知邊界的突破。     易雅居館藏，藝術家Anish Kapoor《Sky Mirror》，Antony Gormley《Shrive VI》。     除了在型態與概念上的衝擊，還有跨時代的藝術表現。比如，璞永建設董事長楊岳虎先生所出借的巨幅畫作《Nives》，創作者荷蘭藝術家卡雷爾．阿佩爾（Karel Appel）活躍於1950年代至2000年代，此作屬於阿佩爾的「裸體系列」之一，將身體抽象化為兼具力量與性感的形象，曾於紐約、科隆、巴塞隆納與海牙等地巡迴展出，可見在國際藝術史上的重要地位，楊岳虎先生此次出借，讓觀眾得以一窺戰後歐洲現代藝術精神的核心。     葡眾企業執行長曾美菁收藏，藝術家Christo & Jeanne-Claude《The Pont Neuf Wrapped》。     而針對肢體藝術，自戰後年代至現今的創作變化，對比西方鮮明外放的筆觸設色，知名電視節目製作人王偉忠先生與夫人出借的中國當代藝術家王克平之作，融合東西方雕塑語言，透過木雕立體的形象，形構身體、語言與權力之間的張力。   將目光轉向台灣當代藝術，恆成紙業董事長鄭宗杰先生持續用收藏行動支持年輕的創作者，既是藝術家創作歷程的見證，也展現了他對藝術實踐的深度參與。此次出借黃麗音（Steph Huang）的作品《櫻桃杏仁派風聖代（Cherry Bakewell Sundae）》，為少數曾同時亮相倫敦泰特與台北市立美術館的代表之作，延續藝術家對食品加工產業所折射的現代生活框架的思索，並進一步探討飲食文化中的資本與勞動系統。     馨昌股份有限公司董事長鄧傳馨先生，藝術家朱德群《落霞之外》。     文心藝術基金會創辦人葉曉甄女士為這場展覽提供藝術家李元佳的三件作品，可見李元佳跨越台灣、義大利與倫敦，融合東方哲思與西方現代主義的藝術風格，其中有二屬於他1957年創立「東方畫會」的時期，流露對中國書法與甲骨文的探索；另一件義大利時期的作品則轉向極簡抽象，表現出沉靜的美學張力。     易雅居Living with Art 的品牌理念   藝術品出於個人對世界的觀察，也透過藏家的理解延伸作品的存在意義，經過時間的積累，沉澱其背景故事。就像葡眾企業執行長曾美菁女士所出借的著名藝術家雙人組Christo & Jeanne-Claude相關文件作品，內含《包裹新橋（The Pont Neuf Wrapped）》和《包裹凱旋門（L’Arc de Triomphe, Wrapped）》，傳遞對空間、物質與時間的深刻探索，突破傳統公共藝術的界限，不僅豐富了本展的空間美學與思想衝擊，也讓觀眾更深入理解這些行動的歷史意義。     璞永建設董事長楊岳虎收藏，藝術家Karel Appel《Nives》。以及室內建築師楊岸收藏，藝術家林明弘《無題》。     室內建築師楊岸先生，提供台灣藝術家林明弘早期具觀念性探索的作品，證券商公會榮譽理事長賀鳴珩先生則出借了松浦浩之（Hiroyuki Matsuura）的作品；馨昌股份有限公司董事長鄧傳馨先生亦提供了朱德群等藝術家作品 ，他們拓展了展覽的藝術語境，呈現當代藝術多元共融的面貌，為觀眾提供更多跨文化與時代的欣賞角度。     易雅居館藏，藝術家杉本博司《Lightning Fields》。     在藏家提供的精彩呈現之外，易雅居此次亦不藏私，展出包括阿尼什．卡普爾（Anish Kapoor）的《天空之鏡（Sky Mirror）》、安東尼．戈姆雷（Antony Gormley）的《虛無VI（Shrive VI）》、伊恩．納瓦羅（Ian Navarro）的《重擔（Burden）》，以及達米恩．赫斯特（Damien Hirst）的《黑暗日子（Dark Days）》等當代藝術經典。這些作品並置於易雅居的生活場域之中，營造出跨越私人與公共、美學與日常的多重對話，落實「Living with Art」的策展理念，道出藝術並非少數群體的精神享受，它亦能走下嚴肅殿堂融入生活場境，觸發自身與他人的心靈共鳴。   資料及圖片提供」易雅居Yi&C. 編輯」江瑜

