蛇年迎春萬象更新，新的一年誠品畫廊以「繭之詩」為名推出全新特展，並邀請日本藝術家北川宏仁、台灣藝術家李明剛、楊子逸、潘麒方、李秉璈，以及香港出生的藝術家張柏林等人之作，以赤陶雕塑、油彩、壓克力顏料、水墨等媒材，映照日常肖像、重建風景等當代生活模樣，揭示當代社會的碎裂感及網路世界的流動性，訴說人際間若即若離卻又無可名狀的內在感性。   北川宏人所作人物雕塑矗立在展場中央，其完美比例彷若與觀者一同漫步欣賞。 以人物雕塑聞名的北川宏人，利用陶土捏塑將人物身形拉長，達到其所理想的完美比例，不僅蘊含西方雕塑的古典氣質，亦兼具日本動漫美學。特別的是，北川宏人手下作品雖擁有時尚外表，神情中卻透著一股憂鬱疏離的茫然，刻畫出泡沫經濟下日本青年的無奈和苦悶。   李明剛，憑拳，2024，壓克力顏料／畫布，50 x 50 cm。從生活場景出發，在現實與虛擬間創造嶄新的繪畫語彙。 「空間記憶的探索與重構」是李明剛的創作核心，本次展出從疫情期間至今的繪畫作品，其中可見透過掃描、拼貼及去背等手法，擷取生活場景片段，將其轉化為介於現實與虛擬間的敘事場景，表現人們透過網路及迷因獲取認知與共鳴，在虛實交錯中反映當代碎裂而嶄新的繪畫語言。   張柏林，在速度之上，2023，油彩／紙，51 x 36 cm。 生於香港的張柏林，本次展出涵蓋2019年至近期所創作的肖像畫，其人物多散發著如聖人般的微弱光環。在作品中，肖像畫象徵著張柏林探討自我的多重投影，彰顯人們被欲望牽制而感到無力的痛苦與掙扎，透過反覆消抹、塗刮等手法，紀錄與重構人們存在的心理狀態。   楊子逸，山間的影子，2025，水墨／絹本，88 x 140 cm。 楊子逸以水墨為媒材，圍繞「山水」作為發展前奏，利用塊面狀作為主要基調，繪製出獨樹一格的「自然」，透過墨於宣紙上的寫意和流動暈染，審視物我之間的關係。藉由磨墨、繃絹、單色墨塊反覆疊加，最後填於上礬的絹布之上，彷彿穿透表象探見背後真實樣貌，不為表層所蒙蔽，探討眼見與心視之間的差異。   潘麒方，麒麟花，2024，油彩／畫布，91 x 60 cm。 風景是潘麒方的繪畫主題，習慣於尋常景物中，挖掘被化為氣味、記憶、印象及各種情緒等體驗，進而探索景物間的連動關係。在此次展出的近兩年之作中，藝術家從回憶與感受出發，以清晰姿態出場卻又迅速消散，因此其作品總在清晰與曖昧的記憶間構築而成，成為可見事物的再延伸，以及「不被量化的感性」呈現，藉以提出屬於現代風景畫的新見解。   （右）李秉璈，野望，2024，壓克力顏料／畫布，163 x 97 cm。（左）李秉璈，想像藍海。2024。 李秉璈在2021年《壓馬路》及2024年《想像藍海》等繪畫新作中，以日常生活、網路社群及零星記憶為靈感，從這片破碎訊息中捕捉資訊畫面，在放置與疊合間創造出似曾相識的感受，猶如開啟或連繫或獨立的多個視窗，重新審視日常過程，賦予繪畫另一層的時代含義。   繭之詩 時間」2025年2月8日至2025年3月22日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店） 線上展廳。   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

LITUUS系列2025春夏精品。     丹麥設計精品GEORG JENSEN喬治傑生，攜手知名設計師Anne Boysen，推出全新LITUUS系列居家精品，以三款精美花器揭開春季序幕，2025年2月14日正式發售。     LITUUS系列2025春夏精品。     熬過漫漫長冬、時令花卉醞釀一季的蓬勃生機，結合獨特的北歐設計巧思與嫻熟的金屬工藝，於居家場景拂來一縷春天的明媚氣息。     LITUUS系列2025春夏精品。     Anne Boysen與喬治傑生品牌的首次合作始於2024年夏季，受Caravel湯匙的獨特造型觸動，以其凹凸型態、反光效果與流線設計作靈感，與工坊銀匠們攜手打造形態獨特的銀雕藝作「Intoo」。     LITUUS系列2025春夏精品。     身為丹麥新銳設計師兼建築師，Anne Boysen善於將複雜概念轉化為直觀的設計語彙，在國際賽事上屢創佳績，如其作品於哥本哈根「3 Days of Design」設計展上的公開亮相。     LITUUS系列 不鏽鋼花瓶(大)。     全新上市的LITUUS系列，延續Anne Boysen獨樹一幟的風格調性，以簡約線條和設計思維形塑家居用品，透過幾何造型帶動建築的立體雕塑感與現代性的聯想，同時藉由凸面與凹面強化結構曲線，平滑錚亮的金屬表面和流動的光影視覺效果，點亮家居一角的陳設，為日常生活營造起居的儀式感。     LITUUS系列 不鏽鋼花瓶(落地)。     LITUUS系列花瓶以雙向傾斜的管狀結構呈現，交錯的金屬管道與植物枝葉生長的結構相仿，支撐花卉自然生長，採用鏡面拋光不鏽鋼金屬的材質，倒映植物與光影互動的千姿百態；同時以自然韻律與花卉週期為設計核心，推出三款尺寸，配合花草的生長與擺設場景所需。     LITUUS系列_不鏽鋼花瓶(小)。     透過其高度及角度的差異，同系列的花瓶相互對比；透過不同植株和花瓶的互襯，突出花朵不同周期的姿態，LITUUS系列花瓶融合時尚與純淨的造型，相約時令的自然風光，讓生活中的每個場景，蘊生藝術與日常交織的美好。     資料及圖片提供」GEORG JENSEN喬治傑生 編輯」江瑜