台灣科技藝術團隊何理互動（WHYIXD）與柏林聲音藝術團隊Kling Klang Klong共同創作的大型聲光藝術裝置作品《海境：回溯》（Tender Soul of Ocean: recall），作為「2025 C-LAB聲響藝術節：DIVERSONICS」的焦點節目之一，2025年11月30日前於臺灣當代文化實驗場登場展出。作品以即時運算導入真實風場數據，將現場環境轉譯為動態聲場及光影，邀請觀者進入一場由氣候、聲音與光影交織而成的體驗。 《海境：回溯》作品細部照。   聲光共構 《海境：回溯》源自何理互動於2022年在基隆海岸的實驗計畫《海境》──一座感知海風的裝置，將真實氣候轉化為光與節奏。隨後走訪威尼斯與奧地利展出，逐步化為能記錄並回應氣候的感知器。此次回到台北，首度以室內沉浸式版本亮相，藝術團隊將觀者納入「氣候的一部分」，在此重新感受海洋的記憶與呼吸。 《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。   擅長運用光影建構空間敘事的何理互動，在《海境：回溯》與Kling Klang Klong跨國合作，透過聲音、光與資料的三方對話，共同構築融合科技與自然的互動場域。光線作為觀眾最先領略的元素，能即時建構空間的流動和方向；聲音則深入感官內部，影響情緒及呼吸，使人以更內化的方式進入其中。Kling Klang Klong則指出，聲音與視覺皆源自同一組自然數據，形成緊密共振，讓空間連續且動態構，同時持續牽引、重塑。他們強調，《海境：回溯》的關鍵不在於「看起來如何」或「聽起來如何」，而是「感覺起來如何」。 《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。   《海境：回溯》於奧地利林茲電子藝術節展出之紀實。 創作實踐 「將自然數據轉化為數位體驗」是本次創作最核心、也最具詩意的實踐。這項轉化並非僅是技術上的複製現實，而是透過藝術家的觀察進行詮釋，將對自然的理解、記憶與情感，以數位形式重生於空間之中。藝術團隊說明，他們並非僅將風場數據或觀眾的動態資料直接轉換為視覺或聲響，而是藉由創作語彙賦予數據情感，讓觀者以一種不同於日常的方式重新與自然相遇，這樣的轉譯令藝術不再只是分析與呈現，而是進入真正的理解與共感。 德國聲音藝術家與作品合照。   在《海境：回溯》的展演中，空間不僅是展示的載體，更是構成的一部分，Kling Klang Klong將其視為一座由聲音構成的透明雕塑，藉由聲響的生成與布局，創造出可被觀眾「感覺」的結構。光的設計則由何理互動主導，本次以即時生成的方式與聲音同步運作，聲音並非單向配音，而是與光線在同一組資料邏輯中相互觸發回應：有些聲響由燈光的運算狀態所形成，光的擴散則反向牽動聲音的律動與空間感，而觀眾的介入亦會改變聲光反應、共同塑造風的節奏，使人成為作品生成的其中一環，彷彿走進一個具生命律動的感知場，與裝置產生真實連結。 《海境：回溯》作品細部照。     資料及圖片提供」何理互動（WHYIXD） 編輯」陳映蓁

經個人對生命經驗的理解和重塑，再以美學的概念重現，「藝術品」成為一種將個人情緒和思想具象的載體，同時也是反映藝術家個人表達、與社會大眾對話的媒介。1998年，臺北市立美術館首次邀請外籍策展人策劃台北美術雙年展並更名為「台北雙年展」，經過多次展覽的舉辦過程，不斷審視、關注台灣當代藝術與社會議題重心的變化，同時也透過國際友人的參與，豐富展中的文化交流、提升台灣藝術的國際影響力，將台北納入亞洲乃至全球當代藝術的網絡。     2025台北雙年展主視覺。     第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」由山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath，柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，彙集來自全球37個城市、72位藝術家的作品約150件，包含 34 件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等，以「思慕」作為為題，探討這項持續推動人類的內在驅力。     邱子晏，《偽飛行場》（錄像截圖），2025。     寇拉克里・阿讓諾度才，《愛在死亡之後》（錄像截圖），2025。     個體缺失和群體連結   從台灣錯綜複雜的歷史出發，策展人在策畫期間漫遊台北街頭，閱覽近年的文學和電影，以此觀察和理解台北近代變遷的風貌和居民的內心世界，自三件作品當中提取策展的靈感，並各自以當中的某一項物件為代表，延伸對於「思慕」之情的三種面向。     阿瓦羅・烏爾巴諾，《活畫》（裝置一隅），2024-25，紐約 Sculpture Center 展覽現場。圖像由藝術家及紐約 SculptureCenter，ChertLüdde（柏林），Travesia Cuatro（馬德里、墨西哥城、瓜達拉哈拉）提供。攝影：Charles Benton。     法特瑪・阿布杜哈迪，《留下的⋯⋯盡可能長存》，2025。絹印於透明網布、不鏽鋼懸吊結構、九層塔植栽，共18幅，每幅400 x 90公分。     其一是侯孝賢導演的電影《戲夢人生》（1993）中的「尪仔」，以此象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌。其次是陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的「日記」，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境。最後是吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的「單車」，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。     拉納・貝古姆，《No.1048 L網格》（局部），2020，Kate MacGarry Gallery 展覽現場。圖像由藝術家提供。攝影：Angus Mill。     尪仔代表的延續性、日記的內在世界，以及單車隱喻的追尋，三者鋪陳了本展的概念底色，交織呈現當代作品與北美館典藏作品，將近30件館藏作品分布於展場各處，令新委託創作及經典作品展開對話。     雅浸・金朝恩，《微創：侵碎之章》，2025。圖像由藝術家及François Ghebaly Gallery提供。圖像由藝術家及François Ghebaly Gallery提供。     「思慕」的多元面相   散落於北美館三層樓空間的展品，特別以紡織隔幕取代實牆的展示設計，作為展間之間的分隔，此外，精簡易讀的展牆文字便於觀者自行觀賞，提供每件作品的明確脈絡；展品彼此之間並無硬性分野，在自由且有序的動線上層層遞進、深入，讓觀者得以更自在地與其互動，同時理解雙年展的理念。     赫拉・比于塔詹，《摧毀你家，造一艘船，拯救生命》，2015。地毯印刷，尺寸依空間而定。圖像由藝術家及Green Art Gallery Dubai and EVA International–Ireland's Biennial提供。攝影：Miriam O' Connor。     一樓展區呈現探討奉獻、記憶與堅韌之間深刻連結的作品，透過不同藝術家的理解與表達方式，共同闡釋對技藝、記憶與關懷的投入，如何成為一種生存之道。地下一樓的作品聚焦於「身體」，將肢體視為見證與轉化發生的場域，該樓層宛如地下鏡像，令觀者在此深入自我內在，透過呼吸、重複與儀式逐漸將「思慕」凝聚成形。二樓展覽則將焦點轉向現代性、再現與共同歸屬等主題，追溯現代藝術脈絡，藉藝術手法重塑感知、詮釋與連結的渴望，以思慕為媒介，重構對世界的想像。     基里亞科斯・托波利迪斯，《書寫日記》，2024。壓克力顏料、油彩、照片轉印於畫布，150 x 170公分（含框153.3 x 173.3 x 4公分）。圖像由藝術家及Galerie Judin, Berlin提供。攝影：Trevor Good。   多年以來，台北雙年展努力秉持中立、不帶偏見的立場，為藝術家提供呈現作品最好的舞台，也與來自各地的策展人嘗試合作，試圖建立一個可以連結本地與國際社群的直接網絡，歡迎多元表達的藝術形式，未來的目標在於擴大對話涵蓋的可能性，讓更多角度的思想可以在此進行交流和碰撞，讓更多默默耕耘的藝術家可以被看見，同時也拓展在地對藝術的理解和視野。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

故宮博物院自1925年自服務皇室到轉而為民間大眾開放，歷經無數人事變遷與興亡，其意義不僅是一處觀光景點，更是以實物紀錄文化流變的重要載體，藏品以長篇銘文的青銅器、古代早期的名家書畫、善本古籍和官窯瓷器等蒐藏最具影響力，時間跨度涵蓋新石器時代至今長達8,000年。輾轉來台，歷經肇始播遷、北溝歲月、建院發展、深耕轉型四大階段，其中有75年在台灣落地生根。決意於今年舉辦三大特展，既是檢視過往一路走來看待藏品的解讀與變化，同時也是展望故宮文化未來的成長方向。     故宮百年院慶大展「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」登場，書寫故宮的甲子傳承與萬年新頁。     