大自然是人們眼中的最美畫作，湛藍的天空、青翠的綠地、蔥鬱的草木、砂黃的土地，如水彩般鋪灑於一片素色上，其色澤在光線的精心安排下，閃爍出鮮豔潤澤，成為無可替代的靈魂窗景。 木質步道沿著河畔延伸，與原有的自然之景相融，形塑和諧的視覺感受。 在俄羅斯的加里寧格勒地區的古里耶夫斯克市，有個極為寬敞的公共空間《Guryevsk Light Park》，不僅受到附近居民的喜愛，更吸引大量遊客特地前往一探究竟。整體概念由專注於科學建築的dot.bureau團隊及專業諮詢Sheredega Consulting團隊共同操刀，以「光」作為設計主軸，創造隨著日夜變換場景的休閒公園。   入口處的照明裝置，白天是趣味的迎接門面，夜晚則散發亮麗光影，炫麗而引人注目。 步入公園，迎接的是大型的燈光裝置，絢爛地令人眼前一亮，不僅引入城市的繁忙景致，置身其中更彷彿穿過層層框架，在每個轉角期待意想不到的互動，為遊客提供極佳的拍照景點。穿過充滿清新氣息的步道，周圍是被保存完好的自然風景，沿著隱密小徑悠然漫步前往下個區域，探索多樣且富有設計感的建築景觀。   光的篇章：生活中的光與影 「光」在全作中扮演著重要角色，為貫徹設計理念，步道上鋪設閃著彩色光芒的磁磚，並隨著圓形與方形的輪廓變化，描繪出趣味十足的指引路徑。向上望去，設計團隊特別設置白色光圈燈飾，在黑暗中閃爍極具未來感，如白雲般朵朵飄逸。   白色光圈與地坪上的方形發光磚相呼應，透過幾何圖形形塑活潑視景。 沿著步道兩側是以ㄇ字型矗立的光拱門，穿透森林串連場域，穿行間猶如進入童話世界，每一幕都成美麗景畫，繼續前行便是Guryevka堤岸，周邊設有木質躺椅、露天劇場以及看似布滿蘆葦的草地，遠看彷彿在發光般地閃耀，最終抵達整體核心－燈塔，散發著柔美光影，堅挺照亮每條道路。 光拱門沿步道矗立，穿行其中彷彿穿越一幕幕的相框，每一幅都成佳作。   根植大地 與自然的共鳴 公園西側有處小池塘周圍環繞著木質步道，與自然和諧相融，適合放鬆散步，聆聽著鳥語蟲鳴，感受徐徐微風輕撫而過，伴隨暖陽照耀體驗每刻悠閒時光，此外，一旁亦規劃了休閒區，讓遊客在步行之餘，可在此稍作休憩，欣賞湖面風光。 兒童遊憩區設置如飛船般的設施，讓孩子們在玩耍時拓展想像力。 兒童遊樂區充滿童趣，以宇宙飛船為發想，設置如飛碟般的遊樂設施，彷若外星人曾在此降落，且不再離開的新奇意象，讓孩子們沉浸在奇幻世界中，享受無邊際的浩瀚宇宙，同時拓展對事物的想像力。 建築採用外露木骨架勾勒輕盈感，在縫隙間引光線穿梭、綠影婆娑，在穿行間欣賞細緻的設計輪廓。   為延續此地所富有的歷史與文化，設計團隊在建築結構中注入外露木骨架語彙，以及動物主題的藝術品，這些元素遍布公園各處，引人回想起這片廣大樹林，不僅在19世紀時曾存在著一座動物園，更是著名城市諾伊豪森的一部分，極其熱鬧繁榮。 輕踏步伐漫步其中，在彎繞間昂頭望向高聳樹木，沉浸在森林浴中放鬆身心。  整體透過立體與光影裝置劃分區域，以避免即使遊客眾多造成的擁擠狀況，另外流暢的動線布置完美控制人流分布，使其皆可找到合適的溫馨角落，積極享受休閒活動，同時靜心品味大自然所贈與的美景。 輕巧的木架建築隱約可見聳立燈塔，指引著人們勇往直前。 Guryevsk Light Park 總建築師」dot.bureau / Alexey Chadovich, Nadezhda Chadovich, Natalia Morozova, Alexander Krylov 參與團隊」SheredegaConsulting / Yuri Sheredega, Evgenia Sheredega, Alexander Marulin, Ekaterina Tolmacheva, Dmitry Letunovsky 設計團隊」другая архитектура 主要結構」木骨架、木材、裝置藝術 空間性質」公共空間 坐落位置」俄羅斯 總面積」85000m² 資料及圖片提供」dot.bureau、Dmitry Chebanenko、Denis Kichatov 撰文」林靖諺

2025年威尼斯建築雙年展將於5月10日至11月23日舉行，本屆大會主題為「智慧．自然．人工．集體（Intelligens. Natural. Artificial. Collective.）」，策展人卡洛．拉蒂（Carlo Ratti）用「Intelligens」這個字詞，突出「gens」在拉丁文中「人」的含意，討論三種不同類型的智慧：自然、人工和集體智慧，於建築設計中如何被思考和用以面對當代環境和氣候困境。   而文化部所屬國立臺灣美術館（簡稱國美館）自2000年起承辦「威尼斯建築雙年展臺灣館」的展覽，每兩年徵選出具代表性的台灣建築策展提案，前往義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）與國際交流。 展場配置概念示意圖。 今年，由策展人薛丞倫、協同策展人吳秉聲、蘇孟宗、江松長帶領國立成功大學團隊策劃的參展計畫－－「[無]信仰：漂蕩世界的臺灣智慧（NON-Belief: Taiwan Intelligens of Precarity）」獲選，將以展覽、裝置、工作坊和論壇的形式，探索並定義當代台灣建築師的「智慧（Intelligens）」表現和未來設計的展場領域。展覽內容亦於日前首度公開亮相。 策展人薛丞倫。   以大會主題為基礎，探索在當代建築及環境中的智慧（Intelligens）角色，重新審視台灣在全球化與飄盪的地緣政治背景下的空間策略。整個提案概念受到美國藝術家羅伯特．史密森（Robert Smithson）的「NON-sites」理論啟發，強調地景的缺席、置換與二元性，並透過抽象架構來反思建築、實質環境與再現之間的關係；而「無」同時也是東方哲學中「無／有」的二元辯證思考。 