「皕宋—故宮宋版圖書觀止」、「千年神遇—北宋西園雅集傳奇」及「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」，三大特展以文物為核心，延伸展示文物背後的歷史背景，分別聚焦於院藏宋版圖書的學術價值、北宋文人藝術的傳奇，以及故宮在台灣多年來的成長歷程，期待透過展覽內容，引導民眾看見故宮多年耕耘的過程和研究成果，深入了解文物收藏與社會大眾之間的聯繫，以此宣告與全民共享的故宮將邁向全新篇章。     故宮「甲子萬年」特展精品薈萃，匯聚〈北宋 汝窯 青瓷無紋水仙盆〉等國寶，展現故宮百年典藏的深厚底蘊。     宋代出版的黃金時代   與歷史長河相較，個體的生命跨度太過渺小，透過文字的紀錄，才得以略窺一角過往無法追溯的真相、傳承人類的智慧結晶，隨雕版印刷技術成熟，宋代社會從「寫本時代」邁入「刻本時代」。「皕宋」一名，取自晚清「中國四大藏書樓」之一、由清代金石學家陸心源所建的「皕宋樓」，呼應其豐富的善本收藏，特展內容主要呈現故宮院藏的宋刊本圖書大觀，古籍雕版印刷均是由書法名家手書，配合刻工上板雕刻，是以，每一部雕版書都是書法家和雕刻家通力協作完成的藝術品。     「皕宋」特展是故宮百年展覽史上規模最大、文物級別最高的宋版圖書特展。     「皕宋」特展一共展出98部宋版古籍，為故宮史上規模最大、文物等級最高的宋版圖書特展，其中近半數為舉世僅存的孤本，珍稀程度前所未有。故宮文物修復團隊運用宋版圖書數位影像，採傳統楮皮紙直印輸出，親手復刻宋代「蝴蝶裝」裝訂形式，製作可供翻閱的複製樣本，配合過往出現在課本上、諸如《爾雅》、《論語》、《孝經》等大眾耳熟能詳的漢學經典，讓民眾直觀體驗古人閱讀時所感受到的體感，以及精神傳承。     故宮百年院慶鉅獻「皕宋」特展。     千年前的文人聚會   相傳北宋年間，駙馬王詵曾於汴京西園舉辦一場風雅聚會，如蘇軾、黃庭堅、李公麟、米芾等人皆為座上賓，會後由李公麟繪圖、米芾書文，以此紀念這場難得的「西園雅集」，雖然這場聚會考據至今仍虛實難辨，但是仍有許多創作以此為靈感，經由後人傳頌，凝聚時人對風雅韻事的憧憬，成為歷代雅集仿效的原型。     元 趙孟頫，《西園雅集圖》。     宋 李公麟，《五馬圖》(局部)，日本東京國立博物館藏。     「千年神遇－北宋西園雅集傳奇」特展將最廣為人知的宋代藝術家——蘇軾，做為策展核心和切入點，以文物展覽的形式重現傳說中的群星薈萃，展覽內容首先自書齋逸趣、宴飲酬酢、耆英雅聚等主題出發，隨後進一步深入以蘇軾為首，黃庭堅、李公麟、米芾等緊隨其後的作品精選，內含蘇軾的《書前赤壁賦》、黃庭堅的《自書松風閣詩》及米芾的《蜀素帖》，以及近年現世的夢幻真跡，李李公麟〈五馬圖〉，最終以這些宋代明星為基點，引領觀眾觀賞後世受其影響的書畫，如漣漪般層層蕩漾，延伸至整個東亞文化圈。     宋 蘇軾，《書次韻三舍人省上詩》。     故宮歷代典藏   來到故宮南北院聯展「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」，此為年度院慶壓軸大展，聚焦故宮遷台75年、立足台北外雙溪至今60年歷程，藉由「開門見山」、「相遇寰宇」、「萬象交織」與「迎向未來」等四個單元，呈現典藏體系的建立與擴充、赴外展覽與國際交流、藏品研究與詮釋的進展，以及數位典藏歷程等面向。     故宮「甲子萬年」特展，以「故宮100+」為起點，邁向百年新故宮。     故宮總策展人余佩瑾副院長指出，展覽名稱「甲子萬年」，靈感取自清乾隆年間〈洋彩萬年甲子筆筒〉，同時呼應以「時間」為主軸的策展理念，這件1744年因應甲子年到來所燒造的筆筒，亦具記年功能，上下兩層皆可轉動，讓天干與地支的組合能精確對應年份。     故宮「甲子萬年」特展，結合數位互動裝置，呈現故宮數位發展成果。     時光流轉，故宮百年典藏的深厚底蘊，其價值亦被再次重新定義，如〈北宋 汝窯 青瓷無紋水仙盆〉、〈北宋 定窯 白瓷嬰兒枕〉、《藏文寫本龍藏經》，唐人雙鉤廓填本傳世名蹟〈晉 王羲之 平安何如奉橘三帖〉等珍貴國寶，以及收藏於日本九州國立博物館〈北魏釋迦牟尼佛坐像〉與〈絹本著色觀音曼荼羅圖〉，皆因應本展得以現身於人前，橫跨時代的隔閡，重建歷史文化與當今社會的精神聯繫。     展覽名稱「甲子萬年」，靈感源自於清乾隆年間〈洋彩萬年甲子筆筒〉，象徵著時間循環與文化延續。   故宮百年院慶 地點：國立故宮博物院 北部院區 第一展覽館 時間：2025年10月04日至2026年01月04日   資料及圖片提供」國立故宮博物院 採訪」江瑜