展場模擬圖。 三大主題：效率、科技、控制 展覽設計嘗試辨識、建構屬於台灣「信仰」與「無信仰」之間的灰色地帶，尋找智慧（Intelligens）的不同表現形式及其影響力，並分為三個面向做探討：效率（Efficiency）：[無]高速度信仰（NON-Belief in high-speed），探討全球追求效率和快速發展的潮流，以台灣高鐵系統為案例研究，提出高鐵所建構的台灣大都會區帶，與城鄉差距下都市生態的反省；科技（Technology）：[無]晶片信仰（NON-Belief in chips），探索科技島之於生態島兩個極端神話的信仰，以及背後綠能光電板所覆蓋的代價，尤其以台南七股地區作為主要研究場域；控制（Control）：[無]感知－運動信仰（NON-Belief in sensory-motor），從每天例行生活的各種細微感知中，在延展的基地涵構和關係場域內重新梳理各種與生態、文化、社交的衝突。 展場模擬圖。   島嶼意象串起觀展路線 本次展場設計採用「島嶼」概念貫穿全場，以「島—群島—半島」之間的關係呈現信仰與[無]信仰之間的張力。一座宛如自黑夜海洋中浮現的島嶼靜靜佇立於展場中央，蜂巢紙切割出了台灣地形剖面，細密的紋路如同時間在土地上刻下的痕跡，微光自紙間漫出，隨地形起伏緩緩流動；結合上方「科技島」以電子紙輪播台灣地景照片，陳述半導體發展對台灣土地的影響，同時引入環境正義的討論，包括都市熱島效應、能源分配等議題，全面研討科技跟環境的交互關係，並輔以16組研究書冊，以科技島嶼論述為序，開啟[無]信仰的觀展動線。 蜂巢紙切割出台灣地形剖面。上方科技島以電子紙輪播台灣地景照片。   展場周圍則配置展櫃，象徵環繞群島，展示12組研究模型，聚焦台灣真實情境與議題，反映當代社會的挑戰及思考，讓觀者在群島結構中，重新思索台灣地景轉變的脈絡。展場一端的「光明燈牆」好似群島中設置的信仰半島，成為核心並串聯起所有展櫃和內容，營造統合與連結的視覺體驗。正式於普里奇歐尼宮展出時，由展場唯一開啟的對外窗可望見威尼斯的安康聖母聖殿，象徵人文及信仰的起點。 Old Town - [Railway Station] - Science Park。參展者：張鶴齡、宋立文。展覽團隊：AECOM︱張鶴齡建築師事務所＋宋立文。成員：吳宛蓁、鍾宛庭、方若嘉。攝影：李奕瑲   台灣科技廟。參展者：林宛蓁、侯慶謀、葉玉祥、賴伯威。團隊：侯林設計＋葉玉祥＋賴伯威。成員：蔡侑樺、李秉勳、王聿雅、徐敬恩。攝影：李奕瑲 [無]信仰：漂蕩世界的臺灣智慧 日期」2025年5月10至11月23日 地點」義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）     資料及圖片提供」國立臺灣美術館  撰文」陳映蓁

「我創作的核心是透過重新打造、去除原有敘事，將世界變成一座模型；此時世界變成寓言，而整個作品計畫就是隱喻。製作模型是一種文化技藝，沒有它我們就無法見證一切。」──托瑪斯．德曼    德國藝術家托瑪斯．德曼（Thomas Demand）世界巡迴展近日登台，並於臺北市立美術館展出。展覽由攝影展覽基金會、尤倫斯當代藝術中心與北美館共同製作，美國策展人道格拉斯．佛格（Douglas Fogle）策劃。德曼曾參與「2002台北雙年展」，本次睽違20餘年重登，匯集從1990年代至今近70件作品，呈現其30年融合雕塑與攝影的創作實踐。 精心設計展場燈光，在明暗間細膩感受作品所暈染出的意境。 從工具到藝術媒材的轉變 起初，德曼僅以紙張和硬紙板為素材創作雕塑，攝影原本是紀錄作品的工具。在拍攝過程中，發現物件實體與相機鏡頭所呈現平面影像之間的差異，而後發展出以攝影為目的建構物體的創作方法，成為創作的主要媒材。   托瑪斯．德曼，《檔案》，1995，C-Print／水晶裱。 德曼的創作題材多取自知名歷史或社會事件，重現影響西方、全球局勢轉折的關鍵時刻。早期觸及未曾親身經歷、透過圖像認識的德國歷史，如1944年希特勒險遭暗殺、被炸毀的房間（《專室》，1994）；納粹所支持電影導演蘭妮．萊芬斯坦（Leni Riefenstahl）的電影資料庫（《檔案》，1995）等。   重現歷史與文化場景 此外，德曼重建多起世界重大新聞事件的場景，例如：唐納．川普2017 年就任美國總統前召開記者會中，為證明已交出名下企業經營權而堆疊於現場的文件 （《文件夾》，2017）；美國國家安全局洩密者艾德華．史諾登（Edward Snowden）逃亡至俄羅斯時曾落腳的飯店房間（《避難所》系列，2021）。 托瑪斯．德曼，《控制室》，2011，C-Print/水晶裱。 警方查獲30件失蹤數十年名畫與雕塑的威登斯坦研究中心（Wildenstein Institute）密室（《保險庫》，2012）；311大地震後福島核電廠廢棄的控制室 （《控制室》，2011）等。   托瑪斯．德曼，《石窟》，2006，C-Print／水晶裱，透過硬紙板仿真石窟意象，落於攝影圖像便是人們集體對石窟印象的濃縮。 人類文化如何詮釋與再現「自然」，以及人造和自然世界的分野，一直是德曼感興趣的創作主題。以超過27萬張紙製樹葉創造《森中空地》（2003），一幅陽光從樹冠灑落的夢幻森林場景，呈顯人們對純淨、原始自然樣貌的浪漫憧憬。《石窟》的場景由36噸的硬紙板製作而成，藝術家收集並研究數百張世界各地禮品店銷售的石窟明信片，建造出仿真石窟及經過數千年累積而成的鐘乳石。  托瑪斯．德曼，《花見》，2014，UV 印刷，無紡布壁紙。展場入口，以《花見》大面鋪陳立面，聚焦視線吸引觀者目光。 橫跨此次展間出入口牆面的壁紙攝影作品《花見》則為觀者打造沉浸式環境體驗，利用紙製出無數櫻花，以稍縱即逝的花期，冥想生命短暫與周而復始的本質。   日常系列：重現生活中的詩意 2008年，德曼轉移到生活題材上，創作「日常」系列。藝術家採取相同創作手法，將影像轉換成紙雕再拍攝，不過此系列的影像來自日常中偶遇、用手機拍攝的一隅即景。 丟在層架上的空優格冰淇淋杯與粉色塑料湯匙。 「日常」系列為德曼以尋常視覺元素譜寫的自述，讚頌生活中蘊含無限意趣的微渺末節，濃縮成對歷史的理解：歷史不僅是世界各地的恢弘事件，也同樣包含個體生命的凡常絮語。有鑑於手機的普及及大眾對在社群媒體分享影像的痴迷，透過耗時精心重製生活中詩意而平凡的瞬間，引人反思快速生成和傳播、充斥於當代社會的影像。 托瑪斯．德曼，《太平洋豔陽號》（動畫截圖），2012，定格動畫。  在紐西蘭海岸遭熱帶風暴巨浪襲擊的郵輪船艙內，桌椅、儲物櫃等物件向兩側滑動的滑稽景象，花三年時間，用紙和紙板重現。 定格動畫則是德曼對動態影像構成的探索。《太平洋豔陽號》取材自一段網路上瘋傳的監視錄影機畫面；《氣球》（2018）中，一串繫在紅色塑膠晾衣夾上的氣球，在混凝土與磚石人行道上被風吹而緩緩飄動。畫面中只見夾子、五顏六色的絲帶，氣球本身卻漂浮在畫面之外，僅透過投射在地面的影子顯現，宛如跟著即興演奏的小步舞曲輕巧而慵懶地移動；伴隨搖曳的樹影、偶爾在地面掃過的落葉，作品捕捉城市生活中往往被忽略、不經意的詩意瞬間。 托瑪斯．德曼，《椋鳥》，模型研究4，2020，數位版畫框裱。   2011年，德曼在洛杉磯蓋蒂研究所（Getty Research Institute）駐館期間，開始「模型研究」系列創作。主要聚焦在建築與時裝設計師的紙質模型初稿，擷取其中局部與抽象元素，揭示紙如何成為構建世界的基礎。   《置物櫃》（2018）以圖像輸出鋪於四周立面，享受層次豐富的視覺感受。 另外，在視覺世界建構環境的探索過程中，以其攝影輸出為壁紙介入白盒子空間，如《圓管》（2018）與《置物櫃》（2018）圖像在兩個展間中滿布四面展牆，為展示賦予空間層次感。   藉由紙張、硬紙板、攝影等平面影像重現真實場景。 透過紙材的巧妙建構與光線、陰影的編排，乍看近似真實世界的攝像，卻了無人跡，仔細審視更會發覺是用紙張和硬紙板重現。以平面的紀實影像為依據，精心搭建還原場景的紙模型並拍照，直至銷毀模型、徒留鬼魅般的影像，透過在原影像與最終準攝影分身間進行重製與轉譯，暗示歷史影像與真相的差異。   托瑪斯．德曼 他擅以大眾傳媒中常見的紀實影像為對象，以紙材精細地重建實物尺寸的場景，接著透過鏡頭取景拍攝出近似原影像的畫面，再將模型全數摧毀，用大尺幅攝影輸出再現。藉此，他認為攝影是絕對客觀的真實媒介，探索現實與重現之間的距離。德曼作品曾在全球各大美術館及藝廊展出，並在第26屆聖保羅雙年展（2004）代表德國參展，更曾四度於威尼斯建築雙年展登場。出於對模型與建築的喜愛，德曼歷年來也與多位國際知名建築師如大衛．基帕菲特（David Chipperfield）、雷姆．庫哈斯（Rem Koolhaas）以及SANAA建築事務所等合作，包含展覽、裝置，甚至是建築工程案。   托瑪斯．德曼：歷史的結舌 時間：2025年1月18日至5月11日 地點：臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

來自義大利的百年頂級手工家具品牌POLTRONA FRAU，從1912年開始，秉其專利研究創新的皮革、精湛的手工藝以及義式美學，獨步全球的品質延續至今，深受各地消費者的喜愛，通過Poltrona Frau Taiwan總經理Soonber的從中牽線，在台灣生根發展。   2025亞太區國際設計大賽。 POLTRONA FRAU的產品不僅完整涵蓋家居所需，甚至跨足到辦公室領域，同時積極與不同領域的頂尖廠牌合作，典型案例如其皮件的專利，就被運用在最頂尖的法拉利車款中。POLTRONA FRAU的可貴之處不僅在承襲百年歷史，也幾乎完全融入現代義大利人的生活，在義大利的大街小巷，都可以看到這個品牌活躍的身影。 POLTRONA FRAU CEO - Nicola Coropulis與Vanity Fair的半成品剖面圖。     記者會嘉賓合照。從左至右，按順序分別是Poltrona Frau Taiwan總經理 Soonber、POLTRONA FRAU 的CEO - Nicola Coropulis、POLTRONA FRAU亞太區副總裁Federico Muzio以及2015年度冠軍設計師陸希傑。     與POLTRONA FRAU共創經典   目前POLTRONA FRAU的產品已行銷至全國一百二十個國家，超過四成業績來自亞洲市場，從在亞洲的沒沒無聞走到今天的廣為人知，一切起源於台灣成為POLTRONA FRAU在亞洲立足的起點。     2015 FRAU AWARD台灣設計大賽首獎作品《Ming's Heart》。     2015 FRAU AWARD台灣設計大賽首獎設計師，陸希傑。     十年前，台灣舉辦了2015 FRAU AWARD這個國際設計競賽，由陸希傑先生拔得頭籌，其作品豔驚四座，並透過POLTRONA FRAU在全世界量產銷售。十年後的POLTRONA FRAU再度重啟這個概念，並擴大規模，廣納台灣、日本、韓國、香港、中國、新加坡、馬來西亞、泰國、印尼、越南、澳洲與紐西蘭等12個地區。     本屆競賽評審之一，AB Concept。     本屆競賽評審之一，Foster+Partners。     本屆「亞太區國際設計大賽」主題訂為「遇╱下一世紀，經典之作」（Meet the next timeless classic），邀請亞太設計師認識POLTRONA FRAU品牌工藝精神，並以皮革為主材質，設計一張凝聚POLTRONA FRAU百年歷史、手工技藝與品牌靈魂的扶手椅。期待通過不同文化背景及設計思維，與POLTRONA FRAU高超工藝技術相互碰撞，共創下一個經典之作，繼續引領全球設計風格的潮流。     本屆競賽評審之一，Kengo Kuma隈研吾。     本屆競賽評審之一，Roberto Lazzeroni。     評審團匯集重量級國際設計大師，包括義大利設計大師Roberto Lazzeroni、香港建築事務所AB Concept創辦人、義大利設計師Michele De Lucchi、英國建築事務所Foster+Partners、日本建築師隈研吾Kengo Kuma等人。歷時一年，依據嚴謹的國際標準，分為初選、複選與決選三階段進行，國際評審團將從眾多傑出作品中，遴選三件入圍決選之作，經歷兩年時間打造冠軍作品實體，並量產發行，於2027年問世。     本屆競賽評審之一，Michele De Lucchi。     POLTRONA FRAU CEO - Nicola Coropulis如此表示：去年POLTRONA FRAU在台灣歡慶二十周年，憶起2015年的盛況，因而興起再次舉辦的念頭，並決議擴大進行，希望從中挖掘下一個傳世之作，也希望亞太的設計菁英能通過POLTRONA FRAU這個平台，向世界展現他們的才華與創意。     CAPITONNÉE拉扣，承襲17世紀的特殊手工塑型技法將皮革重複摺疊，再以麻線和皮釦固定，全憑工匠以經驗和手感拉出菱格形狀。     突出品牌工藝的設計思維   2015年的冠軍作品「明心見性」，結合東方語彙和西方工藝，一鳴驚人，許多歐美藏家爭相收購，為了提攜後進和鼓勵更多設計人的參與，設計師陸希傑先生也於記者發布會現場分享了自身當年競圖的經驗和心得。     Chester系列上的皮革打摺工法，搭配使用的尖錐型工具，由工匠一摺一摺手工呈現鸚鵡螺狀的皮革立體紋路。     TACK釘扣，以完整皮革包覆固定而成的精緻皮釘，常用於裝飾扶手椅或沙發邊框。     面對POLTRONA FRAU提出的「當東方遇到西方」核心主旨，設計師將切入點聚焦於問題根本，回應POLTRONA FRAU令人印象深刻的皮件，努力思考如何透過皮件元素和東方美學做結合。     馬鬃草，需以手工進行分束及塑形的天然纖維。具有獨特的自體調節功能，可因應不同的溫溼度氣候，用作沙發的填充物。     自「明心見性」的線條，隱約可見一個「明」字的方塊結構。整體發想起源於中國明代椅（Ming Chair），結合扶手椅和明代椅的幾何框架，而包覆在結構外的皮層概念則引用東方摺紙，經過精心計算與測試後，確保最後呈現的角度能讓椅子兼具實用性和舒適性。     黃麻束帶，用於固定經典款系列的襯墊、為坐墊和背靠的舒適度提供穩固支撐。     陸希傑先生表示，倘若沒有POLTRONA FRAU，這樣的設計就不可能落實，回顧當年在製作過程間與POLTRONA FRAU往來討論的書信，因為他們在皮件上精心鑽研的工藝，才能呈現這些精彩的設計細節。     BICONICAL SPRING雙錐形彈簧，強化鋼絲製成的捲型彈簧，用於增加經典款系列沙發座椅、背靠及扶手部份的彈性。     POLTRONA FRAU對於工藝的堅持，自創立歷史上第一款沙發的原型——「Vanity Fair」開始，便持續為民眾帶來感動人心的作品。因為科技的發達，即便身處異國，人與人之間已然建立足以無視物理障礙的互動平台，理應促成更多文化與技術上的交流，本屆競賽自台灣出發、向整個亞洲前進，相信一定能激盪出更多設計上的火花，創造足以定義當代的經典之作。     使用陳年山毛櫸實木製作而成的支撐結構，用於沙發、扶手椅及座椅。     更多參賽詳情與報名方式，請參考亞太區國際設計大賽活動官網：PFTAIWAN   資訊及圖片提供」POLTRONA FRAU 編輯」江瑜

國際建築大師隈研吾（Kengo Kuma）為台灣設計的第一個文化場館「勤美術館」已於2024年12月正式開幕，十多年來勤美術館從閒置小學改建而成的白色藝文場館、2019年將傳統工地轉化成文化現場，直到這座國際級地景美術館的成立，不僅專注於本館的創意實踐，更以場館為圓心，將藝文能量拓展到草悟道街區、飯店、商場、住宅等，讓策展思維突破場域及形式的限制，消弭藝術與生活的距離。 勤美術館外觀。噴水池作為動態的第一印象，歡迎觀者。©勤美術館   勤美術館作為「勤美草悟」生活圈全新文化地標，秉持「想像力是一切創新根本」的精神出發，除了延續以創意連結人與生活的藝術行動，更期許能成為銜接在地文化和國際視野的交流平台，透過文化策展、草悟道議題計畫、兒童教育、生活選物及餐飲等，實踐新的永續生活模式。   動靜皆宜 與自然共生的建築 勤美術館由日本建築大師隈研吾領軍打造，410坪廣闊的曲面屋頂以無數三角粒子堆疊出立體化樣態，建構「掀開大地」的建築意象，鋼構主體結合大面積落地窗及1,282根形狀各異的木紋格柵（實際材質為鋁板熱轉印，藉此承受戶外風吹日曬雨淋的天氣變化），視覺薄而清透，也加深了溫暖氣質。 勤美術館手稿。©隈研吾建築都市設計事務所 共利用1,282根形狀各異的木紋格柵形塑宛如山丘般的起伏造型。©勤美術館 隈研吾一向提倡人與自然的和諧共存，勤美術館猶如山丘起伏般的造型不僅實現了他的「負建築」理念，前方特意規劃的噴水池創造了動態的第一印象；沿著蜿蜒且有機的木格柵向後走去，低調大門隨即映入眼簾，以沉靜姿態歡迎造訪者。曲面屋頂上，綠色植物透過水源循環系統澆灌、持續成長，未來人們也能實際踏上休憩駐足，欣賞不一樣的城市生態風景。 俯瞰美術館的曲面屋頂綠意。©勤美術館，攝影」楊承   走進室內，隈研吾團隊更以木質格柵及岩板牆、地面高低起伏等模擬的大自然景象，與天花板的舞動樑深刻呼應，創造豐富的山形觀展體感。而貫穿室內外的唐草圖騰設計，則以繁而多變的線條巧妙圈起建築與環境動線，突顯草悟道生活、藝術與綠意，也將周邊建築及設施和諧融合，成就一座以自然為本，隱身於環境之後的地景式美術館。 勤美術館室內照。貫穿室內外的唐草設計語彙圈起建築與環境動線，勾勒獨有的山形遊逛體驗。©勤美術館，攝影」楊承   勤美術館室內照。貫穿室內外的唐草設計語彙圈起建築與環境動線，勾勒獨有的山形遊逛體驗。©勤美術館，攝影」楊承 建築師隈研吾KENGO KUMA ©Designhouse 1954年出生，1990年成立隈研吾建築事務所和城市設計事務所（KENGO KUMA & ASSOCIATES）建築作品遍佈世界，期待透過建築設計為自然、科技和人類建立新關係。曾任慶應義塾大學、東京大學教授，現為東京大學特聘教授、榮譽教授。 視覺特色大公開 由台灣服裝設計品牌「甫月fuyue」設計師王舜民打造的美術館職員制服背心，更是以隈研吾建築為基礎延伸的創意，利用線性元素與縫褶技法，將鮮明場館線條轉譯至純棉布料上，同時附有工作口袋，修身且富機能性，創造衣著的流動層次，也讓制服跳脫傳統形式的束縛。   勤美術館的識別系統則由設計團隊「兩個八月」負責，根據場館「打開想像」經營精神出發，在LOGO中段設計大範圍留白，於文字和圖像之間創造畫面轉折，吸引人們產生好奇，興起想進一步猜測、聯想畫面的舉動，將識別設計打造成有趣的互動遊戲，同時鼓勵人們以創意填滿空白。   公共家具翻玩名作 此外，美術館內部更布滿許多名作的蹤跡，它們需要觀者的想像力和集體互動，才能呈現出完整畫面。設計團隊「生活起物googoods design」為勤美術館打造整體視覺，深化了場館的創意與性格，其打造的互動家具、公共家具、硬體設計等，整體視覺皆圍繞「顛覆名作」角度出發，不論是彷彿張著嘴《吶喊》的創意垃圾桶、必須彎腰《拾穗》擺放的雨傘架等，翻轉眾人的想像；而靈感源自《擲鐵餅者》、《自由女神》等十大經典雕像的互動家具，還有衍生自達利《記憶的堅持》的演講廳桌椅等，都歡迎著觀者擺動肢體，創造自己的藝術風景。 翻玩名作的互動家具。©生活起物googoods design，攝影」陳灩   日本nendo設計事務所操刀首展 勤美術館首檔特展《OUTLINES IN BETWEEN》更是重磅邀請日本鬼才設計師佐藤大（Oki Sato）攜其創辦團隊nendo策劃。擅長創造設計驚喜的nendo，作品橫跨建築、設計、藝術領域，屢獲國際獎項肯定，更被紐約現代藝術博物館、英國V&A 博物館、法國龐畢度中心等列為館藏。   佐藤大表示：「隈研吾建築師似乎給了我一個挑戰，提問我們如何在這座曲面建築舉辦有趣的展覽。」「雨、雲、紙、線、石」五大展區共展出上百件手稿、設計經典及新作，隨山形建築律動，包括曾於2024年米蘭展亮相，以雲霧堆疊意象而生的《clustered clouds》系列，透過沖孔金屬材質及幾何線條設計組合，形塑有趣的虛實穿透性；經典的《50 manga chairs》則擷取漫畫裡才有的線條，如汗水、氣泡、衝擊、閃耀等元素，以輪廓定格手法讓線條突破平面維度限制，成為真實存在的設計椅表情符號。 nendo作品《clustered clouds》系列。©勤美術館，攝影」楊承 nendo作品《50 manga chairs》系列。©勤美術館，攝影」楊承   而為勤美術館量身打造的最新力作《softer than stone》大理石家具，是開放觀眾盡情體驗的公共家具。依循「模糊輪廓」概念出發，打破石材堅硬且冰冷的既定印象，利用線條疊加與磨石工法構築出流暢柔軟的視覺質地。展覽傳遞了nendo的創作基本心法：設計，藉由關注不同程度的輪廓，創造新的虛擬實境，豐富人們的日常。 nendo作品《softer than stone》系列。©勤美術館，攝影」楊承   2023年nendo與日本The Pokémon Company聯名的《Pokémon Mosaic》生活居家系列也首度走出海外，進軍勤美術館。將原始的寶可夢身影及色彩轉譯為抽象線條，以宛若馬賽克磚或彩繪玻璃的圖像，打造75件限量居家生活單品，體現設計與創意融合的能量。   nendo設計事務所 / 佐藤大 ©勤美術館 nendo成立於2002年，由日本鬼才設計師佐藤大（Oki Sato）創辦，於東京及米蘭皆設有據點。該事務所作品深受國際獎項青睞，更被世界各大博物館列為館藏，負責設計案如2020年東京奧運聖火台，以及目前正在進行中的2024年法國運營的新型TGV高速列車設計、2025年關西大阪世博會日本館的總製作人和總設計師。     資料及圖片提供」勤美術館 撰文」陳映蓁

「2024金點設計展」已於台北松山文創園區「台灣設計館」正式開展，本次精選近兩百件榮獲金點設計獎及金點概念設計獎的作品，透過六大設計趨勢主題與空間體驗，呈現來自台灣、中國大陸、美國、日本、英國、泰國、波蘭、新加坡、馬來西亞、菲律賓等地的得獎佳作。   金點設計獎作為台灣歷史最悠久、具指標性的設計獎項，每年評選出優質作品，表揚設計者與業者的創新成果，帶動產業重視設計價值。2014年起更積極推動國際化布局，開放全球設計從業者參賽、同時擴大國際評審團陣容，今年海外參賽作品件數逾五成，已躍身為國際知名獎項；每年舉辦的得獎作品特展「金點設計展」亦能一次飽覽海內外頂尖設計。 2024金點設計展主視覺。   六大趨勢共構展覽全貌 2024金點設計展由新銳策展團隊「極製設計所」策劃，策展人游麲從作品的本質與關注議題切入，規劃了六大主題：「設計基石」探討設計在基礎設施與公共系統中發揮的作用與重要性；「倡議支點」強調設計如何回應社會多元價值觀，以及在促進公共討論與推動社會變革中的作用；「科技拓界」展出科技在解決社會需求中的創新應用；「生活擴界」呈現不同視角的生活提案，透過空間設計和商業品牌創新，打造多樣化和靈活的日常體驗；「地方迴聲」著重設計如何回應自然環境、重新詮釋文化，形成推動地方發展的力量；「物質探索」則展示設計師對材料的理解與應用，重點強調回收材的再利用與循環系統的構建。   全展旨在強調設計如何在社會創新、科技應用、永續發展與地方文化中發揮深遠影響力，並以多元跨域的專業視野，將策展理念、展出作品與空間設計緊密串聯，激發觀者的情感共鳴與深層思考。   空間語彙扣合主題 《室內interior》特別邀請游麲分享策展思維。他閱覽上百件的獲獎作品後，訂立出上述所提的六大主題，突顯金點設計獎所關注的方向；展覽空間則運用不同的設計語言，精準詮釋各大主題。 第一區（01展間）展出「設計基石」與「倡議支點」議題，室內整體敞亮開放，具有重量感的白色展台就好似奠定社會基礎的基石，他特別將量體轉了45度角排列，如基石般穩固，象徵設計作為社會基礎力量的重要性，同時也強化觀者的遊逛經驗。 第一區（01展間）「設計基石」、「倡議支點」透亮開放。展台以45度角排列，陳述如基石般穩固的意象。 第二區（02展間）聚焦「科技拓界」與「生活擴界」，有鑑於台灣科技產業發展蓬勃，產品每年推陳出新，其實也象徵一種突破邊界的動力，因此，不規則的折線展桌有效延伸了空間，隱喻科技不斷創新與日常生活風格的拓展，並賦予垂直動線更蜿蜒且多向的靈活度，引導觀者自由探索。 第二區（02展間）聚焦「科技拓界」與「生活擴界」主題。以不規則折線展桌延伸空間，隱喻拓界的概念。 第三區（04展間）則圍繞在「地方迴聲」與「物質探索」，他發現現行許多設計作品十分強調與地方的串接，不論是風土文化的梳理，抑或是與在地工藝產業的結合，致力彰顯地方特色；另一方面，資源日漸匱乏，如何在有限物質中開發新的可能，也成為設計者關注的焦點。 第三區（04展間）圍繞「地方迴聲」與「物質探索」。使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化。 展間中使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化的意象，並透過碎石級配與金屬質感，襯托出該區對材料質感與創新的關注；為呼應循環設計的理念，策展團隊亦將過往展會中的桌子、光板等物件回收再造，轉化為不同情境的載體，不僅延續展會的歷史記憶，更意涵了設計的傳承與新生。 第三區（04展間）圍繞「地方迴聲」與「物質探索」。使用漣漪狀的展桌，表達材料循環的價值及延續地方文化。  由於展品分別依主題性被放置於三個不同空間，「選選研」設計的主視覺則肩負串聯的責任；主視覺將代表三個展間的元素──量體、折線和圓弧曲線相互交疊後，再拆分至展間相互呼應，將空間和視覺和諧整合，更易於與大眾溝通。游麲期待藉由金點設計展打破各個設計範疇的專業邊界，以六大主題作為議題導向，提出具想像與未來性的問題，讓設計成為推動社會進步的解方。 Atelier SUPERB 極製設計所 / 游麲 極製設計所主持建築師／設計總監。英國UCL Bartlett建築碩士，為Atelier SUPERB 極製設計所＋游麲建築師事務所主持建築師，目前同時任教於東海大學建築系。團隊在多元跨域的背景下，認為設計藝術沒有實質專業的界線，從建築專業跨足室內空間、地景、都市設計、藝術創作、展場設計、品牌企劃等，期許不拘泥於單一類型的創作路線，相信設計思考與溝通是當代最具整合性的專業能力，而設計與製造過程即是一場行動，是觸發進步與趨近未來的原動力。曾獲得日本Good Design Award、德國iF設計獎、英國[d]arc燈光設計獎、TDIA台北設計大獎、TID Award台灣室內設計大獎、Golden Pin Design Award 金點設計獎等。   2024金點設計展 日期」2025年4月6日前 地點」台灣設計館01、02、04展間   焦點作品報導請見>> 泰國篇 日本篇 資料及圖片提供」台灣設計研究院、Atelier SUPERB極製設計所 採訪」陳映蓁

今年泰國參賽件數十分踴躍，足可見泰國豐沛成熟的能量，近年來在設計的發展與推動上，可說是令人驚艷且成果有目共睹。本次金點設計獎系列報導彙整多件泰國的亮點作品。   1922 Architects｜N.L.N. Villa 位於清萊的木造住宅，主要使用再生木材，結合現代建材與建築工法打造，提升木造建築的耐久性。設計以雙層屋頂和高腳設計為特色，有效減少熱度和濕氣，並提供全天候遮蔭。室內布局符合人體工學，並適應當地氣候與生活方式，推廣更環保的居住理念。   Hanabitate Architects｜Lanna Rice Research Center, Chiang Mai University 不僅是研究中心，也作為多功能空間，服務學者、農民至學生等不同使用者。建築設計將各空間排成一列，藉此獲取充分的自然光與通風，竹簾則能有效隔熱。採用混凝土等當地材料，建造磚牆、拋光地板及屋瓦等處，降低維護成本；牆體則利用稻米磚，可同時展示中心培育的稻米品種。   IDIN Architects｜Harudot Chonburi by Nana Coffee Roasters Harudot咖啡店結合了「春天」與「起點」的意象，象徵新的開始與成長。建築設計以中庭樹木為核心，圍繞著黑色山牆，彷彿樹木穿過建築生長；內部空間採用溫暖松木和曲線設計，戶外座椅則以樹脂與咖啡渣製作；地面嵌有花瓣與名言，融入品牌理念，增添互動趣味。   ativich / studio｜Ralyn's Residence 基地位於曼谷，住宅面積共200平方公尺，巧妙地融合泰國傳統建築特色與現代材料技術。設計以泰式高腳屋為靈感，將功能性空間設置於二樓，並運用雙層水泥外牆與側開百葉窗，調節自然光和通風，呼應傳統木質百葉窗的功能；圓形水泥柱則喚起傳統泰式房屋木柱的印象。   Physicalist｜Baan Klai Wat 以「熱帶花園中的涼亭」為設計概念，打造開放、有遮蔽且中性的度假場域，環繞著自然採光、通風與植栽美景，建築、室內與景觀間界線在此消融於無形。五棟別墅環繞中央庭院排列，一樓採通透開放設計，透過全景玻璃門讓室內外無縫連接，實現在花園中生活的體驗。   The Others Co., Ltd.｜OB HOUSE 以立方體造型為建築特色，透過「實與虛」的變化，在各立面創造出節奏感，同時保持整體的和諧，回應屋主對於極簡俐落且富設計感的家居想望。設計強調室內外空間的流動感，中庭與螺旋梯讓每層樓的功能性空間自然連貫，並確保充足採光與隱私。   Tofu Company Limited｜The Bound House The Bound House結合商業與住宅空間，重新定義都市生活。面向街道的街屋與後方連棟住宅及綠地共同創造了活力社區。A型住宅設計為街屋、B型住宅以磚牆致敬當地文化，中央天井引入自然光；C型住宅有庭院增強通風與採光。每棟皆採自然通風與被動節能，實現永續生活。   EKAR Architects｜The Sayla Hotel 本案目標為翻新因疫情陷入經營困境的老飯店，透過重新設計空間提升品質與吸引力，並延續社區精神，與居民產生共鳴。建築運用清邁與周邊地區的磚材，形塑類似清邁古城牆的紋理，公共庭院的設計既保留傳統生活氛圍，也期待吸引人們駐足。   Mobius Studio Co., Ltd.｜Kaew Boutique Kaew Boutique提供泰式創意甜點，並結合咖啡廳、共同工作空間及寵物友善區，打造當地觀光新地標。建築內以類似蛋黃的結構，在中間設有庭院，構建互動交流的場域；考量當地日照、風向和降雨，設計山形般的屋頂，兼具機能性也打開山景視野。   Unknown Surface Studio｜Uncloud Coffee 建築型態以流暢的線條，模擬極光的動態光影，無縫連接內外空間。以地形條件區劃三大區域：入口結合吧檯與座位區、戶外休憩區及內部工作區，立面設計以弧形屏障減少噪音與熱能，同時最大化山景視野，並透過中庭引入自然光，提升室內採光效果。   Architects 49 Limited, TK Studio Company Limited｜ WASTE MANAGEMENT BUILDING, KING CHULALONGKORN MEMORIAL HOSPITAL, BANGKOK 本案為朱拉隆功紀念醫院廢棄物管理大樓設計，依工具和設備尺寸設置相應區域，並以紅、黃、藍色對應全球通用廢棄物分類標準，方便員工分類處理。大樓空調系統產生的多餘能源則用於烘乾垃圾桶，並設有通風與氣味控制系統，確保對周圍環境的影響降至最低。 Coomaxtudio｜Marni 以泰國傳統剪紙藝術「Ma-Hod」為靈感，藉由創新技術打造竹編燈具，手工桑紙透出溫暖柔和的金黃光芒，營造流動光影的效果；燈座採拋光黃銅，簡約又不失質感。Marni有桌燈、落地燈及吊燈三種款式，以永續竹材製作，並結合演算法設計和3D列印，減少材料浪費。   mflex factory Co., Ltd.｜Ventilation Block - Air Flow (BTL 201) AIR FLOW (BTL 201)是一款具特定寬度的空心磚，可依照不同建築目的保持空心或增加裝飾性側面，並可內嵌鋼筋，無需額外鑽孔或切割。使用天然土壤混合製作，展現不同來源土壤的天然色彩與質感，同時保留自然的泥土氣息與美感。   Manita Songserm｜Crossover ll: The Nature of Relationships 《CROSSOVER II: 關係的本質》展覽探討了1945年至2000年期間，泰國現代藝術、藝術家與環境之間的關係。為突顯這一時期藝術家對於色彩的獨特運用，主視覺海報從展出的70多件藝術作品中萃取顏色與組合，讓觀眾在欣賞真實畫作前，先感受豐富的視覺饗宴。   The Head And The Heart Studio｜Stupid Stay Stupid Stay是一家充滿活力的旅館，將「愚笨」解讀為探索自我與創意的起點，而非缺陷。識別設計也由此延伸，旨在喚起人們的好奇心並鼓勵探索，從標誌、字體和排版系統，皆特意缺乏明確的指引，反映透過「愚蠢」發現自我道路的旅程。   資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